*** Febrero 2019 ***

Compañía Criolla presenta:

Versión libre del clásico de William Shakespeare, para toda la familia.

Dos catedráticos nos brindan una clase magistral sobre William Shakespeare, o eso intentan. Detalles sobre la vida y obra del escritor inglés son tema de discusión, y cuando de detalles se trata, nadie mejor que ellos; ¿Cuántas comas utilizó Shakespeare en sus obras? ¿Cuántos puntos? ¿Cuántas veces se menciona a las orejas? ¿Cuántas veces sus personajes hablan de amor? Estos estudiosos parecen no haber dejado recoveco sin analizar, ¿o sí? “Romeo y Julieta” ¿Termina bien o termina mal? Cuando de arte se trata hay tantos puntos de vista como personas… Esta simple pregunta impone a nuestros protagonistas su mayor desafío; representar la obra completa, con todos sus personajes en lo que dura una clase. Tomando lo que encuentran a mano a modo de utilería y vestuario, nuestras dos “ratas de biblioteca” interpretarán a once encantadores personajes en un Shakespeare aporteñado, cercano, poético y sobre todo divertido.

PREMIOS:

ATINA 2013

“Mejor Dirección” “Mejor Actor” “Mejor Actriz” “Mejor Adaptación” “Mejor Espectáculo”

Teatro del Mundo 2013

“Mejor Espectáculo infantil”

Ganador 4to Certamen Barroco del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, España 2015.

Festival Nacional de Teatro de Luján 2014

“Mejor Actor de Comedia”, “Mejor Actriz de Comedia”, “Mejor Adapatación”

OBRA PUBLICADA POR EDITORIAL LOSADA 2015.

“Romeo y Julieta de bolsillo” participó:

Festival ATE , Buenos Aires 2018

Festival Nacional de teatro para Instituciones Eduacativas El otro Festival, San Juan 2018

XII Festival Cervantino de Argentina, Azul 2018

Festival de teatro Puerto Madryn 2017

Kermesse Shackespeare Compleja teatral de Buenos Aires 2016

Compañía Nacional de teatro Clasico de España 2017

MET Muestra estatal de teatro de Gadalajara, Mexico 2016

FITT (Festival Internacional de Teatro y Títeres para niños) CHASCOMÚS 2013

3º Festival para chicos “El Fresquete” Villa Ballester 2014

5º Festival internacional de Clásicos Adaptados. Mar Chiquita 2014 Premios “Mejor Director” y “Mejor Actriz”

10º Festival de Rafaela. 2014

5º FESTOL Tuxtla Gutierrez, Chiapas, Mexico 2014

Feria del libro Juvenil e Infantil 2014

Festival de Invierno Chascomús 2014

6° ENTEPOLA San Salvador de Jujuy 2014.

10° Festival internacional del Teatro de la integraación y el Reconocimineto Formosa 2014

29 ° Festival Intenacional ENTEPOLA Santiago de Chile y Slamanca 2015

Festival de Teatro Clasico de Almagro IV edición Barroco Infantil, Almagro, España 2015. (ganador)

25º FETEN, Feria Europea de Artes escénicas para niños y niñas. – Gijón, Asturias. España 2016.

Seleccionado por el Ministerio de Eduación de la Nación para el programa “Formación de Espectadores 2014”

Seleccionado para la Feria de las Artes Escena 70.

Seleccionado para el programa Carrusel de las Artes Buenos Aires 2015 / 2016

X Festival del Humor. Ciuadad de Córdoba, Argentina 2016

XXXVII Festival Internacional de Manizales, Colombia 2016

Romeo y Julieta de bolsillo, es actualmente representada en México por la compañías Cuentarte (DF) y Liquido Colectivo (Ciudad de León)

Ficha artístico-técnica

Libro: Emiliano Dionisi

Actúan: Juan Jose Barocelli, Marina Caracciolo, Emiliano Dionisi, Julia Garriz, Talo Silveyra

Diseño de vestuario: Marisol Castañeda

Operación de luces: Sebastián Crasso

Asesoramiento artístico: Sebastián Ezcurra

Producción: Gisela Cantero, Sebastián Ezcurra, Lucas Sánchez

Dirección general: Emiliano Dionisi

Este espectáculo formó parte del evento: IV Festival Shakespeare Buenos Aires
Este espectáculo formó parte del evento: Festival Shakespeare en el Ccc / Congreso Internacional William Shakespeare
Este espectáculo formó parte del evento: el Fresquete
Este espectáculo formó parte del evento: Teatro 21
Este espectáculo formó parte del evento: Semana del teatro independiente 2017
Este espectáculo forma parte del evento: 8º Festival del Amor
Web: http://www.ciacriolla.com

Duración: 60 minutos
Clasificaciones: Comedia, Adultos, Infantiles

Parque Lezama
Brasil y Defensa (mapa)
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Reservas: 1159957574
Martes – 20:00 hs – 08/01/2019 

PARQUE AVELLANEDA
Lacarra y Directorio (mapa)
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Reservas: 1159957574
Martes – 20:00 hs – 08/01/2019 

PARQUE PATRICIOS
Av. Caseros y Rioja (mapa)
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Reservas: 1159957574
Sábado – 20:00 hs – 12/01/2019 

PARQUE LOS ANDES
Corrientes y Dorrego (mapa)
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Reservas: 1159957574
Martes – 20:00 hs – 22/01/2019 

PARQUE CHACABUCO
Asamblea y Emilio Mitre (mapa)
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Reservas: 1159957574
Martes – 20:00 hs – 29/01/2019 

PARQUE SAAVEDRA
Superí y Vilela (mapa)
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Reservas: 1159957574
Martes – 20:00 hs – 05/02/2019 

CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACIÓN
Corrientes 1543 (mapa)
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Reservas: 1159957574
Web: http://www.centrocultural.coop
Festival: $ 250,00 – Viernes – 20:30 hs – 15/02/2019 

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El mito de Fedra ha sido recreado innumerables veces en teatro. Aquí damos una versión irreverente y versificada. Las olas del mar de Grecia rompen en Mar del Plata.
¿Qué son el amor y el deseo? ¿Cuántas clases de amor hay? ¿Cuáles son sus consecuencias? ¿Tiene límites? El sentimiento apasionado y trágico de Fedra por su hijastro Hipólito contrasta con las reflexiones elegantes de seis personajes de El Banquete de Platón, ante el estupor de Teseo, el marido engañado, y de Enona, la fiel aunque intemperante criada.

Ficha artístico-técnica

Actúan: Paula Calleja, María Cámpora, Enzo Cardinali, Jjorge Cortese, Florencia Demarchi, Emiliano Fernández, Marcelo Goñi, Oscar Miño, Fernando Pereira, Marcelo Rigl, Leo Rizzi

Dirección: Mariano Moro

Clasificaciones: Teatro, Adultos

CUATRO ELEMENTOS
Alberti 2746 (mapa)
Mar del Plata – Buenos Aires – Argentina
Teléfonos: 0223-4953479
Web: http://www.espaciocuatroelementos.com
Lunes y Martes – 20:30 hs – Del 07/01/2019 al 26/02/2019 

CIRCO DEL HORROR presenta
LA NOCHE DEL PAYASO ASESINO 
(Vas a gritar desde tu butaca) 
TEATRO OCEAN (Hipólito Yrigoyen 30. Balneario Mar De Ajó, Buenos Aires, Argentina) 
A partir del 1° de Febrero, todos los días a las 23 hs.
DEL CREADOR Y DIRECTOR DEL “CIRCO DEL HORROR CARNAVAL DE FENÓMENOS” Y “CIRCO DEL HORROR FREAK SHOW MONSTERS” LLEGA… 
“LA NOCHE DEL PAYASO ASESINO”
Mientras festejaba el cumpleaños de un niño obeso y mal criado, un payaso fue cruel y absurdamente asesinado. A partir de aquel momento, cada 13 años sucede algo extraño e inexplicable: el sepulcro donde yacen los restos de Mate se convierte en portal que separa las moradas de los vivos y los muertos, y se abre un pasaje que le permite regresar a la Tierra.

