Teatro x streaming // Lunes 25 de Mayo
Medianoche
La Visita de Monomujer, teatro para un espectador
Entradas etiquetadas como ‘drama’
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Hasta que la sombra se proyecte
Hay obras que pasan al lado nuestro mostrándonos determinadas realidades y, otras, que nos atraviesan transversalmente para generar un cambio de pensar y ver las cosas (al menos desde la óptica de la dramaturgia).
Aceite de mariposa (escrita por Thelma Demarchi y Ricardo Lago Oliveira, dirigida por este último y protagonizada por Thelma Demarchi) es una de esas historias del segundo tipo, porque de manera íntima y cercana nos narra algo tan real como certero, algo que cobra vuelo y nos moviliza tanto que conseguimos sentir lo que el personaje siente, pensar lo que dice, callar lo que su boca silencia y terminar soñando con un futuro en el que no se imponga una verdad sino muchas. Permitiendo la existencia no de una voz sino todas.
¿Quién es esta mujer que permanece sentada hablando de su pasado?
Esta respuesta podría obtener múltiples respuestas ya que todas las espectadoras somos diferentes, tenemos vivencias distintas y, por ende, nuestros recuerdos no son idénticos. Hablo en femenino no porque el unipersonal no pueda ser visto por hombres, todo lo contrario. Sino porque una de las temáticas de la pieza artística tiene que ver con nosotras, con la maternidad, con el hacerse cargo, con el no poder siempre, con el desbordar-se.
Un hombre que se retrata como el abandono mismo, una madre que acapara, absorbe, condena y, quizás, a su manera ayude o perjudique. Una joven que busca el amor por donde sea y como sea. Que aguanta con tal de sentir cariño. Que se conforma con instantes, los cuales, posiblemente, la hundan más.
Esta mujer que está rígidamente sentada, habla, cuenta… nos busca como testigos de su gran padecimiento que se centra, básicamente, en soportar estar viva.
¿Cómo tolerar la existencia cuando no se hace un recorrido de auto conocimiento?
A veces los humanos pretendemos sacudir a alguien con nuestro dolor, pero este no es el caso. Ella no quiere llamar la atención, sino relatar una gran cantidad de años que la hicieron atravesar una montaña rusa tan digna como escalofriante. A quienes no sobreviven, pero ella sí. Y acá me detengo para comentarles que siempre que estemos ante la disyuntiva de tomar un camino fácil o difícil, tenemos la mayor herramienta llamada valor para hacerlo. Porque es simple tirar todo por el aire y hacer que explota, pero ella no pretende eso sino renacer como el famoso Ave Fénix, y no desde sus cenizas sino desde el dolor, el abandono, la tristeza, la creación y utilizar la razón para pegar cada partecita de su pasado… como un collage en el que todas las piezas son importantes.
Algo muy estético y que suma es el tema de la iluminación, la cual va cambiando sus tonalidades de acuerdo a la escena que se desarrolle. Este detalle integra a la obra, uniendo la suma de las partes y manteniendo al público absorto.
Mientras tanto, la mariposa vive al máximo sus horas porque su permanencia en este mundo es breve. O, tal vez, la necesaria para exprimirla al máximo.
Porque hay quien respira sin saber por qué ni para qué. Como si los días tuvieran que transcurrir delante suyo, como espectador de su propia vida. Pero, hay quien toma las riendas de su vida y cabalga junto a ella, sumergiéndose tanto como sus fuerzas se lo permitan.
¿Quién tiene la verdad? ¿Existe acaso?
Cuando el aceite se consuma, la oscuridad será plena y absoluta. Para ese entonces, la mujer deberá decidir si lamentarse o seguir adelante con un propósito. Por suerte, ella aprehende, se manifiesta, cobra valor y esperanza de un futuro en el que las cosas no sucederán simplemente por azar sino por un fin determinado.
