Sabor a teatro – Periodismo cultural (Agosto 2016)

La previa

::ESTRENO::

JUEVES 8 DE SEPTIEMBRE

22.00 HORAS

TEATRO EL CUBO

Zelaya 3053. Abasto.

***

[Un espectáculo musical transgresor]

¿CUÁL ES EL LÍMITE ENTRE LA FICCIÓN Y LA REALIDAD?

 ¡25 ARTISTAS EN ESCENA!

¡OCHO ÚNICAS SEMANAS!

  “LA PREVIA”

UNA EXPERIENCIA TEATRAL EN 360°

DIRECCIÓN NICOLÁS PÉREZ COSTA

Los hermanos Nicolás y Agustín Pérez Costa, vuelven a trabajar juntos en “La Previa” un nuevo proyecto que desembarcará en El Cubo a partir del 8 de septiembre y se presentará todos los jueves a las 22.00 horas. Nicolás Pérez Costa vuelve al ruedo como director de un proyecto que dará que hablar. En una gran apuesta el teatro transformó su estructura tradicional para convertirla en una discoteca y alojar a los espectadores de “#LaPrevia” en una experiencia teatral en 360°.

El espectáculo cuenta con letras y música original deJuan Pablo Schapira, coreografía de Tian Aviari y dirección general de Nicolás Pérez Costa.

“#LaPrevia” es el primer musical que sucede en todos lados, en todos lados acción, situaciones y personajes en la búsqueda desesperada por encontrar a alguien con quien compartir y dejar la temida soledad. Con una fuerte propuesta coreográfica, acrobática. Humor, emoción… 25 artistas en escena, tragos, un espectáculo que propone romper, acercar, innovar… “#LaPrevia, una experiencia teatral”

Franco, protagonizado por Agustín Pérez Costa, es menor de edad y nunca transitó estos espacios, nunca fue a bailar. Es buscando a su hermano Matías que entra a esta discoteca: #La Previa. Mientras busca encontrará personajes que tienen en común la desesperada búsqueda por dejar de estar solos. La noche los transforma, los desencaja, los expone… Franco atravesará este viaje, intentarán mostrarle un espejo en cada encuentro… le querrán imponer como ser y quien ser. Una mujer que aún espera a un príncipe como ideal de amor, un hombre que seduce empedernidamente rebajando a las mujeres, un hombre que no acepta el paso del tiempo y cree seguir saliendo en los 90, otra mujer hermosa que quiere que trasciendan su belleza exterior, tantas historias como encontramos en cualquier noche… claro, ésta, no será una noche más.

ELENCO

Agustín Pérez Costa
Estefanía Bacca
Bruno Pedicone
Gradiva Rondano Rocha
Ivo Mihojević
Andrés Reyes
Patricio Alterio
Natalia D’amore
Agustina Cedraschi
Florencia González
Santiago Boiero
Tian Aviardi
Luciana Sapia
Federico Stegmayer
Camila Cardona
Fernando Bottero
Marina Gaud Arena
Miranda Toderi
Nicolás Fleitas
Giuliana Rimini Macuglia
Pya Borsalino
Antonio Guerrero
Romina Verdias
Alejo Cruzado Antonelli

FICHA TÉCNICA
ASISTENTES DE DIRECCIÓN
Darío Mendes Duarte – Ricardo Lavado
VESTUARIO Florencia Blejer
ESCENOGRAFÍA Darío Mendes Duarte
MAQUILLAJE Paola Dessaner
DISEÑO GRÁFICO Emiliano Paez
FOTOGRAFÍA Nacho Lunadei
PRODUCCIÓN EJECUTIVA Santiago Pasarin
MONTAJE ACROBATICO Agustín Pérez Costa
REDES SOCIALES: Agustina Boria Tatiana Boria
COREOGRAFIA: Tian Aviardi
MÚSICA ORIGINAL –  LETRAS: Juan Pablo Schapira
LIBRO – DISEÑO DE LUCES Y DIRECCIÓN: Nicolás Pérez Costa

Localidades desde $200 pesos.-

FUNCIONES

JUEVES 22.00 HORAS

TEATRO EL CUBO

(Zelaya 3053 – C.A.B.A.)

