*** Agosto 2019 ***

Entradas etiquetadas como ‘teatro cervantes’

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Edipo Rey, dirigida por Cristina Banegas

Edipo ReyAlberto Ure creía que en los gestos y las palabras que pronunciamos persisten todos los gestos y las palabras que vimos y escuchamos: los de nuestros padres, nuestros abuelos mirados por éstos, el teatro que vimos. “El factor Ure” (como diría María Moreno) caldeó, desde los últimos años 60, parte de la sensibilidad de nuestro teatro nacional, sobre todo sus rincones más vociferantes, agitadores, radicales.

Entre sus lecturas del teatro griego, dos obras de Sófocles subyugaban a Ure: Las traquinias y Edipo Rey. De la segunda, dejó una traducción y versión escrita con Elisa Carnelli. En un delicado e intenso ejercicio de diálogo y ventriloquia, Cristina Banegas y Esteban Bieda revisaron la traducción original: quitaron, dejaron, reescribieron e incorporaron fragmentos de otras tragedias, como el célebre verso 393 de Edipo en Colono: “cuando ya no existo, recién ahora soy un hombre“.

La dramaturgia, adaptación y versión de este Edipo (escrito, podríamos decir, a diez manos) plantea que, en un presente signado por la valoración hiperbólica de las libertades individuales, Edipo rey representa una vuelta a los fundamentos de ese ser-en-el-mundo que somos. Aun cuando son pocas -o, incluso, ninguna- las decisiones que tomamos voluntariamente en contra de nuestro propio bienestar, la limitada capacidad de comprender el todo del que formamos parte, hacen que en muchas ocasiones seamos los colaboradores principales de nuestra ruina. El imperativo que manda “vivir bien” a toda costa y en todo momento termina siendo el motor de la desdicha. Edipo rey pone en escena las consecuencias de quien se empecina en desoír el mandato que le ordena sufrir, de quien se obstina por evitar el mal y, así, lo agiganta hasta extremos lindantes con lo humanamente soportable. Porque el primero que castiga a Edipo es Edipo mismo: al quitarse la vista, exilia su alma del mundo de los vivos, para luego exiliar su cuerpo, que ya nunca volverá a la Tebas que lo vio nacer y que tampoco lo verá morir.

AutoríaSófocles

Versión OriginalElisa Carnelli, Alberto Ure

DramaturgiaCristina Banegas, Esteban Bieda

AdaptaciónCristina Banegas, Esteban Bieda

VersiónCristina Banegas, Esteban Bieda

TraducciónElisa Carnelli, Alberto Ure

ActúanRaquel Ameri, Guillermo Angelelli, Liza Casullo, Carlos Defeo, Lourdes Solé Dolphyn, Alberto Fernández de Rosa, Hernán Franco, Elvira Onetto, david palo, Horacio Roca, Pablo Seijo, Daniel Spinelli, Sol Titiunik

VestuarioGreta Ure

EscenografíaJuan José Cambre

IluminaciónJorge Pastorino

VideoJorge Pastorino

Música originalCarmen Baliero

Asistencia de direcciónMarcelo Mendez

ProducciónSantiago Carranza, Leandro Fernández

Colaboración artísticaGraciela Camino

DirecciónCristina Banegas

Web: https://www.teatrocervantes.gob.ar/

Duración: 100 minutos

Clasificaciones: Teatro, Adultos

TEATRO NACIONAL ARGENTINO – TEATRO CERVANTES

Libertad 815 – C.A.B.A.

