*** Abril 2019 ***

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La experiencia de la vida

Mujeres de 60.7

Hacer reír y llorar no sé si es fácil o difícil, porque tiene que ver con la empatía del artista y con las ganas de reír o llorar que tenga el público. Con la energía que recorra cada cuerpo y con el bagaje que se traiga (desde vaya a saber cuándo) de sensaciones acumuladas, de historias vividas, de dolores no sanados y de alegrías compartidas.

Allá por el año 2003 estaba en Necochea y fui a un Taller de la risa. Ese año jamás lo olvidé por muchas razones, pero no quisiera que esta nota se parezca a un diario íntimo. Recuerdo que, al ingresar, me quise ir corriendo porque sentía que estaba en el lugar equivocado, que se reían de cosas tontas y, encima, nos daban una nariz roja de payaso para seguir la “ridiculez”. No tenía muchas opciones: o me quedaba y participaba del taller o me iba.

Por suerte, me quedé.

Liliana Pécora, desde ese entonces, para mí es sinónimo de vida y risas. No es poca cosa asociarla de esta manera porque qué sería respirar sin reír y vivir sin sonreír. Suena y queda redundante, lo sé. Pero, verla en escena es una clase magistral de actuación, de composición del personaje, de talento y astucia.

En Mujeres de 60 (escrita por Hilda Levy y Liliana Pécora), crea muchos personajes y, cada uno de ellos, con todos los detalles necesarios para que no los confundamos. Porque su inteligencia le permite, crear a éstos para que interactúen en las mismas escenas. Algo más complejo que eso, no conozco para un actor.

Mujeres de 60 es una comedia que logra atravesar esta década de una manera graciosa, simpática, amena y riéndose hasta de la propia desgracia. Con vestuarios que acompañan cada momento y situación, la protagonista -una madre y abuela agotada-, consigue asumir que no tiene demasiada escapatoria a los roles que se le exigen desde su familia.

El público (mayoría femenino) ríe al unínoso y celebra cada acierta de la actriz, quien no tiene grises para narrar a flor de piel todo lo que le ocurre y todo lo que intenta evitar (aunque no siempre lo logre).

Por momentos sentí que estaba mirando un programa de la televisión de los años 90´ y fui muy feliz. Con esto no quiero quitar mérito al espectáculo sino enaltecerlo. Es un unipersonal que integra a varios personajes, como dije al principio; y bien puede llevarse a cabo como formato de pantalla chica o de teatro.

La historia comienza con un estilo stand up, luego se vuelve más dramática, más adelante se adentra en una sitcom para volver a situarse en el género de comedia cómica como al inicio.

Mujeres de 60 podría contar con un elenco grande y, sin embargo, no lo necesita en absoluto. Con recordar los gestos típicos de cada personaje, es más que suficiente para saber a quién se le está dando el pie en ese momento, quién está hablando, quién está al lado suyo, quién se queja o celebra la broma, quiénes se unen para contar una noticia que sorprenderá como bomba; y así sucesivamente.

Divertirse es poco. Con Mujeres de 60 se la pasa bien, se sea hombre o mujer, se tenga esa edad, más o menos. Se pertenezca a una clase social o a otra. Se tenga la risa fácil o complicada. Solo hay que dejarse llevar y no juzgar de antemano.

Una china que ingresa al festejo, dos hermanas que se codean para ver quién rompe el hielo, las amigas de la madre que son para alquilar balcones, las anécdotas de viajes en que las dentaduras desaparecían y eran encontradas de la manera más increíble. Los hombres que no están, que solamente son mencionados pero nunca se oyen. El ballet más gracioso de la historia, la coreografía más lista y destacada de la noche, todos los números jamás vistos pero que fueron contratados para la celebración. Una celebración que podría no serlo.

Madres y muchas veces abuelas, jubiladas y con menopausia. Ustedes deben seguir riendo y cada vez más porque recién ahora comienzan sus vidas. Desátense, pónganse su mejor ropa y salgan a divertirse junto a este espectáculo que está todos los jueves a las 21 hs en el Teatro Buenos Aires.

