*** AGOSTO 2021 ***

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Blancanieves y los 8 enanitos

La lucha de Blancanieves por volver al palacio de donde ha sido expulsada. El valor de ayudar a aquél que lo necesita más allá de las diferencias.

Autoría: Héctor Presa

Actúan: Valeria Acciaresi, Macarena Ferreira, Brian Goncalves, Ornela Ortiz, Ayelen Pérez, Luli Romano Lastra, Lucas Romero

Vestuario: Lali Lastra

Escenografía: Héctor Presa

Objetos: Lelia Bamondi

Diseño de luces: Héctor Presa

Realización de escenografia: Claudio Provenzano

Música: Ángel Mahler

Asistencia técnica: Facundo Fernández Choque

Coreografía: Mecha Fernández

Puesta en escena: Héctor Presa

Dirección: Héctor Presa

Duración: 55 minutos

Clasificaciones: Teatro infantil

LA GALERA ENCANTADA
Humboldt 1591 – CABA
Argentina
Teléfonos: 4872-9478/ 15 3150-2003
Web: http://www.lagaleraencantada.com.ar
Entrada: $ 350,00 – Domingo – 15 hs y 16:30 hs – 22/08/2021

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Alicia en sombras

Es un espectáculo basado en el famoso clásico de Lewis Carroll. Cuenta la historia de «Alicia en el país de las maravillas», a través de canciones y las sombras de los personajes.

El famoso clásico de Lewis Carroll contado con canciones y teatro de sombras.

Edades Sugeridas: 4 a 8 años

Narración y Dirección: Mariela De La Sota

Duración: 35 minutos
Clasificaciones: Musical infantil

AUDITORIO UPB (UNIVERSIDAD POPULAR DE BELGRANO)
Céspedes 3929 – CABA
Argentina
Teléfonos: (011) 4552-8969
Web: http://www.upebe.com.ar
Entrada: $250 – Sábado – 15 hs – Del 04/09/2021 al 11/09/2021

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Vivo

VIVO es un espectáculo experimental de improvisación, donde se postula la multiplicidad de la escena como factor determinante de la construcción, el intérprete despojado de todo artificio lleva la actuación a sus estados más primitivos y carnales.

Datos paso a paso:

El actor toma una máscara, y comienza a desarrollar una escena. Al termino de esta toma otra mascara y desarrolla otra escena.
Cada situación se desarrolla como una entidad autónoma de creación.
En la segunda etapa el actor comienza a desarrollar un donde re aparecen los personajes antes vistos, generando en este momento la multiplicidad dramática. De esta manera aquellos seres creados azarosamente comienzan a confluir en un relato u obra única. En esta etapa del show el intérprete deja las máscaras para utilizar las huellas que han dejado las mismas en su cuerpo.
El resultado final es un material formulado por diferentes puntos de partida y que luego se convierten en una sólida obra.

Concepción: Marcelo Savignone

Actúan: Marcelo Savignone

Escenografía: Lina Boselli

Diseño de luces: Nacho Riveros

Realización de escenografia: Federico Villarino

Música original: Andy Menutti

Fotografía: Cristian Holzmann

Diseño gráfico: Edgardo Carosia

Asistencia general: Damian Minervini, Guido Napolitano

Dirección: Marcelo Savignone

Duración: 60 minutos
Clasificaciones: Teatro para adultos

BELISARIO CLUB DE CULTURA
Av. Corrientes 1624 – CABA
Argentina
Teléfonos: 4373-3465
Web: https://www.facebook.com/belisarioclub
Sábado – 21:45 hs – Del 07/08/2021 al 25/09/2021

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La esperanza de unirse por una misma causa

Tenía muchas ganas de ver “Verde agua” (escrita y dirigida por la gran artista Marina Lamarca). Así fue como una noche en que había un partido de fútbol, mi elección fue asistir a una función que en mi corazón se selló como inolvidable. 

Mientras la ciudad parecía inmovilizada por una pelota, en el Teatro Border reflexionábamos sobre el lugar que ocupamos las mujeres, el feminismo, la solidaridad entre nosotras y el ímpetu por hacerle frente a un gran problema hace… desde el comienzo de la humanidad: el machismo.