Con un llanto desgarrador, seria, sonriente y tan cambiante como quien se busca; todo llega a su fin. Su recorrido también. Por suerte, el aceite de mariposa no se apaga como una vela. Permanece hasta que todo está dicho. Solo así víctimas o victimarios surgen. Cada quien juzgará u observará. Señalará con el dedo índice o guardará respecto porque aquel que no pudo y ahora puede; por quien siempre puede pero ahora decide correrse a un lado, por quien jamás se desplazará a menos que se lo ordenemos.
Aceite de mariposa es un drama que se vive a flor de piel, maravilloso, muy bien interpretado y con todo lo que una puesta en escena tiene que tener para atravesar la cuarta pared.
Dramaturgia: Thelma Demarchi y Ricardo Lago Oliveira Actúa: Thelma Demarchi Dirección: Ricardo Lago Oliveira Funciones: Domingos, 17 hs. Hasta el 24/11 Espacio Tole Tole (Pasteur 683 - CABA)
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Ya no más
Una obra de teatro que estará vigente, posiblemente, por mucho tiempo. Desgraciadamente por mucho tiempo. Hasta que la propia sociedad se de cuenta de sus consecuencias y del dolor que tiene un grupo vulnerable. Que lo transforme y nunca más lo acepte.
Papi es una obra de teatro escrita por Carlos Gorostiza en el año 1983, marcando una época pos militar con vestigios de la misma.
Papi no es la figura paternal -propiamente dicha- sino la de un hombre o mejor dicho varón que pretende ilusionar a una mujer, manipulándola a su antojo, maltratándola física y verbalmente hasta llegar a hacerla sentir culpable de todo lo que no hace o hace, de lo que dice y calla.
El año 83´, entonces, parece ser hoy mismo y es necesario (urgentemente) cambiar nuestra manera de concebir los vínculos.
¿Quiénes son los cuatro personajes que pululan por esta gran historia dramática? Podría ser el gran enunciado que engloba sus sentires y deseos ocultos.
Una mujer-prostituta que vive en un barrio muy carenciado, dejando relucir sus propias penas, sus sueños de artista y la confianza que intenta depositar en el hombre que le “maneja la carrera”. Este hombre podría decir que genera impotencia, bronca y total compasión porque es el que tiene la vida más miserable. Al menos como mujer, así lo percibo y siento. Un pobre tipo, se podría afirmar; que teniendo familia no es feliz. Que maltratando se siente viril y poderoso y que mintiendo piensa que llegará a “algún lado”.
A esta dupla enfermiza y tóxica se suma otra dupla de hombres interesados en quizás ser “alguien”.
Constantemente está en la superficie ese aire superador y patético como el de ser a costa o por encima de. Sin escrúpulos, pisando cabezas, utilizando la mentira para conseguir algo. Quizás ni siquiera es aquello que se quiere con el corazón sino algo vinculado a lo material y unido a lo tangible.
Papi es una obra de teatro que resulta brillante y que tiene que estar en la cartelera porteña y del país en general, mostrando un pensamiento conservador que lo único que logra es que no exista la transgresión. Transgredir no es malo ni negativo ni avasallante. Transgredir es superar las propias limitaciones y ella (la única figura femenina) lo conseguirá cuando crea en ella misma y deje de mirar a su lamentable entorno.
Dentro de esta maravillosa pieza teatral no todo es drama sino que existen muchísimos momentos de risas y carcajadas en que se puede relajar el cuerpo y digerir la cruda realidad.
Cada nota que hago sobre obras en las que actúa Luciana Sosa, resalto su actuación y es que hace más de una década que la veo hacer diversos personajes y es un lujo notar su grandeza como artista. Es una de las mejores comediantes que tiene nuestro teatro argentino y quizás quienes se acerquen a verla en los espacios que está, puedan descubrirla o redescubrirla. Junto a ella, tres actores que, a la par, llevan adelante un texto disparatado, versátil, auténtico y muy profundo.
Papi es un grito a que los hombres nos valoren y a que nosotras lo hagamos también y en primer lugar.