Funciones: Jueves, 21 hs

Teatro Buenos Aires

Mariela Verónica Gagliardi

 

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Solange Freyre vuelve al Maipo con “Diario de un ama de casa”, dirigida por Valeria Ambrosio

Diario de un ama de casaREGRESA AL MAIPO

LA ARTISTA ARGENTINA

QUE DESLUMBRÓ AL MUNDO

¡¡¡ÚNICAS 4 FUNCIONES!!!

DIRECCIÓN
VALERIA AMBROSIO

GRAN ESTRENO
VIERNES 15 DE FEBRERO

DIARIO DE UN AMA DE CASA

Solange Freyre regresa al Maipo luego de dos funciones a sala llena en el 2017. La artista argentina deslumbró al mundo luego de su reconocimiento en la final de “Got Talent” España.

El viernes 15 de febrero a las 21:30 horas y solamente con 4 funciones regresa Solange Freyre al Maipo Kabaret (Esmeralda 443, esq. Av. Corrientes), en esta oportunidad presentando “Diario de un ama de casa” con la dirección de la prestigiosa Valeria Ambrosio. Las entradas se pueden conseguir a través de Plateanet o en las boleterias del teatro.

Diario de un ama de casa” relata la historia de una mujer atrapada en tareas que la encarcelan, forjada en creencias que no ha elegido, que muestran su parte más correcta y predecible. Con las migajas de ella misma, con la locura aparente que la falta de sentido de su vida le ha provisto, se plantea la necesidad de encontrarse, de volver a casa, a su esencia. La única manera de hacerlo es explotando, acabando figurativamente con su existencia tal como la conoce hasta ahora. Más cerca del sarcasmo que del drama, saca a la luz una verdad bien escondida por ser incómoda.

Con dirección musical de Esteban Rozenszain y coreografías de Sebastián Codega.

Sobre Solange

Nace en Buenos Aires donde estudió canto lírico, baile e interpretación. En 1997 debuta como Mina en “Drácula, el musical”, dirigida por Pepe Cibrián con producción de Tito Lectoure y continúa su trabajo haciendo numerosas apariciones en eventos y conciertos, casi siempre con repertorio de Broadway. En el año 2000 realiza varias funciones como Eliza Doolittle en “My Fair Lady”(reemplazo de Paola Krum) en el Teatro El Nacional de Buenos Aires, bajo la dirección de Mick Gordon y Luis Romero y producción de Alejandro Romay.

Deja Argentina rumbo a Nueva York en busca de nuevos retos y allí estudia comedia musical en la NYU y se forma además con profesores particulares. Acaba su etapa neoyorkina con Crystal Cruises, con quienes se traslada a Los Ángeles y más tarde da la vuelta al mundo como cantante principal a bordo de sus dos transatlánticos.

Llega a Madrid en 2002 y participa en numerosas producciones, conciertos y performances como “Antología de la Zarzuela”, “Broadway Baby” y “Cavarieté”. A su vez escribe y dirige numerosos infantiles por distintas ciudades de España como “Rebelión en la cocina”, “Campamento de verano” y “El cantacuentos de Martina”.

En 2010 de la mano de Fabián Carbone, comienza a cantar tangos en su espectáculo “Milonguero” y en 2011 crea su propio espectáculo de tango “The New Urban Tango”, llevándolo al Teatro Nuevo Alcalá, con la dirección y producción a su cargo.

Forma parte del elenco de la producción española de “Sonrisas y Lágrimas” conocido en Argentina como “La Novicia Rebelde” y mientras prepara su unipersonal, compatibilizando su tiempo con conciertos de tango y espectáculos musicales variados, participa en el programa de TV Got Talent España donde su audición interpretando canciones de “El Fantasma de la Ópera”, “Cabaret” y “Los Miserables”, merece el botón dorado (Golden Buzzer) que la lleva directo a la semi-final con gran repercusión internacional. A partir de la semi-final y su acto interpretando a Roxy del musical “Chicago”, se la reconoce como la revelación argentina en España. Su video en youtube tiene más de 3.3 millones de vistas: https://youtu.be/Fh5pZa60ciU

Solange pasa a la final emocionando con su propia versión de ‘No llores por mí Argentina’, interpretando este tema “con la dificultad que conlleva hacerlo con una coreografía y manteniendo el tono como lo ha hecho”.

