*** AGOSTO 2020 ***

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Entrevista a Déborah Fideleff

Déborah Fideleff

Déborah Fideleff es actriz, dramaturga, guionista y directora… 

Sos una artista increíblemente completa.  ¿Como fue producir en plena cuarentena el corto Festín?

Fue una experiencia enriquecedora para mí, en el sentido de dirigir a distancia (de qué forma, de qué manera), son cosas que me fui replanteando pero asumí el riesgo y lo hice. 

Te cuento un poco cómo surgió la idea. Esto fue con un grupo de realizadores audiovisuales (armamos un grupo de chat)… Un poco era: seguir haciendo a pesar de la cuarentena, ¿no? Un poco: no oxidarnos. Y así fueron surgiendo varias ideas y se fueron haciendo otros cortos, los cuales han dirigido otros artistas. Y bueno, en esta oportunidad me tocó a mí y la verdad es que estoy sumamente contenta; porque bueno, uno tiene la fe de que va a salir pero bueno, los demás tienen que poder entenderte y confiar en lo que uno plantea. Yo digo que lo hice con un gran grupo de realizadores audiovisuales, de todas las ramas, porque así son. Y de soñadores porque de eso se trata: de poder soñar y de animarse a hacer, ¿no? Total… el arte para mí tiene eso: es subjetivo. A alguno le puede gustar más, a otros menos. Nosotros estamos felices de poder seguir haciendo a pesar de. De eso para mí se trata, y de que el que dirija (en este caso me tocó a mí), pueda mostrar su idea, qué le pasó haciéndolo y yo lo disfruté un montón -desde elegir cómo quería que fueran los planos hasta la dirección de actores, que me interesa mucho-. Así que estoy muy contenta. 

¿Sentís que el encierro te potenció una parte creativa que hasta el momento no habías explotado?

Yo soy una persona que, particularmente, no puedo dejar de hacer cosas. Y con mi esposo, Gabriel Rovito, teníamos el año planeado: obras en gira, re-estreno de otra obra, tengo otra obra que escribí y tenía ganas de que Gabriel la montara a fin de año, y, la verdad que con todo esto se nos revolucionó todo. De hecho ya tenía un montón de funciones programadas. Este año, como nunca lo hice antes (si bien siempre programo), ya en febrero tenía un montón de funciones programadas para todo el año… y bueno. Y, al pasar eso era como: ¿y qué hago ahora? Y bueno, sí, puede ser que uno empieza a indagar, a animarse a hacer otras cosas. Es factible que sí, que uno también se descubra en otras facetas. O que tenía uno una intuición, pero bueno… de golpe te lanzás y lo hacés. Animarse a hacer. Y más cuando está la muerte cerca. 

¿Qué sensaciones te recorren el cuerpo?

Volviendo, un poco, al tema de la cuarentena, creo que a lo largo de esta cuarentena me ha sucedido de todo. Pasé por distintos estados: desde el aburrimiento total, desde mirar el techo y no saber qué hacer, desde ponerme a pintar la reja eterna del balcón hasta ponerme a cocinar las cosas más extrañas o que nunca jamás había intentado. O escribir, o continuar otras que yo ya las tenía como frizadas y continuar un poco en eso. Y bueno, también en un estado quejoso mío de decir: Ay voy de la cama al living, del living al balcón y del balcón a la cama. Y bueno, en medio de todo eso de la cuarentena me picó un mosquito y me agarré dengue. Y bueno, antes me quejaba de que me levantaba de la cama al living y del living al balcón, y estuve diez días en cama. O sea que no me podía mover, salvo para ir al hospital (que tenía que ir cada dos días a sacarme sangre). Después de eso me dieron el alta, estoy absolutamente recuperada, pero me cambió un poco la visión y el sentido de salir un poco de la queja y empezar a hacer cosas que me gustan y disfrutarlas, realmente, ¿no? No como: estoy aburrida! Y uno se lo mete en la cabeza. Y sí, el aburrimiento es parte de la vida pero, también, pero incluso puede ser un hecho creativo. Yo recuerdo de chica que si me aburría, en medio del aburrimiento dibujaba y creaba y escribía. Me parece que también surgen un montón de cosas.

La sensación que más recorrió mi cuerpo fue salir de la queja porque también uno puede estar peor. Y bueno, como bien decía, aprovechar el momento creativo y sino aburrirse y punto y esperar que todo esto pase pronto para poder volver, ¿no? Nosotros, los artistas, estamos en este momento bastante relegados y fuimos los primeros en cortar con la actividad y seguramente seamos los últimos en volver. Entonces, es un momento para cuidarnos porque no nos queda otra. 

Festín¿Cuál es el eje de Festín?

Festín en casa es la historia del Señor X. Es un hombre adulto, perturbado, con muchas oscuridades (que se hace cargo de todo eso), tiene culpa pero, también, se permite disfrutarlo y cuando escribí, el eje fue ese personaje. Y, pensaba, cuántos individuos conviven dentro de una misma persona. Porque hay una idea errática de que uno es de una determinada forma y punto. Y yo creo que uno es de muchas maneras. Y, bueno, en este caso vendría a ser un cortometraje que va hacia el suspenso, ¿no? Incluso, no decir terror, pero podría llegar a ser. Y bueno, creo que la mejor síntesis es verlo (risas). Me es difícil decir lo que escribo en pocas palabras, pero creo que tienen que verlo. Van a poder verlo en el Canal de YouTube de El Apocalipsis Films.

¿Qué proyectos post cuarentena estás delineando?

Proyectos tenemos un montón. Todavía tenemos algunos que nos quedaron ahí, en el canal de parto. Uno es “Lazos eternos, historia de tres amores” (es la obra que escribimos con Gabriel Rovito y que la tenemos en gira, permanentemente), también otra obra que había hecho Gabriel, que la estábamos ensayando (teníamos muchas funciones programadas) y quedó en stand by porque estábamos en proceso de ensayo. Y después sí, teníamos pensado para mitad de año, empezar a trabajar sobre otra obra que había escrito yo, y que no sé qué va a pasar; porque todo se va aplazando para adelante y no sé… así que vamos a ver. 

Por suerte este año también se dio, en medio de todo esto, que se pudo estrenar Dédalo (que es una miniserie en la que actúa Gabriel Rovito, que es protagonista) y también tengo la suerte de trabajar yo, junto a un gran elenco (que está Malena Figó, Oscar Ferrigno, Hugo Arana, Nora Cárpena, Raúl Brambilla, Azul Fernández, Laura López Moyano, Germán Baudiño, Daniel Quaranta; bueno, un gran elenco y, por suerte, se pudo dar por Canal 9. Es una serie que ya teníamos muchas ganas de que salga al aire. Ya terminó de darse al aire pero está en CineAr la serie completa y seguramente estará hasta fin de año.

También, dirigí yo un cortometraje, en el que actúa Gabriel Rovito: Extraño suceso de un verano interminable, que filmamos, justamente, antes de fin de año y que hicimos todo el proceso ya de posproducción y la idea también era ponerla en festivales, pero con todo esto hay festivales que se han caído.

Extraño

Un corto de suspenso creado antes de la cuarentena. ¿Cómo fue producir el material en libertad y cuál fue el disparador para llevar adelante la idea?