Debe ser el humo

Ficha Debe ser el humoSiempre el hombre intenta y pretende justificar y argumentar todo, aunque se convierta en un inútil pedante. Por suerte, existe el género absurdo -que en clave de comedia humorística- consigue convertir todo lo supuestamente inverosímil en concreta realidad.

Debe ser el humo (escrita por Teo Ibarzábal, Ana Iglesias, Eva Leanza y Romina Oslé; dirigida por ésta última) es la perfecta sincronía entre tres personajes que celebran un cumpleaños de una forma un tanto atípica, tan atípica como casi todo lo que ocurre a lo largo de toda la historia. Entonces, se parte de una celebración y los resentimientos, ira, violencia, paranoia, obsesión y esquizofrenia consiguen participar de la misma sacando todos los trapitos al sol.

¿Por qué se vuelve atractiva esta dramaturgia?

Simplemente porque es un género no demasiado abordado en la actualidad, porque existen muchas herramientas súper interesantes para analizar desde el plano psicológico y porque, mientras tanto, podés reírte un rato de las desgracias ajenas. Total sabemos, a ciencia cierta, que en este caso se trata de una ficción al borde de convertirse en realidad.

Resulta imposible no crear lazos entre alguno de los personajes y determinada persona de nuestro entorno. Esta empatía permite que nosotros, como espectadores, también nos convirtamos en un poco bipolares al menos durante una hora. Así es como lo nostálgico es recreado, exagerado; consiguiendo una dimensión tan improbable como real.

Cada una de las escenas tiene un ritmo interesante, dándonos la posibilidad de conocer los detalles que hicieron estallar a uno, a los dos o a los tres al mismo tiempo.

Otro punto relevante y cautivante es que no existe un personaje más bonachón que el otro ni mejor uno respecto a otro. Los tres tienen rasgos que les permiten ser únicos e interactuar en escena hasta el hartazgo.

Con respecto a la puesta en escena, hay pocos objetos mobiliarios como ser una mesa, tres sillas y una puerta, para que podamos situarnos. El resto (la vajilla, por ejemplo) deberá ser imaginada y los actores lucirse con la interpretación. De este modo nuestras pupilas tendrán la obligación de estar atentas, persiguiendo cada uno de los movimientos y sin distraerse para nada. Sumado a este punto, existe una función musical (imprescindible) que hace de Debe ser el humo, una verdadera historia. Ya sea con sinfonías clásicas o con sonidos guturales, la parte rítmica está presente a toda hora, haciendo que el espectador pueda sentir más o menos tensión, perdiendo los estribos o anhelando un instante de silencio en el que meditar lo absurdo de esta dramaturgia.

Quizás, tomando distancia, podríamos juzgar si existen o no personas que vivan tan encerradas como estos protagonistas. Posiblemente no conozcamos a seres tan ermitaños, o sí. De lo que podemos estar seguros es que el teatro se nutre de algo de realidad y muchas veces (por no decir siempre) es el puntapié original.

Nada tan absurdo como llamar a un delivery y temer por la propia vida, por la integridad y seguridad; uniendo todo lo “anormal” y haciéndolo explotar de un solo soplido. Como la erupción de un volcán que se intente apagar con un balde de agua, así resulta esta pieza artística, de la mano de una joven directora que le da a cada actor su momento para que represente lo idóneo a su personaje y contagie de locura a un telefonista, a sus compañeros e incluso al mismísimo público.

Muchas veces aguardamos a que una expresión signifique algo, que una frase determine una acción o que un relato aguarde semejanzas con otra cosa. Debe ser el humo es la fórmula para comprender y aceptar que a veces las cosas son como son, que cumplen una determinada funcionalidad en ese microsistema hogareño y que las paredes serán las únicas testigos de vivenciar lo cotidiano.

Mariela Verónica Gagliardi

 

La furia del volcánDesde el viernes 2 de septiembre

Todos los viernes a las 20 hs

Teatro No Avestruz (Humboldt 1857 – CABA)

Protagonizada por Marina Munilla y dirigida por Gerardo Grillea

Basada en la vida de Ingrid Bergman, La Furia del Volcán es la historia de una mujer que desafió a la sociedad machista y al conservador pueblo estadounidense de los años 50′ para cumplir sus anhelos más profundos.