En 2017 Solange presenta en Buenos Aires su show Broadway Baby en el Teatro Maipo. Un espectáculo dirigido por Sergio Lombardo que invitaba a viajar por los musicales más emblemáticos de la gran manzana, con el talento y estilo único de Solange, una joven que fue en busca de sus sueños hasta convertirse en la mujer que logró alcanzarlos. Posteriormente realizó una gira por las principales ciudades de España.

En el 2018 fue convocada para ser la protagonista del famoso musical “Mamma Mia” en Republica Dominicana.

Actualmente, Solange, divide su tiempo entre España y Argentina.

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La Cajita de Jaspe, de Patricia Suárez

la cajita de jaspeCon Susana Di Gerónimo

Puesta en Escena y Dirección está a cargo de Herminia Jensezian.

La nueva pieza de la prolífica Patricia Suárez aborda, entre otras cosas,  con precisas pinceladas de humor las diversas formas y marcas que toma y deja en la memoria la experiencia de la guerra y el cambio de identidad para poder sobrevivir.

La actriz Susana Di Gerónimo es la responsable de dar vida a esta mujer adulta que roba casi distraídamente, para poder borrar los olores y recuerdos de una niñez caracterizada por el miedo, el ocultamiento, el desarraigo y las necesidades materiales y afectivas.

Un episodio policial en un centro comercial funciona como el disparador para poder conocer, entre sus inverosímiles pedidos de inocencia,  los secretos de una vida, en apariencia normal,  marcada por el ocultamiento, la mentira y la inocencia.

Ficha artístico técnica

Dramaturgia: Patricia Suárez

Actúa: Susana Di Gerónimo

Asistencia de Dirección: María Laura Laspiur

Fotografía y Producción Ejecutiva: Silvina Macri

Prensa & Difusión: Simkin & Franco.

Dirección y Puesta en Escena: Herminia Jensezian

Estreno: domingo 10 de febrero  a las 19.30 hs

Funciones: domingos 19.30 hs

Teatro: Tadrón

Dirección: Niceto Vega 4802, Palermo

Entradas: $250. Estudiantes y Jubilados $180

Informes: 4777-7976

Duración: 55 minutos

Un poco de historia:

Este material fue escrito especialmente para Susana Di Gerónimo por Patricia Suárez, con la intención de llevar una temática que hoy se resignifica con las deportaciones de los refugiados. El desarraigo y la memoria. Tomando como tópicos la cultura, la identidad y el género. Temática que nos interpela como humanidad.

Con una problemática particular, profundizamos en esta pequeña historia de vida que desde un tratamiento poético y delicado, con pinceladas de humor, genera empatía.

Dice Patricia Suárez sobre “La Cajita de Jaspe”

“El unipersonal propuesto cuenta la historia de un olvido. Se trata de la historia de una sobreviviente al Holocausto, que fue escondida por una familia cristiana y que debió cambiar su nombre, su identidad para sobrevivir. De todos los males de las guerras, ocultar la identidad pareciera no ser el peor. Sin embargo, deja una marca difícil de borrar, que al no ser proclamada a viva voz, hace sentir a quien debió recurrir a ella, un traidor, un cobarde, un entregador, un ladrón. Muchas historias reales del sobreviviente hacen hincapié precisamente en este punto: ser el que no soy para salir adelante.

Aquí, una niña, instada por su papá a tomar otra identidad, se aloja con una familia polaca que cría chanchos. Apenas acabada la guerra, emigra a la Argentina, donde conservará su identidad polaca. Después de todo, los suyos ya no están y fue ese nombre polaco, de carácter casi mágico, el que la salvó de perecer. Pero la marca, el síntoma dirían los psicoanalistas, quedó, la culpa.