La diferencia, para mí, es notable. Filmar con la normalidad de la no cuarentena, estar presente (en vivo y en directo) y ver con tus propios ojos y sentir lo que está sucediendo; no es lo mismo que a distancia.

Si bien, a distancia, di directivas; después están las interpretaciones de cada cual. Igual, después me llega el material y de última puedo decir: mirá, repitamoslo, o va por acá, un poco más. Con algunos lo hacían en el momento y lo envían, con otros que vivían más lejos, el material llegaba más tarde porque también el envío del material es como lo más complejo, ¿no? No es lo mismo, para nada. Al estar presente hay cosas que se te ocurren en el momento, por la sensación que tenés. Igual, me pasa a mí, que tengo la sensación de: hay cambiar esto o agregar tal cosa” y lo hago. Eso sí.

Pero estar presente… no hay como eso. Porque, además, hay un montón de cosas estéticas -que al no tener un equipo grande se van limitando-. Y, las escenas de las otras personas no pueden estar en el mismo lugar o que convivan… es como que se va achicando el rango para hacer. 

Extraño suceso de un verano interminable nace de imágenes que me aparecen en la cabeza y que necesito expresarlas de alguna manera. Y eso hace que me ponga a escribir y ordene esas imágenes que intento que aparezcan reflejadas en la cámara. 

En verano, escribiendo, a raíz de imágenes que venían y de recuerdos  y de cosas. Porque creo que siempre todo tiene que ver con uno, con momentos de la vida o inquietudes o miedos.  

Y este es un género de suspenso, ciencia ficción, cine negro (que podría ser de una época o no). Lo quise poner atemporal, que tenga algo como de época, y la verdad que estoy muy contenta, es algo que hicimos con mucho mucho cariño, con un gran equipo de gente con mucha buena onda y talentosa (como Gabriel Rovito, quien tuve siempre en la cabeza para este corto. No podría haber sido otro). Después, Mariano Frumento (quien hace la música original), siempre acompañando los proyectos. Mariano es un artista impresionante, talentoso músico. Emanuel Echevarría (quien hace la cámara), un genio total. Ángeles Esles (quien me asistió en el arte), también una persona adorable y que le puso también el cuerpo. Mariano Biondi, quien hizo la asistencia de dirección), que me ayudó en un montón de cosas, con la claqueta. Hicimos un gran equipo, súper reducido, pero con mucho amor y con muchas ganas de que se vea este corto que quiero tanto. 

Extraño suceso de un verano interminable lo vamos a liberar por este fin de semana. Va a estar liberado el viernes a las 21 hs hasta el domingo a las 21 hs, y luego vamos a pasar el link para que puedan verlo.

Mariela Verónica Gagliardi

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Entrevista a Cecilia Miserere

Cecilia Miserere

Con una trayectoria que sigue en auge año tras año y cada uno de sus trabajos artísticos súper exitosos, Cecilia Miserere es un ícono referente del universo cultural para niños, adolescentes y familias enteras.

Entre algunas de sus obras musicales más reconocidas se encuentran: Aquel loco elenco, Clac! Una obra de película y Bom, Bim, Bam. Podría citarles muchísimas más pero los invito a conocerla un poco más en esta nota que parte del encierro a la libertad que brinda el hacer arte.

¿Cómo surge la idea de un festival en cuarentena?

El festival surge porque a partir de que empezamos este aislamiento social, preventivo y obligatorio; y, viendo que nuestro medio y los chicos van a ser los últimos que van a salir (fuimos los primeros en entrar a la cuarentena y los últimos que saldremos); entonces quisimos ver la manera (de alguna forma) de poder acompañarlo a este público que ya hace quince años que nos viene acompañando (porque la Compañía Amichis cumple este año). Sería una buena forma festejarlo de esta manera, así que nos lanzamos a la pileta, estuve todo el primer mes viendo cómo pergeñar esto, cómo sería la mejor manera. En fin, y sintiendo como esta misión, este deber de acompañarlos desde la Compañía, convocar en forma de equipo a otras compañías, a otros artistas que también trabajen para chicos. Así que lo convoqué a mi asistente de las obras de Amichis (Nicolás Sorrivas) que es, en este caso, el coordinador general, además de estar en la producción y juntos empezamos a pensar cómo podíamos hacer para lanzar este festival que, por supuesto, sabemos que esto no es teatro, pero es un paréntesis (por eso nosotros le llamamos Entre Acto), hasta que podamos volver a juntarnos en las salas teatrales nuevamente.

¿Los niños crees que son conscientes del panorama actual? 

Los niños son conscientes del panorama actual. No es una normalidad, no es su normalidad a la que están acostumbrados en su día a día. También entiendo que están pasando por momentos difíciles porque no a todos les gusta estar aislados sin poder salir. Hay muchos chicos a los que les gusta estar solos en sus casas, jugar, armarse historias; y a otros que les gusta más pasear, estar con amigos y familias y bueno, esto no parece ser parte de la normalidad en la que están acostumbrados a vivir. Entonces, también, pensando en eso generamos este festival para que por lo menos ese ratitos, esos sábados y después en la semana que queda colgado el video, en vivo, (en la misma página de Facebook) puedan sentirse acompañados, puedan generar historias, puedan estar conectados.

¿De que manera crees que el teatro los puede rescatar?

Creo firmemente que el arte (y, en este caso, el teatro) nos salvará. Lo creí siempre (fuera de esta cuarentena). Creo que el teatro y el arte nos sana. En este caso, mucho más aún. Y esta es otra forma, creo, de reformularnos, también, de cómo lo hacemos habitualmente los artistas. En este caso nos tenemos que reformular que esto no es teatro, claramente, pero es una invitación a ver de qué otra manera podemos generar un hecho teatral, aquí y ahora, desde nuestras casas para nuestro público. Tal vez lleve otro nombre, tal vez en el tiempo pueda perdurar y pueda acompañar a los hechos “aquí y ahora”, en vivo, como lo hacemos habitualmente. Pero sí, confío y creo firmemente en que el teatro nos puede rescatar.

Todos los artistas que participan son de primer nivel. ¿Cómo fue la selección?

Gracias por el elogio. Por supuesto, sí son de primer nivel. Yo soy la Directora del Festival pero esto no es una Curaduría así que llamamos a los artistas que, en principio, tenemos ganas de que estén, que confiamos en su trabajo, que nos gusta muchísimo su trabajo. Artistas con los que nos acompañamos en el día a día durante muchísimos años (ellos en nuestras Compañías, nosotros en las Compañías de ellos), que los hemos visto crecer. Entonces llamamos a los artistas que tenemos ganas de que participen en el festival y, debo decir que, generosamente, sin ninguna pausa, todos nos dijeron que sí, que querían estar, que nos querían acompañar. Ya hemos hecho el día 16 nuestra primera emisión (por así llamarla), nuestro primer encuentro teatral (que salió en vivo por Facebook Live, a las 17.30) donde estuvieron un montón de Compañías, que al toque nos dijeron que sí y empezaron a pensar cosas, desde sus casas, cómo poder generar este hecho teatral, algunos contaron fragmentos de sus obras, otros hicieron algo nuevo, otros cantaron canciones de sus obras; pero todo hecho “aquí y ahora”, desde su casa y con lo que tienen ¿no? Porque no todos tenemos los elementos en casa (los vestuarios, la utilería y, menos, las escenografías de teatro que, ahora, están durmiendo y esperando ser habitadas, nuevamente, en las salas de teatro.