Un público conmovido por la presente dramaturgia que nos logra atravesar, de un extremo a otro, desde que comienza la historia. Una historia que se centra en la Provincia de Entre Ríos, y más precisamente en la mejor empresa de embutidos del país. Con una puesta en escena conformada por salamines (bajo mi mirada hace una alusión perfecta con los pensamientos obtusos, anticuados y conservadores de muchísimos varones de Argentina), de distinto largo y grosor; nos inmiscuimos en una conferencia de prensa que es la más trascendente en la carrera del político Carlos Almada. A este acto acuden las mujeres que lo “respaldan”, al menos hasta ese momento: su esposa, hijas y secretaria de oficina. Pero, algo puntual ocurre: dichas mujeres quedan encerradas en un sótano con todos los embutidos y absolutamente todos los conflictos salen a la luz. ¿De la peor manera? Sí.

No puedo revelarles cada detalle porque perdería gracia la trama para quienes aún no tuvieron oportunidad de presenciarla. Lo que sí les puedo garantizar es que cuando las mujeres nos agrupamos, con diferentes modos de pensar, de vestir o de actuar; algo nos une: el hecho de ser MUJERES.

Creo que no existe poder mayor que el nuestro y no porque queramos competir con los hombres sino porque las mujeres tenemos la oportunidad de dar vida, algo tan valioso como ello.

Volviendo a Verde agua, tanto la dramaturgia como dirección de Marina Lamarca, son impecables, con un atractivo único y, al menos a mí, me hicieron brotar las lágrimas de esperanza, de que vamos por buen camino, de que todo acto de justicia (sea o no criticado por quienes no se sienten “parte”) dio y seguirá dando los frutos anhelados. Mientras tanto, la puerta permanece cerrada, la adulación hacia este político aumenta, los aplausos se oyen a lo lejos, quien iba a dar un discurso (por un motivo específico) no lo da; la violencia física y verbal van en auge… hasta que se produce un quiebre: el más inesperado de toda la obra. Cuando eso ocurre, el patriarcado empieza a disolverse, las furias a combatirse y las manos a abrazarse.

No hay peor odio que el que pueda surgir entre mujeres, no hay peor guerra que la que nos tenga enemistadas. El amor late en los corazones de estas excelentes actrices que interpretan increíblemente a estos personajes.

Pero el verde, pueden preguntarse por qué está presente en sus vestidos y es que quisieron combinar con la corbata de Carlos Almada (quien, por suerte, no está físicamente en la obra). Y sí. Cinco mujeres que están felices y dichosas de tener a este hombre en su vida cotidiana, cada una desde un lugar diferente y con un propósito distinto… Sus sonrisas que parecen pintadas como para la foto que saldría en la portada de la revista con mayor tirada; se vislumbran ficticias. 

¿Cuánto tienen que fingir para no decaer? ¿Cuántas pruebas deben superar para subsistir? ¿Cuál es el peligro que las aqueja? ¿A qué le tienen tanto miedo?

Lo que parece ser, no es… se cae. No puede sostenerse, así como el sol no puede taparse con una mano. 

Es el momento, el de la unión, el de la empatía, el de abrazarse y no juzgarse, el de callar a tiempo, el de solidarizarse sin rencor. El de decir ¡basta!

Dramaturgia y Dirección: Marina Lamarca.

Elenco: Agusta Bermúdez, Anabella Aizenberg, Ayelén Garaventa,

Lili Popovich, Sol Agüero.

Funciones: Sábados, 20 hs.

Teatro Border.

Mariela Verónica Gagliardi

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Cine on line: Fin de siglo

Un argentino de Nueva York y un español de Berlín se conectan por casualidad mientras están en Barcelona. Lo que parece un encuentro de una noche entre dos extraños se convierte en una relación épica, que abarca décadas, en la que el tiempo y el espacio se niegan a cumplir las reglas.

Guión: Lucio Castro.

Actúan: Juan Barberini, Mariano López Seoane, Mía Maestro, Ramón Pujol.

Producción: Lucio Castro, Josh Wood.

Dirección de fotografía: Bernat Mestres

Dirección: Lucio Castro

Duración: 84 minutos
Clasificaciones: Cine, Streaming online, Adultos

Localidades

Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Web: http://www.comunidadcinefila.org
Domingo, Lunes, Martes, Miércoles, Jueves, Viernes y Sábado – 00:00 hs – Hasta el 28/02/2021

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Entrevista a Déborah Fideleff

Déborah Fideleff

Déborah Fideleff es actriz, dramaturga, guionista y directora… 

Sos una artista increíblemente completa.  ¿Como fue producir en plena cuarentena el corto Festín?