Pensada como una señora ya mayor que llevó adelante una vida de relativo bienestar, y practica pequeños hurtos en grandes tiendas, Elena Klimek, Sheine Lewy, cuenta su historia de infancia por primera vez. Sheine Lewy se roba un perfume porque no se puede robar el tiempo, y lo que fue, el pasado, es, siempre, y sigue siendo”.

Como criterio de puesta

Como disparador usamos el hecho de ser observados, espiados. El no espacio que habita circunstancialmente el personaje, es un cuadrilátero que le genera encierro, cercándolo y lo interpela como un panóptico del que no puede escapar. El tendido tecnológico junto al circuito cerrado de televisión hacen que el espectáculo responda a este criterio.

Así pues confinado ante el gran ojo observador se contrasta con la fragilidad del personaje. El vestuario determina su clase social y contextualizándolo en una época determinada que nos revelará parte de su historia.

 

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El equilibrista, con Mauricio Dayub y dirigida por César Brie

elequilibristaMARTES 21 HS.

EL EQUILIBRISTA

 Intérprete: Mauricio Dayub

Autores: Patricio Abadi, Mariano Saba y Mauricio Dayub

Dirección: César Brie

 Mi abuelo tocaba el acordeón junto a una caja que decía “Frágil”. Una caja similar a la que mi padre usaba para guardar las obras de arte, que remataba. Mi abuela soñaba con cajas que no abría. Un día le conté que yo también soñaba con una. Me aconsejó que no la abriera. Cuando me animé, la abrí, y entendí a mi papá. Luego abrí otra, y comprendí a mis tíos. Hasta que en la última, me encontré a mí. Mi abuelo había atravesado el mar con su acordeón, oculto en esa caja que decía “Frágil”. El mismo mar que tuve que atravesar yo, para saber de dónde venía. Ahora entiendo por qué.

Estreno: 22 de enero 2019. Funciones: martes 21 hs. Duración: 60 minutos

Chacarerean Teatre

Nicaragua 5565, Palermo, 4775-9010/ 4774-3712

Entradas: $ 450 y $ 350 Descuentos: Clarín 365, Cablevisión, Atrapalo.com

Localidades por Plateanet 5236-3000 www.plateanet.com

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Mi nombre es viento, sobre la vida de Juana Azurduy

mi nombre es viento 11 de eneroMi nombre es viento es una obra unipersonal acerca de la vida de Juana Azurduy, que atraviesa la historia de aquella heroína revolucionaria en todas sus dimensiones. Como joven, como amante, como esposa, como guerrera, como madre, y hasta sus últimos días de vejez en absoluta soledad y pobreza.

Mi nombre es viento es una obra que emociona, que cuenta momentos poco conocidos de la heroína sudamericana. Que no evita, sino por el contrario, revela sus contradicciones. Y abre una puerta a la reflexión sobre el amor, la libertad y la lucha.

Ficha artístico-técnica

Autoría: Marcelo Adrián Sánchez

Actúan: Karen Corzo Salinas

Vestuario: Facundo Ariel Veiras

Escenografía: Facundo Ariel Veiras

Música original: Charly De Hoz Olivas

Dirección: Ana Maria Laisa

Duración: 60 minutos

Clasificaciones: Teatro, Adultos

PASILLO AL FONDO ESPACIO CULTURAL (Muñiz 1288 C.A.B.A., Argentina)

VIERNES 11 de enero, a las 21:00 hs.

Entrada: $250

(Promoción 2 x $400)

Reservas al: 4922-9133

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Tercera temporada de Yo, Alfonsina (Una mujer libre)

yo, alfonsinaLibro y Dirección: María Esther Fernández

Con: Guadalupe Berrino

¡ESPECTÁCULO DECLARADO DE INTERÉS CULTURAL POR LA SECRETARÍA DE CULTURA DE LA CIUDAD DE MAR DEL PLATA!

Reestreno: 15 de enero de 2019

Funciones: Martes a las 22:15 hs.

Centro Cultural Osvaldo Soriano. 

25 de Mayo 3108 – Mar del Plata

Teléfono: (223) 499-7893

Entradas: $200. En boletería del teatro

Duración: 60 minutos

Yo, Alfonsina (una mujer libre) actualmente comienza su tercera temporada ininterrumpida de éxito. Primero en el Teatro La Comedia de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires y ahora pedida por el público de Mar del Plata.