Si pudieras tener la varita mágica para deshacer la pandemia: ¿cómo imaginarías a nuestro país?

Tal vez sé cómo me gustaría imaginarlo: me parece que debería haber un antes y un después, que deberíamos ser otro país -desde el lugar más solidario e imaginable-. Al menos eso es lo que me está pasando en esta cuarentena. Levantar el tubo y llamar a una Compañía o a algún artista diciéndole: ¿Tenés ganas de participar del Festival que es a pulmón? y que me diga que sí, y que sin ningún problema de cartel (de quién va a estar primero, quién segundo), cómo es el festival; confiando en lo que nosotros hacemos hace quince años, nos digan que sí, también, es para mencionar porque es parte de esta solidaridad en que nos vemos inmersos en este momento. Ojalá el regreso nos encuentre de la misma manera (solidarios). Yo creo que sí, que así va a ser. Y, también, ojalá nos dure ¿no?. Porque somos un país que, por ahí, nos vamos olvidando de las cosas, entonces; ojalá esto nos dure en el tiempo y podamos seguir sosteniéndolo. Y ojalá, también, otras disciplinas, otras actividades, otras profesiones, otros oficios puedan encontrar la misma fuente de solidaridad como la que estamos encontrando, al menos los artistas. 

El universo infantil es más feliz. Trabajando hace tanto tiempo con niños y para niños,  ¿qué sentís al respecto?

Este universo infantil que está viviendo esta pandemia (a lo mejor es un pensamiento, un deseo) les llegó en un momento en el que son ellos los que más saben de tecnología, los que más saben de internet, los que más saben de conectarse de esta manera; entonces, creo, que por ahí no sufren tanto como, por ejemplo, un abuelo que le cuesta un montón conectarse vía redes, hacer una videollamada con sus nietos, ponerse delante de la cámara… Toda una situación que hay que empezar a aprender, una cosa nueva con la que creo que se va a tener que empezar a convivir de ahora en más, a lo largo del tiempo. Entonces, los chicos, esto lo saben lunga. Son los que nos enseñan a nosotros. 

Sí, hace muchos años que estamos trabajando para chicos, chicas, adolescentes y familias. Y creo que estamos intentando (al menos es la idea y el deseo) de poder hacer más felices, al menos las tardes de los sábados, poder compartir de esta manera, poder acompañarlos, poder devolverles algo de lo que nos dan, poder perdurar en el tiempo, poder estar presentes, poder contarles y llevarles, pensar juntos esta nueva forma de virtualidad teatral. Es un poco delicada la frase, porque esto no es teatro, es otra cosa. Es un paréntesis. Me gusta llamarlo así.

¿Cuál es el mensaje que quiere dejar este primer festival online para niños?

Lo cierto es que, hoy por hoy, nosotros como Compañía no tenemos otra opción para acercarnos a nuestro público. Sentimos que es lo único que tenemos. Ese es el motivo por el cual tenemos ganas de estar, de estar presentes, de dar el sí y acompañar. A veces cuando a los actores nos piden los espectáculos filmados decimos: miralo pero fijate que no es lo mismo que estar adentro de una sala. Hay que verlo en vivo. Y bueno, esto es más o menos lo mismo. Realmente no es lo mismo. 

Una frase que me gusta decir en esta cuarentena: “es algo que se acerca a, por lo menos, mantener la llama prendida”.

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Equipo: Cecilia Miserere (Directora), Nicolás Sorrivas e Iván Repicio 
(con su productora Matcha), Martín Palladino y Agustín Adesso.

Mariela Verónica Gagliardi

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Entrevista a Maxi Legnani

Maxi Legnani

Mañana domingo estaremos de estreno por Instagram. Sí, así les digo. Por eso entrevisté a Maxi Legnani (uno de los organizadores de Leer en casa) para preguntarle sobre este proyecto, en medio de todo el caos que se está viviendo a nivel mundial.

¿Cómo se ponen de acuerdo con Juan Parodi para generar esta movida de lecturas por streaming?

Esto empezó de una manera inesperada, a partir de una inquietud -un twit en el que yo arrobé, el jueves, a varias personas del mundo artístico, diciéndoles: ya que los músicos están haciendo todo lo que están haciendo, ¿por qué actores y directores no hacen algo? Y ahí nos empezamos a hablar con varios (fundamentalmente con Juan Parodi) y empezamos a armar esto que va a tener una primera edición mañana, va a tener otra el 24 de marzo (súper especial por esa fecha) y otras lecturas por delante. 

¿Hasta hace dos meses atrás podrías haber imaginado una situación como la que se está viviendo?

Obviamente que nadie pudo haber imaginado esto, salvo alguien que estudie en China, pero esto fue subestimado hasta por Europa y Estados Unidos (por eso están como están). Así que tratamos de darle una alternativa a esta ausencia de teatro que es como lo que creemos que es fundamental. 

¿El arte y la cultura realmente sanan y salvan?

Sí. Yo creo que sanan y salvan, absolutamente. Sin arte… y más en estas situaciones, que son de impacto, de ruptura y de llamamiento a la reflexión… el arte nos ilumina, nos impulsa, nos sostiene, nos energiza, nos permite conectarnos con algo de nosotros mismos que es superador, que es inspirador y que, a veces, nos sostiene. Creo que esto para los que lo van a hacer, necesitan seguir expresando, como para el público; puede ser una herramienta desde la gratuidad y desde el casi pleno acceso para todo el mundo (que tenga internet y cuenta de instagram). Una herramienta de encuentro. 

¿Cómo te imaginás el después del virus respecto del mundo artístico? ¿Podés visualizar qué cosas modificarías desde tu lugar?

Las cosas que yo creo que habría que modificar son las que tienen que ver con las desigualdades. Este virus es un virus igualitario -decía bien hoy Eduardo Aliverti en su editorial-; y creo que lo que propone es que hay que hacer un mundo más igualitario donde nos podamos encontrar con las cosas fundamentales y no con las distractoras. Es decir, que el arte tenga más preeminencia a la que tiene el consumo, por ejemplo. El encuentro y el poder estar con el otro, más que los likes y los seguidores, etc. 

¿Tener la oportunidad de crear te permite estar en este momento un poco más abstraído y a salvo? 

Sentir a salvo, sentirnos vivos (yo soy poeta además de periodista). Por más que yo trabajo todos los días en radio y televisión (que ahora a la tele estoy yendo alternativamente, un día sí y un día no), esto me dio una alegría, una energía y entusiasmo que les pasa a todos los que van a participar. 

Ya quiero que sea domingo para disfrutar de tantos talentos. ¿Ya tienen algún cronograma sobre futuras lecturas?

El 24 de marzo van a leer artistas impresionantes como: Osmar Nuñez, Claudio Tolcachir, Mirta Busnelli, Joaquín Furriel; así que se prepara algo maravilloso. Y nos gusta, también, que esta edición tenga una gran presencia femenina (casi absoluta, casi un 90 por ciento); y toda la gente que va a leer es gente que merece que uno la escuche durante horas y horas. 

