*** Mayo 2018 ***

Entradas etiquetadas como ‘teatro’

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Perfil bajo

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Es una experiencia teatral interactiva diseñada para un único espectador que se desarrolla por Whatsapp en espacios públicos.

El único protagonista es el espectador, que potencia la realidad hasta su síntesis en la ficción.

Mediante instrucciones WhatsApp y SMS, es inducido a vivir nuevas sensaciones mientras todos a su alrededor ignoran que son partícipes de una obra hecha a medida.

El Teatro es un escenario que da lugar a infinitas fantasías, vocaciones y deseos de quien se anime a subirse a él. Sobre esa base diseñamos experiencias teatrales que se adapten a cualquier espacio y audiencia.

Duración: 70 minutos
Clasificaciones: Performance, Teatro, Adultos
CIRCUITO PEATONAL FLORIDA
– (mapa)
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Entrada: $ 500,00 – Lunes y Miércoles – 13:00 hs

CIRCUITO ABASTO
– (mapa)
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Entrada: $ 500,00 – Sábado – 16:30 hs

CIRCUITO PALERMO VIEJO
– (mapa)
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Entrada: $ 500,00 – Domingo y Sábado – 14:00 hs

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Mayo: Lunes de teatro

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La enfermedad de la pasión

Amo odiarte1

Amo odiarte (escrita por Rodrigo Cárdenas y Verónica Díaz Benavente, dirigida por el primero) es una obra de teatro romántica que no deja de lado, en ningún momento, al humor. Porque, qué sería de la tragedia sin un poco de risa, ¿no?

Quienes aman tienen que saber que, en algún momento, todo se transformará. Y no siempre de la mejor manera. Porque lo opuesto a amar no es querer sino detestar y aborrecer. Quien no lo asuma, está vibrando en una sintonía diferente a la vida real.

Amo odiarte es una de esas comedias que hacen falta -a lo largo de todo el año- en la cartelera porteña, ya que no es superficial como suelen ser las de verano. Tiene esa frescura innata que nos permite, como espectadores, respirar agradablemente. Y es que ahí reside absolutamente todo: en los códigos utilizados desde el comienzo de la historia y en la manera que engancha. Amo odiarte nos da la posibilidad de recorrer la vida de una pareja que transita diferentes situaciones -desde que se conoce-. Cabe resaltar que cada escena es enérgica, precisa, detallada y haciendo foco en lo que realmente importa sin dar vueltas innecesarias. Por ello es que puede ser recomendada como obra para inquietos y para todo amante del teatro.

La presencia de Nancy Anka es más que agradable. Su figura encarnando a Patricia, junto a la de su compañero Gonzalo (Pablo Sórensen), nos otorgan una bocanada de aire fresco en medio de la angustia, y un modo de sentir todo a flor de piel. Porque si hay algo que no le falta a estos personajes es la pasión. Gritan con pasión, aman con pasión, se desesperan con pasión y bailan con pasos de nostalgia y esperanza.

Todo es práctico en la puesta en escena y funciona de manera eficiente. Un mobiliario que es fácil de manipular, junto a una iluminación precisa y que permite enfatizar en el drama propuesto en las tablas, junto a la selección musical exquisita con las voces de Bee Gees. ¿Algo más se le puede pedir a su director? Creo que no. O quizás sí: una segunda parte.

¿Quién no ha discutido? ¿Quién no ha mandado todo a la…? ¿Quién no se ha desesperado, llorado y pataleado alguna vez?

Amar es eso y es lo contrario.

Amar es tanto que no siempre se puede determinar con palabras sino más bien con sensaciones.

Y cuando uno quiere un futuro al norte y, el otro, uno al sur… no queda mucho por decir. Quizás más bien un adiós o un hasta luego o, tal vez, un algo que conforme tanto dolor.

Dos actores que se lucen, que se complementan muy bien y que se nutren en todo momento. La calidez de sus interpretaciones nos permiten sentir junto a ellos, padecer y sonreír. Esa es la magia del teatro.

Un escenario que pareciera ser su casa, aquella que observamos, aquella en la que quisiéramos entrar para aconsejarlos.

Ellos crecieron, enloquecieron juntos y quieren compartirlo con su público. Un público que aguarda cada desenlace. Sí, porque si hay algo que genera esta historia es adrenalina, como en la vida misma. Como quien dice una frase tajante y ya no se sabe qué repercusión tendrá en verdad. Porque hasta lo más conciso puede convertirse en incierto. Porque no existen seguridades ni acá ni allá. Porque la vida es lo más imprevisto que nos pudo haber tocado y Amo odiarte le hace honor. Vivir con proyectos, con metas, con sueños y con equivocaciones, claro está.