El unipersonal se estrenó por primera vez en el año 1989 en el Teatro San Martín, con la actuación de Leonor Manso. Bajo el libro y dirección de María Esther Fernández.

Gana el Premio Estrella de Mar y colocan por primera vez la categoría de Mejor Unipersonal, en mencionados premios.

SINOPSIS:

Alfonsina vuelve para contarnos su vida a través de sus poemas y su palabra extraída de conferencias, reportajes y notas periodísticas. Su infancia, sus primeras mentiras, el amor, la maternidad, la soledad, su lucha por los derechos de las mujeres, su compromiso y también la muerte, su última decisión. La historia de una mujer que le hizo honor al significado árabe de su nombre: “dispuesta a todo”.

FICHA TÉCNICA:

Textos: Alfonsina Storni

Vestuario: Natalia Mendez Huergo

Diseño de luces y sonido: Juan Elías Ranieri

Música: Mariano Cossa

Fotografía: Gianni Mesticcelli

Diseño gráfico: Javier Alemanno

Asistencia de dirección: Facundo Alcaraz Marí

Dirección: María Esther Fernández

Prensa: Natalia Bocca

SOBRE LA DIRECTORA:

María Esther Fernández, docente y directora de Teatro, Egresada de la Escuela Nacional de Arte Dramático. Como actriz trabajó en Orfeo desciende, de T. Williams, junto a Alfredo Alcón y Maria Rosa Gallo, en Yerma de Federico García Lorca, bajo la dirección de Margarita Xirgu, en Rashomon de F. Y M Kanin, dirección Carlos Gorostiza, en Amoretta de Osvaldo Dragún, junto a María Rosa Gallo y bajo la dirección de Ernesto Bianco. Como Directora realizó: La Coronela de Alicia Muñoz, con Lidia Catalano, Clase Abierta de Nathan Cusnir con Lidia Catalano y el grupo T.A.L., Yo Alfonsina sobre textos de Alfonsini Storni con Leonor Manso, Canciones para Mirar de María Elena Walsh con Mirian Martino y Pablo Finamore, El mundo de María Elena sobre textos y canciones de M.E. Walsh, El Rey del Mundo de Delia Maunas y O. Cardozo y Pasión y Coraje con Mirian Martino.

En el 2017 dirigió a la actriz Mónica Villa en el unipersonal “Isabel de Guevara. La carta silenciada” en el Teatro del Pueblo. CABA

En 2018 dirigió el espectáculo “Vernissage” de Nathan Cusnir, en el Teatro Border. CABA

SOBRE LA ACTRIZ

Guadalupe Berrino, actriz y docente de teatro. Comenzó su formación a los 15 años con María Esther Fernández, Alicia Scaglia, Marikena Monti y Patricia Stokoe. Fue dirigida por Eduardo Mignona, Juan José Jusid, Héctor Olivera, Fernando Ayala, entre otros.

Formo parte de ciclos televisivos como: Detective de señoras, Donde estas amor de mi vida, Flavia Corazón de tiza, Los Libonatti, Mi otro yo y Nueve Lunas junto a Oscar Martínez y Cecilia Roth.

En cine realizo las películas: Flop y Dónde estás amor de mi vida que no te puedo encontrar.

Realizó las obras de teatro: La casa de Bernarda Alba, Los Invisibles, Don Álvaro y la fuerza del sino, El Reñidero, El campo, Enredos de amor, Vernissage.

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Hamlet, versión de Adrián Di Stefano

hamletEl Teatro Colonial de Bs. As. presenta:

“Hamlet”

De William Shakespeare. Versión Unipersonal de Adrián Di Stefano.

Sobre Hamlet:

Adaptación del clásico de William Shakespeare, en su versión unipersonal, dando motivo y sentido a la misma. Narrada y llevada a escena a modo de reflexión vivida por su protagonista, en donde surgen los textos unificados y puestos en boca de su interlocutor, desde la fidelidad del texto original.

Sobre Hamlet (versión extendida).