Fue una experiencia enriquecedora para mí, en el sentido de dirigir a distancia (de qué forma, de qué manera), son cosas que me fui replanteando pero asumí el riesgo y lo hice. 

Te cuento un poco cómo surgió la idea. Esto fue con un grupo de realizadores audiovisuales (armamos un grupo de chat)… Un poco era: seguir haciendo a pesar de la cuarentena, ¿no? Un poco: no oxidarnos. Y así fueron surgiendo varias ideas y se fueron haciendo otros cortos, los cuales han dirigido otros artistas. Y bueno, en esta oportunidad me tocó a mí y la verdad es que estoy sumamente contenta; porque bueno, uno tiene la fe de que va a salir pero bueno, los demás tienen que poder entenderte y confiar en lo que uno plantea. Yo digo que lo hice con un gran grupo de realizadores audiovisuales, de todas las ramas, porque así son. Y de soñadores porque de eso se trata: de poder soñar y de animarse a hacer, ¿no? Total… el arte para mí tiene eso: es subjetivo. A alguno le puede gustar más, a otros menos. Nosotros estamos felices de poder seguir haciendo a pesar de. De eso para mí se trata, y de que el que dirija (en este caso me tocó a mí), pueda mostrar su idea, qué le pasó haciéndolo y yo lo disfruté un montón -desde elegir cómo quería que fueran los planos hasta la dirección de actores, que me interesa mucho-. Así que estoy muy contenta. 

¿Sentís que el encierro te potenció una parte creativa que hasta el momento no habías explotado?

Yo soy una persona que, particularmente, no puedo dejar de hacer cosas. Y con mi esposo, Gabriel Rovito, teníamos el año planeado: obras en gira, re-estreno de otra obra, tengo otra obra que escribí y tenía ganas de que Gabriel la montara a fin de año, y, la verdad que con todo esto se nos revolucionó todo. De hecho ya tenía un montón de funciones programadas. Este año, como nunca lo hice antes (si bien siempre programo), ya en febrero tenía un montón de funciones programadas para todo el año… y bueno. Y, al pasar eso era como: ¿y qué hago ahora? Y bueno, sí, puede ser que uno empieza a indagar, a animarse a hacer otras cosas. Es factible que sí, que uno también se descubra en otras facetas. O que tenía uno una intuición, pero bueno… de golpe te lanzás y lo hacés. Animarse a hacer. Y más cuando está la muerte cerca. 

¿Qué sensaciones te recorren el cuerpo?

Volviendo, un poco, al tema de la cuarentena, creo que a lo largo de esta cuarentena me ha sucedido de todo. Pasé por distintos estados: desde el aburrimiento total, desde mirar el techo y no saber qué hacer, desde ponerme a pintar la reja eterna del balcón hasta ponerme a cocinar las cosas más extrañas o que nunca jamás había intentado. O escribir, o continuar otras que yo ya las tenía como frizadas y continuar un poco en eso. Y bueno, también en un estado quejoso mío de decir: Ay voy de la cama al living, del living al balcón y del balcón a la cama. Y bueno, en medio de todo eso de la cuarentena me picó un mosquito y me agarré dengue. Y bueno, antes me quejaba de que me levantaba de la cama al living y del living al balcón, y estuve diez días en cama. O sea que no me podía mover, salvo para ir al hospital (que tenía que ir cada dos días a sacarme sangre). Después de eso me dieron el alta, estoy absolutamente recuperada, pero me cambió un poco la visión y el sentido de salir un poco de la queja y empezar a hacer cosas que me gustan y disfrutarlas, realmente, ¿no? No como: estoy aburrida! Y uno se lo mete en la cabeza. Y sí, el aburrimiento es parte de la vida pero, también, pero incluso puede ser un hecho creativo. Yo recuerdo de chica que si me aburría, en medio del aburrimiento dibujaba y creaba y escribía. Me parece que también surgen un montón de cosas.