Papi es un llamado de auxilio en nombre de esas mujeres que están obsoletas de herramientas para decir. ¡basta! ó ¡no! y que así sea.
No se puede convencer a un otro si no hay autoconvencimiento de lo que se dice. Entonces, los cuerpos, no son solo eso sino energía en movimiento que acepta o se rehúsa a seguir por un determinado camino.
Esta obra tiene momentos en que parece una clase de actuación, con técnicas muy útiles. En otros instantes, una enseñanza de valores y verdades que hay que romper y resignificar entre todos. Por último, un juego de niños en que se elige el mejor argumento de identidad. Quizás esto sea lo más valioso y lo que realmente nos sirva para perseguir nuestros sueños, sin lastimar a nadie.
¿Cuántos y cuántas pueden responder a la pregunta de origen?
¿Por qué nuestra sociedad suele contestar, usualmente, con una profesión u oficio?
Tal vez, cuando se responda con el nombre o la meta o aquello que tanto se desea; nuestra sociedad deje de ser violenta y se conduzca más hacia el camino del amor.
Autor: Carlos Gorostiza Actúan: Luciano Bolletta, Damián Ermantraut, Daniel Petrecca y Luciana Sosa Dirección: Ariel Basaldua Funciones: Sábados, 21 hs Espacio Tole Tole
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Agonía
A veces siento que el arte no tiene sentido y, otras, recapitulo y ordeno los pensamientos: el único sentido en la vida es el arte. Porque podremos tener días mejores o peores, podremos abrir la ventana y ver la lluvia mojar todo, o el sol rajar la tierra.
No siempre pasan las cosas que queremos que pasen, pero, podemos estar seguros que hay algunas (como la muerte) inevitables.
Brotherhood (escrita y dirigida por Anahí Ribeiro) me llegó al alma. Desde que la vi no puedo dejar de recordar algunos de sus retazos. Es una obra que amé desde la proyección de una montaña rusa. Sentí cada frase, la música, las actuaciones tan realistas y sencillas.
El eje central de esta propuesta podría decirse que es el desapego. No me atrevo a decir la muerte porque lo que más conmueve no es la despedida física sino ese hueco vacío que nunca más podrá ser llenado. Porque la persona ya no volverá. Porque el duelo será breve o prolongado pero no traerá al ser querido. Entonces es como una despedida de la que importa el lugar en el que nos ubicamos.
Anahí tiene una facilidad para componer personajes, para realzarlos, dormirlos, hacerlos aguardar, explotar en masa y volver a caer de golpe. Los diálogos que escribe son comparables con la montaña rusa, por sus vaivenes. Por el impulso y fluidez.
¿Qué le ocurre a cada uno de estos siete hermanos cuando tienen que involucrarse con sus padres desde el lugar del adiós?
La enfermedad los atormenta, los hace vulnerables, fríos, distantes, cálidos, empáticos, violentos… todo.
Hermanos que son opuestos pero consiguen complementarse. Que coordinan desde la tecnología, que se abrazan sin quererlo o se insultan por angustia.
La sensación vertiginosa de este juego de parque de diversiones es completamente eficaz ya que no es posible desatender la imagen, sino que es parte fundamental para construir y reconstruir a esta familia.
Con respecto a la parte psicológica de la pieza artística podría subrayar el alto grado de negación que tienen algunos personajes, la impotencia de quienes más se involucran y el desinterés de quien muchas veces más sufre y no logra canalizarlo desde el amor.
Es una obra de teatro maravillosa. De esos textos que generan todo tipo de sentires en el espectador, de una coordinación exquisita entre la parte visual, sonora y actoral, con la dirección impecable que pareciera orquestar en vivo.
Si alguna vez perdiste a un ser amado (no necesariamente por el factor muerte) acercate a ver Brotherhood para poder analizar tu postura frente al mundo, al amor, a los vínculos y a lo que realmente importa. Porque si bien los valores son fundamentales, ¿quién determina cuáles tienen más alto rango?