Teléfonos: 4816-4224

Web: http://www.teatrocervantes.gob.ar/

Entrada: $ 280,00 / $ 230,00 / $ 180,00 – Domingo, Jueves y Viernes – 20:00 hs – Hasta el 16/06/2019

Entrada: $ 280,00 / $ 230,00 / $ 180,00 – Sábado – 20:00 hs – Del 01/06/2019 al 16/06/2019

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Estreno de “Un domingo en familia”, de Susana Torres Molina

Un domingo en familia

ESTRENO
Un domingo en familia
Escrita por Susana Torres Molina.
Dirigida por Juan Pablo Gómez.
El jueves 9 de mayo a las 21 h tendrá lugar el estreno de Un domingo en familia en la sala Orestes Caviglia del TNA – TC.
Con: Anabella Bacigalupo, Lautaro Delgado Tymruk, Juan De Rosa, José Mehrez.
Música en escena: Guillermina Etkin.
El 28 de diciembre de 1975 secuestran y desaparecen al dirigente de una organización revolucionaria a la vera del Río de la Plata, en uno de los recreos que bordean la costanera. Ese día, el dirigente había concurrido con su familia, soslayando varias de las prescripciones que su organización había trazado un año antes, luego del pase a la clandestinidad. Después de su desaparición, el Tribunal Revolucionario lo encontró culpable por haber violado una serie de normas que posiblemente él mismo habría formulado.
¿Cuáles eran las responsabilidades de un conductor revolucionario? ¿Cómo se entrelazaban las tareas propias de la militancia con la vida en familia? ¿Cómo convivían, en este contexto, el deseo y la ética? Un domingo en familia construye un intenso y apasionado travelling por la historia de la militancia argentina en los años 70.
La dramaturga Susana Torres Molina trabaja aquí como una suerte de compiladora: no sería necesario agregarle nada a la realidad, basta con citar y agrupar sus más disonantes versiones. Entonces, la autora no pareciera escribir sino más bien escuchar, como si no existiera la mediación entre la obra y el testimonio, como si la ficción fuese, en definitiva, pura postproducción de la  Historia. En efecto, no hay (lejos del thriller histórico) combatividad ni heroísmo en la tarde crepuscular de este domingo en familia. Y, sin embargo, la escena que rige toda la obra no podría ser más poderosa: un hombre sonriente, a la vera del río, con “el corazón más vivo que nunca”, está a punto de morir.
La música es de Guillermina Etkin, la iluminación de Patricio Tejedor, la escenografía de Paola Delgado y el vestuario de Roberta Pesci.
Un domingo en familia se presentará de jueves a domingos a las 21 h, desde el 9 de mayo hasta el 21 de julio.
Localidades: 280 pesos.
50 % de descuento a jubilados, docentes y estudiantes de instituciones públicas, con acreditación.
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“La madre del desierto”, de Nacho Bartolone

La madre del desiertoPartiendo de una lengua en continua torsión, la escritura y el teatro de Nacho Bartolone se funden en un mismo gesto: adulteración, sensualidad, poesía, desacato. Sus piezas, dueñas de una sonoridad y un cuerpo escandalosos, parecen el resultado de una virtuosa coreografía intelectual. Con pulso alucinado, sus obras Piedra sentada, pata corrida (2013) y La piel del poema (2015), generan vínculos y dislocaciones entre buena parte de la tradición literaria y el teatro argentinos. La madre del desierto ataca el periplo de la difunta Deolinda Correa, puesto en el cuerpo y la voz de Alejandra Flechner. Si el desierto es una página en blanco, y el pasado un holograma o materia que acarrear, el autor enfrenta ambos con entusiasmo y crueldad. Una vez más el lenguaje, a partir del Bebo Pura Leche que encarna Santiago Gobernori, es “un destetado de su raza”y, como toda potencia desobediente, “siempre habla la Lengua de dios”.

Este año el TNA – TC incorpora a su programación funciones con recursos accesibles, diseñados para personas con discapacidad sensorial visual y comunidad Sorda. Las funciones contarán con audiodescripción introductoria e intérpretes en lengua de señas -LSA-; programa de mano con QR, que incluye un video subtitulado con la información del programa de mano en LSA.

Las funciones accesibles de La Madre Del Desierto serán el 21 y 28 de febrero a las 18 hs.