De reciente gira por Italia, con notable repercusión y próximo a presentarse en Ecuador en el mes de marzo, breve Temporada en el Teatro Colonial de San Telmo.

“Dicen que en el instante mismo de la muerte, un recorrido fugaz, lento y penoso de todos los actos de su propia vida, se suceden en el recuerdo individual de cada ser humano. Esto me ocurrió y lo que de ello se vio, en este mismo instante conmigo ha de morir. En la memoria colectiva de los pueblos, solo quedará la trascendencia de mis actos”.

Así finaliza Hamlet adaptación del clásico de William Shakespeare, en su versión unipersonal, dando motivo y sentido a la misma. Narrada y llevada a escena a modo de reflexión vivida por su protagonista, en donde surgen los textos unificados y puestos en boca de su interlocutor, desde la fidelidad del texto original.

Ficha artístico-técnica:

Autor: William Shakespeare.

Adaptación, Actor y Director: Adrián Di Stefano.

Asistente Técnico: Joaquín Facchini.

Vestuario: Manoli Osores Muñoz.

Producción: Teatro Colonial (Paseo Colón 413 – C.A.B.A. – Argentina).

Funciones: Sábados de enero y febrero 21 hs. (Desde el Sábado 12 de enero).

Reservas: 4342-7958/1362. Platea $300 (Jubilados y Estudiantes $ 250).

Duración: 60 minutos.

Más info: Twitter: @colonialteatro  /  Facebook: Teatro Colonial – San Telmo.   

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Estrella, de Juan Pablo Geretto

estrellaUna revendedora de cosméticos cuyo único sueño es mirar televisión.

Estrella, una emprendedora sin visión.

Ficha artístico-técnica

Autoría: Juan Pablo Geretto

Intérpretes: Juan Pablo Geretto

Iluminación: David Seldes

Estilismo: Diego Finos

Pelucas: María Eugenia Palafox

Diseño de maquillaje: Juan Gasparini

Diseño de vestuario: Magda Banach

Realización de maquillaje: Juan Gasparini

Realización de vestuario: César Taibo

Fotografía: Alejandra López

Asistencia de dirección: Maru Reinoso

Prensa: Carolina Alfonso

Dramaturgista: Virginia Martínez

Dirección: Juan Pablo Geretto, Virginia Martínez

Duración: 60 minutos

Clasificaciones: Teatro, Adultos

EL CAMARÍN DE LAS MUSAS

Mario Bravo 960 (mapa) – C.A.B.A. – Argentina

Teléfonos: 4862-0655

Web: http://www.elcamarindelasmusas.com.ar

Entrada: $ 400,00 / $ 300,00 – Viernes y Sábado – 20:00 hs

Entrada: $ 400,00 / $ 300,00 – Sábado – 22:00 hs

Entrada: $ 400,00 / $ 300,00 – Viernes – 22:00 hs – Hasta el 18/01/2019 y Desde el 01/02/2019

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Te vendo mis ilusiones

 

Ph: Alejandra López

“Estrella” (con autoría e interpretación de Juan Pablo Geretto) nos presenta un universo realmente escalofriante y entretenido a la vez, dentro del cual todas y todos podrán sentirse identificadas/os con al menos algo. Sí, porque el actor que encarna a una mujer emprendedora y fiel conocedora de la marca Avón, tiene mucho para contarnos.

No crean que se trata de cómo vender por catálogo solamente o cómo conseguir escalar posiciones dentro de las ventas por catálogo. Estrella es la oportunidad de mirar a través de la rendija varias cosas: cómo componer un personaje de pies a cabeza, cómo interpretar una dramaturgia con varios ejes que se complementan, atraen, rechazan y fusionan; cómo aprender a soñar junto a la protagonista, cómo sentir nostalgia y desazón a su lado, cómo subirse al micro para ser alguien y cuándo asumir quien se es a pesar de no tenerlo muy claro.