Lo que dice una, es contradicho por otro y lo que en un momento parece ser una batalla campal, luego se consolida como un todo equilibrado. Porque si los polos opuestos se atraen, la acción y reacción pareciera ser que también.
Se puede vislumbrar un constante apoyo de los débiles sobre los fuertes cuando lo que se muestra superficialmente es todo lo contrario. El enojo les hace hervir la sangre, aquella que no siempre los vincula como parientes sino más bien como enemigos.
A la vez que las escenas se transitan a lo largo de la historia, todo va concluyendo sin permiso y lo inevitable se hace presente.
Brotherhood le hace cosquillas al público pero, también, lo incomoda. Es necesario que lo haga. Al menos para cumplir con su cometido -el cual es presentar situaciones típicas de la vida cotidiana, posibles maneras de afrontarlas y el avance del tiempo que (velozmente) suele jugar malas pasadas.
Si estás preparado para la aventura, abrochate el cinturón que está a punto de empezar…
Dramaturgia y Dirección: Anahí Ribeiro Actúan: María Forni, Julia Funari, Bárbara Majnemer, Carlos Marsero, Ingrid Mosches, Mariano Sacco, Gerardo Scherman NÜN TEATRO BAR Entrada: $ 400 y $ 350 Funciones: miércoles, 21 hs A partir del 12/02
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Una muerte en silencio
Excelente propuesta para ver en familia sin distinción de edad ni de género, porque de eso se trata: de ser libre, lo más que se pueda, yendo a favor de nuestra propia corriente y no de un timón manipulado por mandatos añejos sin importar nada y en contra de todo.
Con un vestuario de época que se transforma con el correr de los días, canciones que expresan junto a los cuerpos en movimiento todo lo que no se les permite en palabras; así es que podemos conocer a: Angustias, Magdalena, Amelia, Martirio y Adela; cuatro hermanas que en la presente puesta consiguen hacerse oír. Unidas a otros personajes muy bien representados.
En esta casa no pasa nada es una obra de teatro performática basada en relatos del libro “La casa de Bernarda Alba” (de Federico García Lorca).
Lo grandioso del título es que resume, perfectamente, la ideología de la historia, a dónde apunta y cuáles son sus consecuencias.
Por un lado, el personaje principal interpretado por un hombre (Tomás Almandos) que refleja un quiebre de la época de antes y de ahora. Una sociedad conservadora, que aún sigue vigente, pero menos que antes; una madre que no tiene por qué ser mujer (con todo lo que eso conlleva).
Esta pieza artística es una ventana al mundo occidental, una búsqueda de identidad personal y colectiva, un progreso de la juventud versus el témpano de quien lleva adelante un hogar. Las cadenas invisibles que sujetan aquello que ya no tiene peso real sino simbólico.
El amor en todas sus formas y maneras, que oscila de un paso a otro, de un estiramiento corporal a otro, de la quietud de un cuerpo hasta que ensambla con otro.
En esta casa no pasa nada es el pedido absoluto de silencio por parte de una sociedad, replicada en cada familia. El pedido de que los sentires se oculten bajo llave y se viva con la angustia y temor constantes.
¿Recuerdan al galán Pepe el romano?
Aquí podrá conocerse más de una versión del mismo ser. No se trata de un Sherlock Holmes sino de varias personalidades que conviven dentro de un mismo ser, para justificar (de alguna manera) el no engaño de eso hombre a su prometida, Angustias (Shushu)
Es un acierto la selección de canciones que ayudan a darle un vuelo aún más alto a la obra. Las mismas, en idioma inglés nos permiten no distraernos de lo que ocurre en escena, de no mezclar el decir de un tema con lo que un cuerpo evoca y plasma.