Elenco: Marina Munilla, Manuel Crespo, Paula Resnik, Roberto Mauri, Sandra Candore, Azul Badino Buono, Gabriel Benitez, Silvina Cassou, Jorge Federici.
Dramaturgia: Marina Munilla y Gerardo Grillea.
Dirección: Gerardo Grillea.

Desde el viernes 2 de septiembre

FUNCIONES: Viernes a las 20 hs.

Teatro No Avestruz. Humboldt 1857. Palermo

Localidades: $150

Facebook: www.facebook.com/lafuriadelvolcan

Twitter: @furiadelvolcan

AUSPICIA LA EMBAJADA DE SUECIA EN ARGENTINA

Los montados. nuevo horario
Romulo ha muerto. En el campo esperan a los que llegan desde la ciudad para despedirlo. 
Las causas de su deceso cambian según quien las narra, generando desconfianza y avivando las brazas del pasado.
El abrazo del reencuentro va siendo reemplazado por una lenta sospecha:
Hay lugares imposibles a los que ya no podemos llegar o de los que es necesario irse de una vez, para siempre.
 
Funciones: Domingos 21:00 hs
Duración:  60 minutos
Lugar: Fandango Teatro (Luis Viale 108, C.A.B.A)

Ficha técnica:
Dramaturgia: Juan Ignacio Fernández, Catalina Larralde
Actúan: Fabiana Brandán, Gerardo Gerez, Mauricio Lavaselli, Andrés Ruano Orqueda, Victoria Sancho, Nicolás Schneider, Florencia Schrott.
Vestuario: Gaby Illarregui
Escenografía y diseño de espacio: Pía Drugueri
Iluminación: Julio Vega
Asistente de iluminación: Francisco Varela
Diseño gráfico: Adrián Rey
Producción ejecutiva: Cintia Zaccolo
Dirección: Juan Ignacio Fernández, Catalina Larralde
Prensa: Circe Cultural
IMG_20160809_171705_229MONUMENTO
Un filme de Fernando Díaz

FUNCIONES:  Espacio Incaa Gaumont: 14.30 y 19.50 hs.
Malba: sábados a las 20 hs.
Espacio Incaa Select de La Plata: 18 hs.- 20 hs. FERNANDO DÍAZ PRESENTARÁ LA PELÍCULA ESTE MARTES A LAS 20 hs.
Color /77 min./ 2016 / ARGENTINA/ ATP

Sinopsis
En el año 1996, el Congreso Nacional sanciona la Ley 24.636 que dispone la construcción del “Monumento Nacional a las Víctimas del Holocausto judío”.
En el 2009 la Secretaría de Cultura de la Nación llama a un concurso público para presentar proyectos, resultando ganadores los arquitectos Gustavo Nielsen y Sebastián Marsiglia.
MONUMENTO sigue la construcción de la obra arquitectónica en la ciudad de Buenos Aires, transitando distintos relatos para llegar a una certeza: la necesidad de mantener viva la memoria sobre uno de los hechos más atroces de la humanidad.

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LA CORPORACIÓN
El nuevo espectáculo de Ramiro Cortez y Federico Fontán (Los Cuerpos)

Hasta fines de agosto, los jueves a las 22.15 hs.en Timbre 4 -México 3554, Boedo- se presenta La Corporación, el nuevo espectáculo de la dupla de talentosos coreógrafos y bailarines Ramiro Cortez y Federico Fontán –creadores de Los Cuerpos- que está cosechando muy buenos comentarios entre la crítica y el público.

Aquí no hay más que un cuerpo que intuye su amenaza. Un cuerpo que muta, reacciona y despliega sus alarmas. La brutalidad, la tensión, la potencia, la rebeldía, la unión. ¿Hay diferencia acaso entre el caos y el aislamiento?