Me resulta ambiguo escribir sobre este unipersonal porque es un personaje que se desdobla constantemente, que busca los polos opuestos, que pretende confundir al espectador y marearlo hasta que se le antoje. Porque ese es el sentido de la historia: transmitir las sensaciones que ella tiene en el cuerpo, el adoquín atravesado en el estómago, el ramo de flores abandonado en el suelo, el color rosa que pinta a una mujer que ya no es, unas naranjas por doquier que le otorgan frescura al relato, aire de esperanza y una melancolía hacia tiempos pasados que ya no vendrán. Porque el pasado no es mejor en este caso, porque la angustia que padece quizás solo se repararía llorando mares sin cesar.

Estuve nerviosa, inquieta, riendo y lagrimeando. Y sí, es una comedia dramática que cumple al pie de la letra con ambos géneros.

Misión cumplida Geretto. Sos un grande porque en una hora aproximadamente me llevaste de paseo por donde quisiste. Me abollaste el alma hasta devolverme la risa. Y lo más placentero fue sentir que el público acompañó las emociones con sus sonidos.

¿Cuál es tu meta en la vida?

Ser vendedora de cosméticos, no está nada mal. Si es tu objetivo.

Estrella necesita sentirse así. Precisa desplegar sus alas para volar hacia un lugar que no es, ciertamente, el que nos narra. Ella pretende convencernos de cada uno de sus pasos, para convencerse. ¿Lo logra?

¿Cuántas Estrellas estrelladas existirán? ¿Cuántas mujeres que emprenden algo sin saber por qué ni para qué?

Si necesitás respuestas, pensar, analizar-te, este unipersonal es para vos. Porque nada tiene que ver con las tradicionales propuestas estivales de entretenimiento a carcajadas sin sentido. Esta obra de teatro es magnífica, ya que apunta a la yugular. Sin anestesia. Con rositas incluso en los labios. Con un besito en la frente para aquellas melodramáticas.

Estrella me gustó de principio a fin. Me ingresó por las venas y sentí el recorrido de la adrenalina -la cual capturó, incluso, hasta al más distraído-.

No hay momento para ignorar el presente porque, de lo contrario, no habrá futuro.

A la vez que los speechs dirán frases muy típicas del marketing “multinivel”, no sabremos si la risa merece ser activada o transformada en llanto. Ya no hay tiempo de hacer marcha tras.  ¡El momento es ya!

Las tradiciones deberán ser guardadas en baúles para que, en un futuro, junten polvo y telarañas. Mientras tanto, el origen de la tristeza seguirá compartiéndose, buscando nuestra empatía, permitiendo sanar en grupo y salir más aliviados de la función.

Juan Pablo Geretto, entonces, actuar de psicoanalista, se convertirá en uno encubierto o al menos en el ideal para todos los que no somos afines a las sesiones de diván. Porque la empatía es un recurso infinito y básico para que un vínculo pueda crearse y mantenerse en el tiempo. Esto ocurre aquí, en las palabras de la vendedora, en la de la hija, en la de la esposa.

Quisiera volver asiduamente para llevarme distintas sensaciones, porque considero que Estrella siempre nos otorgará un significado diferente de acuerdo al momento que estemos transitando en nuestras vidas.

Recomiendo fervientemente esta propuesta artística que tiene todo lo que tiene que tener un espectáculo cultural, unido a una dirección impecable a cargo del propio actor y de Virginia Martínez (quién, además, se une a la escritura de esta pieza teatral).

Funciones: viernes y sábados 20 y 22 hs.
Duración: 60 minutos.
Teatro: El Camarín de las Musas.

Mariela Verónica Gagliardi

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Melancólica juventud

Madre amadísima8

Con un título denso, en sentido estricto, nos adentramos en la vida de un hombre llamado Alfredito. Él será el encargado de aventurarse en un pasado atroz, en el que conseguirá -de manera excepcional- oscilar entre el llanto desgarrador, la angustia, el dolor, el sufrimiento, el amor, la tenacidad y la alegría. Porque si hay algo que aprendió es a brotar como flor en medio del desierto. Cada relato es narrado como un retazo artesanal y muy bien seleccionado. Parecieran, entonces, formar un vestuario fino y transparente como su ser. No podría decir que se trata de anécdotas porque le quitaría poder y fuerza. Son partecitas de su pasado tan profundo e íntimo que consigue tocar nuestros puntos débiles también.