Vestidas de negro, con las ventanas completamente cerradas, de luto eterno. Sí, porque una de ellas solamente contraería matrimonio y lo que la motiva es salir, respirar aire puro… pero sus hermanas desean lo mismo. Abandonar ese sentimiento de culpa que no debería existir hacia un difunto. Hacia un padre que ya no existe físicamente.
Mientras el tiempo transcurre, los cuerpos se contraen y expanden, lucha contra su madre, la aborrecen.
Una juventud que no parece tal, Desprovista de fragancias silvestres, de aroma a campo, de besos y abrazos. Hasta que un buen día, todo vuela por los aires, como un volcán en erupción. Ahí, recién ahí, se impone el corazón de cada una, sus deseos más profundos, el auto descubrimiento, la bondad, lo simple y el tesoro de estar respirando con un fin muy parecido a un tesoro que brilla cada vez que se mueve.
Dicen que la vida es movimiento. Así que en esta casa pasa todo lo que tiene pasar sin desear dañar a nadie. Una víctima siempre habrá y eso es irremediable, al menos en esta historia que tiene mucho de todo. De ternuras y silencios. De tragedias y sinsabores, de entendimientos y revolución.
Con el arma más poderosa llamada amor y su opuesto llamado represión es que se oscila de un extremo a otro. Como un péndulo muy a flor de piel.
Autoría: Federico García Lorca. Versión: Florencia Laval y Julieta Varela Funciones: Martes, 20.30 hs Patio de Actores (Lerma 568 - CABA)
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Nina, de Patricia Suárez
Un unipersonal sobre la vida de una tal Nina a la que le dicen la gaviota y que recuerda, revive y vive años después, mientras trabaja en el guardarropas de un teatro en donde representan esa noche la obra Tres hermanas de Antón Chejov.
Nuestra obra no es de Chejov,sin embargo debía mantener un aroma chejoviano. El personaje ya no es la misma persona que quedó encerrada en el discurso del autor de aquella época. El personaje es el mismo pero es otro, pasó el tiempo; y Patricia Suárez imaginó un presente de años después.
Nina dialogando con esos ropajes, como si los abrigos fueran su público. No aceptando la reglas del momento, de la sociedad de ese tiempo hacía una mujer sola y ya no tan joven. Una mujer sola pero nunca vencida.
Lucha con sus fantasmas. Escucha su música interna, se escucha y lo pone afuera en forma de palabras, de gestos, de acciones, melodías propias.
Todas esas cuestiones hicieron al desafío de encontrar las formas que nos permitieran llegar a ese contenido intenso, doloroso, alegre y pasional que siempre estuvo en la Nina de Chejov pero trasladado a una mujer que ha vivido todas esas emociones y ha resurgido de sus cenizas.
Cómo buscar una posible Nina de Chejov en el tiempo. Cómo hacerla rebotar por los diferentes tiempos: El de La gaviota, el de su presente y el de nuestro presente.
Autoría: Patricia Suárez
Actúan: Ana Padilla
Diseño de vestuario: Pepe Uría
Diseño de escenografía: Pepe Uría
Diseño de arte: Carina Monasterio
Diseño de luces: Violeta Diez
Realización de escenografia: Gustavo Di Sarro
Redes Sociales: Gustavo Passerino
Realización de vestuario: Patricia Terán
Música original: Rony Keselman
Fotografía: Gianni Mestichelli
Diseño gráfico: Pol Bolea, Shula Maiselman
Asistencia de dirección: Carlos Fernández
Dirección general: Jorge Diez
Clasificaciones: Teatro, Adultos
TEATRO HASTA TRILCE
Maza 177 – CABA
Teléfonos: 4862-1758
Web: http://www.hastatrilce.com.ar
Entrada: $ 250 – Lunes – 19:30 hs – 23/09/2019 y 07/10/2019
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Mi hijo solo camina un poco más lento
En el centro de atención está la relación entre la madre y el hijo que padece una enfermedad innombrada. El drama hace la pregunta fundamental sobre cómo aceptar al Otro, diferente, al que queremos, pero no podemos y no sabemos ayudar.