Autoría: Nacho Bartolone

Actúan: Alejandra Flechner, Santiago Gobernori

Músicos: Victoria Barca, Franco Calluso

Vestuario: Endi Ruiz

Escenografía: Endi Ruiz

Iluminación: David Seldes

Diseño Audiovisual: Leo Balistrieri

Música original: Franco Calluso

Asistencia de dirección: Gladys Escudero

Producción: Silvia Oleksikiw

Colaboración artística: María Florencia Rúa

Coreografía: Carolina Borca

Dirección: Nacho Bartolone

Web: http://www.teatrocervantes.gob.ar/

Duración: 75 minutos

Clasificaciones: Teatro, Adultos, Artes Escénicas

TEATRO NACIONAL ARGENTINO – TEATRO CERVANTES

Libertad 815 – C.A.B.A. (mapa)

Teléfonos: 4816-4224

Web: http://www.teatrocervantes.gob.ar/

Entrada: $ 280,00 – Domingo, Jueves, Viernes y Sábado – 18:00 hs – Del 14/02/2019 al 17/03/2019

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La belleza de un poema y la esencia del amor

Hercule-Savinien de Cyrano de Bergerac, nació en París el 6 de marzo de 1619. En la actualidad es recordado, entre otras cosas, por la obra del dramaturgo Edmond Rostand, que se basa en la vida de este ilustre poeta y soldado. La obra siempre fue exitosa y fue llevada, incluso, al cine (por ejemplo, en los años noventa, teniendo como protagonista a Gerdad Depardieu).

Qué buscaba este revolucionario, qué persiguen los enamorados, hacia dónde van cuando sienten que todo está perdido para sus corazones.

El amor. Qué tema más heroico, controversial e inevitable en la vida de todos los humanos.

La Compañía Criolla vuelve a deleitarnos con otra de sus propuestas escénicas, de la que toma el clásico de Cyrano de Bergerac para convertirlo en una versión más nativa para niños (y adultos, como siempre).

Así es como Cyrano de más acá (escrita y dirigida por Emiliano Dionisi) se traslada de Francia a Buenos Aires, con un estreno a sala llena en el Teatro Cervantes. La nueva comedia musical dará mucho de qué hablar y cautivará a todas las familias que pongan un pie en la calle Libertad.

Estoy convencida de que hacer un espectáculo para niños es muchísimo más intrincado que uno para adultos, sin desmerecer a nadie. Permitir que un infante se interese por el arte, que escuche y vea una historia (que, tal vez, anteriormente leyó o le leyeron) es algo increíble. Único. Por eso es que la cultura no es un plato sobrante sino principal, junto con la educación.

¿Por qué es importante la historia de este poeta sii hubo tantos hombres inteligentes, que enamoraron y cautivaron?

Cyrano tuvo el don de ser leal a sus valores, poniendo en primer lugar su amistad con Cristian y evitando romperle el corazón.

Para quienes no conocen la trama, les cuento que durante el periodo Barroco, en Francia, existió este ser tan particular que logró mezclar sus ideas libertinas con la escritura y su espontaneidad. Él estuvo durante toda su vida enamorado de su prima Roxane, la cual jamás se habría fijado en su persona. En primer lugar por su parentesco y, en segundo lugar, porque estaba obnubilada por el atractivo físico de Cristian. Claro que esa visión cambia, a lo largo del tiempo, cuando deja de ser superficial y conoce lo que es el romanticismo.

Cyrano de más acá tiene esa impronta fresca que con frases modernas, de nuestra época y lugar, captan incluso al menos leído. Cyrano es feo, tiene una nariz muy grande pero, sin embargo, es el hombre más deseado por todas las mujeres. Incluso por Roxane, sin ella saberlo aún.

La dramaturgia se sostiene a lo largo del tiempo y de cada una de las cartas que Cyrano le redacta a su prima, con la firma de Cristian. De esta manera, los dos logran enamorarla, aunque ella tarda toda su vida en saberlo. Recién cuando su primo está por morir, recita una de sus cartas (de memoria) y, así, ella descubre la verdad. Para ese entonces, Cristian (el que creía su gran amor) ya había fallecido, décadas atrás, en la Guerra de los 30 años.