La sensación que más recorrió mi cuerpo fue salir de la queja porque también uno puede estar peor. Y bueno, como bien decía, aprovechar el momento creativo y sino aburrirse y punto y esperar que todo esto pase pronto para poder volver, ¿no? Nosotros, los artistas, estamos en este momento bastante relegados y fuimos los primeros en cortar con la actividad y seguramente seamos los últimos en volver. Entonces, es un momento para cuidarnos porque no nos queda otra. 

Festín¿Cuál es el eje de Festín?

Festín en casa es la historia del Señor X. Es un hombre adulto, perturbado, con muchas oscuridades (que se hace cargo de todo eso), tiene culpa pero, también, se permite disfrutarlo y cuando escribí, el eje fue ese personaje. Y, pensaba, cuántos individuos conviven dentro de una misma persona. Porque hay una idea errática de que uno es de una determinada forma y punto. Y yo creo que uno es de muchas maneras. Y, bueno, en este caso vendría a ser un cortometraje que va hacia el suspenso, ¿no? Incluso, no decir terror, pero podría llegar a ser. Y bueno, creo que la mejor síntesis es verlo (risas). Me es difícil decir lo que escribo en pocas palabras, pero creo que tienen que verlo. Van a poder verlo en el Canal de YouTube de El Apocalipsis Films.

¿Qué proyectos post cuarentena estás delineando?

Proyectos tenemos un montón. Todavía tenemos algunos que nos quedaron ahí, en el canal de parto. Uno es “Lazos eternos, historia de tres amores” (es la obra que escribimos con Gabriel Rovito y que la tenemos en gira, permanentemente), también otra obra que había hecho Gabriel, que la estábamos ensayando (teníamos muchas funciones programadas) y quedó en stand by porque estábamos en proceso de ensayo. Y después sí, teníamos pensado para mitad de año, empezar a trabajar sobre otra obra que había escrito yo, y que no sé qué va a pasar; porque todo se va aplazando para adelante y no sé… así que vamos a ver. 

Por suerte este año también se dio, en medio de todo esto, que se pudo estrenar Dédalo (que es una miniserie en la que actúa Gabriel Rovito, que es protagonista) y también tengo la suerte de trabajar yo, junto a un gran elenco (que está Malena Figó, Oscar Ferrigno, Hugo Arana, Nora Cárpena, Raúl Brambilla, Azul Fernández, Laura López Moyano, Germán Baudiño, Daniel Quaranta; bueno, un gran elenco y, por suerte, se pudo dar por Canal 9. Es una serie que ya teníamos muchas ganas de que salga al aire. Ya terminó de darse al aire pero está en CineAr la serie completa y seguramente estará hasta fin de año.

También, dirigí yo un cortometraje, en el que actúa Gabriel Rovito: Extraño suceso de un verano interminable, que filmamos, justamente, antes de fin de año y que hicimos todo el proceso ya de posproducción y la idea también era ponerla en festivales, pero con todo esto hay festivales que se han caído.

Extraño

Un corto de suspenso creado antes de la cuarentena. ¿Cómo fue producir el material en libertad y cuál fue el disparador para llevar adelante la idea?

La diferencia, para mí, es notable. Filmar con la normalidad de la no cuarentena, estar presente (en vivo y en directo) y ver con tus propios ojos y sentir lo que está sucediendo; no es lo mismo que a distancia.

Si bien, a distancia, di directivas; después están las interpretaciones de cada cual. Igual, después me llega el material y de última puedo decir: mirá, repitamoslo, o va por acá, un poco más. Con algunos lo hacían en el momento y lo envían, con otros que vivían más lejos, el material llegaba más tarde porque también el envío del material es como lo más complejo, ¿no? No es lo mismo, para nada. Al estar presente hay cosas que se te ocurren en el momento, por la sensación que tenés. Igual, me pasa a mí, que tengo la sensación de: hay cambiar esto o agregar tal cosa” y lo hago. Eso sí.

Pero estar presente… no hay como eso. Porque, además, hay un montón de cosas estéticas -que al no tener un equipo grande se van limitando-. Y, las escenas de las otras personas no pueden estar en el mismo lugar o que convivan… es como que se va achicando el rango para hacer. 

Extraño suceso de un verano interminable nace de imágenes que me aparecen en la cabeza y que necesito expresarlas de alguna manera. Y eso hace que me ponga a escribir y ordene esas imágenes que intento que aparezcan reflejadas en la cámara. 