Ficha artístico-técnica

Guión: Mate Snork

Actúan: Mate Snork

Realización de objetos: Sergio Giardino

Stage Manager: Gonzalo Sarchione

Efectos especiales: Encripta FX

Supervisión dramatúrgica: Darío Lavia

Dirección: Mate Snork

Duración: 90 minutos
Clasificaciones: Teatro, Adultos

TEATRO OCÉAN
Hipólito Yrigoyen 30 (mapa)
Mar de Ajó – Buenos Aires – Argentina
Teléfonos: 15-5175.4759
Entrada: $ 300,00 – Domingo, Lunes, Martes, Miércoles, Jueves, Viernes y Sábado – 23:00 hs 

CPuro Bla Bla! es dinámico y festivo, de principio a fin suceden escenas entrelazadas. En cada momento está el circo, el teatro, el cotidiano y las canciones. Aún en los silencios algo late, descansa y se vuelve risas. Los Bla Bla juegan y el público es quien que completa la ceremonia.

Allá por fines del siglo XIX nacía en Argentina el género chico criollo (pariente del género chico español). Se trataba de escenas breves de humor que hablaban de lo cotidiano y de la situación social y política de aquel entonces a través de personajes reconocibles y cercanos para el público. De la misma forma el espectáculo Puro Bla Bla! intentan reflexionar a través de la risa acerca de la conciencia, la igualdad, la identidad y variedad cultural de este país, de esta lengua.

El espectáculo de Los Bla Bla es dinámico y festivo, de principio a fin suceden escenas entrelazadas, allí está el circo, el teatro, la calle y las canciones. Aún en los silencios algo late, descansa y se vuelve risas. Los Bla Bla son actores y músicos que juegan, y el público es quien que completa la ceremonia.

¿Son sainetes modernos estas piezas que ejecutan?
¿Son pequeñas obras de clowns urbanos?
¿Es humor absurdo, negro, de todos colores? ¿Y cuál es el color de su canción?
¿Son pasos de comedia creados espontáneamente y guionados acaso?

Sean bienvenidos, aquí el presente.

Puro Bla Bla! fue estrenado en 2012 para el ciclo Teatro x la Identidad en el Teatro Nacional cervantes y Teatro Apolo. La obra desde 2013 a 2017 pasó por La Casona del Teatro, Teatro Colón y Teatro Auditorium (Mar de Plata), Club del Teatro (Mar del Plata), Plataforma Lavarden (Rosario), CEC (Rosario), Teatro Lasserre (Festival de Teatro de Rafaela – Sta Fe), Centro Cultural Provincial (FestiClown – Sta Fe), Teatro de la Vieja Aduana (Fia – Costa Rica), Teatro Helios (Palomar), Teatro Roma (Avellaneda), Xirgu Espacio Untref, C.C. Haroldo Conti, entre otros.

⭐ Premio Estrella de Mar 2015 – Mejor Espectáculo de Humor

⭐ 3 Nominaciones Estrella de Mar 2014 – Mejor Espectáculo de Humor, Mejor Música Origial, Actor Revelación (Sebastián Godoy)

⭐ Nominación Estrella de Mar 2017 Mejor Música Original

LOS BLA BLA

Grupo de artistas y comediantes que utilizan la música como un elemento fundamental para sus actuaciones, creando sketchs breves basados en el absurdo, el humor físico, la sátira, en ocasiones con carga social, que tienen como resultado la risa y la identificación con el público.

Los Bla Bla
http://www.losblabla.com

Ficha artístico-técnica

Actúan: Manuel Fanego, Sebastián Furman, Pablo Fusco, Sebastián Godoy, Julian Lucero, Tincho Lups

Diseño de luces: Fernando Berreta

Redes Sociales: Diego Bocha Fernández

Video: Leandro Tolchinsky

Diseño gráfico: Diego Bocha Fernandez

Asistencia de dirección: Maribel Villarosa

Producción: Maribel Villarosa

Dirección: Guillermo Angelelli

Este espectáculo formó parte del evento: Teatroxlaidentidad 2012
Este espectáculo formó parte del evento: 7° edición del Festival Internacional de Circo: POLO CIRCO 2015
Este espectáculo formó parte del evento: IX Festival Internacional Circo en Escena
Este espectáculo formó parte del evento: VIII Festival internacional de Circo en Buenos Aires
Este espectáculo formó parte del evento: Clown en el Conti. 3º Edición
Este espectáculo formó parte del evento: AÚRA Festival de Artes Escénicas de La Plata
Web: http://www.losblabla.com

Duración: 70 minutos
TEATRO COLÓN
Hipólito Yrigoyen 1665 (mapa)
Mar del Plata – Buenos Aires – Argentina
Teléfonos: (0223) 499 6555 / 0223-155-341818
Web: http://www.turismo.mardelplata.gov.ar/indexnw.asp?id=3007000000&sel=3007000000
Lunes – 23:15 hs – 07/01/2019, 21/01/2019, 04/02/2019 y 18/02/2019 

(La morte non ha sesso / Black Veil for Lisa, Italia-1968) de Massimo Dallamano, c/John Mills, Luciana Paluzzi, Robert Hoffmann, Renate Kasché. 95′. Un policía fatigado descubre que no hay que casarse con la mujer fatal de Operación Trueno. Eficaz policial en el que sexo resulta ser la causa de todos los desastres. 
Retrospectiva “Roger Corman Productor”

Este espectáculo forma parte del evento: Festival estival – BAZOFI CALIENTE
Duración: 95 minutos
Clasificaciones: Cine, Adultos

TEATRO HASTA TRILCE
Maza 177 (mapa)
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Teléfonos: 4862-1758
Web: http://www.hastatrilce.com.ar
Festival: $ 80,00 – Lunes – 19:00 hs – 07/01/2019 

los maestranzasUn escenario vacío se va llenando, de a poco, con una propuesta que se gestó hace años atrás y que seguirá estando vigente -tal vez- por siempre.

Por un lado tenemos un programa de televisión que solo piensa en entretener al espectador y en aumentar el rating. Pero una emisión en particular será totalmente distinta, especial y conmovedora.

Los maestranzas de la NASA es humor y conciencia. Es la oportunidad de presenciar una obra de teatro picaresca y picante. Antagonista y precisa. Porque cuando consiguen relajar al público, le clavan el aguijón.

¿Por qué la NASA?

Es un viaje hacia la Luna, hacia interrogantes del pasado, una posibilidad de analizar la información que se nos da procesada, de investigar -junto a los actores- si todo lo que sale de la caja boba es cierto o puro montaje (como el “hito” de 1969).

Supongamos que Neil Armstrong llegó junto a su equipo y plantó la bandera. ¿Y? ¿Cambió en algo al mundo? ¿Nuestro país sacó algún rédito, se volvió más humano, más solidario, más condescendiente con el prójimo?

Con pocos recursos escénicos consiguen una impronta avasallante y sensible. Porque resulta imposible no sentir empatía con la temática, con el discurso y con todo lo que plasman durante la dramaturgia.

¿Un empleado debe perecer en el anonimato? ¿Debe silenciarse automáticamente?

El que calla no siempre otorga.

El que calla, muchas veces tiene miedo.

Entre cientos de bolsas de plástico, el terreno lunar y sus cráteres se harán presentes; y los cuerpos volarán hasta donde su imaginación se los permita. Porque para eso no existe límite geográfico ni represión, ni apriete, ni sueldo que limite.

Dos artistas que logran desenvolverse de manera fluida, con muchos recursos clownescos y una clara destreza física. Junto a un conductor de televisión que será su hilo conductor y la asistencia -en vivo- de una actriz que les hace llegar desde otra galaxia todo lo que solicitan.

