*** Agosto 2018 ***

Creo en un solo Dios6

Tradiciones, religiones, guerras desmedidas, tierras en puja, poder, poder y poder.

Hay cosas que se enseñan desde la cuna y otras que se maman, podría decir.

¿Cómo le podríamos decir a un israelí que su país no es suyo del todo o a un palestino que carece de todo?

¿Quién tiene la certeza o el derecho de pronunciar que un territorio es suyo o de su eterno enemigo?

¿Las guerras, probablemente, sean eternas porque la religión es su intermediaria. Entonces, cómo conciliar a dos países que se odian sin saber por qué o para qué?

¿Quién es culpable o inocente?

“Creo en un solo Dios” (con dramaturgia del italiano Stéfano Massini, traducción de Patricia Zángaro y dirección de Edgardo Millán) es una obra de teatro dramática, ¡excelente!

Resulta impecable cada uno de sus detalles, desde la puesta en escena, hasta las interpretaciones, el vestuario característico de cada actriz, la dramaturgia y su dirección. Sucede que cuando se ingresa a la sala, ya notamos una impronta escénica. Una decoración blanca que nos marca un espacio surrealista. Podría tratarse del cielo o de la tierra. No tiene por qué colorearse del  tono más conocido, ¿no?

Tuve la sensación de estar entre algodones, de que cuando cayeran esos cuerpos no se dañarían del todo.

Creo en un solo Dios es una manera de despertar a quienes se encuentran dormidos o pereciendo en el olvido.

Un Dios por religión o uno para todos. Qué difícil resulta.

En cuanto a la dinámica que ocurre a lo largo de la historia, cautiva, emociona y nos hace reflexionar con el paso del tiempo. Porque es un tiempo no lineal sino que toma diversas formas para contar qué sienten: una soldado norteamericana (Estela Garelli), una profesora de historia (Noemí Morelli) y una estudiante palestina (Antonia Bengoechea). Pareciera ser irreconciliable por lo antagónico, pero funciona como anzuelo perfecto para que ningún espectador pueda sentirse descalificado, burlado, ironizado o calumniado.

Estos exquisitos personajes son humanos. Trascienden la cuarta pared, la impregnan de sensibilidad y consiguen salirse de todo tipo de estereotipos que obstruyan su credibilidad.

Por momentos me olvidé que eran actrices. Era tan real lo que ocurría que disfruté y sufrí (al mismo tiempo) cada retazo de la obra.

Si se creyera en un solo Dios, quizás los enfrentamientos y las guerras ya no tendrían sentido de ser. Tal vez quienes comandan cada operativo no podrían seguir llevando sus caretas y no tendrían la oportunidad de hacer inmolar o explotar por los aires a jóvenes que “creen” en que eso es defender a su Patria y hacer justicia.

No existe aquello que corresponde, en una guerra.

No hay peor cosa para el ser humano que combatir y eliminar a un “otro”, matándolo. Quitándole su vida. ¡Su vida!

No concibo este mundo en paz.

Mientras la cronología parte de una fecha específica por el 2003, las vivencias, anécdotas y situaciones no paran dejan de continuarse. Temer por la muerte a cada instante porque una vez se zafó pero, luego, quizás, ya no. Pensar que se sigue viva de milagro porque Dios existe. Pero, entonces, ese superhéroe permite que unos vivan y otros mueran. No, no.

La decisión de la soldado de defender, ¿defender?, de intermediar entre esas dos naciones que no le dan libertad a sus habitantes, será lo que permita hacer un click al público. Es fuerte, muy fuerte lo que presenciamos, no el final, sino todo.

El monólogo de una se entrelaza con el de la otra, y el de la otra con el de la otra. Pero, en un momento se unen como un ovillo. ¿Son las tres una misma? ¿Qué hubiera ocurrido si la norteamericana era palestina o si la palestina era israelí o?

Todo tipo de especulación no hará más que angustiarnos. Sí, el corazón se me salió por la boca, pasé un momento de shock. Soy consciente, soy judía pero no israelí. Pienso como humana y no como guerrera. No creo que la vida de una valga más que la de la otra ni que una deba morir para que la valoren más. No estigmatizo, no juzgo, no creo más que en un Dios. Por eso esta dramaturgia es poesía que se escabulle en el corazón. Por eso es que no puedo más que recomendarle a todo ser humano que, obligatoriamente, asista mínimo a una función en el Teatro Payró.