Ella con muchos cambios de vestuario que se podrían entender como una justificación a su personalidad, la cual se modifica de un extremo a otro en cuestión de segundos. Él, en cambio, permanece con la misma ropa casi todo el tiempo, lo cual se debate entre su rol en escena y su temperamento lineal.

Almas gemelas o, simplemente, romance. Como más les guste. Como lo elijan y como el destino lo prepare. Forzar de nada sirve. Todo lo que acontecerá lo demostrará una y otra vez. Así, lo natural será su receta perfecta para que el círculo vicioso deje de serlo y le de lugar al latido de corazones.

Funciones: lunes 19 hs

Teatro Buenos Aires

Mariela Verónica Gagliardi

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Estrenos y re-estrenos de Enero 2018

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Entrevista a Gustavo Tarrío

Gustavo Tarrío foto Laura Ortego-1

¿Cómo surge la idea de hacer un Festival en el Conurbano?

Es idea de una amiga, Alejandra Menalled, que trabaja desde hace años en la dirección de producción y programación del Cine teatro Helios. Yo me reencontré con ella el año pasado, fui al Helios a ver una película del festival de cine independiente, EPA. Esa misma noche Alejandra me dijo que quería hacer un festival de teatro independiente y desde ese momento empezamos a trabajar.

Primero le tocó el turno al cine y ahora al teatro. ¿Cómo considerás que será la recepción tanto en Ciudad Jardín como en el resto de las sedes?

Nosotros queremos que sea una fiesta, en un momento del año ideal para ser anfitriones y también para caer de visita. Hay una historia en relación al teatro muy presente en cada uno de los espacios y la intención no es recuperar una tradición sino más bien inventar la posibilidad del encuentro entre vecinos, artistas, locales y lejanos.

¿Por qué LATE? 

Creemos que resume bien el carácter de acontecimiento vivo y una vocación de circulación. LATE da para muchas metáforas, nosotros hacemos uso de algunas.

Parecía casi improbable en que nuestra zona pueda gestarse una movida artística de este nivel. Si bien no es el primer festival del conurbano, sí el primero en Ciudad Jardín con 100% de artes escénicas. ¿Qué sentís como Director?

Hay un poco de inconsciencia y al mismo tiempo tengo claro que encuentro en LATE algo en común con otros trabajos que hice, obras en la calle y también en la experiencia como director de documentales, en la que tu punto de vista sobre lo real determina la tarea de la obra. Y el festival es una buena manera de disponer de situaciones en las que pensar de manera colectiva.

Respecto a Ciudad Jardín, yo estudiaba en Morón y cuando me rateaba y me venía a pasear a Ciudad Jardín. Me encantaba. La arquitectura redondeada de algunos edificios, lo poco cuadrado de su configuración urbana me hacía pensar que estaba en otro país. Pensándolo ahora, creo que es un poco lo que te pasa en el teatro cuando logra conectar y te traslada a otro lugar, te pone en perspectiva y eso es lo que emociona. Salir de las rutinas, de los deberes y las obligaciones. Al final, LATE es un poco como invitar a todos a una rateada comunitaria.

Pasa el tiempo y tanto la situación política como social nos enseñan que es fundamental plasmar todo en el arte. ¿Habrá algún espacio para debatir después de cada función? 

Claro. Después de las obras va a haber un rato para hablar con los hacedores e intercambiar puntos de vista. Por un lado queremos darlas a conocer y también que las obras conozcan algo más del público con el que compartió todo ese tiempo.

Las obras son un emergente de esta época  y en ese sentido el festival no es para nada una vidriera en la que las obras se exhiben como un cuadro clausurado.

¿Cómo fue el proceso de selección de las obras? Cuándo comenzó? 

Desde que arrancamos con Alejandra y también con Camila Palacios pensamos en la idea de celebración. Obras que permitan el disfrute como condición fundamental. Y que para un público no habituado puedan ser una buena puerta de entrada al teatro independiente. Y para el público que gusta del teatro, una buena oportunidad para repensarse y establecer nuevos lazos.

Creemos que la formación de lo que entendemos por el “gusto personal” a veces se anquilosa de manera demasiado temprana y experiencias como estas tienen un poco la tarea de poner todo en cuestión y de borronear esos límites.

¿Cuál es tu sueño como Director de LATE?