Los días pasan entre un planeta y otro, entre juegos y canciones que permiten sobrellevar tiempos difíciles, la vida misma y la precarización laboral.

¿Qué es lo que más impacta de esta puesta en escena?

Muchas cosas. Diría el todo en conjunto, los detalles y la conjunción de los mismos. La modalidad que utilizan para hacer que la tragedia pueda ser digerida sin que el espectador se de cuenta. Como quien aplaude un chiste y en verdad está abrazando una causa justa.

Adoro este estilo de arte en que se piensa, se hace una pausa, se combina con distintos estilos y se vuelve a empezar… o a continuar por si acaso.

Volar, levitar, ¿comunicarse?

Con la angustia de un payaso y la máscara de una sonrisa pintada, grandes y chicos, familias enteras diría, disfrutaron, disfrutamos. Incómodos por momentos porque se tocan temas de la cruda realidad real. Distendidos y buscando miradas cómplices. Unidos bajo una misma sala, como un cohete espacial a punto de emprender un viaje hacia un sitio más confortable, más amable.

El teatro consigue eso. Permite entablar diálogo antes y después, lagrimear sabiendo que el de al lado también lo hace, unirnos en un sentir que, quizás, se disuelva al rato. Es magia y oportunidad de cambio. Cambio de verdad. Porque el amor siempre vence y es el arma letal contra quienes destruyen.

Mientras los malabares con bolsitas continúan imagino cuerpos vibrando, sonrisas plagando las calles, una mano uniéndose a la otra en un canto único de libertad, de decir basta de avasallar nuestros derechos.

Limpiar lo que otros ensucian. Sentir orgullo por ser quien se es y no por un blem que haría relucir un objeto, o dos, o tres.

Se es no siempre lo que se hace sino lo que se puede.

Mariela Verónica Gagliardi

 

Los nadadores

Todo parece estático, inmutable, increíblemente quieto. Pero como aquella quietud de la que ni siquiera puede acapararla el polvo. Todo parece querer cobrar vida nuevamente pero las palabras y dichos rancios opacan a quienes intentan dar una brazada de esperanza.

“Los nadadores” (escrita y dirigida por Laura Santos) es una maravilla poética que conjuga varios estilos artísticos: proyecciones audiovisuales, música e interpretaciones. No podría hablar de actuación ya que los actores consiguen plasmar en palabras y actos cada texto escrito por la autora de la obra.

Así, se puede apreciar una pieza artística única, que llega a lo más profundo del corazón, que hace pensar al espectador y meditar un rato sobre el lugar que ocupa en su propia vida y en el espacio que interviene.

Podría preguntarles a estos habitantes por qué siguen eligiendo permanecer y durar en el tiempo en vez de probar otras alternativas de vida. Podría, quizás, obtener silencios o divagues porque quienes están en este pueblo perdido en el mapa no tienen demasiada conexión con el afuera, con los avances, con el qué dirán y con el qué vendrá. Ellos están como piezas de un juego que aún no ha comenzado. Envían cartas que no siempre llegan a destino, piden permiso para realizar determinadas cosas y, sin embargo, toleran una y otra vez el mañana. Un mañana que nada tiene de incierto (y probablemente sea lo que más los entusiasme), hasta que una de las personas que vive en esta peculiar comunidad decide cambiar el rumbo de la situación.

De ahí en más, las sensaciones serán otras, las aperturas más significativas, el amor una unión y el abrazo un lazo fortuito.

Debo resaltar la excelente fusión entre los fragmentos de video en que se cuenta la historia y la continuidad en escena (en vivo y en directo). Un estilo que le da frescura, nostalgia y total movimiento a lo largo de la dramaturgia; la cual cobraría un vuelo menos ágil si solo se comunicara desde la parte teatral.

Los nadadores parte de un hecho trágico para cautivar, para explicarnos que ciertas situaciones son inevitables, que los accidentes existen y que por más explicaciones o justificaciones que se busquen; hay que salir adelante. Caminar, andar en bicicleta por los mismos senderos, tocar temas tabúes y perdonar-se.

Laura Santos es una magnífica narradora, una increíble escritora que -artesanalmente- une un retazo con otro, una anécdota con otra historia y que consigue emocionar.
Me sentí, en todo momento, en ese pueblito. Conseguí tocar su aspereza, oler su fragancia fresca y las aguas calmas y turbias. Vi la tristeza, la absorbí y sufrí al leer tanto desamor en los rostros jóvenes.

Cuando una máquina de escribir retoma su velocidad significa que el futuro será algo más prometedor, que nada hay que temer ya que el fantasma más grande pudo disolverse para siempre. Y es que entre tanto silencio no caben más que suposiciones, melancolías, miedo por lo desconocido, hacia lo que no se puede manipular.

Miedo y más miedo que consiguen aniquilar grupalmente.

Con respecto a la parte técnica, tanto lo lumínico como lo sonoro se sincronizan muy bien, permitiendo guiarnos hacia el lugar en que se desea poner el foco. A la vez que, como dije anteriormente, lo fílmico le da un vuelo diferente al espectáculo. Estamos en una función de cine y teatro al mismo tiempo. No se descuida ninguna de las dos y el peso de ambas le otorgan mayor vigor a Los nadadores.

A su vez, se logra más y es que el teatro Zelaya tiene un espacio que encaja justo para la puesta en escena. Como si hubiera sido fabricado especialmente. Esto no es un detalle sino algo mágico ya que desde el momento en que se ingresa a la sala podemos sentirnos parte de lo que vendrá, estar allí y no acá.

¿Cuántas veces se logra algo así?

Dramaturgia y dirección: Laura Santos

Elenco: Julieta Caputo, Juan Castiglione, Eduardo Ferrer, Antonella Saldicco, Paula Staffolani, Gianluca Zonzini, y María Villar

Funciones: miércoles 21 hs

En diciembre: miércoles 5 y 12, 21 hs; y, sábados 1 y 8, 21 hs.

Teatro Zelaya

Mariela Verónica Gagliardi

Nüremberg1

La magia del teatro consiste en hacernos creer que una ficción es la realidad. Muchas son las veces en que me conmuevo y siento vibrar mi corazón; pocas las que creo estar viviendo en esa realidad real, olvidándome por un momento que lo que sucede es pura actuación.

“Nüremberg” es un golpe duro y preciso no solo al nazismo sino a nuestra especie humana. En primer lugar, porque se parte de una Alemania aduladora de Hitler y, en segunda instancia, porque se pretende abrir los ojos de quienes aún en estos tiempos continúan cerrándolos.

Mateo Chiarino es quien se encarga, a través de su cuerpo, alma, espíritu y voz de ir enlazando estos retazos del pasado y presente que tanto lo agobian, hasta las peores pesadillas.

Estamos muy acostumbrados a juzgar el accionar ajeno, a señalar con el dedo inquisidor, a decir lo que el resto hace mal… pero, ¿cuándo es el momento de la auto-evaluación?

Un espacio escénico increíble, que nos sitúa en el lugar geográfico desde el que se desea narrar la historia. A través de proyecciones, en vivo, Pablo Finamore perpetúa en el tiempo dos hilos conductores fundamentales: la frialdad y la ternura. La primera se muestra a partir de lo que significó el nazismo para los jóvenes alemanes y, la segunda, se manifiesta a través de los sentires de este niño-adulto que desea -con fervor- seguir conservando un rayito de inocencia.

Mucho se ha hablado de los skinheads, del daño que le hicieron a cientos y miles de personas inocentes. Nunca, hasta el momento, he visto una obra de teatro que se atreva a develar qué siente uno de ellos. Qué les corre por las venas, qué piensan al respecto, a qué le temen, qué aman, qué hubieran querido ser y por qué terminaron convirtiéndose en sujetos temibles y (al mismo tiempo) aborrecidos.

Siempre observo que quien suele criticar negativamente algo o a alguien, se convierte en aquello por transferencia. Como si algún mortal tuviera la verdad sobre algo, el poder de evitar el dolor o la varita mágica para salvar a aquellos merecedores.