Quizás podrán pensar qué habrá de nuevo para contar sobre esta guerra incesante. Les puedo asegurar que no es un juego de Teg sino la manera de narrar, de poner en movimiento un texto, de escuchar lo que a veces leemos, de abrazarnos sin importar cuál sea nuestro origen, religión, raza o condición.

Funciones: Jueves 20.30 hs.
Teatro Payró.

Mariela Verónica Gagliardi

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Ver y no ver5

Empezando por el principio cabe resaltar que Oliver Sacks fue el neurofisiólogo que creó la verdadera historia, por tratarse de la suya en verdad. Sus problemas de salud lo hicieron estudiar incansablemente. No solo para salvarse sino para sanar a cuanta persona pasara por diversos problemas de salud.

Cuando pienso en el mundo de los ciegos me angustio de inmediato. Mi corazón late, precipitadamente, deseando nunca perder la vista. Ni siquiera por unos segundos. Ni siquiera para vivir una experiencia nueva. Nunca, jamás.

Creo que este miedo lo comparto con miles o millones de personas en el universo, pero es un miedo -como casi todos- infundado.

La vista a través de los ojos ve cosas que quienes están “privados” de la misma, no pueden.

Suena tan inverosímil este juego de palabras que cuando releo lo que escribo dejo de comprender absolutamente todo. Este papel debería estar escrito con palabras sin tinta, solo con imaginación.

De aquí en adelante solo analizaré lo que vi con el alma, con el corazón y con cada uno de mis sentidos. La vista la dejo para lo último porque no es indispensable para este magnífica obra de teatro que consigue trasladarnos a un campo colmado de incertidumbres, aquellas que al humano -por lo general- no le agradan.

“Ver y no ver” (cuyo título original es “Molly Sweeny”, escrita por Brian Friel y dirigida por Hugo Urquijo) es una invitación hacia lo desconocido por la mayoría de los mortales.

Si pudiéramos quitarnos los ojos, lo más probable es que no sabríamos qué hacer con nuestras vidas.

Sin embargo, Any Sweeny (Graciela Dufau) se desplaza por el escenario viviendo. Sintiendo. Aprehendiendo. Oliendo fragancias a flores exquisitas. Sabiendo qué hacer a cada instante, menos cuando su entorno está tan ansioso por una operación que podría devolverle lo que en un principio tuvo.

Ella no parece necesitar cirugías, ni cambios drásticos. Tiene lo que quiere. Lo que necesita. Lo que su corazón palpita.

Es encantador escuchar las diversas melodías que acompañan los relatos de los tres actores, que tienen su momento para expresarse en solitario, de manera privada, sin ser cuestionados o juzgados; a la vez que se fusionan espléndidamente. ¿Hace falta verlos con los ojos? Realmente no. Con la vista podemos aprecer ciertos detalles escénicos como la puesta minimalista con proyecciones cálidas y un mobiliario simple. Sin la vista se pueden sentir aquellas cuestiones inexplicables, sinceramente, con palabras. Con esto quiero decir que lo que pueda comentarles en esta nota es un mínimo porcentaje de lo que puede apreciarse a lo largo de toda la función que nos mantiene en vilo a los espectadores.

Emoción, escalofríos, llanto y cuántas cosas más logran cautivar a nuestros cuerpos. ¿Humor? Claro que sí, porque si bien es drama, el director consigue matizar y descontracturar llevándonos al inicio de la historia de amor de esta pareja encantadora: la de Any con su marido Martin (Arturo Bonín). Un dato particular y llamativo es que él la conoció al igual que en la actualidad, pero ahora, por algún motivo anhela que ella pueda verlo, quizás. Quienes vemos con los ojos estamos convencidos que quienes no se están perdiendo de mucho. ¡Qué egoístas y caprichosos que somos!

Sumergirse en la vida de esta gran mujer es sacarse muchos prejuicios, la venda llena de polvo y, realmente, empezar a vivir como seres vivos.

Tenemos un cuerpo que, tantas veces, no usamos por completo. Caminamos sin plantearnos que lo conseguimos gracias a las piernas. Besamos, sin pensar en que podemos gracias a nuestros labios. Y, así, podría enumerar muchos ejemplos que no harían más que aburrirlos.