Me gustaría agradecer a cada uno de los artistas (además de a Juan Parodi, que es compañero de trabajo, a Analía Sánchez que trabaja con la prensa, y a Pablo Shiff que colabora con cosas técnicas) por el compromiso y la generosidad. Les quiero agradecer porque es un gesto humano y ciudadano hermoso. 

Mariela Verónica Gagliardi

 

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Entrevista a Rodrigo Soko

Rodrigo Soko ph sergio santillánEs flautista, compositor, docente e inició sus estudios desde una edad muy temprana.

En su haber tiene varios espectáculos dentro de los que se puede mencionar: Un enemigo del pueblo, Equipaje, Queimada y Abismarse.

Participó tanto como músico y como director musical en teatro y el sábado 25 de agosto estará estrenando Abismarse, una multi-propuesta de la mano de Virginia Innocenti y  Luis Scafati.

¿Cómo surge la iniciativa ?

Cuando le hice la propuesta a Luis Scafati, descubrimos nuestros intereses en común por la poeta y decidimos unir las experiencias en la fusión de historias, imágenes y música.

Una vez seleccionados los textos de Pizarnik, dividiéndolos en tres momentos de sus Diarios – el amor, la angustia y la elección de aceptar la vida o rechazarla – Luis realizó dibujos sobre los textos, utilizando técnicas mixtas como lápiz y acuarelas, escuchando la música que compuse previamente para los textos -interpretada por la agrupación que dirijo, El Silente Sur-.  A partir de ahí, fue un camino de búsqueda y resignificación hasta llegar al resultado final, donde, con la actuación de Virginia Innocenti, logramos darle el sentido final a este viaje.

¿Por qué Alejandra Pizarnik?

Yo compongo música para cine y mi idea con El Silente Sur fue siempre hacer música para imagen, ya sea para cine, teatro o una idea multidisciplinaria. Pizarnik nos permite ahondar en rincones límites y su lenguaje es extremadamente visual. Esto nos abrió infinidad de puertas a la hora de pensar los leitmotivs. Pero, fundamentalmente, fueron sus Diarios los que  dispararon los deseos de resignificar -a través de la multidisciplina- sus ideas y pensares. Todo es demasiado visceral para no abordarlo…

Una propuesta audiovisual. ¿Qué objetivo principalmente te planteaste como director ?

Principalmente, que ninguna disciplina pierda su identidad como elemento narrativo. Es muy común que en el cine la música incidental pase a ser más importante que la historia, o que deje de contar y entorpezca el desarrollo. Resolver esto es un desafío, teniendo en cuenta que, además, contábamos con los elementos aportados por Luis Scafati y la interpretación de Virginia Innocenti.

Los textos son la historia; todo lo demás, los leitmotivs.

Pizarnik para todos…

Sin dudas es para lectores de Alejandra, para poder acercarse desde otro lado y reinterpretar. Pero, también, es para aquellos que por primera vez escuchan su nombre o nunca la leyeron. Es un viaje apto para todo público, y la idea es poder difundir su obra, siempre.

A 45 años de la muerte de Pizarnik, ¿qué valores intenta reivindicar este espectáculo?

En esta oportunidad nos encontraremos con el 50° aniversario de la publicación de “Extracción de la piedra de locura”, una de las obras más emblemáticas de Alejandra Pizarnik. En definitiva, siempre buscamos la difusión y la reinterpretación de la poeta. No creo haber pensado en valores, sino en la oscuridad “Pizarnikeana” y en las múltiples formas de acercarse a ella. Hay una densidad que no todo el mundo quiere o puede enfrentar, y creo que la idea es viajar a través de la multidisciplina por esos caminos.

¿Una orquesta que pone en melodías el sentir de la artista?

La música y la pintura serán los leitmotivs de los textos, y potenciarán o no todos esos sentimientos e ideas de su cotidianidad.

El Silente Sur, es este grupo compuesto por violín, viola, cello, batería, guitarra eléctrica, piano, flauta y trompeta; donde conviven plenamente la música cinematográfica, el jazz y el rock.

¿Podremos vivenciar un recorrido por los momentos más cruciales de su vida?

Sí, principalmente sus distintos estados de introspección. Es un viaje a lo profundo de sus días,  al infierno de su lenguaje, y a la búsqueda de la luz dentro de tanta oscuridad, que, en definitiva, fue su biografía.

¿Cómo recordarla a partir de esta frase?

no quiero ir

nada más

que hasta el fondo

Creo que este pasaje resume perfectamente el concepto general del espectáculo, la constante belleza inesperada de su lenguaje y de sus palabras marcadas por lo abstracto. La oscuridad y el final inevitable de su existencia. Para ella escribir no sólo representaba el reconocimiento sino, también, la posibilidad de desahogarse. En Pizarnik la vida y la poesía es lo mismo. 

Dibujar y retratar sus poemas ayuda a que el público pueda asimilar más tibiamente el mundo pizarnikiano?

En este caso creo que es todo lo contrario. Luis Scafati es extremadamente oscuro, y constantemente maneja el concepto de “ruido” en su obra, en donde creo que podríamos hacer un paralelismo con el “ruido” en la cotidianidad de Alejandra. Esto va a potenciar sin dudas la oscuridad.

La idea no es pasar por lugares comunes, pero cuando toca ir hacia el fondo, no hay más remedio…

¿Cuánta falta le haría al feminismo y al mundo, no?

Sin lugar a dudas, cada vez que una Alejandra, una Janis, una Simone, se nos escapan de nuestro mundo, el planeta se hace un poco más chico… Por suerte sus ideas son demasiado potentes, y basta con traer al presente sus nombres para cambiarlo todo.

Insólita belleza

Mariela Verónica Gagliardi

 

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Entrevista a Miriam De Luca, directora de Las palomas dicen

Ella es multifacética, encantadora persona y muy versátil en todo lo artístico que realiza.

Cantante de tango, compositora, actriz y mucho más.

Hace unos años que se metió de lleno en el teatro comunitario sin descuidar el resto de sus actividades escénicas.

Tuve el placer de convivir con el grupo de Las Palomas durante algunos meses el año pasado, y vivenciar las diferentes creaciones.

¿Cómo es hacer teatro comunitario en estos tiempos tan violentos socialmente hablando?

Hacer teatro comunitario en estos tiempos es hacer una gran peripecia, es transitar caminos sinuosos y tumultuosos pero de la mano de los compañeros, los que nos dan a todos un reaseguro para decir sin temor cómo vivimos, día a día, esta realidad tan opresiva, con más aire en nuestros pulmones y mentes.

Como Directora del Grupo Las Palomas dicen… ¿qué sentís durante cada presentación?

En cada presentación vibro con el grupo, me emociono como la primera vez, también me río mucho desde mi lugar de Miss Rita (pianista del espectáculo) y me olvido que tengo que tocar el piano porque soy una vecina más.

¿Cómo surge la idea de encarar un proyecto humano tan sensible e involucrado con las temáticas políticas y sociales?

Hace algunos años tuve la oportunidad de entrenar, vocalmente, al grupo de teatro Comunitario de Pompeya. Me deslumbró la mezcla de sainete, murga, comedia del arte, música popular, la posición socio-política del grupo….comencé a ver espectáculos de otros grupos, Boedo Antiguo, Catalinas Sur…y en este proceso, cada vez más, me iba enamorando de esta forma de hacer teatro.