Nüremberg (escrita por Santiago Sanguinetti) es la mirada más aterradora hacia la raza humana. Y siento que el nazismo es simplemente un punto de partida para hablar de algo mucho más abarcativo y universal: hacia dónde vamos.

Un joven que se entrena como soldado, que suda sin piedad, que se deshidrata hasta que su boca se vislumbra blanca con esa baba espesa propia del último aliento. Este hombre es uno más de ellos, sin embargo, se atreve a narrar su infancia. Él simplemente ahorraba. Como todos lo hacemos. Quizás con monedas o billetes. ¿Quién no lo ha hecho? Pero no se le permite: eso es cosa de judíos le decía una y otra vez tu madre…

Desde niños les enseñan a no parecerse en nada a sus rivales. Esos seres tan parecidos y tan diferentes.

Humanos que necesitan encontrar las diferencias para aniquilarse sin piedad.

¡Hi Hitler! Repite sin cesar, golpeándose en el pecho y llevando el brazo bien derechito hacia adelante. El saludo nazi. Ese saludo que se temió y teme tanto. Que muchos habrán sentido valentía al hacerlo y, otros, miedo de morir en cualquier instante.

Nüremberg es una pieza artística de teatro con formato de cine. Su director Pablo Finamore tiene la perfección para lograr las tomas precisas y conseguir que el público admire su arte en todo momento.

El odio les sirve. No solo a un movimiento o ideología sino a quienes tienen un plan macabro. Quien odia no tiene espacio para el amor. Entonces todo lo que pudo haber sido sueño se convirtió en oscuridad, en témpano para no dar lugar a nada bonito. Las cursilerías no tienen cabida. No interesan, son para los débiles quizás.

Mientras tanto él continúa educándose para matar, sudando lágrimas y reprochando a los adultos del pasado por qué no pudo ser un chico común y corriente.

Nüremberg me partió el alma si es que el alma puede imaginarse como un vidrio. Los pedacitos quedaron como astillas imposibles de unir. A la vez que escribo esta nota recuerdo las escenas de la obra y sigo lagrimeando por la juventud entrenada para odiar. Y es que ya es moneda corriente en Occidente, una moneda bastante imposible de revertir.

¿Cómo decirle a los líderes opresores que el amor es lo más importante en la vida de todo ser vivo y que matar es un acto de cobardía?

Ser hombre pareciera ser el dejar de lado todo sentimiento noble y colocarse una armadura de hierro para que ningún gesto pueda traslucirse. Ser hombre y luchar por causas insensatas. Y seguir repitiendo lo que alguna vez se inició como verdad absoluta basado en la miseria más grande de la humanidad: el ego.

Su rostro se expresa duro, cual fiera. Luego se convierte en niño, después en adulto. Su corazón cambia de color según la época que nos narre. Permanece en movimiento una y otra vez. Quizás teme perder en esta guerra inútil. Se perfuma, se seca el sudor y continúa. Se tira al piso y ejercita. Se para y salta incesantemente. Es momento de frenar, de quitarse los tabúes, de echar a un lado los reproches y mostrarse tal cual es.

Es su vida. La que se le permitió, la única que tiene. Deberá entonces salir a la superficie y compartir sus orígenes. Habrá quienes se compadecerá y quienes no harán más que odiarlo por el odio que tuvo y que, probablemente, seguirá permaneciendo en sus venas por el simple hecho de haber nacido en un lugar determinado.

Funciones: Sábados 20 hs

Teatro El Ópalo

Mariela Verónica Gagliardi

 

Nina

Patricia Suárez tiene el don de escribir dramaturgias reales, de esas que se pueden tocar, oler y sentir. Cada vez que leo o presencio una de sus creaciones, me elevo en el aire como si consiguiera en sus textos nuevos paradigmas y nuevos modos de interpretar cuestiones ya conocidas pero poco exploradas.

En esta oportunidad, Ana Padilla, a quien admiro profundamente; recrea a un personaje encantador de Chéjov. Pero, lo interesante es que podría afirmarse una doble autoría ya que la autora le otorga otra mirada y recorrido.

“Nina” (escrita por Patricia Suárez y dirigida por Jorge Diez) nos invita a bordar historias pasadas y presentes del universo chejoviano. Podemos sentirnos en distintas épocas con solo abrir y cerrar los ojos. Con mirar el rodete perfecto que tiene la protagonista, junto a su vestuario antiguo y gastado (gran acierto el no darle una ropa nueva y brillante). Así, cada paso que Nina da en escena nos traslada a sus mejores momentos o a aquellos en que sufrió desgarradoramente pero así y todo siguió adelante por tal o cual motivo.

La dulzura de sus palabras nos permite viajar a su lado bien agarraditos. Ella es la encargada de un guardarropa pero, a su vez, tenemos el agrado de que interprete sus sentires. Hoy es la noche en que se interpreta Tres hermanas, pero ella decide hacer una versión autobiográfica.

Nosotros seríamos una suerte de público que se deslumbra con cada retazo de tela que cobra vida a cada instante.

El espacio escénico circular le otorga movimiento desde el momento en que ingresamos a la sala y, cada parte del mobiliario esta a disposición de ella para que juegue, mueva o desplace a su antojo.

Ella recuerda a quien pertenece cada saco o tapado. Quién está detrás de una suavidad o aspereza, de un color opaco o brillante.

Bolsillos gastados, telas deshilachadas, perchas que ya no soportan el peso y el relato de una mujer que está feliz y cansada a la vez. Esta es Nina, una mujer que fue madre, que fue compañera y pareja. Que no se animó, quizás, a cumplir su sueño de actriz, que permaneció en un detrás de escena pero que ahora devela sus misterios.

Imposible no lagrimear en determinados momentos del unipersonal. Imposible no aplaudirla cuando sube los peldaños para descolgar un vestuario, imposible no pedir que siga rodando por diferentes salas de teatro transmitiendo su pequeña y gran vida.

Cautivar no es sencillo y Nina lo logra, esta Gaviota lo consigue porque tiene alas que se despliegan por donde quiere, porque parece ya no temerle a nada. Porque cuando se toca fondo se puede morir o renacer y ella consiguió lo segundo.

Ana Padilla es arte, es lo que le hace falta al teatro siempre. No lo digo por cumplido sino por honestidad. Puede interpretar un personaje o varios de diferentes géneros. Tal es así que en esta puesta el espectador puede emocionarse, reír, sonrojarse, angustiarse y sentirse identificado con cada partecita de su monólogo.

Ya que me refiero a esto último, cabe resaltar que no parece una sola voz sino muchas: las de antes, las de ahora y las que, posiblemente, llegarán en el futuro. No es un monólogo, es un diálogo con ella misma, con su vestidor, con el público del teatro que fue a ver a Chéjov y con nosotros. Con la Nina que se enamoró y la que sufre en esos años. La que amó y la que guarda recuerdos como en cajitas de cristal.

Un paso, otro más y sus anécdotas compartidas. Sus más sinceros momentos que comparte con desconocidos, los mismos que aplauden, que aplaudimos. El fracaso de La gaviota de Anton Chéjov no le cae en peso, Nina, nuestra Nina, cae con ventaja. Patricia Suárez y Jorge Diez la hacen triunfar desde un comienzo. Le permiten planear por sobre nuestras cabezas, por sobre nuestros ideales y dejarla ser quien ella quiere, sin ataduras.

Teatro Hasta Trilce

Funciones: Lunes 19:45 hs

Mariela Verónica Gagliardi

Creo en un solo Dios6

Tradiciones, religiones, guerras desmedidas, tierras en puja, poder, poder y poder.

Hay cosas que se enseñan desde la cuna y otras que se maman, podría decir.

¿Cómo le podríamos decir a un israelí que su país no es suyo del todo o a un palestino que carece de todo?