“Ver y no ver” es una lógica racional versus una sentimental.

Queremos que la minoría sea como la mayoría sin evaluar, por un momento, que tal vez, que los más pueden ser menos.

Nelson Rueda, encarnando al Dr. Wasserman, el médico que experimentaría la “cura” de la “ceguera” de quien no parece tener demasiado entusiasmo en abandonar su universo paralelo.

A veces se puede elegir, y otras no.

Cuando sus ojos descubran, quizás sea demasiado tarde o, tal vez, la experiencia de su vida la haga entender qué le conviene.

Un devenir de situaciones harán que esta dramaturgia nos engalane desde el comienzo y no sufra ningún altibajo. Impecable, excepcional, perfecta e interpretada por tres grandes actores argentinos que no hacen más que convencernos de sus posturas.

Y vos, si tuvieras la oportunidad de escoger ¿qué harías?

Mariela Verónica Gagliardi

Elenco: Graciela Dufau, Arturo Bonín, Nelson Rueda.

Dramaturgia: Brian Friel.

Dirección: Hugo Urquijo.

Funciones: Miércoles 21 hs, Sábados y domingos 18 hs.

Teatro La Comedia.

 

Sebastián Girona

Tommy

El 28 de Agosto a las 21.00 hs se estrena Tommy en el TEATRO MAIPO 

TOMMY

CON DIRECCIÓN  DE DIEGO RAMOS 

A partir del 28 de Agosto, se suma a la cartelera porteña un nuevo musical dirigido por Diego Ramos. Se trata de “Tommy” una ópera rock de la banda The Who que cuenta con música y letra de Pete Townshend y libro en colaboración con Des McAnuff, basado íntegramente en el disco homónimo de 1969 de la emblemática banda británica.

“Tommy” narra la historia de un niño que queda ciego, sordo y mudo como consecuencia del shock sufrido al contemplar el asesinato de su padrastro a manos de su padre. Tommy,  además de los traumas aparentemente psicológicos, sufrirá una niñez y adolescencia llenas de penurias, hasta que debido a sus singulares habilidades se convertirá en estrella mundial del pinball e ídolo de masas, iniciando un culto que será sórdidamente administrado por sus parientes.

Basado en el disco TOMMY compuesto en 1969 por la banda The Who y llevado posteriormente a los escenarios, el musical que se estrenó en La Jolla Playhouse en San Diego (California) en julio de 1992 y al año siguiente en Broadway con rotundo éxito, llega a la sala del teatro Maipo con un elenco conformado por lo mejor del género musical de nuestro país.

Ésta producción íntegramente argentina estará protagonizada por Ezequiel Rojo, Mariano Zito, Micaela Racana, Francisco Eizaguirre, Walter Canella, Patrissia Lorca y un gran elenco. Contará con la dirección musical de Santiago Rosso, coreografía de Vanesa García Millán, dirección vocal de Matías Ibarra y la dirección general de Diego Ramos.

· ELENCO ·
Ezequiel Rojo – TOMMY
Mariano Zito- CAPITAN WALKER
Micaela Racana – SRA. WALKER
Walter Canella – TIO ERNIE
Francisco Eizaguirre  – PRIMO KEVIN
Patrissia Lorca – ACID QUEEN
Clara Lanzani – ENSAMBLE / SALLY SIMPSON
Arturo Sporleder, Nicolás Sousa y Martina Iglesias – TOMMY NIÑO
Federico Yernazian –  ENSAMBLE CON PERSONAJES DESTACADOS
Juan Fonsalido  – ENSAMBLE CON PERSONAJES DESTACADOS
Nicolás Serraiti  – ENSAMBLE CON PERSONAJES DESTACADOS
Manuel Di Francesco – ENSAMBLE CON PERSONAJES DESTACADOS
Priscilla Rocca – ENSAMBLE
Mariana Barcia – ENSAMBLE
Evelyn Basile – ENSAMBLE
Elian Farias  – ENSAMBLE
Federico Fedele – ENSAMBLE
Leandro Tobares – ENSAMBLE

· BANDA ·  
Mariano Cantarini – GUITARRA
Santiago Greco – GUITARRA
Martín Lozano – BAJO
Maximiliano Cataldi  – BATERIA
Tomás Horenstein  – TECLADOS
Agustín Konsol – TECLADOS
Santiago Rosso – DIRECCIÓN MUSICAL Y PIANO