¿Encontraste vos y el grupo una manera eficaz de llegar a los espectadores narrando la cruda realidad sin herir susceptibilidades?

En primer lugar creo que el humor es la mejor forma de hablar sobre todos los temas, sin que nadie se sienta herido. Siempre pienso que no hace falta confrontar con una postura que no considera a los otros. La creencia de que nosotros somos los que tenemos la “verdad”, me distancia, nos distancia. En lugar de eso planteamos la duda, la pregunta, sabiendo que la respuesta puede ser capaz de tomar distintos rumbos.

Tenés una manera de construir pocas veces vista. ¿Considerás que la libertad que brindás en tus clases es el claro ejemplo de colectividad?

A través de ir en la búsqueda de bagaje que cada actor o actriz tiene a nivel personal, de juego, recuerdos, emociones, posturas corporales, sus voces; puedo acceder y atravesar puertas que son distintas a las mías. Confió en eso, en descubrir sus honduras, las dramáticas y las humorísticas, y así descubro un material muy valioso.

Quien conozca tu taller de teatro comunitario podrá saber que con mucha energía y poco dinero se pueden hacer maravillas. ¿Qué particularidades tienen estas palomitas?

Muchos integrantes de Las Palomas tienen habilidades particulares por sus profesiones y, también, por su búsqueda de posibilidades para aportar a la construcción del espacio escénico, del vestuario, escenografía, diseño gráfico, difusión, coreografía….y ponen sus manos al servicio de la actividad comunitaria. Eso potencia situaciones y decisiones que, de otra forma, serían inalcanzables por nuestra realidad económica.

Como las murgas, tu grupo tiene una impronta original, avasallante y provocadora, pero siempre conservando el respeto. ¿Sería posible hacer teatro sin estos ingredientes?

El teatro tiene múltiples formas de manifestarse, entonces muchas propuestas son diferentes y, sin embargo, muy válidas. Las Palomas creemos en avanzar hacia los puntos que unen a la sociedad pero, también, hacia los que nos confrontan.

En la calle es donde se ganan las verdaderas luchas. ¿Cuáles son las sensaciones que te recorren al actuar en una plaza, sin desmerecer al teatro a puertas cerradas?

Las plazas, los ámbitos abiertos son espacios donde la propuesta es más arriesgada (en el sentido de que la gente,  quizás, pasa casualmente de regreso a su casa, después de su jornada de trabajo y no tiene porqué detenerse a mirar, salvo que el hecho artístico que vea, lo invite a quedarse). Se produce un encuentro entre el artista callejero y el vecino, el nene con su mama, el pibe que reparte comida -lo que hace que esa casualidad, en tiempo y espacio, provoque una nueva relación teatral-. Es vertiginosa, directa y real y maravillosa.

Si fueran personas en vez de palomas, ¿qué impacto tendrían en el público?

Como personas tenemos limitaciones, pudores, resistencias, ideas determinadas…. Como Palomas/vecinos/actores/actrices….tenemos todo por decir, por cantar, por bailar…. el horizonte es mucho más amplio, desafiante y, claro, más interesante.

¿Cómo se están preparando para el domingo para este gran festival de teatro LATE?

Nos estamos preparando con mucha expectativa, cada ensayo es un encuentro con el barrio y su gente. ¡Estamos felices!

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Entrevista a Laura Correa

Laura Correa.jpg

¿Cómo se gesta la propuesta de Parrandera´s?

Parrandera´s surge para un ciclo de teatro cumbiero. Me convoca Horacio Nin Uría a participar con la propuesta de escribir una escena de 15 minutos sobre el universo de la cumbia. Así fue que me senté a escribir, con una imagen clara en mi cabeza, que era una mujer de espaldas con los brazos elevados hacia arriba y una campera de flecos colgantes. Y, de ahí, se destapó todo este universo. Realizamos esa escena breve por dos años, en distintos espacios, hasta que me decidí y la hice obra larga. Y allí empezó el proceso de ensayos de lo que hoy es “Parrandera´s. Epifanía de un rapto”.

¿Considerás que es indispensable tener a alguien a quien adorar?

Considero que siempre es bueno tener miras hacia donde aspirar, gente humana y real que admirar, creo que la adoración ciega, endiosando, puede ser bastante falible en su resultado, muy desilusionante. Pero yo tengo grandes artistas mitificados que son mi inspiración y tengo sus fotos dando vueltas por ahí como guardianes de mi inspiración. Tengo mis propios ritualcitos, con objetos e imágenes que tienen un valor para mí, y son mis espacios sagrados.

¿En qué te inspiraste para crear esta historia de suspenso?

El tema de la adoración estaba ya en mí, en otro material que había estado escribiendo, pero con más tinte social político, y cuando empecé a escribir esta obra sobre el universo de la cumbia, nuevamente el tema me surgió desde otro lado y todo se desarrolló muy genuinamente. Fue ir siguiendo a los personajes e ir entendiendo a dónde me iba llevando la trama. La historia me pedía empaparme de algunos materiales, y fui leyendo varias cosas sobre los cultos populares, sobre mitos y, fue ahí, que apareció muy fuertemente Helena de Troya como paralelismo y todo se terminó de acomodar en mi cabeza.

¿Puede el amor salvar a las almas perdidas?

Románticamente hablando podría decirte que sí, que el amor podría salvar todo, pero siendo un poco más errática podría decirte que hay almas que no quieren ser salvadas.

¿Cómo hubiera resultado la historia sin la intervención del hermano de Raquel?

No puedo imaginar la historia sin ese personaje, ya que es el que desata el conflicto central, y la obra se concibe alrededor de su llegada, y ese choque de mundos. Y de esa dualidad entre él y ella, y ellos y él.

No hay personajes buenos o malos.

No, definitivamente. Los personajes son humanos, tienen una historia detrás, tienen sus desilusiones vividas, sus marcas sociales, y justamente desde ahí se definen y desde ahí dialogan con sus imposibilidades y con sus virtudes.

Cuando el afuera es muy cruel, ¿mejor crear un universo paralelo?

Sí, yo creo que hay bellísimas historias sobre cómo en situaciones de opresión, ciertas personas han encontrado una vía para poder encontrar sentido a su existencia (como Ana Frank y su escritura). Aquí, los personajes crean culto, sus propias reglas y se crean, así, una pertenencia y una nueva identidad que el sistema capitalista les ha robado al dejarlos completamente desclasados, desamparados económicamente. Esa es la importancia de la cultura, justamente en una sociedad, a mi entender: suplir ese lugar de pertenencia, de comunión y sentido, más allá de todo. También se incluyen en esto las religiones.

¿Ser o pertenecer?

Me es difícil separarlas. Yo soy una persona muy social, adoro pertenecer a grupos, pero también creo que es importante poder ser más allá de eso. Quiero decir, poder trascender algunas pautas sociales y acomodarlas a antojo. A veces, por pertenecer las personas dejan de ser, y ese es el punto a tener en cuenta y cuestionarse siempre en la grupalidad. A mí me cuesta poder seguir una religión, un partido político, con un 100 por ciento de pertenencia si hay reglas que se imponen que no comparto. Por lo tanto, creo que hay que ser criterioso y no decir sí a todo por miedo a ser excluido.