Ahora que está por empezar, ¡que salga todo bien! Que las compañías se sientan en su casa y que, en lo posible, puedan probar más recursos que en sus espacios de origen. Eso es un poco lo que a mí me gusta que me pase cuando voy a un festival, es lo que te hace crecer también como compañía. Pero lo que más queremos todos los que trabajamos es que el público acuda y disfrute. A futuro, nos dan ganas de que la edición de este año sea un puntapié inicial y que con el tiempo el LATE se expanda a varios municipios.  

En la programación puede notarse una diversidad en cuanto a estilos, propuestas, modalidades y estéticas.

Al poco tiempo de empezar nos dimos cuenta de que no solamente queríamos un festival variado pensando en el público. También nos parecía que la verdadera ganancia estaba al revés y era para las obras. Que las compañías puedan enfrentar otros espacios, otro público y que también pudieran dialogar. Y en ese sentido quisimos diversidad de obras, de temáticas, de orígenes y de procedimientos. Por eso las obras son muy distintas entre sí y va a ser interesante ver como cada una resuelve su participación en LATE.

Por ejemplo, Himalaya de la compañía Rojo Accidente nunca hizo la obra en otro espacio desde que estrenó y ahora van a hacer su obra en el Teatro Ocean de Santos Lugares. O La vida brutal, que se va a hacer en el salón de trofeos del club AFALP, un espacio para nada convencional. O la Compañía de Titiriteros de la UNSAM, que va a ocupar el Helios de otra manera con una obra documental de recorrido. O una obra sobre Ciudad Jardín, con el público desplazándose junto a la Compañía de Funciones Patrióticas que de alguna manera invita a percibir de otro modo el espacio propio.

Hay una vocación de salir del cauce y de comunicación. Y también de evitar el hermetismo.   

Habrá muchos corazones latiendo a partir del 29 de octubre.

En términos numéricos, sí. Mucha gente dando vueltas, visitando un barrio cercano al que no van tan seguido o al que no fue nunca. Y es un poco la esencia de este encuentro. La invitación a desconocerse y a descubrir algo nuevo. Porque sentís que te late el corazón cuando estás enamorado o algo te pone nervioso. Y tiene que ver con desviarte del espacio del trabajo, de la producción, donde el descontrol está contraindicado. El teatro, por lo general, te enfrenta a mucha gente junta experimentando una situación, haciendo silencio, respirando con otros. Es un momento muy especial en tiempos de aislamiento en el trabajo o en la familia. Es lo opuesto a ir al supermercado, que es una experiencia de apropiación salvaje. Ir al teatro es lo mejor que le puede pasar a una comunidad.  

¿Qué mensaje le dirías a los vecinos de la zona y al resto de los amantes del teatro?

¡Que vengan a ver las obras! El mensaje del festival está ahí. Hay algunas gratuitas, como la de apertura con Las palomas dicen o Ciudad Jardín, una obra hecha especialmente para LATE. Y las entradas son muy accesibles. Y si alguien no tiene el dinero, puede hablar en la puerta y seguro que entra. Nosotros tenemos ganas de que usen a LATE para su placer personal. Que vayan todos, solos y acompañados. No quisimos ni creemos que LATE sea un festival representativo del teatro del conurbano, no tenemos esa capacidad y hubiese sido ingrato para todos adjudicárnosla. A lo sumo LATE será un nodo por el que se cruzan coordenadas bien diversas. Porque las obras que vienen de CABA tienen integrantes de todo el país, lo mismo que las obras que vienen de otros municipios. El intercambio tiene que ver con la composición de las compañías. Porque ya nadie nace, es criado y se queda a vivir en el mismo lugar. En ese sentido el festival quiere pensar en esta cuestión de límites geográficos, saber si las obras se piensan territoriales o no. Yo pienso que no y que por suerte es más complejo y también mucho más divertido.

Mariela Verónica Gagliardi

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“El inspector”, por el grupo Pulsart

FOTO DE EL INSPECTOR SOLA

Día: Sábado 9 de Septiembre

Hora: 21hs

Nombre: “El Inspector”

Grupo: Pulsart

Género: Comedia

Sinopsis: Un alcalde corrupto. Una visita inesperada. El inspector. Una historia de ambiciones y codicias, de mentirosos y charlantes. Una comedia de enredos basada en la obra de Nicolái Gógol. Cualquier coincidencia con la realidad es mera semejanza.