Entonces, cabe preguntarnos, qué habría sido de estos mortales si se hubieran amado libremente, a pesar de todo y más allá de todo.

Quisiera hacer mención a la puesta en escena que es realmente grandiosa, que consigue situarnos en los dos lugares en que se desarrolla la acción, en la iluminación que persigue cada uno de los cuadros de cada situación (porque verlos interpretar a estos actores se torna visible, palpable, real e imposible de olvidar), en la música en vivo que, como siempre, suma un plus y en la perfecta dirección de Dionisi.

Considero que Roberto Peloni es el Cyrano más bello que pudiéramos tener y que consigue tomar la esencia del francés, persiguiendo su misión (al menos la única que se atreve a explorar). Julia Garris es la muestra de femenidad absoluta que pretende ser fiel a su sentir durante toda la vida. Talo Silveyra enaltece, como siempre, ese don para expresar ternura y es así como este trío conmueve desde que aparece en escena hasta que se cierra el telón. Estos talentosos son acompañados por Horacio San Yar, otro excelente actor que lleva adelante la complejidad de interpretar a varios personajes y de hilvanar los hitos de esta gran historia, también uniéndose a la tribu maravillosa.

Me emocioné, lloré, reí, vibré, me conmoví y recordé cada una de las obras que vi de esta compañía. Por eso es que resulta imposible no recomendar una y otra vez.

Mientras sigan existiendo elencos de esta magnitud es que el teatro será infinito, el arte podrá seguir desplegando sus alas y la inocencia de los niños ser conservada como tal.

Mariela Verónica Gagliardi

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Llantos de amor y esperanza

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ficha-el-hombre-de-la-nariz-rotaEl dramaturgo y actor Rolo Sosiuk decide llevar al teatro la vida de Auguste Rodin pero desde la mirada de su amante Camille Claudel. Es entonces cuando tendremos la oportunidad de ingresar en la intimidad de este escultor que no siempre fue reconocido por sus creaciones. El hombre de la nariz rota (dirigida por )es uno de dichos ejemplos en que el arte (y no su perfección) son dejados a un lado por parte de la sociedad.

Rolo Sosiuk será esa máscara que revivirá para recordar su existencia, para estar sin que nadie se de cuenta y pulular por cada rinconcito en busca de justicia.

Existe una fusión entre la danza y el teatro que da cuenta del mundo de la escultura. A su vez, así como el baile pretenderá un renacer, Camille será despojada de su lugar, de su profesión y encerrada en un manicomio para que se atormente cada uno de sus días.

Sufriendo de desamor, de tristeza, de promesas incumplidas y de una vida que no podrá llegar a este mundo; así es como esta pobre mujer es despojada de todo. Absolutamente todo.

No habrá caricias para ella que la cuiden, ni besos que la devuelvan a su cordura. ¿Existe quien no enloquezca en el encierro? ¿Existe quien no padezca cuando se lo desnuda por completo hasta de su interior?

Una actriz excelente interpreta a esta amante (Zuleika Esnal) y será lo que más relucirá a lo largo de la historia. El hombre de la nariz rota parece ser por momentos una dramaturgia bufa, luego un drama, más tarde una lectura sobre la danza clásica y después una forma de cambiar los errores.

Con una mirada aguda y punzante acerca de la elección de Rodin, -un hombre que parece no haber elegido lo que le dictaba su corazón sino lo que se le sirvió como plato en la mesa- y la fuerza que cobra lo afectivo tanto al momento de crear, como de amor y de morir lentamente.

Los segmentos de danza vendrían a ser la perfección, una perfección que no existió en la vida del escultor cuando hizo esta pieza artística, ni en la de su esposa ni en la de su amante, ni en la del hermano de ésta. Al fin de cuentas: ¿qué es lo perfecto? Pareciera ser que atrae lo “imperfecto”, lo distinto, lo que no siempre se puede describir con palabras y, sin embargo, apasiona.