- Dramaturgia: Ivor Martinić
- Traducción: Nikolina Zidek
- Actúan: Aldo Alessandrini, Antonio Bax, Luis Blanco, Elsa Bloise, Pochi Ducasse, Paula Fernandez Mbarak, Pilar Boyle, Clarisa Korovsky, Romina Padoan, Juan Andrés Romanazzi, Gonzalo San Millan, Juan Tupac Soler
- Trailer: Mariano Asseff
- Vestuario: Alberto Albelda
- Escenografía: Alberto Albelda
- Diseño de luces: David Seldes
- Fotografía: Sebastián Arpesella, Nora Lezano
- Comunicación: Gustavo Andrés Passerino
- Asistencia de dirección: Catalina Napolitano
- Arreglos musicales: Francisco Casares
- Producción: Romina Chepe
- Director asistente: Julieta Abriola
- Dirección: Guillermo Cacace
Este espectáculo formó parte del evento: Festival Internacional de Dramaturgia Europa + América 2014
Este espectáculo formó parte del evento: Selección Obras de teatro CABA 2015
Este espectáculo formó parte del evento: 10 FIBA – Festival Internacional de Buenos Aires
Duración: 75 minutos
Clasificaciones: Teatro, Adultos
Clasificaciones: Teatro, Adultos
TEATRO EL PICADERO
Pasaje Santos Discepolo 1857 – CABA
Teléfonos: (+54 11) 5199 5793
Web: http://www.teatropicadero.com.ar/
Entrada: $ 500,00 – Jueves – 20 hs
Pasaje Santos Discepolo 1857 – CABA
Teléfonos: (+54 11) 5199 5793
Web: http://www.teatropicadero.com.ar/
Entrada: $ 500,00 – Jueves – 20 hs
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Ay, Camila
Es un manifiesto de la lucha de las mujeres por “ser quienes quieren ser”. Camila O’ Gorman ejemplo histórico de una mujer que enfrentó a los Poderes de turno. Una niña de la alta sociedad argentina que por amor ofreció todo lo que tenía. Nos encontramos en los albores de la nueva República Argentina, por los años 1840, Camila O’ Gorman de 20 años se escapa al norte argentino con Uladislao, el cura de Santos Lugares, para empezar una nueva vida. Hoy, Camila desciende entre nosotros para volver a revivir su historia, nos cuenta sus fantasmas y nos canta una melodía conocida que hará estremecer el recuerdo de nuestras ancestras que lloraron en silencio y se irguieron ante los fusiles.
Autoría: Cristina Escofet
Actúan: Victoria Di Pace
Diseño de luces: Leandra Rodríguez
Dirección general: Pablo Razuk
Clasificaciones: Teatro, Adultos
CORRIENTES AZUL
Av. Corrientes 5965 – CABA
Teléfonos: 4-854-1048
Web: http://www.corrientesazul.com.ar
Entrada: $ 350,00 / $ 250,00 – Jueves – 20 hs – Hasta el 22/08/2019
Entrada: $ 350,00 / $ 250,00 – Viernes – 20 hs – 23/08/2019
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Después de casa de muñecas
¿Cuánto vale ser fiel a una misma?
Paola Krum y Jorge Suárez protagonizarán, junto a Julia Calvo, el estreno en Buenos Aires de DESPUES DE CASA DE MUÑECAS, la nueva obra del autor norteamericano Lucas Hnath, en versión de Fernando Masllorens y Federico González del Pino, con dirección de Javier Daulte y producción general de Pablo Kompel. El elenco se completa con la presentación de Laura Grandinetti. El estreno de DESPUES DE CASA DE MUÑECAS será el 6 de abril de 2019, en la Sala Pablo Picasso del Paseo La Plaza, Av. Corrientes 1660, CABA.