En verano, escribiendo, a raíz de imágenes que venían y de recuerdos  y de cosas. Porque creo que siempre todo tiene que ver con uno, con momentos de la vida o inquietudes o miedos.  

Y este es un género de suspenso, ciencia ficción, cine negro (que podría ser de una época o no). Lo quise poner atemporal, que tenga algo como de época, y la verdad que estoy muy contenta, es algo que hicimos con mucho mucho cariño, con un gran equipo de gente con mucha buena onda y talentosa (como Gabriel Rovito, quien tuve siempre en la cabeza para este corto. No podría haber sido otro). Después, Mariano Frumento (quien hace la música original), siempre acompañando los proyectos. Mariano es un artista impresionante, talentoso músico. Emanuel Echevarría (quien hace la cámara), un genio total. Ángeles Esles (quien me asistió en el arte), también una persona adorable y que le puso también el cuerpo. Mariano Biondi, quien hizo la asistencia de dirección), que me ayudó en un montón de cosas, con la claqueta. Hicimos un gran equipo, súper reducido, pero con mucho amor y con muchas ganas de que se vea este corto que quiero tanto. 

Extraño suceso de un verano interminable lo vamos a liberar por este fin de semana. Va a estar liberado el viernes a las 21 hs hasta el domingo a las 21 hs, y luego vamos a pasar el link para que puedan verlo.

Mariela Verónica Gagliardi

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Apertura del V Festival Internacional de Circo Independiente (FICI)

The crazy Mozarts

Por quinto año consecutivo, hoy, a las 18 hs, tuvo lugar la Apertura del Festival Internacional de Circo Independiente, con la curaduría de la artista Leticia Vetrano.

La terraza del Centro Cultural Recoleta (Junín 1930 – CABA) fue testigo de una tarde en la que no faltó absolutamente nada para pasarla bien. Con risas, caras de sorpresa, juegos, constante interacción con el público, música clásica y demás; la fiesta llegó para quedarse hasta el domingo 17 de noviembre. 

The crazy Mozarts (integrado por Santiago Blomberg, Sebastián Marcelo Guz; con dirección de este último) fue el espectáculo que tuvo la oportunidad de vibrar junto a los espectadores (que oscilaron entre los 2 años y más de 70). Realmente increíble cómo cuando un espectáculo es de calidad y pensado en conjunto, puede pintar sonrisas en grandes y chicos. 

Pero como el circo no es solo chispazos, antorchas de fuego y malabares; este dúo (muy bien sincronizado) suma cultura, educación y, de paso, mezclar todos los ingredientes, batir fuerte y beber algo increíblemente suspicaz, integrador, y con la astucia necesaria para demostrar que con poco se puede hacer mucho. 

Se puede reutilizar para crear, utilizar la inteligencia a nuestro favor, imaginar que el The crazy Mozarts1mundo es, grandiosamente, lo que se está viviendo en ese preciso instante de alegría y disfrutar de una creación colectiva. Eso es lo más meritorio que, sin lugar a dudas, sería imposible sin todo el pre calentamiento sucedido desde el primer minuto de show.

No todo lo que tiene una determinada forma es para la misma utilidad. Si bien la percusión tiene su finalidad, no tiene por qué ser tocada de la manera tradicional, así como tampoco una voz debe ser siempre afinada ni los actos de una partitura de música clásica separarse del modo originario. 

The crazy Mozarts resulta una invitación a lo lúdico con un planteo descontracturado, brillante y cuidando cada uno de los detalles. Porque ni el sol ni el viento ni las nubes pudieron opacar tremenda celebración.

¿Que pueden estar locos estos artistas? 

Vendría a ser parte de su inspiración, parte de su trama, así como la caspa que vuela sobre los aires, los pelos danzantes, sus smokings y la inventiva por crear y recrear en todo instante.

Cuando estaba finalizando el espectáculo sentí la adrenalina en mi cuerpo. Miré a mi entorno y todos corrimos tras ellos ¡para tener una foto! 

The crazy Mozarts SAT

¿Los niños?

 

Ellos son más civilizados…

Esto es solo el comienzo así que mañana domingo 10 de noviembre pueden acercarse al Galpón de Guevara, ya que de 14 a 17 hs habrá una serie de charlas para degustar.