Un amor que no pudo concretarse como los dos hubieran querido y que tuvieron que regalar por los aires, desplomándose por completo.

Cuando todo parezca deslumbrar, aparecerá una nube negra que detendrá tal satisfacción. Así fue la vida de esta mujer y el tormento que eligió atravesar. Quizás pueda sonar ridículo que una persona escoja el dolor antes que la felicidad y es que esta artista creería que su Rodin dejaría a su esposa por ella, como tantas veces se cree. Este conformismo e ilusión la hundieron, tanto pero tanto, que ya sus palabras solo resonaron en cuatro paredes, al mismo tiempo que sus lágrimas se expandieron y secaron todo corazón enamorado.

Su camino de discípula la enriqueció como escultora aunque su gran tormento fue el haberse fijado en un hombre como Auguste y no haber logrado la entereza para finalizar una relación en vez de sentir luego el agobio del abandono.

El retrato de Camille debe permanecer más vivo que nunca para que la violencia de género pase a la historia de una vez por todas, para que cada mujer golpeada, insultada, menospreciada y tratada como un pedazo de mierda se sienta identificada y no justifique la mano dura del hombre que la ejecuta.

Esta obra de teatro plantea a El hombre de la nariz rota como un abanico que se va abriendo, de a poco, y que pretende concientizar. Considero que hay que ver esta propuesta en que la mujer objeto-sujeto aparece y desaparece según la intención de los masculinos que se atreven a hacer “magia” con los cuerpos ajenos.

Una estética que nos lleva a al Siglo XIX y que nos pega un cachetazo al presente, recordándonos que el amor puede ser lo que permitamos que sea.

Mariela Verónica Gagliardi

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Un regreso inesperado

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El Ciclo Cervantes en el Cervantes, presentó este lunes un unipersonal en el que se recrea la esencia de la gran humorista y comediante: Niní Marshall. La interpretración estuvo a cargo de la actriz Magalí Meliá y debo confesar que lo que más me atrajo fue que no se trató de una copia sino, justamente, de una recreación en la que Magalí rescató los modismos, códigos y cadencias con que Niní nos deleitaba con cada uno de sus personajes.

Y… se nos fue redepente es la invitación al velorio del difunto Don Pascual y a esa atmósfera y sensación que se percibe al ingresar a la sala en que se despide a un ser querido. Claro que Niní aprovecha para jugar, como era su costumbre, con el humor negro e inmiscuirse con lo que podrían hacer los más pequeños en ese entorno.
Son los juegos de pelota y corridas (que podemos escuchar a lo lejos) quienes separan cada uno de los sketchs en que podemos deleitarnos con: Catita, Doña Pola, Niña Jovita, Mónica, Doña Caterina y Cándida.

Con un vestuario bien específico para cada situación y rol, es que Electra? (la viuda) será contenida, acompañada, y quién sabe si podrá salir del caos imperante que llega al final de la despedida de su marido. Una despedida, como tenía que ser, muy original y que trascenderá por doquier.

De eso se trata el universo de esta artista que fue prohibida durante varios años de dictadura y que, sin embargo, consiguió llegar con su léxico a muchísimos hogares que se fueron encariñando con su manera incorrecta de hablar, con su simpatía, con la impronta de cada situación y el timing en que conseguía pasar de un acto a otro irrisoriamente.

Cabe mencionar que al ingresar a la sala Orestes Caviglia y notar que la única escenografía es una corona de muertos, realmente impacta. Por más que se trate de un espectáculo cómico, la muerte es siempre angustiante en nuestra cultura. Pero, al transcurrir unos minutos pareciera ser que nos vamos acostumbrando a compartir dichas flores y aguardar la actuación de la actriz. Vale la pena conocer a Magalí Melía para quien no conozca de su trabajo, vale la pena saber que no precisa copiar para hallar lo más relevante de Niní y quienes percibimos ello pudimos aplaudirla muchísimo.