¿Las luces obnubilan la oscuridad de los personajes?

Sí. En cierta forma, sí. Todo el brillo de sus vestuarios y toda la jocosidad de sus diálogos, tapan una gran oscuridad que llevan consigo, latente.

¿Hay algo de Gilda en Raquel?

Claramente sí. Aunque no sea una decisión premeditada, pero mientras íbamos haciendo la obra, y mientras yo la iba escribiendo, haber vivido el fenómeno Gilda me hacía poder sustentar la historia verídicamente, digamos. Saber qué cultos populares de esa magnitud existen. Helena se esfuerza por ser Raquel, por pertenecer a ese mundo de la cumbia, pero ya su cuerpo cuenta otra cosa. A Gilda le había pasado un poco eso también.

Mariela Verónica Gagliardi

 

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Entrevista a Ana Padilla

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La vagina enlutada es un libro escrito en el 2010 por Walter Hugo Ghedin.

En la sinopsis del mismo se hace alusión al duelo, a la muerte de algo importante, a la soledad, a la desesperanza y al amor fundamentalmente.

Gastón Marioni, toma el argumento original y lo convierte en movimiento, llevando a escena a cinco actrices de renombre y muy talentosas. Ana Padilla es la elegida para esta breve entrevista.

Ella tiene una larga trayectoria en las artes escénicas, tanto como intérprete, coreógrafa y directora, en televisión y en teatro. Ha actuado en televisión: Amas de casas desesperadas, Locas de amor, Los simuladores, Son Amores entre otros. También, en teatro: Melodías de Diván, Casi Tennessee, Córnea y Oxímoron por citar algunos de ellos. En lo que respecta a dirección de obras: El pájaro azul, Y se nos fue de gira, son dos títulos que caben mencionar.

¿Cómo debería ser tu hombre perfecto?

No sé si existe el “Hombre Perfecto”, tampoco La “Mujer Perfecta” Para mí a esta altura de la vida tiene que ser compañero, libre, que le guste reírse, que me divierta, que le guste tomarme de la mano, que se deje amar, que ame lo que haga, que sea confiable, amable y sobre todo buena persona.

¿Existe una edad para cerrarse al amor?

No, no existe una edad. Hay determinadas circunstancias en cualquier momento de la vida que hacen que nos cerremos temporariamente al amor. Después esas puertas se vuelven a abrir cuando volvemos a creer.

¿Qué factores crees que inciden para que las mujeres no creamos, muchas veces, en la palabra de un hombre?

La mentira, la infidelidad.

¿Qué expresan estas cinco mujeres en escena?

Estás mujeres sacan sus miserias a la luz y cuentan sus historias. Por eso uno entiende porque están momentáneamente cerradas al amor.

¿Se ven muchos espectadores masculinos? Qué opinan al respecto?

Se ven varios hombres en la platea y lo pasan muy bien. Se ríen a la par de las mujeres y nos entienden un poquito más.

La vagina enlutada… Si hablara, ¿qué le diría al universo masculino?

Que nos amen, que nos respeten, que no somos objetos, que somos sensibles, vulnerables, que amamos amarlos.

Mariela Verónica Gagliardi

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Entrevista a Patricio Orozco

Patricio OrozcoCientos de años pasaron desde la muerte de Shakespeare y jamás pasó de moda. ¿A qué factores crees que se deba esto?

La obra de William Shakespeare describe el alma humana como nadie. El alto nivel poético y la precisión con la que llega al nervio del hombre para develar los más secretos sentimientos, es única. Es por esto que sigue vigente y es un clásico universal. 

¿Cómo se originó el Festival Shakespeare en Argentina y por qué motivo decidiste que las entradas sean libres y gratuitas?

Soy un apasionado de la obra de Shakespeare y Beckett. Siempre he tenido una profunda admiración por estos dos autores que han descripto la condición humana y su contexto existencial como nadie.

Desde 2006 dirijo un festival reconocido mundialmente en honor a Beckett, y siempre tuve pendiente la cuenta con Shakespeare. En junio de 2010 comencé a trabajar en la producción de lo que luego sería el 1er. Festival Shakespeare de Buenos Aires. Finalmente, después de muchos meses de trabajo, en febrero de 2011 pude darle forma a la primera edición.

El éxito fue inmediato, con todas las funciones con localidades agotadas y gran repercusión en la prensa. Se gestó así un festival que es único por su temática en Latinoamérica. Así se estableció una cita anual entre el público argentino y artistas e investigadores nacionales y extranjeros apasionados por la obra de este autor.

Quiero agradecer especialmente a las personalidades de ámbito de la cultura que desde un primer momento se acercaron y nos brindarnos su apoyo: Kive Staiff, Duilio Marzio, Carlos Kaspar, Oscar Barney Finn, Beatriz Sarlo, Jorge Dubatti, Salo Pasik, María Comesaña, Mónica Maffía, entre otros.

A las pocas semanas de finalizado el 1er. festival, luego de una reunión en el  Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, se cristaliza la posibilidad de realizarlo en 2012 en la modalidad de co-producción junto a empresas privadas que también deciden apoyarme. El Festival toma una nueva dimensión y se presenta con una amplia oferta de espectáculos, talleres y actividades recreativas que se ofrecen de manera gratuita. Prestigiosas instituciones internacionales suman su apoyo como la Royal Shakespeare Company, La Shakespeare Birthtrust Foundation, LAMDA, Universidad de Florida (USA), y personalidades como Harold Bloom o Stanley Wells, entre otros.

Así, todos los años puedo concretar mi idea de incluir diferentes disciplinas en la programación del Festival, como danza y música renacentista, cine, ópera, bicicleteadas y el recreacionismo medieval; además de los talleres y la master class, que aportarán una mirada más amplia y enriquecedora sobre la obra de William Shakespeare y su contexto histórico.

En 2014 ya tenemos la capacidad de poder producirlo íntegramente desde Próspero Producciones. Sumamos nuevas instituciones que nos brindan un importante apoyo: la Embajada Británica en Buenos Aires y el British Council. El Gobierno de la Ciudad deja de co-producir y pasa a ser auspiciante de este evento y de esta manera sigue garantizando que sea gratuito para todos los vecinos.

Es enorme la emoción y el orgullo que siento al ver cómo mi iniciativa ha tomado vuelo y ahora puede ser disfrutada por  mayor cantidad de vecinos posible. Como porteño, amante de esta ciudad y del teatro, estaré por siempre agradecido a todos los entusiastas que año a año se suman. 

Inglaterra y Argentina, dos mundos muy diferentes y, sin embargo, se pueden adaptar perfectamente los escritos.

Shakespeare nos propone un mundo en sí mismo, más allá de los límites geográficos o políticos que se impongan. Culturalmente, su universo atraviesa a toda la humanidad. 

¿Considerás que a partir de Shakespeare es posible transmitir verdades que de otro modo serían “mal vistas”?

Creo que todos los buenos dramaturgos abren un espacio del alma humana que permite conocernos y reconocernos en el otro. Esas “ventanas” del alma suelen ser grandes transmisoras de verdades.

Existe un público amante de los clásicos en el teatro y otro que los repudia de algún modo. ¿A qué crees que se deba esto más allá de a un gusto personal?