Dicen Cortez y Fontán sobre la obra: “La corporación es la segunda parte de una trilogía. La primera es un dúo, Los cuerpos, donde exploramos los intentos primigenios de fusionarse, de ser uno. Esos cuerpos no andan con delicadezas, y sin dar tregua al erotismo, rozan con una emotividad brutal.
La corporación es el segundo paso de esta triada. Para nosotros, es la multiplicación, la viralización, organismos que cambian de forma, evolucionan, se fecundan, se reproducen. Una transformación continua desde el conflicto que reside hasta en la partícula mas pequeña de vida. Existe la fluidez y también existe la lucha para sostener lo vital y alejar la amenaza, la enfermedad. Acá hay humanos o alienígenas o pequeños organismos yendo a la batalla. Micro y macrocosmos enredados en una paradoja de sentido. Hay dos opciones, revertirse y volver al principio, o avanzar a un futuro incierto.”
LA CORPORACIÓN
Ramiro Cortez – Federico Fontán
Funciones: Jueves de agosto, 22.15 hs.
TIMBRE 4 – México 3554, Boedo.
Reservas: 4932-4395 / Alternativa Teatral
Entrada general $180 /Desc. Est. y Jub.

Ficha artístico-técnica
Intérpretes: Abril Lis Varela, Ariel Calderón, Diego M. Gómez, Emanuel Zaldua, Jazmín Cañete, Julieta Ciochi, Juliana González Carreño, Lucila Sol Roberto, Lucía Giannoni, Mauro Podestá, Natalia López Godoy, Paz Masi, Rocío Mercado, Sebastián Reinoso Salinas, Victoria Castelvetri.
Música original: Martin Minervini
Diseño de iluminación: Paula Fraga
Fotografía: Ignacio Cángelo
Registro en video: Ignacio García Lizziero y Federico Perez Gelardi
Diseño gráfico: Julia Moscardini
Asistencia general: Lucía Giannoni
Idea y dirección: Ramiro Cortez y Federico Fontán
Prensa: Luciana Zylberberg

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El próximo domingo 28 de agosto a las 16.30 hs., en una única función, se presenta en el Galpón de Catalinas (Benito Pérez Galdós 93, La Boca), Tropo, el premiado espectáculo de títeres para toda la familia del grupo uruguayo Coriolis.

Julián y Ramiro toman el camino equivocado y se pierden. Mientras, una gran tormenta azota a los habitantes de su pueblo llevándose consigo alguna parte importante de cada uno. Al volver se encuentran con un pueblo cambiado, donde todos han perdido una parte y están desesperados por volver a ser los que eran. Estos dos amigos se sienten culpables ya que al perderse no llegaron a tiempo para ayudar a sus amigos y son los únicos que cuentan con todas sus partes.
Por ello, en un acto quijotesco, Ramiro decide ir en busca de la tormenta, enfrentarla y hacer que les devuelva todo lo que se llevó; mientras Julián se queda en el pueblo haciendo inventos que solucionan algunos de los problemas de los habitantes a los que le faltan partes.

Una propuesta original, moderna y arriesgada donde dos titiriteros, mediante técnicas mixtas que van del tradicional títere de guante, pasando por las sombras y manipulación a la vista, cuentan una historia de aventura que llevará a los espectadores por el humor, la emoción, el miedo y la reflexión.

www.catalinasur.com.ar

Desde uruguay – Coriolis presenta
Tropo
ÚNICA FUNCIÓN: DOMINGO 28 DE AGOSTO, 16.30 HS. 
GALPÓN DE CATALINAS SUR -Benito Pérez Galdós 93- La Boca
Entrada general: $70
Informes y reservas: 4300-5707 / www.alternativateatral.com


Sobre la Compañía
Compañía de Titiriteros Coriolis se crea en 2012 (aunque sus integrantes trabajan juntos desde 2004 en La Ovidio Titers Band) con la finalidad de investigar, experimentar y producir espectáculos de títeres con perfil teatral. Su primer producción fue “El traje Invisible”, versión de “El nuevo traje del emperador” de Christian Anderssen; espectáculo de manipulación directa en mesa de títeres de boca.
En el 2014 se monta su segundo espectáculo “Tropo”, texto original, montaje de teatro de títeres de técnicas mixtas (guante, mesa, sombras, luz negra), sumado a una experimentación en proyección mapping e iluminación inalámbrica de los títeres (ganador del Premio Florencio Mejor Espectáculo de títeres)
En el 2015 se crea y produce el Primer Ciclo Internacional de Títeres de Montevideo presentando espectáculos de Brasil, Argentina y Uruguay.Facebook: Coriolis Titeres Montevideo
Instagram: titerescoriolis
Twiter: @titerescoriolis