Su respeto se transforma en admiración, la misma que tenemos quienes amamos a Marshall, la misma que puede contagiarse al repetir frases, dichos, o, simplemente, palabras sueltas. Porque dialogar hablando incorrectamente es como un nuevo lenguaje que tarda en asimilarse y, en este caso, hablar bien podría ser un error y la pérdida de gracia total de cada una de las performance.

La presente actriz no se confunde, logra plantarse en el escenario y transmitir monólogos sin igual, provocándonos la carcajada inmediatamente, sin reparo.

Componiendo un personaje tras otro y luciendo diferente en cuestión de segundos, ella sorprende. Siendo joven, mucama, chusma, cogotuda, anciana y teniendo mucho para decir -como menciona sobre el final de la obra-.

Actriz: Magalí Meliá
Dirección: Ariel Leyra
Función: 19 de septiembre 2016
Teatro Nacional Cervantes

Mariela Verónica Gagliardi

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Los martes son de Radioteatro

img_20160919_145027_487CICLO DE RADIOTEATRO
El corso de Manuel Cruz
Dirección Santiago Doria


Martes a las 19 horas con entrada gratuita


Con las interpretaciones de Nora Cárpena, Antonio Grimau, Mirta Wons, Claudia Cárpena, Sebastián Pozzi, Luciana Ulrich y Gastón Ares, los relatos de Julio Viera y la dirección de Santiago Doria, el próximo martes 13 se estrena El corso de Manuel Cruz, adaptada por Victor Agú y Sebastián Pozzi para el Ciclo de Radioteatro. Se ofrecerá en la sala Luisa Vehil también los martes 20 y 27 de septiembre y 4 de octubre, siempre a las 19 horas, con entrada gratuita. Como se sabe, este año el Ciclo de Radioteatro está dedicado a homenajear a Teatro Abierto.

“En 1982, sin resignar la resistencia político-artística a la dictadura, Teatro Abierto presentó su segundo ciclo en el que ensayó nuevas estrategias de producción, difusión y experimentación -explica el investigador Alberto Wainer-. El nuevo repertorio -continúa- surgió de un concurso de obras en un acto elegidas por un jurado compuesto por directores, actores y técnicos (con expresa exclusión de los dramaturgos). El criterio se discutió: el relato de la gesta de sus 21 autores fundacionales perdía algo de épica, los protagonismos, al democratizarse, se tornaban más difusos, pero, cualitativamente, las 34 obras y 17 proyectos experimentales seleccionados (entre casi 500, enviados desde todas las provincias argentinas) no desmerecieron cualitativamente en relación a los de la edición inaugural. El corso del autor sanjuanino Manuel Cruz, lo prueba irrefutablemente. El grotesco criollo, nuestro género teatral por excelencia, reafirma su eficacia metafórica, y la obra -y esta buena noticia artística, no lo es respecto a nuestra actual realidad social- conserva intacta su eficacia crítica.”

El Ciclo de Radioteatro continuará hasta fin de año con la dirección general de Víctor Agú, los efectos en sala de Sebastián Pozzi, la asistencia de dirección de Rodrigo Colo Pi Garau y Federico Gómez Bac y producción del TNC de Alicia Briel del área de Extensión Cultural.

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1938. Un asunto criminal, se estrenará en el Cervantes

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Augusto Fernandes actúa
junto a Beatriz Spelzini y Hugo Arana
en la obra de su autoría que también dirige.


Después de su gira nacional, en el marco de la cual se estrenó en mayo pasado, 1938. Un asunto criminal de Augusto Fernandes sube a escena en la sala Orestes Caviglia del Teatro Nacional Cervantes. Desde el sábado 24 de septiembre (jueves 22y viernes 23 funciones para prensa e invitados), el público de Buenos Aires podrá ver esta obra en la que Hugo Arana, Augusto Fernandes y Beatriz Spelzini interpretan a los personajes de un triángulo amoroso cuya historia se juega en Bariloche, el año que preludiaba la primera Guerra Mundial, y con un clima de gran suspenso.