No conozco gente que repudie a los clásicos, quizás algunas personas hayan tenido malas experiencias con algunas puestas. A veces se tiene un poco de prejuicio con los clásicos y se los cataloga como obras “viejas”, pero los clásicos son clásicos porque son excelentes no por viejos.

Muchas funciones a sala llena demostraron el éxito del festival que tenés el honor de haber fundado.

Sí, es una alegría enorme ver que año a año acercamos la obra de Shakespeare a cada vez más gente. Ese es el objetivo del festival.

¿Cómo es el proceso de selección de obras y qué parámetros tenés en cuenta, junto al resto del equipo, al momento de elegir aquellas que formarán parte de la nueva edición?

Todos los años contamos con un jurado compuesto por artistas y académicos que selecciona las obras. 

Uruguay también forma parte a partir de este año de la gran movida cultural protagonizada por William Shakespeare.

Sí, desde este año dirijo también el festival en Uruguay. Hemos tenido un gran recibimiento y apoyo del público. Es muy emocionante ver cómo este pequeño sueño va tomando cada vez más impulso en la región.

¿Qué sentimientos van confluyendo en tu ser cada vez que ves una dramaturgia o adaptación del autor?

Me gustan las adaptaciones, me gustan las representaciones más clásicas. Siempre siento alegría cuando veo un nuevo estreno shakesperiano. Incluso las representaciones en las que me aburro mucho, ahí también encuentro algo para aprender. 

¿Por qué Shakespeare y no otro?

Desde el año 2006 dirijo el Festival Beckett de Buenos Aires. Comparto también la pasión por este gran autor irlandés.

Shakespeare es el autor de las palabras y Beckett el de los silencios, así que tengo bien balanceadas mis pasiones.

Mariela Verónica Gagliardi

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Entrevista a Mauro Guiretti, previa al recital de mañana!

Mauro Guiretti, intérprete de un repertorio de Folklore exquisito y también compositor de sus propios temas, mañana tocará junto a sus músicos en Teatro La Casona.

Desde muy pequeño siguió los pasos de su padre y abuelo, sumergiéndose en los escenarios y con el pasar del tiempo, su sueño pasó a ser una realidad concreta.

Lleva grabados cuatro discos, hasta el momento. Los tres anteriores son: “Sueños” (2004), “Ni Ayeres… ni mañanas” (2008) y “Trazos” (2010).

Recién llegado de su gira internacional, continúa presentando su nuevo material en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, para luego seguir un itinerario por el interior de Argentina.

Nos dedicó parte de su tiempo para conversar sobre varias temáticas de la vida, de su música y de él.

1.- ¿Por qué decidiste titular “Contraste” a tu nuevo disco?

Bueno, con respecto al nombre podría darte más de un argumento pero por lo que fue definido puntualmente es porque dentro de las propuestas que yo he escuchado últimamente, digo, de solistas o grupos en los escenarios con cierto renombre, a mi entender hay una especial atención puesta en el efecto de entretener al público y no en transmitirles una idea, un sentimiento claro o una propuesta nueva. Es decir se intenta con voces agudas, bateristas protagonistas, instrumentos estridentes y  algo de coreografía, generar, en pocos minutos, un efecto de espectáculo  apabullante y contundente. Frente a este fenómeno, nosotros intentamos contrastar. Es decir que de alguna manera, resistimos a ese fenómeno que no hace más que igualar a todas las propuestas. Propuestas “presas” del mercado y de un éxito absolutamente momentáneo. Como diría Atahualpa “cuando más me acerco al espectáculo, más me alejo del arte”.

2.- ¿Cuál es el contraste que existe entre tu vida real y la de artista?

Pensando rápido te diría que no existe ningún contraste. Ya que la vida personal y la artística viven en un mismo ambiente. Es difícil para mí diferenciarlas.

3.- ¿Qué fue lo que te llevó a interpretar y componer canciones tan profundas y románticas?

Creo que como espectador o como oyente de un artista, uno puede recibir dos propuestas. Digo, haciendo una gran clasificación. Una, viene a amenizar desde el humor o desde lo rítmico de la música y, la otra, viene a transmitir un sentimiento, la parte profunda. Creo que yo vengo a cantar esta última. A veces me cuesta, en los grandes festivales, poder llevar adelante ésta, ya que hay una ansiedad en la platea que a veces altera lo artístico de las propuestas. Pero, creo que resisto en esta manera de ver la música, porque no me queda otra, es la que me nace.

4.- En el disco encontramos estrofas cantadas a una mujer, a la soledad, a la contención y a lo melancólico. ¿Cómo lograste ir uniendo los temas que compusiste con los que elegiste de otros autores para que conformen una especie de historia?

Simplemente en la búsqueda y la conexión que se da sin pensarlo tanto. Uno al elegir repertorio se desnuda y uno, en definitiva, es lo que canta. Siempre partiendo de las canciones propias como base y luego buscando el complemento con canciones populares. Se dio en la búsqueda de autores, afines con nuestra manera de ver la música.

5.- ¿Qué sentís al estar en un escenario y observar al público?

Hay una comunión con un público que hemos conquistado en estos 8 años que llevo en Buenos Aires. Yo me siento como en familia, Creo que nos parecemos, entonces se produce una conexión mediante la música y las palabras. El escenario es uno de los lugares que más me emociona, quizá porque sea el final de todo un proceso de búsqueda, que empieza con la observación y el sentir, luego la creatividad, luego los arreglos musicales y al final el escenario. Al bajar del escenario también disfruto la interacción con la gente que se acerca y permiten conocer sus historias y sus vivencias.

6. Al pensar en un tren, ¿qué imágenes se te vienen a la cabeza?

En este último tiempo…. la injusticia. La indiferencia.  En lo que respecta a la canción “Trenes” no hice más que retratar la niñez maltratada en los trenes del conurbano. Para agregar te comparto algo del Movimiento Nacional Chicos del Pueblo cuyo eslogan es “El hambre es un crimen” ¿Cuánto tendrán que andar nuestros hijos pobres, para no morirse de hambre, como goteras vivas que desangran en las estrellas? Sin una infancia sana, amasada y entera es impensable una Argentina mejor. Porque un país que mutila a sus niños es un país que se condena a sí mismo…

7.- Se te nota muy comprometido, en tus canciones, con cuestiones sociales como la pobreza. ¿Sentís que tus temas colaboran y aportan su granito de arena?

Yo canto lo que me nace. No sé si los temas llegan a concientizar a alguien de tal o cual fin. Si lo logro será muy bueno, pero no tengo garantías de eso. Creo que el artista en algún punto propone o simplemente muestra desde su lugar. Por lo pronto creo que cada uno, desde su lugar, debe procurar no omitir estas realidades injustas. Hay causas que nos comprometen a todos y no hay que hacer la vista gorda.

8.- Tal cual se le pregunta a un niño, ¿cuál es tu sueño?

Vivo en un sueño permanente. Poder hacer lo que uno ama, a veces podría sonar exuberante en este mundo donde todo es difícil para el que va por el camino digno, pero yo, de apoco, voy cumpliendo pequeños grandes sueños. Como hoy poder presentar este disco. Más adelante vendrá otro y así. Quizá hoy me acompañen 100 personas, mañana serán 1000 y pasado 2000 los que se acoplen y se sientan identificados con esta manera de ver la música y la vida. Siempre siendo honestos con lo que nos nace sinceramente.