Ficha artístico-técnica
Dirección: Gerardo Martínez Gnazzo
Texto original: Cecilia Bruzzone, Gerardo Martínez y Maru Fernández.
Titiriteros: Maru Fernández y Gerardo Martínez.
Técnica: Cecilia Bruzzone/ Trilce Yapor.
Diseño de vestuario: Mariana Dosil.
Selección Musical: Sebastián Pereira y Gerardo Martínez.

Prensa: Luciana Zylberberg.

IMG_20160809_163438_991El jueves 11 de agosto a las 21 hs., se estrena en La Pausa Teatro –Av. Corrientes 4521-, Debe ser el humo, espectáculo dirigido por Romina Oslé que parte de una poética del absurdo que fusiona en esta puesta elementos de la vida cotidiana con imágenes oníricas.

Una casa, un cumpleaños, la necesidad de comida, todo sumergido en una realidad diversa.
Iván, Elena y Sonia comparten una cotidianidad tan pueril como inquietante. Tienen una lógica interna destinada a fallar: todo es terrible, todo está reglado. Las palabras y las acciones pueden ser desesperadamente contradictorias. El vínculo que los une no es reconocible, a la superficie sólo emerge la asfixia de tenerse cerca.
Ellos están reducidos al mínimo de la existencia, pero no lo admiten. Juegan para soportar el tiempo, festejan para romper lo circular; se encierran para no afrontar la realidad. ¿Qué es lo real? ¿Vamos a jugar?

PROPUESTA ESTÉTICA 
“Debe ser el humo” es una sucesión de situaciones y estados que se densifican en sus personajes. Los conflictos no se reconocen a través de lo dicho, sino a través de los cuerpos. Hay una fuerte presencia de lo musical como partitura de acción, que regula miradas, respiraciones y textos con el fin de provocar cambios abruptos en el ritmo y en las intensidades y así generar la ilusión de avance de la acción como fuerza contraria a la aparente futilidad de los textos. Es un absurdo con un atisbo de realismo extrañado o viceversa. Lo cotidiano y lo onírico conviven. La puesta juega con llevar la teatralidad al extremo de la convención ficcional a través de la ausencia completa de objetos y de la evidencia del artificio en la escenografía.


DEBE SER EL HUMO

Funciones: jueves 21 hs.
La Pausa Teatro – Av. Corrientes 4521
Entradas: $140 – En Alternativateatral.com en la boletería del teatro

Ficha artístico-técnica

Dramaturgia: Teo Ibarzábal, Ana Iglesias, Eva Leanza, Romina Oslé
Actúan: Teo Ibarzábal, Ana Iglesias, Eva Leanza
Vestuario: Eliana Itovich
Escenografía: Eliana Itovich
Diseño de luces: Fernando Raíces
Fotografía: Wilson Chang
Diseño gráfico: Juan Pablo Rodríguez
Asesoramiento en sonido: Pedro Donnerstag
Asistencia de dirección: Agustina Downes
Prensa: Luciana Zylberberg
Producción: LugarOtro Estudio Teatral
Dirección: Romina Oslé

Un charco inútil1

Ficha Un charco inútilA veces pienso acerca del mundo de la subjetividad y me encuentro en la gran disyuntiva de si es posible separar un sentimiento de una valoración, o si está bien juzgar sin determinarlo.

Cuando se ve por primera vez un trabajo a cargo de un director, esta tarea se vuelve -a mi entender- más objetiva porque no existen demasiados parámetros para criticar su arte. En cambio, cuando un director está comprometido con el teatro hace mucho tiempo, tiene pasión por lo que hace, tiene una calidad humana increíble e incluso consigue volcar todo eso en una puesta en escena; todo se torna fascinante.

Matías Puricelli estrenó hace pocas semanas Un charco inútil (de David Desola) una historia realmente conmovedora que está atravesada por varios conflictos, siendo el existencial el más importante. Es así como tres personajes, venidos de mundos distintos, por momentos opuestos y por instantes, verdaderamente, idénticos; pretenden vivir a su manera sin ser juzgados.