“Era un momento en el que la figura de Hitler crecía ante los ojos del mundo -enfatiza Augusto Fernandes que también es el director escénico del espectáculo-. El sueño del nacional socialismo y todo lo que representó, hoy me sigue fascinando -dice-. Siempre me obsesioné mucho por la Guerra. La del ’14 fue la gran guerra, todo lo que vino después, la rebelión de la India, la Guerra Civil Española, la Segunda Guerra, todo, fue consecuencia de la Primera. Estuve en Berlín en la época de la Guerra Fría -recuerda-. Se la veía tan cuidadita, pero yo estaba convencido de que estaba edificada sobre cadáveres, sobre NN. Mis compañeros de compañía teatral me miraban como diciendo que estaba loco.”

Después de 10 años en España adonde había llegado escapando de la Argentina porque había hecho “algo muy feo”, Julián vuelve a Bariloche para confesárselo a su amigo Giacomo, con quien en todo ese tiempo no se había comunicado. Giacomo lo espera en el living de su casa y en un momento del encuentro le dice que su esposa Greta ha muerto. El living se convierte en un espacio que da lugar al suspenso, al misterio. La complejidad de los vínculos se patentiza. Los tres personajes parecen relacionarse desde el lugar de la locura.

Inspirada en un hecho real, un crimen sucedido en Italia un poco después del año en que se ubica la obra, 1938. Un asunto criminalle permite a Fernandes, como él mismo dice, hablar de muchas cosas que le interesan: el sentido de la vida y el de la memoria, la sinestesia. “Aquel crimen ocurrió en Italia, pero a mí me impresionan mucho los crímenes que están ocurriendo. Por qué razón hay tantos, por qué razón hay tanto maltrato con mujeres, tanta muerte.”

1938. Un asunto criminal tiene diseño de vestuario de Marta Albertinazzi, escenografía de Albertinazzi y Fernandes, colaboración artística de Lisandro Fiks, iluminación de Gonzalo Berdes y Fernandes. La producción del TNC es de Silvia Oleksikiwy la asistencia de dirección de Vanesa Campanini.

Se ofrecerá en la sala Orestes Caviglia de jueves a sábados a las 21.30 horas y los domingos a las 21 horas, para el público a partir del sábado 24 de septiembre. Localidades 75 pesos.

 

Vacaciones en el Cervantes

Espectáculos para niños y toda la familia en el Cervantes
dos propuestas de miércoles a domingos
en VACACIONES DE INVIERNO


Leonardo, trabajo práctico N°1

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de Gerardo Hochman

Con Pablo CensiDarío DiacoAnahí DratmanRomina FaríasGermán FonzalidaFlorencia Montaldo y Rodrigo Oses

Dirección Gerardo Hochman

Acrobacia, teatro, danza, proyecciones y música en vivo se conjugan en este espectáculo que hace viajar a los espectadores por los vericuetos de la mente de Leonardo Da Vinci, personaje único que unió para siempre el arte y la ciencia. El espectáculo con idea, guión y dirección de Gerardo Hochman apunta a la emoción del espectador y renueva la curiosidad sobre este hombre del Renacimiento y su entorno creativo. Lo hace a través de una dramaturgia del movimiento y de la acción, construida sobre una música especialmente compuesta y con ejecución en vivo.
Leonardo, trabajo práctico N°1 se estrenó en el Festival Internacional de Teatro de Buenos Aires (2011), al obtener el premio a los Proyectos Teatrales que otorga el FIBA. Realizó una temporada en C. C. Konex, participó en el Festival Iberoamericano de Bogotá, donde fue vista por 10.000 espectadores. Realizó una gira por el interior del país, se presentó en el Festival Polo Circo y en el Teatro Timbre 4. Realizó funciones en el C. C. Haroldo Conti, en el Auditorio Amijai y en la Sala AB del C. C. San Martín.