¿Quién tiene la certeza o el derecho de pronunciar que un territorio es suyo o de su eterno enemigo?

¿Las guerras, probablemente, sean eternas porque la religión es su intermediaria. Entonces, cómo conciliar a dos países que se odian sin saber por qué o para qué?

¿Quién es culpable o inocente?

“Creo en un solo Dios” (con dramaturgia del italiano Stéfano Massini, traducción de Patricia Zángaro y dirección de Edgardo Millán) es una obra de teatro dramática, ¡excelente!

Resulta impecable cada uno de sus detalles, desde la puesta en escena, hasta las interpretaciones, el vestuario característico de cada actriz, la dramaturgia y su dirección. Sucede que cuando se ingresa a la sala, ya notamos una impronta escénica. Una decoración blanca que nos marca un espacio surrealista. Podría tratarse del cielo o de la tierra. No tiene por qué colorearse del  tono más conocido, ¿no?

Tuve la sensación de estar entre algodones, de que cuando cayeran esos cuerpos no se dañarían del todo.

Creo en un solo Dios es una manera de despertar a quienes se encuentran dormidos o pereciendo en el olvido.

Un Dios por religión o uno para todos. Qué difícil resulta.

En cuanto a la dinámica que ocurre a lo largo de la historia, cautiva, emociona y nos hace reflexionar con el paso del tiempo. Porque es un tiempo no lineal sino que toma diversas formas para contar qué sienten: una soldado norteamericana (Estela Garelli), una profesora de historia (Noemí Morelli) y una estudiante palestina (Antonia Bengoechea). Pareciera ser irreconciliable por lo antagónico, pero funciona como anzuelo perfecto para que ningún espectador pueda sentirse descalificado, burlado, ironizado o calumniado.

Estos exquisitos personajes son humanos. Trascienden la cuarta pared, la impregnan de sensibilidad y consiguen salirse de todo tipo de estereotipos que obstruyan su credibilidad.

Por momentos me olvidé que eran actrices. Era tan real lo que ocurría que disfruté y sufrí (al mismo tiempo) cada retazo de la obra.

Si se creyera en un solo Dios, quizás los enfrentamientos y las guerras ya no tendrían sentido de ser. Tal vez quienes comandan cada operativo no podrían seguir llevando sus caretas y no tendrían la oportunidad de hacer inmolar o explotar por los aires a jóvenes que “creen” en que eso es defender a su Patria y hacer justicia.

No existe aquello que corresponde, en una guerra.

No hay peor cosa para el ser humano que combatir y eliminar a un “otro”, matándolo. Quitándole su vida. ¡Su vida!

No concibo este mundo en paz.

Mientras la cronología parte de una fecha específica por el 2003, las vivencias, anécdotas y situaciones no paran dejan de continuarse. Temer por la muerte a cada instante porque una vez se zafó pero, luego, quizás, ya no. Pensar que se sigue viva de milagro porque Dios existe. Pero, entonces, ese superhéroe permite que unos vivan y otros mueran. No, no.

La decisión de la soldado de defender, ¿defender?, de intermediar entre esas dos naciones que no le dan libertad a sus habitantes, será lo que permita hacer un click al público. Es fuerte, muy fuerte lo que presenciamos, no el final, sino todo.

El monólogo de una se entrelaza con el de la otra, y el de la otra con el de la otra. Pero, en un momento se unen como un ovillo. ¿Son las tres una misma? ¿Qué hubiera ocurrido si la norteamericana era palestina o si la palestina era israelí o?

Todo tipo de especulación no hará más que angustiarnos. Sí, el corazón se me salió por la boca, pasé un momento de shock. Soy consciente, soy judía pero no israelí. Pienso como humana y no como guerrera. No creo que la vida de una valga más que la de la otra ni que una deba morir para que la valoren más. No estigmatizo, no juzgo, no creo más que en un Dios. Por eso esta dramaturgia es poesía que se escabulle en el corazón. Por eso es que no puedo más que recomendarle a todo ser humano que, obligatoriamente, asista mínimo a una función en el Teatro Payró.

Quizás podrán pensar qué habrá de nuevo para contar sobre esta guerra incesante. Les puedo asegurar que no es un juego de Teg sino la manera de narrar, de poner en movimiento un texto, de escuchar lo que a veces leemos, de abrazarnos sin importar cuál sea nuestro origen, religión, raza o condición.

Funciones: Jueves 20.30 hs.
Teatro Payró.

Mariela Verónica Gagliardi

 

Ver y no ver5

Empezando por el principio cabe resaltar que Oliver Sacks fue el neurofisiólogo que creó la verdadera historia, por tratarse de la suya en verdad. Sus problemas de salud lo hicieron estudiar incansablemente. No solo para salvarse sino para sanar a cuanta persona pasara por diversos problemas de salud.

Cuando pienso en el mundo de los ciegos me angustio de inmediato. Mi corazón late, precipitadamente, deseando nunca perder la vista. Ni siquiera por unos segundos. Ni siquiera para vivir una experiencia nueva. Nunca, jamás.

Creo que este miedo lo comparto con miles o millones de personas en el universo, pero es un miedo -como casi todos- infundado.

La vista a través de los ojos ve cosas que quienes están “privados” de la misma, no pueden.

Suena tan inverosímil este juego de palabras que cuando releo lo que escribo dejo de comprender absolutamente todo. Este papel debería estar escrito con palabras sin tinta, solo con imaginación.

De aquí en adelante solo analizaré lo que vi con el alma, con el corazón y con cada uno de mis sentidos. La vista la dejo para lo último porque no es indispensable para este magnífica obra de teatro que consigue trasladarnos a un campo colmado de incertidumbres, aquellas que al humano -por lo general- no le agradan.

“Ver y no ver” (cuyo título original es “Molly Sweeny”, escrita por Brian Friel y dirigida por Hugo Urquijo) es una invitación hacia lo desconocido por la mayoría de los mortales.

Si pudiéramos quitarnos los ojos, lo más probable es que no sabríamos qué hacer con nuestras vidas.

Sin embargo, Any Sweeny (Graciela Dufau) se desplaza por el escenario viviendo. Sintiendo. Aprehendiendo. Oliendo fragancias a flores exquisitas. Sabiendo qué hacer a cada instante, menos cuando su entorno está tan ansioso por una operación que podría devolverle lo que en un principio tuvo.

Ella no parece necesitar cirugías, ni cambios drásticos. Tiene lo que quiere. Lo que necesita. Lo que su corazón palpita.

Es encantador escuchar las diversas melodías que acompañan los relatos de los tres actores, que tienen su momento para expresarse en solitario, de manera privada, sin ser cuestionados o juzgados; a la vez que se fusionan espléndidamente. ¿Hace falta verlos con los ojos? Realmente no. Con la vista podemos aprecer ciertos detalles escénicos como la puesta minimalista con proyecciones cálidas y un mobiliario simple. Sin la vista se pueden sentir aquellas cuestiones inexplicables, sinceramente, con palabras. Con esto quiero decir que lo que pueda comentarles en esta nota es un mínimo porcentaje de lo que puede apreciarse a lo largo de toda la función que nos mantiene en vilo a los espectadores.

Emoción, escalofríos, llanto y cuántas cosas más logran cautivar a nuestros cuerpos. ¿Humor? Claro que sí, porque si bien es drama, el director consigue matizar y descontracturar llevándonos al inicio de la historia de amor de esta pareja encantadora: la de Any con su marido Martin (Arturo Bonín). Un dato particular y llamativo es que él la conoció al igual que en la actualidad, pero ahora, por algún motivo anhela que ella pueda verlo, quizás. Quienes vemos con los ojos estamos convencidos que quienes no se están perdiendo de mucho. ¡Qué egoístas y caprichosos que somos!

Sumergirse en la vida de esta gran mujer es sacarse muchos prejuicios, la venda llena de polvo y, realmente, empezar a vivir como seres vivos.