La locura es entonces la principal herramienta que se erige dentro de la problemática acerca de la existencia humana. Y no significa que estos tres seres debatan o filosofen sobre toda la especie sino que, egoístamente, están ubicados en un lugar desde el que les es imposible correrse sin tener que hacer un giro casi rotundo con el que se verían afectados.

Si tuviésemos la oportunidad de juntar a estos tres personajes y preguntarles varias cosas, posiblemente se nos venga al instante cuestionarles si no prefieren atravesar la angustia que los tiene capturados hace tiempo en vez de padecer tristemente sus días.

Con una esceonografía muy minuciosa, útil y precisa; es como desde el comienzo de la dramaturgia se puede comenzar este oscuro viaje. Y me refiero a oscuro no como algo negativo sino necesario de hacer para conocer la luz o, al menos, unos rayitos de sol.

Mediante dos espacios escénicos que por momentos dividen las situaciones, para luego aunarlas, es como un profesor se reúne con alguien muy importante para él, quien le otorgará una información reveladora. Dicha información será acerca de un nuevo alumno y todo cambiará para siempre. En cuanto corra el tiempo, los días parecerán transcurrir como meses, incluso años, y lo oculto saldrá de la peor forma, tomará sentido desde un lugar e irá reacomodando cada percepción futura.

Uno de los aspectos más notorios de la dramaturgia es el timing utilizado en los diálogos, en cada pausa, en cada instante en que es posible observar un universo plagado de nostalgia, un rostro estupefacto, y la metáfora del charco inútil que será simplemente la piedra angular para continuar transitando la vida de otro modo.

Como escribir en la arena los nombres con un corazón, será posible que esperen la llegada de los patos que alguna vez estuvieron en su hábitat, sabiendo que jamás ocurrirá tal hecho. Sin embargo, la esperanza o, mejor dicho, la ilusión es lo que hará que la depresión encuentro un recoveco no total en un cuerpo.

Existen otros aspectos interesantes de la historia como el suspenso, la duda que queda al final de la historia y un triángulo que podría conformar otra figura geométrica sin necesidad de explicarse en el tiempo.

La imperiosa necesidad de creer en algo, sea un dios o un milagro le permitirán a Irene (Marisa Provenzano) atravesar su soledad, su penosa vida, su largo e infinito luto y la captura de aquello que nunca muere.

Diversos simbolismos surgen y ya nada podrá volver a ser como antes sin angustiar demasiado. En definitiva, podría volverse al planteamiento inicial sobre la locura y el existencialismo. ¿Qué humano en este mundo no llegó a desesperarse por lo desconocido, lo que viene después de la vida propia y aquello que convierte (en algo) a los seres queridos cuando fallecen orgánicamente?

Un muelle será testigo de las largas charlas entre estos dos hombres y un trencito detenido denotará y fragmentará el mundo real del ficcionado.

Resulta imposible no salir emocionado luego de presenciar esta obra en que Marisa Provenzano, Manuel Feito y Gustavo Bonfigli brillan, consiguiendo posicionarse en escena, exprimiendo sus potenciales, para más tarde, delinear sus propios valores.

La inutilidad en esta oportunidad se vuelve pieza intrínseca para resolver los problemas más profundos y pasados en su interior, un interior que no podrá vislumbrarse tan fácilmente sino que precisará del compromiso de cada espectador para inmiscuirse, de verdad, de principio a fin.

Mariela Verónica Gagliardi

Ser ellas1

Ficha Ser ellasLo interesante de una dramaturga tan versátil como Érika Halvorsen es que nunca para de sorprenderte.

Es muy interesante prestar atención a los comentarios, que a veces por lo bajo, dicen los espectadores antes o después de una función. Y, sin lugar a dudas, que uno de ellos (mujer) comentó a su pareja que creía que iba a abordarse más la historia de las tres protagonistas en cuestión. Suele ocurrir que los propios deseos pretenden cumplirse, hacerse realidad.