Madre amadísima”, surge en el 2006 como obra de teatro en España, de la mano del escritor Santiago Escalante. Luego de llenar sus funciones con cientos de espectadores, tres años después es llevada a la pantalla grande y recién en el año 2009 Escalante decide convertir en novela su tesoro.

Con acento andaluz, nuestro actor Oscar Gimenez, se encarna en la piel de este niño-adulto. Y digo así porque Alfredito tiene mucho de su infancia en un cuerpo ya maduro. Se emociona al rememorar su primera vez, sus temores, su miedo a la tormenta y sus desilusiones. ¿Quién no las ha tenido? ¿Quién no las tiene?

Vivir, de eso se trata. Y eso lo hizo como pudo. No como hubiera querido en realidad, porque su gran amor se guardó en un placard de confort y se maquilló de hipocresía por el qué dirán.

El protagonista data de 1954, en una España dominada por Franco, con todo lo que eso implica.

Resulta atractivo el personaje, atrapante la puesta en escena (con el mobiliario justo y preciso, al igual que los objetos ornamentales), la fragancia del texto y su puntillosa dirección a cargo de Daniel Cinelli. Quizás la fragancia no puedan olerla pero sí sentirla porque cuando se cuenta con las palabras exactas y una interpretación grandiosa, resulta imposible no sentir con el olfato. Como si acaso les describiera un plato de comida sin imaginar su aroma.

Alfredito no es un niño pero allí se quedó detenido. Allí sintió todo y tanto. Amó. Amó con el alma y el corazón sin cuidarse, por si acaso. Todo lo dio. Con nada se quedó. Solo con esas sensaciones de antaño, con su descubrimiento sexual, con esas reminisencias que se contemplan en un momento, en ese instante en que se sabe qué deparará el futuro.

Un futuro impensado por un lado y conocido por otro.

Juega un papel muy importante la iluminación, que enfatiza cada hito del relato. Un relato que no se siente como monólogo sino como un diálogo con su público espectador. A modo de confesionario él se zambulle en el antes y ahora.

La relación cercana con su madre, sus cuidados, los miedos, la nobleza, la compasión y la fidelidad.

Mientras tanto una virgen negra es vestida con un atuendo por él confeccionado, con el más mínimo detalle y la Ley de vagos y maleantes prohíbe la homosexualidad. El Ejército, el paso firme y rígido versus la delicadeza y la amplitud mental. Una vida a puertas cerradas y otra explorada en sociedad, juzgada inescrupulosamente.

¿Cómo se pudo castigar el sentir?

El amor puesto en tela de juicio, servido como un plato que huele a podrido y aniquilado como mierda.

Porque, ¿el amor heterosexual es de otra categoría?

No hubo momento para planteárselo. Mejor eliminar lo diferente y seguir con el un, dos camuflado.

“A los homosexuales, rufianes y proxenetas, a los mendigos profesionales y a los que vivan de la mendicidad ajena, exploten menores de edad, enfermos mentales o lisiados, se les aplicarán para que cumplan todas sucesivamente, las medidas siguientes: a) Internado en un establecimiento de trabajo o colonia agrícola. Los homosexuales sometidos a esta medida de seguridad deberán ser internados en instituciones especiales, y en todo caso, con absoluta separación de los demás. b) Prohibición de residir en determinado lugar o territorio y obligación de declarar su domicilio. c) Sumisión a la vigilancia de los delegados”.

Una historia como tantas hubo y habrá. Quizás en la actualidad no sean considerados delincuentes pero sí siguen siendo señalados como degenerados y enfermos por parte de un Estado que se quedó en la época prehistórica. Que jamás aprehendió que para vivir hay que dejar vivir y para usar el dedo índice hay que saber qué señalar y por qué. ¿Acaso alguien podría ser ejemplo de algo en este mundo?

Funciones: Miércoles 20.30 hs. Teatro Buenos Aires (Rodríguez Peña 411 – C.A.B.A.)

Mariela Verónica Gagliardi

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