· FICHA TÉCNICA ·
Música y Letra: Pete Townshend
Libro: Pete Townshed / Des Mcanuff
Música y letra Original: John Entwistle / Keith Moon
Traducción y Adaptación: Marcelo Kotliar
Diseño de vestuario: Javier Ponzio
Diseño de escenografia: Luli Peralta Bó Tatu Mladineo
Diseño de Iluminación: Gonzalo Gonzalez 
Diseño de Sonido: Eugenio Mellano
Diseño gráfico: Matías Gordon
Comunicación digital: Federico Coates / Nube contenidos 
Fotografía: Nacho Lunadei
Fotografía documental: Fiorella Romay 
Prensa: WePrensa
Asistente de coreografía: Fiorella Tucci
Asistente de Dirección / Stage Manager: Micaela Monti 
Dirección Vocal: Matias Ibarra
Coreografía: Vanesa Garcia Millán
Dirección Musical: Santiago Rosso
Producción Artística: Estanislao Otero Valdez / Tamara Bur
Producción General: Ximena Biosca / Diego Ramos
Puesta en escena y Dirección General: Diego Ramos 

Piaf, porque el amor lo quiso

2da. Temporada

Todos los Sábados de Agosto a las 23 hs.

Teatro Paraje Artesón

Palestina 919 – CABA

 

Localidades $250  

Jubilados y estudiantes $ 200

Reservas: 15-3288-1008

www.deteatro.com.ar/obras/piaf

www.alternativateatral.com

Duración 95 minutos

Público Adulto

SINOPSIS

Durante los años 1976 y 1983 nuestro país vivió su etapa más oscura. Aunque el arte se expresó desde la vuelta a la democracia y se seguirá expresando solamente para fomentar “la memoria colectiva”, poco se sabe de la relación que existió entre dictadura y homosexualidad. Cómo fue vivir en esos años para aquellos hombres que valientemente se hacían cargo de quienes eran, en una sociedad que no estaba aún preparada para escuchar otras voces que pensaran y vivieran su sexualidad, corriéndose del pensamiento único imperante en esa época.

ELENCO

Juan Pablo Cicilio: Antonio Castro

Adriana Enriquez: Nadiezka

Richard Manis : Oscar/ Mamá Lupe

Juan Rutkus : Julián/Gigí

Alberto Romero: Juan/ Piaf

Mariano Zega: Salvador

FICHA TÉCNICA

Dramaturgia : Alberto Romero

Diseño de Escenográfica y realización: Giselle Vitullo

Diseño y Realización de Vestuario: Matías Begni y Julio César

Pelucas: Fabián Sigona

Diseño Gráfico y Fotografía: Inés Viqueira

Diseño de Iluminación: Víctor Olivera y Luis Casella Horn

Dibujo de planos y Programación MA2: k3studio diseño de espectáculos

Diseño de Maquillaje: Jésica García

Producción Ejecutiva: El Trébol

Prensa y difusión: Kasspress

Asistencia de Dirección: Christian Arbe

Dirección y Puesta en escena: Daniel Godoy

 

 

Tenemos un hijoTenemos un hijo ¿Y ahora?
 
Una experiencia sobre la paternidad en 3 actos:  merienda, obra teatral y reflexión grupal.
 
“Tenemos un hijo ¿y ahora?” Es una propuesta artística, terapeútica y grupal en la que se invita a todos aquellos que son, fueron y serán padres, a reflexionar a partir de lo que sucede en la obra “El Recurso Burstein”, protagonizada por Pepe Monje y Enrique Dumont.
 
Estructurado en 3 momentos puntuales: recepción con merienda, visualización de la obra y reflexión final, “Tenemos un hijo ¿y ahora?”  se propone como un espacio y momento para conversar acerca de la necesidad de construir padres conectados con el embarazo, donde los hombres puedan hablar de lo que  sienten ante la inminente llegada de un hijo como un momento en el que tiembla toda la estructura inevitablemente
 
Una invitación a cambiar paradigmas hacia la igualdad desde el nacimiento.
 
“¡Los hombres sólo tenemos que sostener!”, enfatiza el psicólogo especialista en Parejas con Hijos, Lic. Mauricio Strugo que será el encargado de coordinar este espacio de reflexión grupal.
 