Ser ellas es un trabajo extraordinario en el que puede sentirse la esencia (captada por su escritora) de Simón de Beauvoir, Frida Kahlo y Evita Perón. Claro que es una esencia puramente feminista, íntima, plagada de anécdotas (muy al estilo Halvorsen) y que atrapa al público desde el vamos.

Por eso cuando se apagan las luces e ilumina la escena, está cada una de ellas donde debe estar. En el lugar que las mantuvo presas o esclavas de algún padecimiento, o sufrimiento, o letargo. Claro que no se trata de una historia dramática en que predomina la tensión, sino un agradable encuentro entre tres generaciones y entre tres heroínas que no tuvieron el placer de conocerse. Esto es lo que se lamentan desde el más allá o más acá: la no oportunidad de poder entablado una amistad y de haberse nutrido (aún más) una de la otra.

Quizás algunos, desde la platea, puedan observar que las tres actrices no presentan rasgos muy similares a las protagonistas reales, pero no se pretenden convencer desde la imagen sino desde el discurso, desde la palabra, desde la evocación de determinadas temáticas que revolucionaron en el pasado y siguen latiendo en el presente.

Cuando las pelucas son quitadas, aparecen las verdaderas Anabel Cherubito, Ana Celentano y Julieta Cayetina: tres talentosas que encarnan a la perfección a quien le toca, que lucen los principal y destacan lo más significativo, aquello que no debe olvidarse.

Simón esboza en un momento lo grato que habría sido que Evita y Frida pudieran haber hablado de comunismo. Y de aquí en adelante es que la dialética e ironía se apoderan de cada uno de los diálogos de esta preciosa obra.

“La derecha me está jugando una mala pasada” – menciona Kahlo, refiriéndose a su pierna y a su vez a la política.

Detalles acerca de sus deseos como mujeres, como esposas y como madres o futuras madres se ponen sobre la mesa. Así consiguen debatir, extraordinariamente, para que se desenvuelva la idea principal que Anabel Cherubito le planteó a la autora: la de unir a estas tres feministas que no solo fueron feministas, sino íconos importantísimos en sus países y no solo por los hombres a quienes acompañaban. Ser ellas trata, justamente, de centrarse en sus intrincadas y cortas vidas (salvo en el caso de Beauvoir que por ser europea, quizás, consiguió unos años más en la tierra), en la sensibilidad que las marcaba, en sus ideales y en cada pincelada de amor y conocimiento que le otorgaron al mundo.

Sin ellas, desde luego que la historia sería otra. Seguramente más triste y no tendríamos de qué sentir orgullo (sobre todo las mujeres).

Frida y Evita, dialogan sobre sus vidas y llegan al punto en que “nos sobra todo, menos tiempo”. Ese tirano que se lleva a quienes deberían continuar.

Y, retomando la línea de esta dramaturgia, se preguntarán cómo se consiguió la unión entre las tres. Particularmente, hubo una cuarta mujer (no presente en escena) que sí tuvo la posibilidad de conocerlas a todas: Aurora Venturini es su nombre y ella sí pudo vivir hasta más de los noventa años, habiendo conseguido la fama desde grande como novelista argentina.

De un modo filosófico, consiguen detener el tiempo -el cual ya no corre como en la vida- y no sienten que éste las apremia. Es entonces el momento para que se autocuestionen quiénes fueron, por qué deberían haber sido madres y cuáles fueron las razones verdaderas de sus vidas. En ninguna de sus voces la respuesta alcanza el nombre de un hombre sino cuestiones realmente conmovedoras y como pueden conocerse a partir de libros, enciclopedias, documentales, entrevistas y demás archivos históricos.

En cuanto a la dirección de Adrián Blanco, es impecable, permitiendo que las artistas se luzcan en escena, brillen, puedan estar relajadas cuando la historia se los permite y luchadoras cuando recuerdan quiénes fueron.

Ser ellas es una historia fragmentada en dos, la ilusión de soñar durante la muerte y de dejarnos la esperanza de que todo lo que viene después quizás no sea tan incierto u oscuro como puede pensarse.

Siempre que el más allá permitan una reunión de este estilo, será un verdadero encanto esperar el fin de los tiempos.

Mariela Verónica Gagliardi

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