Tenemos un cuerpo que, tantas veces, no usamos por completo. Caminamos sin plantearnos que lo conseguimos gracias a las piernas. Besamos, sin pensar en que podemos gracias a nuestros labios. Y, así, podría enumerar muchos ejemplos que no harían más que aburrirlos.

“Ver y no ver” es una lógica racional versus una sentimental.

Queremos que la minoría sea como la mayoría sin evaluar, por un momento, que tal vez, que los más pueden ser menos.

Nelson Rueda, encarnando al Dr. Wasserman, el médico que experimentaría la “cura” de la “ceguera” de quien no parece tener demasiado entusiasmo en abandonar su universo paralelo.

A veces se puede elegir, y otras no.

Cuando sus ojos descubran, quizás sea demasiado tarde o, tal vez, la experiencia de su vida la haga entender qué le conviene.

Un devenir de situaciones harán que esta dramaturgia nos engalane desde el comienzo y no sufra ningún altibajo. Impecable, excepcional, perfecta e interpretada por tres grandes actores argentinos que no hacen más que convencernos de sus posturas.

Y vos, si tuvieras la oportunidad de escoger ¿qué harías?

Mariela Verónica Gagliardi

Elenco: Graciela Dufau, Arturo Bonín, Nelson Rueda.

Dramaturgia: Brian Friel.

Dirección: Hugo Urquijo.

Funciones: Miércoles 21 hs, Sábados y domingos 18 hs.

Teatro La Comedia.

 

La madre del desiertoPartiendo de una lengua en continua torsión, la escritura y el teatro de Nacho Bartolone se funden en un mismo gesto: adulteración, sensualidad, poesía, desacato. Sus piezas, dueñas de una sonoridad y un cuerpo escandalosos, parecen el resultado de una virtuosa coreografía intelectual. Con pulso alucinado, sus obras Piedra sentada, pata corrida (2013) y La piel del poema (2015), generan vínculos y dislocaciones entre buena parte de la tradición literaria y el teatro argentinos. La madre del desierto ataca el periplo de la difunta Deolinda Correa, puesto en el cuerpo y la voz de Alejandra Flechner. Si el desierto es una página en blanco, y el pasado un holograma o materia que acarrear, el autor enfrenta ambos con entusiasmo y crueldad. Una vez más el lenguaje, a partir del Bebo Pura Leche que encarna Santiago Gobernori, es “un destetado de su raza”y, como toda potencia desobediente, “siempre habla la Lengua de dios”.

Este año el TNA – TC incorpora a su programación funciones con recursos accesibles, diseñados para personas con discapacidad sensorial visual y comunidad Sorda. Las funciones contarán con audiodescripción introductoria e intérpretes en lengua de señas -LSA-; programa de mano con QR, que incluye un video subtitulado con la información del programa de mano en LSA.

Las funciones accesibles de La Madre Del Desierto serán el 21 y 28 de febrero a las 18 hs.

Autoría: Nacho Bartolone

Actúan: Alejandra Flechner, Santiago Gobernori

Músicos: Victoria Barca, Franco Calluso

Vestuario: Endi Ruiz

Escenografía: Endi Ruiz

Iluminación: David Seldes

Diseño Audiovisual: Leo Balistrieri

Música original: Franco Calluso

Asistencia de dirección: Gladys Escudero

Producción: Silvia Oleksikiw

Colaboración artística: María Florencia Rúa

Coreografía: Carolina Borca

Dirección: Nacho Bartolone

Web: http://www.teatrocervantes.gob.ar/

Duración: 75 minutos

Clasificaciones: Teatro, Adultos, Artes Escénicas

TEATRO NACIONAL ARGENTINO – TEATRO CERVANTES

Libertad 815 – C.A.B.A. (mapa)

Teléfonos: 4816-4224

Web: http://www.teatrocervantes.gob.ar/

Entrada: $ 280,00 – Domingo, Jueves, Viernes y Sábado – 18:00 hs – Del 14/02/2019 al 17/03/2019

El curioso mundo de Clementine 14 de febrero.jpgTodas las tardes Clementine se calza para jugar sus medias preferidas: Tito y Tita, quienes luego de tantas travesuras se han convertido en sus grandes amigos. Tito es muy tímido y miedoso pero un gran compañero. Tita es súper extrovertida y enérgica por lo que siempre los incentiva a salir en busca de nuevas aventuras.

Pero una tarde Clementine descubre que Tita no está. ¿Cómo harán para salir a jugar sin la compañía de su gran amiga? ¡Clementine juntará coraje y valor para vencer sus miedos y con la ayuda de Tito saldrán a buscar a Tita atravesando

grandes aventuras! De este modo descubrirá que tiene el poder de vencer cualquier obstáculo y además que tendrá que cumplir una gran misión. ¿La acompañamos?

Idea: Romina Giovannelli, Clara Hecker

Actúan: Romina Giovannelli

Diseño de vestuario: Clara Hecker

Prensa: Mariel Garrido

Producción: Mariel Garrido

Dirección: Clara Hecker

Clasificaciones: Teatro, Infantiles

MU TRINCHERA BOUTIQUE

Riobamba 143 – C.A.B.A. (mapa)

Entrada: $ 150,00 / $ 100,00 – Jueves – 17:00 hs – 14/02/2019

Me decís de mañanaEsta obra es un viaje por el universo femenino, espiado desde la mirilla del baño.

Su tema es la amistad de dos mujeres.

En el baño, ellas conversan, se arreglan, se preparan.

Descubren los cambios en su cuerpo, se confiesan, se lavan el cuerpo y el alma.

En ese baño los objetos más humildes nos interpelan, se vuelven compañeros de escena.

El rostro de la amiga nos mira a través del espejo para que lo real, agazapado e invisible, se nos revele como verdades que sólo pueden decirse en secreto.

“¿Dónde está el baño?” Preguntamos con timidez.

“Al fondo”

“¿Y la verdad?”

A veces aparece en el fondo, cuando dos mujeres se encierran en un baño.

AutoríaCésar Brie, Vera Dalla Pasqua, Chiara Davolio, Florencia Michalewicz

IntérpretesVera Dalla Pasqua, Florencia Michalewicz

VestuarioRocío Ambrosoni, Sharon Luscher

EscenografíaRocío Zanier Quintas

ObjetosRocío Ambrosoni, Sharon Luscher

VideoJuan Barone

MúsicaPablo Brie

FotografíaHernán Paulos

Diseño gráficoDaniela Potente

Arreglos musicalesMatías Wilson

Prensa: Carolina Alfonso

ProducciónFernando Rosen

DirecciónCésar Brie

Duración: 70 minutos

Clasificaciones: Teatro, Adultos

LA CARPINTERÍA

Jean Jaurès 858 – C.A.B.A. (mapa)

Teléfonos: 4961-5092

Web: http://www.lacarpinteriateatro.com.ar

Entrada: $ 350,00 / $ 250,00 – Jueves – 20:30 hs – Desde el 14/02/2019

 

El viento escribeEste episodio indaga sobre lo que es auténtico y lo que lo parece. Y el sutil abismo entre las dos cosas. El arte de la simulación crea un vacío para luego llenarlo. Así el simulador vacía a los demás para completarse a sí mismo. Si fuera un paria, se lo restringiría a mero estafador. Si fuera un poderoso, quizá pudiera ser gobernante. En cambio el engañado sería siempre un idiota. No hay salvación para los ilusos. Queda por preguntarse por qué tenemos imperiosa necesidad de creerles a quienes nos acorralan con sus mentiras, o qué tan idiotas pudimos ser frente a la historia contada en ámbitos cuya voluntad interpretativa es más vigorosa y efectiva que cualquier simulación. / Enrique Papatino

El hombre es nada o, mejor expresado, es lo que cree ser. Tratamos de dotarnos de significado para construir una subjetividad que nos permita ensoñarnos en la utopía de evitar que la terca muerte nos entierre en el olvido y la intrascendencia. La vanidad humana es comparable a un aplauso que en el viento se escribe./ Enrique Dacal