Con un lenguaje divertido y dinámico, la obra provoca no sólo la risa si no también la reflexión hacia nosotros mismos, modificando y reconociendo ciertas conductas. 
 
 
Sábado 25 de agosto a las 15.30hs.
Valor por pareja: $600
Teatro El Tinglado (Mario Bravo 948) CABA
Entradas a la Venta por Alternativa Teatral o en Boletería del Teatro.

 

elasadodeplatón

Funciones: domingos a las 12hs (mediodía)
Valor de la entrada: $450 (incluye comida)
Teatro: El Camarín de las Musas

Dirección: Mario Bravo 960
Informes y Reservas: 4862-0655

Apta para mayores de 13 años.

Contactos: lafosforera@gmail.com
Facebook: Compañía Nacional de Fósforos.

Trailer: 
https://www.youtube.com/watch?v=j-kwhLZ2lK0&t=1s

Duración: 90 minutos aproximadamente

[50 minutos de espectáculo + 40 minutos de comida]

¿Cómo surgió este original asado en obra?
Somos almas inquietas en constante búsqueda a las que les gusta molestar. En una de las tantas charlas, entre delirantes y posibles que tuvimos en una gira que nos llevó desde San Juan hasta Tierra del Fuego, luego de estar hablando de filosofía, de las contradicciones humanas y de tantas cosas más, conduciendo por la Patagonia sin señal de celular surgió el chiste –los chistes nunca son solo chistes- de El Asado de Platón. Dado que nos gusta comer y que nos gusta el asado, que nos gusta la previa y la sobremesa, que nos gusta ese momento de encuentro donde se habla de todo y de nada se nos ocurrió hacer una obra que transcurra en un asado. O mejor dicho, que la obra sea el asado, que los espectadores participen, coman, opinen si quieren, que se transformen en personajes. Y el banquete nos venía al pelo como intertexto porque de eso trata, a fin de cuentas, el banquete de Platón, del placer de la charla entre amigos. Cuantas veces se olvida que la palabra amigo proviene del verbo amar. Y era además la excusa perfecta para unir esas dos pasiones, la del teatro y la del asado.

Ficha artístico técnica:

Actor y Asador: Juan Manuel Caputo

Autor: Cristian Palacios

Versión libre de El Banquete de Platón

Asistente de dirección y de asador: Mariano Bassi

Colaboración Musical: Pablo Maitía

Diseño de Luces: Juan Manuel Caputo y Cristian Palacios

Puesta en escena: Juan Manuel Caputo y Cristian Palacios.

Producción General: Compañía Nacional de Fósforos

Prensa & Difusión: Simkin & Franco

Dirección: Cristian Palacios

Duración: 90 minutos aproximadamente [50 minutos de espectáculo + 40 minutos de comida]

Esta obra cuenta con el apoyo del Instituto Nacional del Teatro

Bajo la sombra de la muerte

Todo comienza cuando Clara asesina a su ex marido cansada de sus agresiones. Entonces decide llamar a su hermana, una mujer con un pasado violento y siniestro, para que le ayude a deshacerse del cadáver. Con el tiempo en su contra deberán actuar rápidamente si no quieren ser atrapadas por Bruno, un policía que no conoce miedo ni límite alguno. Pero Clara, ha preparado en verdad un retorcido plan que busca ajustar cuentas con su hermana. Con este fin, empieza una intrincada trama de engaños y traiciones. Ambas, extremadamente calculadoras no ponen ningún reparo a seguir adelante con sus respectivos planes, hasta llegar al objetivo deseado: la destrucción del otro.

Ficha técnico artística

Dramaturgia: Diego Norton

Actúan: Mariana Etchegoyen. Andrea Baliel. Fabián Crespo.

Vestuario: Rosana giliberto

Escenografía: Daniel Maiorana.

Iluminación y sonido: Carla Antonelli.

Fotografía: Guido Basualdo.

Diseño gráfico: Ariel Daldi.

Asistencia de dirección: Mónica Nuñez.

Dirección: Diego Norton.

Duración: 70 minutos.

Género: Drama, policial.

Duración: 70 minutos.

Teatro: Espacio Abierto.

Carabelas 255. Capital Federal. Buenos Aires.

Sábados: 20 hs.  Del 07-07-2018 al 25-08-2018.

Entradas: $200 – $150.