A LA GORRA

Arte y Vida Asociación Cultural – Remedios de Escalada 6750 (Partido 3 de Febrero)

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Desborde en La Herrería Teatro, San Miguel

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“Nuestras mujeres”, regresa después de un gran éxito

nuestras mujeres

GUILLERMO FRANCELLA

ARTURO PUIG                    JORGE MARRALE

NUESTRAS MUJERES

REESTRENO 4 DE MAYO DE 2017

TEATRO METROPOLITAN SURA

Guillermo Francella, Arturo Puig y Jorge Marrale protagonizan el reestreno en Argentina de NUESTRAS MUJERES; de Eric Assous, en versión de Fernando Masllorens y Federico González del Pino; dirigidos por Javier Daulte y con producción general de Pablo Kompel y Gustavo Yankelevich.El reestreno de NUESTRAS MUJERES será el 4 de Mayo de 2017 en el Teatro Metropolitan SURA , Av. Corrientes 1343, CABA.

Tres amigos de toda la vida se juntan a cenar y a jugar a las cartas una vez por semana. Pero esta noche uno de ellos no llegará a la hora convenida. Y para cuando finalmente aparezca, la noche ya no será la misma….

El equipo creativo principal de NUESTRAS MUJERES se completa con el diseño de escenografía de Jorge Ferrari, el diseño de luces de Matías Sendón y el diseño de vestuario de Ana Markarian.

NUESTRAS MUJERES se estrenó originalmente en Francia en 2014 convirtiéndose en el mayor suceso de la temporada con 160.000 espectadores en 150 funciones, protagonizada por Daniel Auteuil (luego reemplazado en una segunda temporada por Jean Reno), Richard Berry y Didier Flamand.

Funciones:  Jueves 20:30 hs / Viernes 21 hs / Sábado 20:30 y 22:30 hs / Domingo 20 hs

Teatro: Metropolitan Sura  Avda. Corrientes 1343

Localidades desde $ 500.-

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Rutina veraniega en riesgo

Lucro cesante1

Ficha Lucro cesanteLucro Cesante (escrita por Ana Katz y dirigida por Lucía Baya Casal) no es una clase de economía ni mucho menos. Es la historia de tres amigas que demuestra cómo es posible ganar o perder en cuestión de segundos, de una decisión errónea o de un capricho innecesario.

A partir de esta comedia humorística, podremos presenciar unas vacaciones a la Costa, terminan siendo mucho más que diversión (la cual casi nunca alcanzan a sentir), que unas olas saltadas o que una zambullida tomadas de las manos. Estos días alejadas de su familia las harán crecer y saber qué es lo que en verdad quieren, que objetivos persiguen y cómo podrán revertir su presente por el más profundo deseo.

Un pozo en común que no resulta, un pasaje en colectivo no devuelto, unas ollas lavadas con mucho detergente hasta conseguir ese pastiche pegajoso difícil de enjuagar -como sus rostros por las mañanas y esos días rutinarios que se reiteran apesadumbradamente sin creer en un cambio-.

Ellas llegan a la casa alquilada pero nadie las recibe, nadie les abre la puerta y los artilugios que tramarán a lo largo de las horas les harán descubrir que todo es más fácil de lo que suponen. Una llave que puede darles acceso a buenos momentos compartidos pero que no son capaces de afrontar. Las tripas que crujen de hambre pero que, sin embargo, logran engañar con charlas estiradas y un mar no visitado. Mientras tanto, el humor las salvará como un guardavidas y les entregará la poción necesaria de valentía para que asuman el control de sus vidas y disfruten como se merecen.

Lo más increíble de la obra es que me sentí identificada con tantas situaciones, conversaciones e incluso con el vestuario que parecía estar incluida en la propuesta. De hecho, a supongo que a casi todos los espectadores les habrá ocurrido lo mismo. Los años 80´ y 90´ estaban plasmados en escena, con esos remerones gastados, los bronceadores naranja, el off siempre presente y los turrones que cuando no te arrancaban una muela te saciaban el apetito por un rato. El equipo de música con cassette de cinta, una diversidad de canciones que les devolvían el aliento cuando la tensión se avecinaba y las reposaras de caño que nunca fueron cómodas pero que, sin embargo, decoraban cada verano.

Me llamó la atención que no fueran al mar, que no lo tocaran, que se resistieran a sentirlo en sus cuerpos. Pero, claro, necesitaban tiempo, conexión con ellas mismas y con el grupo.

Con respecto a los personajes, cada personaje es único, entretenido y colmado de ocurrencias que no solo despertarán la curiosidad nuestra sino de ellas mismas. La tradicional e impoluta que necesita dar explicaciones de todos sus actos, la transgresora y la culposa.