¿Quién golpea la puerta? Nora (Paola Krum) ha regresado, 15 años después de haber dado el portazo y abandonado a su familia en la escena final de la obra más revolucionaria del afamado dramaturgo noruego Henrik Ibsen. Fiel a su deseo, Nora se ha convertido en una tan famosa como controvertida escritora, que sufre la extorsión de un juez que puede implicarle caer en prisión a menos que consiga la ayuda de su esposo abandonado Torvald (Jorge Suárez), su hija ya convertida en joven mujer (Laura Grandinetti) e incluso de la estoica nana (Julia Calvo), quien se ocupó de cuidar a sus hijos luego de su partida intempestiva. Nora tiene sus urgencias pero claro, su familia tiene también varios asuntos pendientes con ella ….
Nominada a 7 Premios Tony, DESPUES DE CASA DE MUÑECAS, batió el record como la obra llevada a escena en la mayor cantidad de teatros (27) en Estados Unidos durante la temporada 2018, convirtiéndose en una experiencia teatral de visión imprescindible y de una actualidad contundente, que confronta nuestras ideas y preconceptos sobre de que hablamos cuando hablamos de la igualdad de derechos de la mujer – (y del hombre); y que explora la valentía, el costo emocional y las responsabilidades que implica tomar decisiones siendo fiel a una misma/o.
IMPORTANTE
No es necesario estar familiarizado ni haber visto previamente el clásico de Ibsen Casa de Muñecas para comprender y disfrutar de esta nueva obra, ya que la trama tiene su propia entidad y desarrollo.
El equipo creativo de DESPUÉS DE CASA DE MUÑECAS se completa con el diseño de escenografía de Alicia Leloutre y Julieta Kompel, el diseño de vestuario de Ana Markarian y el diseño de luces de Sebastián Francia.
Comenta Lucas Hnath, autor: “Todos los temas que se discutían y argumentaban en “Casa de Muñecas” de Ibsen son en sí tópicos que aún se discuten y debaten en la actualidad. Así que una de las primeras ideas que tuve para escribir “Después de Casa de Muñecas” fue indagar que tanto y que tan poco ha cambiado nuestra sociedad en términos de la igualdad entre hombres y mujeres. Acompañé la escritura leyendo mucho a Charlotte Perkins Gilman, la escritora del cuento “The Yellow Wallpaper” (La Pared de Papel Amarillo) publicado originalmente por primera vez en 1892. Ella escribió sobre una incipiente teoría feminista y tenía una opinión interesante: cuando mencionamos conceptos como la enseñanza escolar, la enfermería y los roles de asistencia en una oficina – ella enumeraba una larga lista de ocupaciones – lo primero que visualizamos son a mujeres en esos roles. Ella elaboraba su idea esperando que llegara el día en que esos roles pudieran ser nombrados y que la primera imagen que se asocie a éstas no fuera más el de una mujer. En cierto momento de mi escritura, invité a varias académicas a echar una leída al libreto y argumentar en contra de todo lo que los personajes decían. Una de las preguntas que les hice fue, “El final de Casa de Muñecas, en que Nora abandona a sus hijos, fue impactante en su momento. Pero si esa obra si escribiese hoy, qué sería un final igual de impactante?” La respuesta fue, “Bueno, ese sigue siendo un final impactante! Sigue siendo algo absolutamente impensado!”. Escuchar esto me ayudó, ya que mientras escribía esta obra me estaba volviendo bastante insensible al shock. Las primeras versiones de mi obra tenían varias posturas y opiniones que algunas académicas pensaban que cruzaban una raya; así que por ejemplo tomé varias de sus críticas hacia el personaje de Nora y se las di en palabras a otros personajes, expandiendo y elevando la discusión. En síntesis, mi interés en los temas y las opiniones divergentes que se presentan en esta obra no tienen una clara relación con mis propias creencias y posturas, sino con aquellas que precisamente me interesan porque no logro comprenderlas o aceptarlas.”