Reservas: 4328-1903.

bajolasombradelamuerte@gmail.com

 

Traducción de las noches

En el marco del Ciclo “Agosto Poético”, encuentro multidisciplinario que anticipa y acompaña la Décima Edición del Festival Latinoamericano de Poesía en el Centro, Virginia Innocenti estrena, por ÚNICAS SIETE FUNCIONES

Traducción de las noches

(ficción biográfica descarnada)

Una nueva obra de teatro musical, creada, interpretada y co/dirigida (junto a Leandra Rodríguez) por Virginia Innocenti / Estreno: Domingo 19 de agosto, a las 19.30 hs. – UNICAS SIETE FUNCIONES! (Domingos, 19.30 hs.) / En el Centro Cultural de la Cooperación, Av. Corrientes 1543 / Entrada $350.- /

Reservas de entradas, por alternativa (http://www.alternativateatral.com/obra59576-traduccion-de-las-nochesó web del CCC (http://www.centrocultural.coop/eventos/traduccion-de-las-noches)

“La vida no confunde / ninguna de sus voces / Canto único en cada ser / Nadie ausente / Nada ausente / Observo la tarde / Observo caer el tiempo/La arboleda empieza a sostener la noche /Menos mi fuego / todo atardece”, Virginia Innocenti

¿Cómo sobrevive una niña entre seres voraces? Traducción de las noches es el deseo de rozar el origen de una vida. Es también un recorte del tiempo donde lo doméstico y el afuera danzan en una cruel sintonía avalando lo siniestro.  Un relato ficcional que parte de lo vivido, con  poemas, anécdotas y canciones inolvidables de autores como Spinetta, Charly García, Abba, Cartola, Violeta Parra, Alberto Muñoz  y Silvio Rodríguez.

“Escribí mi primer poema a los nueve años, dedicado a mi madre, en un cuaderno que ella me había regalado para que allí volcara con libertad mis sentimientos. Después de 40 años de esta experiencia, necesité dar a luz parte de esta obra, la cual estaba a punto de fundirse en el olvido, muriendo de asfixia en una caja de cartón adentro del placar. Traducción de las noches es un relato que emerge a partir de una catarsis descarnada, un intento por ordenar el caos de las heridas, poner cada cosa en su lugar, cada cosa en su nombre. Aquella oscuridad que late en un pasado hoy lejano, pero que, de algún modo, me forjó. Echar luz sobre lo trágico siempre salva”, declara la actriz, cantante y poeta Virginia Innocenti

Ficha Artistica y Técnica / Autora: Virginia Innocenti

Interprete: Virginia Innocenti

Músicos en Escena: Sergio Zabala (guitarra y voces) y Gaspar Tytelman (percusión)

Vestuario: Myriam Dominguez Argüello

Diseño de Iluminación: Leandra Rodríguez

Foto: Alejandra López

Video: María Jerónimo

Asistencia General: Eugenia Campano

Dirección: Virginia Innocenti y Leandra Rodríguez

Diálogos

Segunda temporada del espectáculo de la
venezolana Vènere Barone en el Auditorio Losada

Los viernes de agosto a las 22 hs.

“Diálogos de amor y de otros silencios” es un espectáculo de la compañía Drama&Dance Internacional, cuyo libro, montaje coreográfico y puesta en escena pertenecen a la artista ítalo venezolana Vènere Barone, radicada en Buenos Aires desde hace 4 años.
Sinopsis Aspectos como la despedida, El encuentro, el silencio, el amor, la infidelidad, la traición; nos pasean en un circuito constante de ansiedad, preocupación, parodia y hasta disfrute sobre el eterno conflicto de las relaciones humanas.
Todos somos inmigrantes; en algún momento de nuestras vidas y no precisamente porque decidamos dejar nuestro lugar de origen. Somos inmigrantes de una relación, de una situación. Estamos en una búsqueda constante, a veces sin saberlo, sin aceptarlo y en otras con plena consciencia. Somos inmigrantes de nosotros mismos.
Y la pregunta constante sería ¿en qué nos hemos convertido? Pasamos de pertenecer a un para pertenecernos a nosotros mismos.
Es así como llegamos a una certeza: “Somos drama, somos terriblemente humanos” Vènere Barone,