Mariela Verónica Gagliardi

 

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Hasta que la sombra se proyecte

Aceite de mariposa1

Hay obras que pasan al lado nuestro mostrándonos determinadas realidades y, otras, que nos atraviesan transversalmente para generar un cambio de pensar y ver las cosas (al menos desde la óptica de la dramaturgia).

Aceite de mariposa (escrita por Thelma Demarchi y Ricardo Lago Oliveira, dirigida por este último y protagonizada por Thelma Demarchi) es una de esas historias del segundo tipo, porque de manera íntima y cercana nos narra algo tan real como certero, algo que cobra vuelo y nos moviliza tanto que conseguimos sentir lo que el personaje siente, pensar lo que dice, callar lo que su boca silencia y terminar soñando con un futuro en el que no se imponga una verdad sino muchas. Permitiendo la existencia no de una voz sino todas.

¿Quién es esta mujer que permanece sentada hablando de su pasado?

Esta respuesta podría obtener múltiples respuestas ya que todas las espectadoras somos diferentes, tenemos vivencias distintas y, por ende, nuestros recuerdos no son idénticos. Hablo en femenino no porque el unipersonal no pueda ser visto por hombres, todo lo contrario. Sino porque una de las temáticas de la pieza artística tiene que ver con nosotras, con la maternidad, con el hacerse cargo, con el no poder siempre, con el desbordar-se. 

Un hombre que se retrata como el abandono mismo, una madre que acapara, absorbe, condena y, quizás, a su manera ayude o perjudique. Una joven que busca el amor por donde sea y como sea. Que aguanta con tal de sentir cariño. Que se conforma con instantes, los cuales, posiblemente, la hundan más. 

Esta mujer que está rígidamente sentada, habla, cuenta… nos busca como testigos de su gran padecimiento que se centra, básicamente, en soportar estar viva. 

¿Cómo tolerar la existencia cuando no se hace un recorrido de auto conocimiento?

A veces los humanos pretendemos sacudir a alguien con nuestro dolor, pero este no es el caso. Ella no quiere llamar la atención, sino relatar una gran cantidad de años que la hicieron atravesar una montaña rusa tan digna como escalofriante. A quienes no sobreviven, pero ella sí. Y acá me detengo para comentarles que siempre que estemos ante la disyuntiva de tomar un camino fácil o difícil, tenemos la mayor herramienta llamada valor para hacerlo. Porque es simple tirar todo por el aire y hacer que explota, pero ella no pretende eso sino renacer como el famoso Ave Fénix, y no desde sus cenizas sino desde el dolor, el abandono, la tristeza, la creación y utilizar la razón para pegar cada partecita de su pasado… como un collage en el que todas las piezas son importantes. 

Algo muy estético y que suma es el tema de la iluminación, la cual va cambiando sus tonalidades de acuerdo a la escena que se desarrolle. Este detalle integra a la obra, uniendo la suma de las partes y manteniendo al público absorto.

Mientras tanto, la mariposa vive al máximo sus horas porque su permanencia en este mundo es breve. O, tal vez, la necesaria para exprimirla al máximo. 

Porque hay quien respira sin saber por qué ni para qué. Como si los días tuvieran que transcurrir delante suyo, como espectador de su propia vida. Pero, hay quien toma las riendas de su vida y cabalga junto a ella, sumergiéndose tanto como sus fuerzas se lo permitan.

¿Quién tiene la verdad? ¿Existe acaso?

Cuando el aceite se consuma, la oscuridad será plena y absoluta. Para ese entonces, la mujer deberá decidir si lamentarse o seguir adelante con un propósito. Por suerte, ella aprehende, se manifiesta, cobra valor y esperanza de un futuro en el que las cosas no sucederán simplemente por azar sino por un fin determinado.

Con un llanto desgarrador, seria, sonriente y tan cambiante como quien se busca; todo llega a su fin. Su recorrido también. Por suerte, el aceite de mariposa no se apaga como una vela. Permanece hasta que todo está dicho. Solo así víctimas o victimarios surgen. Cada quien juzgará u observará. Señalará con el dedo índice o guardará respecto porque aquel que no pudo y ahora puede; por quien siempre puede pero ahora decide correrse a un lado, por quien jamás se desplazará a menos que se lo ordenemos.

Aceite de mariposa es un drama que se vive a flor de piel, maravilloso, muy bien interpretado y con todo lo que una puesta en escena tiene que tener para atravesar la cuarta pared.