Comenta Javier Daulte, director: “Ser fiel a una misma. ¿Cuáles son los actos que implica poner en práctica esa afirmación? Cada persona, tarde o temprano se hace o debería hacerse esa pregunta. Se trata de actos muchas veces incómodos. Porque ser fiel a la voz propia puede entrar en contradicción con costumbres y reglas demasiado arraigadas. Pero el precio de desoírla es caro: lleva a que nuestras vidas dejen de pertenecernos. Nora está de regreso. No es la misma persona que abandonó a su familia hace 15 años. Nuestra cultura en nuestra época, ya no condena como en otros tiempos a una mujer que deja a su cónyuge. ¿Pero a la que abandona a sus hijos? Después de Casa de muñecas desarrolla con crudeza y piedad estas premisas, e invita, tanto a hombres como mujeres, a reflexionar acerca de nuestro grado de sumisión ante los mandatos familiares y culturales en cuyo marco crecimos y fuimos educados.”
Autoría: Lucas Hnath
Versión: Federico González Del Pino, Fernando Masllorens
Traducción: Federico González Del Pino, Fernando Masllorens
Actúan: Julia Calvo, Laura Grandinetti, Paola Krum, Jorge Suárez
Montaje: Jorge H Pérez Mascali
Diseño de vestuario: Ana Markarian
Diseño de escenografía: Julieta Kompel, Alicia Leloutre
Diseño de luces: Sebastián Francia
Audiovisuales: Milwatss
Stage Manager: Guido Losantos
Vestidores: Héctor Ferreyra
Fotografía: Alejandra López
Comunicación visual: Gabriela Kogan
Comunicación Digital: Bushi Contenidos
Asistencia de dirección: Guido Losantos
Productor asistente: Nicolas Kompel
Prensa: SMW
Producción gráfica: Romina Juejati
Producción ejecutiva: Javier Madou
Producción general: Pablo Kompel
Dirección de Producción: Ariel Stolier
Supervisión de sonido: Pablo Abal
Dirección técnica: Jorge H Pérez Mascali
Dirección: Javier Daulte
Clasificaciones: Teatro, Adultos
PASEO LA PLAZA
Av Corrientes 1660 – CABA
Teléfonos: 6320-5350
Web: http://www.paseolaplaza.com.ar
Domingo – 19 hs
Miércoles, Jueves, Viernes y Sábado – 20 hs
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Fedra
Fedra es casi un nombre prohibido. Lleva consigo el adulterio y la culpa. ¿No será que en este mundo de hombres, donde la mujer también es una pertenencia -sobre todo si de pasión amorosa se trata- toda rebeldía y sublevación deberá ser cruelmente castigada? La tragedia, el mito y el rito a Tánatos son las rutas que conducen al corazón del drama de Fedra, heroína que se enfrentará a un mundo de hombres para intentar salir del laberinto del destino.
Autoría: Juan Mayorga
Actúan: Gastón Biagioni, Marcelo D`Andrea, Marcela Ferradás, Horacio Peña, Francisco Prim, Emilio Spaventa
Músicos: Juan Denari, Arauco Yepes
Vestuario: Luciana Gutman
Escenografía: Marcelo Valiente
Iluminación: Leandra Rodríguez
Diseño De Sonido: Carlos Ledrag
Música original: Carlos Ledrag
Entrenamiento en esgrima: Andrés D’Adamo
Asistencia de escenografía: Mae Bermúdez
Asistencia de iluminación: Susana Zilbervarg
Dirección: Adrián Blanco
Duración: 105 minutos
Clasificaciones: Teatro, Adultos
TEATRO SAN MARTÍN
Av. Corrientes 1530 – CABA
Teléfonos: 0800-333-5254
Web: http://complejoteatral.gob.ar/
Entrada: $ 210,00 – Domingo, Viernes y Sábado – 20:30 hs – Hasta el 25/08/2019
Entrada: $ 105,00 – Miércoles y Jueves – 20:30 hs – Hasta el 25/08/2019
SABOR A TEATRO 
Escrito
en May 25, 2020