Ficha Artístico-técnica

Bailarines / Actores: Alejandra Echenique, Anabella López, Eugenia Potick, Flor Candal, Micaela López, Nuria Cuadrado, Loreana Frias, Luciana Ferreira De Andrade, Vanina Viscovich, Vènere Barone, Alejandro Bruno, Cristián Torrandella, Domingo Rondón, Franshescoli Germaint, Jorge Ponce (Jejo), Mauro Sebastián Azzarita, Michael Romero, Leandro Orduña

Diseño Gráfico y Edición musical: Jaime Rodríguez Silva

Asistencia de dirección: Esteban Tur

Fotografía: Osvaldo Casal

Prensa: Laura Brangeri

Dirección General y Artística: Vènere Barone

Funciones: Viernes de agosto 22hs

AUDITORIO LOSADA. Corrientes 1551.
Entrada general: $300
FaceBook Fan page: DramaandDanceIn
Instagram: venerebarone_oficial_artista / dramaanddancein

Eye y yo

¡LUEGO DE CUATRO MESES DE LOCALIDADES AGOTADAS!

COMIENZA SU SEGUNDA TEMPORADA

DOMINGOS DE SEPTIEMBRE 18HS EN EL CAMARÍN DE LAS MUSAS

EYE & YO

LAURA OLIVA

JULIETA CAYETINA

FRANCISCO PRIM

Dirección: Dennis Smith

Eye & Yo cuenta la historia de Esther Cajg (Eye), sobreviviente a siete campos de exterminio nazi.

La obra está basada en testimonios de su nieta, protagonista del espectáculo, así como una valiosa entrevista realizada por la compañía de Steven Spielberg a la propia Esther, y otras realizadas por su nieta y Virginia Smith a Eugenia Unger, su mejor amiga y también sobreviviente al holocausto, y a José, hermano de Esther.

DOMINGOS DE SEPTIEMBRE 18 HS.

EL CAMARÍN DE LAS MUSAS

ENTRADAS $300 / Jubilados estudiantes $240

Anticipadas en www.elcamarindelasmusas.com o en boletería del teatro.

FICHA TÉCNICA

Con: Laura Oliva, Julieta Cayetina y Francisco Prim

Dramaturgia: Dennis Smith (Basado en entrevistas realizadas por Virginia Smith y Julieta Cayetina)

Idea: Original Julieta Cayetina

Original Escenografia: Dennis Smith

Realizacion Escenográfica y Vestuario: Pia Druggueri

Diseño de Luz: David Seldes y Sebastian Evangelista

Producción: Dennis Smith y Julieta Cayetina

Colaboración: Artística Constanza Boquet

Dirección: Dennis Smith

Gambaro más GambaroEl nombre – Acuerdo para cambiar de casa

de Griselda Gambaro

Griselda Gambaro, una de las dramaturgas más importantes de nuestro país, nos propone en  “El nombre” (1974)  y  “Acuerdo para cambiar de casa” (1971) un mundo aparentemente cotidiano y familiar que se torna siniestro, donde los personajes viven situaciones extremas con una naturalidad que hace posible el avance de la crueldad.

En este universo están presentes la búsqueda de la/s identidad/des, la violencia tanto material como simbólica, los personajes que se rebelan pero no siempre pueden escapar a la maquinaria de la deshumanización, el despliegue de la propia violencia, el brutal ejercicio del poder, el avance del neoliberalismo y el menosprecio de lo humano.

Con la articulación de ambas obras, tan vigentes hoy como en el momento de su escritura, Gambaro más Gambaro construye una parábola de la realidad que nos atraviesa,  donde el dialogo se presenta como un eufemismo del sometimiento al poder.

Ficha técnica

Autora: Griselda Gambaro

Elenco: María Inés Álvarez, Leticia Cabeda, Guadalupe Farina, Gastón Giunta, Marian Moretti, Cali Rotondo, Aluminé Sanchis Zabalegui

Diseño lumínico: David Rosso

Diseño sonoro: Estanislao Zubiri

Diseño gráfico: Débora Longobardi

Prensa: Ditirambo teatral

Asistente de dirección: Fernando Larrode

Dirección general y puesta en escena: Gustavo Armas

Desde el 4 de agosto, todos los sábados a las 22 hs.

Teatro Buenas Artes Social Club

Guatemala 4484 – CABA

Tel : 35 31 21 93

https://www.facebook.com/gambaromasgambaro

 

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