Autoría: Enrique Papatino

Actúan: Manuel Longueira, Marcelo Nacci, Víctor Hugo Vieyra

Vestuario: Julieta Capece

Escenografía: Julieta Capece

Asistencia de dirección: Paula Colombo

Producción ejecutiva: Paula Colombo, Cecilia Larumbe

Puesta en escena: Enrique Dacal

Dirección: Enrique Dacal

Web: http://www.porelviento.com.ar

Duración: 75 minutos

Clasificaciones: Teatro, Adultos

TEATRO PAYRÓ

San Martín 766 – C.A.B.A. (mapa)

Teléfonos: 4312-5922

Web: http://www.teatropayro.com.ar/

Entrada: $ 300,00 / $ 250,00 – Viernes – 20:30 hs

Con toda la muerte al aire lunes 11 

Esta instalación reconstruye el crimen de Alcira Methyger en 1955. El asesino, su pareja, descuartiza a la víctima y descarta su cuerpo en tres puntos diferentes de Buenos Aires. El bombardeo a la población civil en Plaza de Mayo y el golpe de Estado de la “Revolución Libertadora” son parte del contexto histórico social. La performance invita al público a sumergirse en el relato y las ambigüedades que rodean a todo acto de violencia.

El proyecto fue realizado en el marco del Laboratorio de periodismo performático con curaduría de Revista Anfibia y Casa Sofía.

En caso que llueva la función pasa al martes 12 de febrero

Idea: María Eugenia Cerutti, Alejandro Marinelli

Performers: Leonel Elizondo, Sol Titiunik

Voz en Off: Luis Ziembrowski

Diseño de luces: Luciana Giacobbe

Edición de video: Laura Escobar

Video: Federico Castro

Sonido: Marcela Turjanski

Diseño: Laura Escobar

Diseño gráfico: Sebastián Angresano, Laura Escobar

Asistencia de dramaturgia: Sol Titiunik

Asistencia de dirección: Federico Castro

Tutoría: Sebastián Hacher, Fernando Rubio

Producción: Sol Dinerstein

Investigación: María Eugenia Cerutti, María Eva Hadida, Alejandro Marinelli

Coordinación general: CASA SOFIA

Dirección: María Eugenia Cerutti, Alejandro Marinelli

Dirección general: Cristian Alarcón

Web: http://www.revistaanfibia.com/laboratorio-periodismo-performatico/

Clasificaciones: Performance, Instalación, Adultos

PROA21

Av. Don Pedro de Mendoza 2051 – C.A.B.A. (mapa)

Lunes – 20:30 hs – 11/02/2019

La casa de Bernarda Alba2Cazadores del Arte Perdido presenta, en versión libre de Charly Palermo, “La Casa de Bernarda Alba” de Federico García Lorca.

Una puesta potente, dinámica y sentida que llega a movilizar al espectador desde el primer instante.

Con actuaciones superlativas, 9 actrices se ponen en la piel de estas emblemáticas mujeres creando diferentes emociones y logrando, en algunos pasajes, distender al público generando sonrisas dentro de la atmósfera tensa de la trama.

La música y la iluminación juegan un rol preponderante, acompañando y creando el clima cambiante de la obra, desde la quietud inicial, hasta el trágico desenlace.

El vestuario, maquillaje y escenografía forman el complemento perfecto, transportando al espectador en el tiempo.

Te vas a sorprender, te vas a emocionar, vas a reír y por sobretodo, vas a querer volver.

Autoría: Federico García Lorca

Adaptación: Charly Palermo

Actúan: Hilda Bártoli, Coty Cabral, Claudia Carbajales, Mabel Centeno, Yanina Gonzalez, Vero Jiménez, Yoli Mandia, Mariana Muñoz, Yanina Navarro, Nadia Ostratiki, Jazmín Ramos, Virginia Sueldo

Vestuario: Alicia Ferraioli, Daniela Isla, Ana Pradelli

Ambientación: Jazmín Ramos

Diseño de luces: Charly Palermo

Realización escenográfica: Ricardo Delgado

Sonido: Charly Palermo

Fotografía: Creofotografias

Diseño gráfico: Ceachedesign

Prensa: Cazadores Del Arte Perdido

Producción: Charly Palermo, Jazmín Ramos

Puesta en escena: Charly Palermo

Dirección: Charly Palermo

Web: https://www.facebook.com/lacasacazadores/

Duración: 85 minutos

Clasificaciones: Teatro, Adultos

TEATRO CANNING

Av Castex 1277 – 1° Piso (Plaza Canning) (mapa)

Canning – Buenos Aires – Argentina

Reservas: 1133068048

Viernes – 22:00 hs – 08/02/2019

BULULÚ, CLUB DE COMEDIA

Av. Rivadavia 1350 (mapa)

Capital Federal – Buenos Aires – Argentina

Reservas: 1133068048

Web: http://www.elbululu.com.ar

Domingo – 17:00 hs – Del 17/02/2019 al 03/03/2019

Domingo – 21:00 hs – 17/03/2019 y 31/03/2019

LA BRÚJULA AL OESTE

Padre Elizalde 181 (mapa)

Ciudadela – Buenos Aires – Argentina

Reservas: 1133068048

Web: http://www.facebook.com/labrujulaaloeste

Sábado – 21:00 hs – 06/04/2019

EL ARCÓN DE LOS SUEÑOS

24 de octubre 933 (mapa)

Ituzaingó – Buenos Aires – Argentina

Reservas: 1133068048

Web: https://es-la.facebook.com/elarconteatro

Sábado – 21:30 hs – 20/04/2019

TEATRO DON BOSCO

Belgrano 280 (mapa)

Bernal – Buenos Aires – Argentina

Reservas: 1133068048

Web: http://www.multiculturaldb.blogspot.com

Sábado – 21:00 hs – 27/04/2019

BULULÚ, CLUB DE COMEDIA

Av. Rivadavia 1350 (mapa)

Capital Federal – Buenos Aires – Argentina

Reservas: 1133068048

Web: http://www.elbululu.com.ar

Domingo – 21:00 hs – Del 05/05/2019 al 19/05/2019

TEATRO SWING, DANZA Y ARTE  

Alianza  250 (mapa)

Ciudadela – Buenos Aires – Argentina

Reservas: 1133068048

Sábado – 21:00 hs – 11/05/2019

FhuirCuando las acciones domésticas de dos seres simples pueden tener consecuencias de vida o muerte. Cuando tratar de dormir a un bebé puede cambiar tu vida para siempre o abrir una puerta puede volverte loco, cuando cortar una manzana te da el impulso para matar, cuando el encuentro de dos cuerpos se hace imposible aunque estén en contacto uno con el otro aparece “Fhuir”: una manera de fluir la huida de la, disparatada, absurda, llena de convenciones y obligaciones vida cotidiana.

Autoría: Jorge Costa, Julia Muzio

Actúan: Jorge Costa, Julia Muzio

Vestuario: Almendra Vestuarios

Escenografía: Pablo Cordero Jaure

Objetos: Gabriela Guastavino

Sombras: Alejandro Bustos

Diseño gráfico: Renata Cymlich

Asistencia De Piso: Yamila Caire, Esteban Zeta

Asistencia de iluminación: Miguel Angel Madrid

Asistencia de dirección: Esteban Zeta

Dirección De Movimiento: Mariángeles Gagliano

Dirección: Jorge Costa, Julia Muzio

Web: http://www.juliayjorge.com.ar

Duración: 50 minutos

Clasificaciones: Teatro, Adultos, Comedia, Artes Escénicas, Danza – Teatro, De imagen, Físico, Humor, Mimo, Performance

BELISARIO CLUB DE CULTURA

Av. Corrientes 1624 – C.A.B.A.  (mapa)

Teléfonos: 4373-3465

Web: https://www.facebook.com/belisarioclub

Entrada: $ 250,00 / $ 200,00 – Viernes – 21:00 hs – Del 08/02/2019 al 29/03/2019

ChajáEsta fábula ocurre en verano, ese verano en el que nos despedimos de algo. Ese verano cuando estuvimos a punto de abrazar a alguien que nunca volvimos a ver. Un verano en el que escapamos corriendo, espiando sobre el hombro, acechando lo que tratábamos de dejar atrás. Y mientras, nos decíamos: “¡Estamos haciendo grandes cambios!” Cambios que, soñábamos, serían para siempre.