10.- ¿En qué se distingue este nuevo disco de los anteriores?

No hay mayores cambios en cuanto al concepto musical. La instrumentación es casi la misma: guitarras, piano, bajo y batería. Esa es la base, mas músicos invitados que aportan colores y matices. Debo decir que hubo un momento importante en este camino que fue cuando, en 2008, grabamos con Diego Clemente y parte del Grupo Nan el disco “Ni Ayeres… Ni Mañanas”. Desde ese momento sentimos que todo lo que viniese después iba a tener que mantener ese nivel musical. Trabajando integralmente desde los arreglos, casi imperceptibles, hasta el texto a contar. Así lo continuamos en “Trazos” y ahora lo mantuvimos en “Contraste”. Siempre en la búsqueda, respetando los géneros que abordamos, intentamos darle nuestros colores folklóricos.

11.- ¿Cómo te venís preparando para el recital de este viernes 9 de noviembre? Qué expectativas tenés?

Muchas… queremos encontrarnos con nuestro público y compartir “Contraste”. Venimos haciéndolo en el interior y hace unos días volvimos de Chile donde también estuvimos adelantando el nuevo material. Estoy muy feliz por  haberlo realizado junto a Gustavo Michalik (Piano) y Eduardo Lucastegui (Batería). El concierto contará con las 11 canciones del disco y por supuesto agregaremos a la noche, canciones que habitualmente hacemos en nuestras presentaciones.

Fotógrafo: Pablo Bialet.

Mariela Verónica Gagliardi

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Una artista con pasión

Es cantante, compositora, intérprete y música desde el alma. Nació en un ambiente lleno de magia, donde cada nota, cada corchea y cada silencio fueron componiendo su personalidad desde sus primeros años de vida.

Ella es Sol Mihanovich, quien estará presentándose el jueves 20 de septiembre, a las 21 hs, en Velma Café (Gorriti 5520 – C.A.B.A).

Antes del show, tuvimos la oportunidad de ingresar, por un ratito, en su living musical:

¿Cómo fue tu niñez rodeada de artistas?

Desde muy chica estuve en contacto con la música. Papá es músico, pianista y compositor y me llevaba a todos los recitales. ¡Hasta dormía al lado de los parlantes! Y él y Sandra tocan juntos desde hace muchos años. Yo estaba siempre ahí y me sabía los discos enteros de memoria.  En la familia Mihanovich hay muchos músicos, no todos conocidos, pero siempre es una fiesta cualquier evento familiar porque hay un piano, una guitarra y una fila de gente dispuesta a cantar. Mamá también toca la guitarra y fue ella la que me enseñó a tocar. Así que la música era algo bastante natural para mí.

¿En qué momento sentiste que la música iba a formar parte de tu vida?

Creo que nunca hubo ninguna duda al respecto. Toco la guitarra desde muy chiquita y canto, y siempre me gustó. Así que siempre supe que de una u otra manera la música iba a estar. Cuando fui más grande, después de algunas vueltas, decidí que era lo que mejor me hacía y que no sólo iba a ser parte de mi vida, sino que quería dedicarme a esto.

Estudiaste varios instrumentos pero, ¿cómo te definiste por la guitarra?

Porque es mi instrumento desde siempre, con el que me siento más cómoda. No me despego de la guitarra y es parte de mí, porque cuando toco disfruto mucho, me relajo y la paso bien.

¿Qué tipo de balance podés hacer desde el 2008 hasta la actualidad? ¿Podrías decir que estás cada vez más cerca de concretar tus objetivos?

Yo creo que hacer música es un camino infinito. Los objetivos siempre cambian porque uno siempre quiere hacer más o distinto o probar otras cosas. Estoy muy contenta con mi crecimiento como artista y el crecimiento del proyecto, con la banda que es insuperable y con todo el laburo que le ponemos. Creo que está bueno hacer un camino de hormiga, y sí, creo que todo lo que nos vamos proponiendo, se va concretando y eso está buenísimo. Pero siempre hay cosas por delante.

¿Cómo hacés para repartirte entre la familia, los amigos y la profesión?

Es difícil, porque trabajo bastante. Pero el tiempo uno lo encuentra cuando hace lo que le gusta. Últimamente no tengo ni fines de semana ni mucho descanso porque o estamos ensayando, o editando el disco o haciendo fotos. Pero todo esto es bueno porque es parte de lo que más nos gusta. Hoy priorizo hacer mi música sobre todo. Y me planteo muy bien el tiempo que le quiero dedicar a otras cosas.

¿Sentís que el hecho de haber sido madre, te dio aún más confianza en vos misma para seguir adelante con tus sueños artísticos?

Ser madre te da otra perspectiva. Hay muchas cosas a las que yo le daba importancia que ya no importan. Y otras, adquieren más importancia aún. Creo que es importante ser consecuente con uno mismo y esforzarse y seguir los instintos. Y es verdad que uno hace las cosas por uno. Pero también es verdad, me encantaría que el día de mañana mi hija esté orgullosa de mí, así que eso es un empujón más.

¿Cómo fue conformándose la banda?

Empezamos con Matías Onzari, bajista de la banda y mi marido, hace varios años. Enseguida se sumó Martín Canosa, tecladista y productor de la banda. Y después aparecieron Rodrigo Genni, baterista, y Nico Mu Sánchez, en guitarra. Nati Pellegrinet es la más reciente que hace coros y toca algunos teclados. Es una banda realmente alucinante, somos amigos y la pasamos muy bien tocando.

A la hora de definir el estilo de tu música, ¿te orientaron un poco tu papá, tu tía o fue una decisión puramente personal?

No, fue algo personal que se fue dando por el estilo de música que compongo, que me gusta y con el que me identifico. Pero fue algo que fui adquiriendo con el tiempo, encontrar una personalidad es un proceso, un descubrimiento y una decisión.

¿Podrías decir que el EP del 2008 fue como una entrada para el plato fuerte que va a ser El juego?

Es una buena definición. Creo que Cuadernos Nuevos fue un muy buen comienzo, una muestra de lo que podemos hacer con producción propia y mucho esfuerzo. Pero creo que El Juego plasma un abanico de canciones muy interesante, canciones más simples, más puras, con bastante para decir. Así que podríamos decir que sí.

Con respecto al nuevo disco, El juego, ¿cómo definiste el nombre y a qué se debe dicho título?

El disco se llama El Juego por una canción, que tiene el mismo nombre y habla de una relación de histeria entre un chico y una chica. Cuando pensaba un nombre para el disco, después de pensar un rato, me di cuenta de que todas las canciones del disco eran canciones de amor. De distintos tipos de amor: amor histérico, amor total, amor maternal, amor casual. Y el amor es un juego que jugamos todos de una u otra manera. Y así quedó El Juego.

Ya para las fiestas, la gente tendrá el regalo para el arbolito…

¡Sí, seguro! Espero que para diciembre esté el disco terminado, así que nada mejor que un poco de música que nos alegre la vida ¿no?

Mariela Verónica Gagliardi

Fotógrafo de las dos primeras imágenes: Fran Orive

Fotógrafa de la última imagen: Lucila Bodelón.

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