Diseño audiovisual: Daniel Calvo
Música original: Sebastian Verea
Coreografía: Lucas Condró y Gerardo Hochman
Iluminación: Gerardo Hochman
Vestuario: Laura Molina
Escenografía: Duilio Della Pittima y Ernesto Sotera

SALA MARÍA GUERRERO
Vacaciones de invierno: miércoles a domingos a las 15 horas
Plateas: $60 

Con esta lluvia
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de Silvina Reinaudi Carlos Adrián Martínez 

Con Alfredo Rizo Carlos Adrián Martínez

Dirección Carlos Adrián Martínez

Espectáculo de títeres y actores con una dramaturgia pensada desde el juego, el de los niños y el de los adultos. Los actores titiriteros en escena proponen este juego: “…juego con sus asociaciones divertidas, absurdas, mágicas y tragicómicas -cuenta Martínez– que llevan el conflicto a un extremo donde a veces ‘portarse mal’ es claramente una búsqueda de límites. Límites a menudo complicados en las relaciones entre hermanos, entre padres e hijos, entre amigos, entre enamorados, en cada espacio de la vida. En una cultura tecnológica que en tantas ocasiones tiende a comunicaciones demasiado mediatizadas -expresa este creador de tan extensa trayectoria- encontrar juegos cara a cara siempre es bueno y necesario.”

Sonidos y arpegios incidentales en vivo: Martínez / Rizo
Diseño y realización escenográfica, muñecos y objetos: Taller de Títeres Triángulo

SALA ORESTES CAVIGLIA 
Vacaciones de invierno: miércoles a domingos a las 16 horas
Localidades: $60 

 

 

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Un bosquejo de lo que podría llamarse identidad perdida

Gris de ausencia - Radioteatro

Ficha radioteatro ElencoEn 1981 Roberto “Tito” Cossa estrena la obra de teatro titulada Gris de ausencia, situada en una época pos peronista, alrededor de la década del 60´ y con una carga emotiva muy relevante. Es así como Víctor Agú decide adaptarla al formato de radioteatro para revivir la esencia fundamental del desarraigo.

Como la canzonetta que se escucha en varios momentos de la historia que va hilvanando los retazos del pasado, de un continente y otro, de las tierras natales y las convertidas en propias aunque siempre desoladas. Así es como transcurre el relato de cada uno de los personajes de esta historia que consigue expresarse como un conjunto de evocaciones atemporales, sin años, sin presente ni futuro, solo con un pasado que conmueve al más añejo y permite desplegar las alas al más joven.

Un gris que empaña lo que podrían ser colores vivos pero que conmueve hasta al más inquieto.

Los recuerdos, esa caja fuerte o ese baúl que cuesta vislumbrar desde lejos pero que está integrado por anécdotas, por sueños tan fuertes que son imposibles de notar despiertos. Como esa fragancia al puerto de La Boca, de las reuniones familiares, de una partida de tute y las melodías de un acordeón desafinado que se oyen más representativas que lo que podría ser perfecto.

Sebastián Pozzi es el encargado de darle vida sonora a cada escena del radioteatro y que como espectadores podamos sentir los pasos, el correr de una página del diario que llega tarde al barrio, las voces gastadas de tanto sufrir, el idioma que confunde personalidades y sentires, dolores del alma imposibles de subsanar.

Mientras Nora Cárpena ý Víctor Agú nos introducen a esta melancólica escucha, cada interpretación se irá encargando de decir algo picaresco, inolvidable y tan profundo como lo no sucedido como se deseaba.

Un abuelo interpretado por el talentoso actor Roly Serrano, al cual podemos observar con toda la gestualidad al pie de un hombre anciano y, a su vez, darnos el lujo de cerrar los ojos y sentir la fascinación de su gran composición interpretativa.

Gris, como lo intermedio entre una tonalidad y otra, como lo que no se puede definir exactamente, como lo desteñido del negro u opacado del blanco. Como un pie dejando huella en Italia y Argentina, como la confusión de un Coliseo y la cancha boquense. Como el mareo que no permite saber a ciencia cierta para qué permanecer donde se permanece ni por qué.

Ficha Gris de ausencia - radioteatro

Mariela Verónica Gagliardi

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