Luis Cano

Proyecto seleccionado en la convocatoria de acompañamiento económico para proyectos teatrales “Más teatro” organizado por la Fundación SAGAI, año 2018.

Proteatro presenta este espectáculo como parte de la programación nacional del 12° FIBA, Ministerio de Cultura GCBA 2019.

Dramaturgia: Luis Cano

Actúan: Laura López Moyano, Marcelo Mininno

Vestuario: Laura Poletti

Diseño de escenografía: Laura Poletti

Diseño de luces: Ricardo Sica

Diseño sonoro: Luis Cano

Tratamiento sonoro: Alejandro Dramis

Realización de escenografia: Laura Poletti

Realización de vestuario: Cintia Ledesma

Edición de sonido: Melisa Arcuri, Tian Brass, Luis Cano

Video: Julio Junge

Banda de sonido: Tian Brass, Luis Cano

Operación técnica: Lisa Iris Benevet, Maia Postolski

Fotografía: Pablo Morgavi

Asesoramiento Corporal: Marina Otero

Asistencia de dirección: Melisa Arcuri

Asistencia De Escenas: Maia Postolski

Community Manager: Correydile Prensa

Producción ejecutiva: Melisa Arcuri, Larisa Rivarola Szabason

Grafica: Laura Rovito

Dirección De Voces: Tian Brass

Dirección general: Luis Cano

Este espectáculo formó parte del evento: 12 Festival Internacional de Buenos Aires – FIBA 2019

Web: http://elportondesanchez.com.ar/plays/view/116/name:chaja

Duración: 50 minutos

Clasificaciones: Teatro, Adultos

EL PORTÓN DE SÁNCHEZ

Sánchez de Bustamante 1034 – C.A.B.A. (mapa)

Reservas: 4863-2848

Web: http://www.elportondesanchez.com.ar/

Entrada: $ 250,00 / $ 200,00 – Viernes – 21:00 hs – Del 08/02/2019 al 15/03/2019

El fin“Cuando todo se destruye, solo queda el deseo de estar cerca. La única certeza que tenemos es el fin que se aproxima. Y así, quemamos libros y miramos por la ventana; tomamos helado y nos grabamos con la cámara; caminamos por la playa y nos acordamos de quiénes éramos. En el fin del mundo, la resistencia del amor”. Esta obra quedó en el primer puesto en el X Premio Germán Rozenmacher.

Autoría: Giuliana Kiersz

Intérpretes: Diego Benedetto, Camila Conte Roberts, Belén Gatti, Bárbara Massó

Músicos: Paula Maffia

Vestuario: Maruja Bustamante, Valeria Casielles

Espacio escénico: Valeria Casielles

Diseño De Objetos Lumínicos: Verónica Alcoba

Diseño de luces: Verónica Alcoba

Diseño sonoro: Paula Maffia

Video: Laura Castro

Música: Paula Maffia

Letras de canciones: Giuliana Kiersz

Fotografía: Laura Castro

Asesoramiento: Jazmín Titiunik

Asistencia de dirección: Maxi Muti

Creatividad: Jazmín Titiunik

Producción general: Valeria Casielles

Puesta en escena: Maruja Bustamante

Dirección Coreográfica: Jazmín Titiunik

Co-producción: Centro Cultural Rector Ricardo Rojas, 12 Fiba

Dirección general: Maruja Bustamante

Este espectáculo forma parte del evento: 12 Festival Internacional de Buenos Aires – FIBA 2019

Duración: 50 minutos

CENTRO CULTURAL RECTOR RICARDO ROJAS

Av. Corrientes 2038 – C.A.B.A. (mapa)

Teléfonos: 4954-5521 / 4954-5523

Web: http://www.rojas.uba.ar

Festival: $ 120,00 – Domingo y Sábado – 20:30 hs y 22:30 hs – Del 02/02/2019 al 03/02/2019

Viernes – 20:30 hs, 22:30 hs y 22:30 hs – Del 08/02/2019 al 02/03/2019

Sábado – 20:30 hs – Del 08/02/2019 al 02/03/2019

GalloEl horizonte no es más que una línea recta, hasta que echamos a andar.

A fines de los 80´, en un pueblo del interior del país, existe un barrio alejado, en él, sobre la última manzana, una casa humilde en donde viven Julián, su madre Ana y su abuelo Claudio. Frente a ellos se abre el campo como el mismo infinito, no hay límites para la vista, sólo un gallinero marca los bordes de donde es imposible escapar. Esa mañana el amanecer es diferente, el gallo no canta, desaparece y deciden hacer guardia hasta esperar al ladrón, los cazadores están sueltos, mientras la amenaza en el pueblo es inminente. Julián y Marcos, su amigo de enfrente, recién llegado de la ciudad, quien le trae un mundo nuevo, adolecen ante la mirada de quienes creen que el amor es “la peste”.

Actores: Adriana Ferrer (Ana), Luis Gutmann (Claudio), Valentino Grizutti (Julián) y Juan Cottet (Marcos).

Música: Matías Niebur – Nicolás Bari

Escenografía: Gonzalo Córdoba Estévez

Diseño de luces: Ricardo Sica

Vestuario: Marisol Castañeda

Fotos: Sol Schiller

Diseño gráfico: Sergio Calvo

Asistencia coreográfica: Pablo Errante

Maquillaje: Elisa Bressán

Supervisión dramatúrgica: Javier Daulte

Prensa y difusión: Carolina Alfonso

Asistencia de dirección: Luciana Becerra

Producción: Lucho Valenzuela

Dramaturgia y dirección: Nacho De Santis

Estreno: 8 de febrero de 2019.

Funciones: viernes 20 hs.

Duración: 75 minutos.

Espacio Callejón

Humahuaca 3759, 4862-1167

Reservas y compra de entradas: www.alternativateatral.com

Valor de la entrada: $ 330 y $ 290 (descuentos a estudiantes y jubilados).

Venta anticipada con descuentos.

Palabras del director

Había una vez un campo, un grupo de chicos jugando y una casa de cemento sobre el borde de la calle. Un escenario perfecto para observar y apropiarse, lleno de detalles y formas extrañas. Criarse alrededor de un gallinero es un sello para siempre: su olor, sus ruidos, sus gritos, el piar de los pollitos y el verlos crecer, para más temprano que tarde amanecer al canto de los gallos.

La escena trae al teatro ese espacio particular dispuesto igual al de la realidad, ordenado de forma tal que podamos ver en el público el horizonte, lo que se abre ante los ojos de los personajes, lo ajeno, lo extraordinario. Dentro de la escena todo es hostil, la pobreza estética y personal es parte de los personajes principales. El pesado calor del húmedo litoral acompañado por la música folclórica interpretada por el bandoneón que enuncia el ambiente externo y el sonido del bombo describiendo el latido de lo interno. Los personajes son extraídos del mundo real para ser sumergidos en una ficción a partir de vivencias personales que recorren el mundo de la adolescencia, el amor, la poesía, el despertar sexual, la familia como espacio contenedor y asfixiante, los amigos como escape y las promesas teñidas de secretos. La obra expone la necesidad imperiosa de rotular las cosas de forma categórica anulando la posibilidad de que sean solo emociones imposibles de ser descriptas por la razón.

Un poema adolescente desdoblándose en el espacio para convertirse en un hecho teatral.

Nacho De Santis

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