Pedir perdón no siempre será necesario pero así lo considerarán. Criticar será imperdonable por un minuto y, al siguiente, lo más común. Porque son humanas, jóvenes y llenas de vitalidad.

Se decepcionarán ante un beso o un no beso, se ilusionarán con un recuerdo caluroso y planearán su próximo viaje, el cual, seguramente, será un nuevo aprendizaje, un nuevo sinceramiento y un olvido de la hipocresía. Porque lo festivo de las vacaciones donde se supone que hay que reír, montar una casa en la playa y chapotear sin parar; no se verá en Lucro cesante. Por mucho que cueste creer, estas amigas le darán un vuelco abrupto a sus vidas, donde el día se volverá noche en un abrir y cerrar de ojos… mientras las aguas abiertas aguardan su llegada.

Tres actuaciones impecables de la que sobresale la excelencia de Carolina Saade; con un texto atrapante y una dirección fina y precisa. Con los detalles necesarios para que las luces y ritmo se conjugue a la perfección y cada escena sea única. Así da gusto pasar un domingo de otoño, rememorando nuestro interior, sintiendo con el corazón y descubriendo junto a éste nuestro futuro. No el que los demás pretenden sino el que nosotros anhelamos.

Lucro cesante es más ganancia que pérdida, es un cúmulo de recuerdos que se nos avecinarán de golpe como una ola gigante difícil de frenar o esquivar.

Funciones: Domingos, 19 hs. No Avestruz

Mariela Verónica Gagliardi

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Cosecha 48, el olvido no muere

cosecha

La directora brasileña Gabriella Aly dirige junto a Nicolás Acosta,Cosecha 48”, una tragedia en clave de comedia negra, atravesada por el género de la Ciencia Ficción. La obra fue inspirada en las investigaciones sobre la memoria y los recuerdos del neurocientífico argentino, Rodrigo Quian Quiroga.

Cosecha 48

el olvido no muere

De Nicolás Acosta

Dirección Nicolás Acosta, Gabriella Aly

“Somos nuestra memoria, somos ese quimérico museo de formas inconstantes, ese montón de espejos rotos” J. L. Borges

¿Los recuerdos pueden ser manipulados? ¿Existe una fórmula para recordar?

Dos jóvenes científicos reciben la visita de un viejo amigo de sus padres quien les pide que cuiden un ropero de incalculable valor que no debe ser abierto. La noche recién empieza y las puertas no quedarán cerradas. La memoria y la envidia serán la esencia de esta trama, en donde lo que uno intenta olvidar siempre vuelve.

Viernes 20:30 horas

Vera Vera Teatro -Vera 108 CABA-

Entrada General $150 / Jubilados y estudiantes $100.

Reservas: (011) 15-3263- 0400 / persistentecia@gmail.com

Acerca de la obra:

Cosecha 48 es una tragedia en clave de comedia negra y atravesada por el género de la Ciencia Ficción. Desde su construcción formal y el contenido hasta la más mínima particularidad de cada uno de los personajes, la obra reviste múltiples signos que se cruzan, se acumulan, complementan y contradicen, para así dar vida a la trama. Entre las distintas formas de intertextualidad que componen Cosecha 48, podemos hallar citas o alusiones a las tragedias de William Shakespeare y Christopher Marlowe; a la literatura de Jorge Luis Borges; a la música de José Luis Perales; a la literatura de Philip K. Dick y a las investigaciones del neurocientífico argentino, Rodrigo Quian Quiroga.

Ficha técnica:

Actores: Nicolás Acosta (Phillip – Enrique), José Ignacio Del Vecchio Ramos (Richard – Rubén), Mercedes Gorziglia (Anna –Martina), Omar “Chino” Kuhn (Ceveriano), Esteban Real (Funes)

Diseño de Escenografía: Gabriella Aly

Diseño de Luces: Sebastián Francia

Diseño de Vestuario: Gabriella Aly

Música: Estanislao Galerato

Diseño Gráfico: Agustin Scipione

Fotografía: Julian Farina

Prensa: Correydile

Producción Ejecutiva: Santiago Martín

Dramaturgia: Nicolás Acosta

Dirección: Nicolás Acosta, Gabriella Aly

Duración del espectáculo: 60 minutos

Pagina web del espectáculo: http://persistentecia.wixsite.com/persistentecia

Fan Page: Cosecha 48 – Persistente Cía de Teatro

Instagram: persistentecia

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