Mariela Verónica Gagliardi

Dramaturgia: Thelma Demarchi y Ricardo Lago Oliveira
Actúa: Thelma Demarchi
Dirección: Ricardo Lago Oliveira
Funciones: Domingos, 17 hs. Hasta el 24/11
Espacio Tole Tole (Pasteur 683 - CABA)
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Distintas formas de extinguirse

En pie de Esperanza

En pie de Esperanza (escrita y dirigida por Leonel Dolara) es un poema a la vida. Una enseñanza amorosa que empieza desde algo tan simple como un vínculo inesperado y culmina con lo más increíble de la vida como lo es el compartir -desde el corazón-.

Lorena Szekely es quien lleva adelante el personaje protagónico de Esperanza, luciéndose como es habitual cada vez que sube a escena. Su experiencia y pasión por la actuación le permiten interpretar a una mujer anciana sin necesidad de caer en determinados artilugios ridículos. Hago hincapié en esto último porque resulta interesante cómo dolara elige a una actriz joven teniendo por delante el desafío de adquirir todo lo necesario para que desde las butacas sintamos que una señora de tercera edad está frente a nosotros.

Admirable su trabajo que se confabula exitosamente con el de su nueva pedicura, haciendo volar sus diálogos por esta casa en la que tanto se contiene y retiene.

Siempre el hogar de una persona grande aloja muchos sentimientos, aromas, fragancias y pasados sin resolver. Esta historia no escapa de eso sino que lo hace relucir como oro brillante. 

Una molestia en un dedito del pie abre el portón (porque puerta quedaría muy diminuto) a un universo en el que estas dos mujeres se sienten reflejadas. Sí, como el famoso espejo en el que pueden mirarse, juzgarse y, en definitiva, terminar hablando de ellas mismas.

Hasta acá podrán creer que es una obra un tanto espiritual, profunda, sensible y no se equivocan. Esto y más. Mucho más. Porque En pie de Esperanza consigue indagar sobre esos amores ultrajados, soñados, perdidos, tapados con la alfombra; sobre la soledad y su padecimiento, sobre lo que se desea y no se tiene. Sobre la muerte y sus propósitos y un bagaje que llega directo al corazón como la flecha de Cupido. Esa flecha que lastima y agrada a la vez. Que nos sacude y permite llevar a la reflexión.

Otro de los grandes temas que se tocan en la obra es el del vínculo de madre e hija, aquél que parece ser en ellas y en la mayoría como conflictivo, insano, tóxico y recurrente. Una parece saber lo que necesita la otra pero, la otra, no permite que se le otorgue. Quizás por capricho u orgullo. 

Y, como otro de los puntos importantes de la historia, surge un personaje imaginario que podría ser Esperanza misma reencarnada en otro ser, trasladándonos al presente y, por qué no, al futuro.

Un pie que sin salud no puede sostener la totalidad del cuerpo, con todo lo que eso implica. Que no logra tolerar la infinidad de sentires de esta mujer que transita la vida a su manera pero que encuentra constantes trabas de parte de su hija. Porque no siempre se piensa, en esta sociedad, qué es lo que necesita la persona adulta mayor sino que se pretende hacer lo que “corresponde”. Pero, ¿si Esperanza desea sumergirse en su enfermedad y perderse en la calle y esfumarse como vemos en las películas? ¿O acaso existe un modo de hacer las cosas? ¿Se respeta lo que desea el otro? ¿Qué lugar ocupa la culpa en este comedia dramática? ¿Cuándo va a ser el día en que se respete la decisión ajena por más que estemos en contra por miedo?

Esperanza lucha contra sus propios fantasmas, aquellos que su mente crea por diferentes motivos. Ella, necesita ser y no permanecer. 

Cuando las energías estén en la misma sintonía, lo inesperado ocurrirá y todo pesar ya no tendrá sentido de ser llevado a la mesa. Esa mesa con mantel que aguantó tanto o más que el pie en cuestión. 

La hermosa señora pudo andar a pesar del dolor (externo e interno), del cansancio, del qué dirán y de su total convencimiento sobre los personajes televisivos. La compañía no da igual y su ausencia tampoco. Por eso, el mensaje de esta pieza artística es enorme y cada quien podrá llevarse una parte consigo o la totalidad (aquella que su apertura de alma le permita abrazar).

Dramaturgia y Dirección: Leonel Dolara
Actúan: Rosella Bosco, Gabriela Del Mar, Stella Minardi y Lorena Szekely
Funciones: Viernes, 20 hs
Teatro Andamio 90 (Paraná 660 - CABA)

Mariela Verónica Gagliardi

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Una muerte en silencio

En esta casa no pasa nada1

Excelente propuesta para ver en familia sin distinción de edad ni de género, porque de eso se trata: de ser libre, lo más que se pueda, yendo a favor de nuestra propia corriente y no de un timón manipulado por mandatos añejos sin importar nada y en contra de todo.

Con un vestuario de época que se transforma con el correr de los días, canciones que expresan junto a los cuerpos en movimiento todo lo que no se les permite en palabras; así es que podemos conocer a: Angustias, Magdalena, Amelia, Martirio y Adela; cuatro hermanas que en la presente puesta consiguen hacerse oír. Unidas a otros personajes muy bien representados. 

En esta casa no pasa nada es una obra de teatro performática basada en relatos del libro “La casa de Bernarda Alba” (de Federico García Lorca).

Lo grandioso del título es que resume, perfectamente, la ideología de la historia, a dónde apunta y cuáles son sus consecuencias.

Por un lado, el personaje principal interpretado por un hombre (Tomás Almandos) que refleja un quiebre de la época de antes y de ahora. Una sociedad conservadora, que aún sigue vigente, pero menos que antes; una madre que no tiene por qué ser mujer (con todo lo que eso conlleva).

Esta pieza artística es una ventana al mundo occidental, una búsqueda de identidad personal y colectiva, un progreso de la juventud versus el témpano de quien lleva adelante un hogar. Las cadenas invisibles que sujetan aquello que ya no tiene peso real sino simbólico.

El amor en todas sus formas y maneras, que oscila de un paso a otro, de un estiramiento corporal a otro, de la quietud de un cuerpo hasta que ensambla con otro.

En esta casa no pasa nada es el pedido absoluto de silencio por parte de una sociedad, replicada en cada familia. El pedido de que los sentires se oculten bajo llave y se viva con la angustia y temor constantes.

¿Recuerdan al galán Pepe el romano?

Aquí podrá conocerse más de una versión del mismo ser. No se trata de un Sherlock Holmes sino de varias personalidades que conviven dentro de un mismo ser, para justificar (de alguna manera) el no engaño de eso hombre a su prometida, Angustias (Shushu)

Es un acierto la selección de canciones que ayudan a darle un vuelo aún más alto a la obra. Las mismas, en idioma inglés nos permiten no distraernos de lo que ocurre en escena, de no mezclar el decir de un tema con lo que un cuerpo evoca y plasma.

Vestidas de negro, con las ventanas completamente cerradas, de luto eterno. Sí, porque una de ellas solamente contraería matrimonio y lo que la motiva es salir, respirar aire puro… pero sus hermanas desean lo mismo. Abandonar ese sentimiento de culpa que no debería existir hacia un difunto. Hacia un padre que ya no existe físicamente.

Mientras el tiempo transcurre, los cuerpos se contraen y expanden, lucha contra su madre, la aborrecen.

Una juventud que no parece tal, Desprovista de fragancias silvestres, de aroma a campo, de besos y abrazos. Hasta que un buen día, todo vuela por los aires, como un volcán en erupción. Ahí, recién ahí, se impone el corazón de cada una, sus deseos más profundos, el auto descubrimiento, la bondad, lo simple y el tesoro de estar respirando con un fin muy parecido a un tesoro que brilla cada vez que se mueve.

Dicen que la vida es movimiento. Así que en esta casa pasa todo lo que tiene pasar sin desear dañar a nadie. Una víctima siempre habrá y eso es irremediable, al menos en esta historia que tiene mucho de todo. De ternuras y silencios. De tragedias y sinsabores, de entendimientos y revolución.

Con el arma más poderosa llamada amor y su opuesto llamado represión es que se oscila de un extremo a otro. Como un péndulo muy a flor de piel. 

Autoría: Federico García Lorca. 
Versión: Florencia Laval y Julieta Varela
Funciones: Martes, 20.30 hs
Patio de Actores (Lerma 568 - CABA)

Mariela Verónica Gagliardi

 

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