*** SEPTIEMBRE 2025 ***

flyer bienal 2013

7 propuestas escénicas ganadoras de la Bienal Arte Joven Buenos Aires

7 prestigiosos tutores

7 salas del circuito independiente

De Marzo a Mayo

Luego de la exitosa edición 2013 de la que participaron más de 700 artistas jóvenes con una convocatoria de 150.000 personas, la Bienal Arte Joven Buenos Aires presenta la temporada de estrenos de los proyectos ganadores en Artes Escénicas. Siete originales propuestas de jóvenes creadores realizarán 12 únicas funciones en diversas salas del circuito independiente a partir de marzo.

Así, el actor Martín Slipak hará su debut como autor y director con Relato íntimo de un hombre nuevo interpretado por Lisandro Rodríguez, en tanto Ramiro Cortez y Federico Fontán estrenarán Los cuerpos su primera obra conjunta como coreógrafos e intérpretes. Por su parte, Nahuel Cano presentará Todos mis miedos, un espectáculo que protagonizan María Abadi y Pablo Seijo; Sofía Wilhelmi llevará a escena una original puesta de su comedia  Baby Call y Juan Coulasso estrenará Cinthia interminable, una indagación sobre la violencia familiar a partir de mecanismos escénicos. La temporada de estrenos se completa con Moralamoralinmoral una propuesta de danza-teatro creada por Brenda Carlini, Agustina Fitzsimons, Milva Leonardi y Marta Salinas, y Reset, un espectáculo de teatro musical con dirección de María Florencia Diácono.

Las 7 obras, seleccionadas a partir de una convocatoria abierta a la que se presentaron más de 150 proyectos, fueron producidas por la Bienal y contaron con la tutoría de referentes como Valeria Ambrosio, Maruja Bustamante, Alejandro Casavalle, Carlos Casella, Marcelo Savignone, Ciro Zorzoli y el colectivo artístico Random Creativos.

Siete son las obras que ganaron la Bienal de Arte Joven 2013. Acá podrán leer las notas referidas a cada una de ellas. Hay variedad de estilos, de disciplinas y mucho talento.

Baby Call

Moralamoralinmoral

Cinthia Interminable

Todos mis miedos

Reset

Los cuerpos

Relato íntimo de un hombre nuevo

 Prensa y difusión del Festival: Luciana Zylberberg.

Moralamoralinmoral2

Somos contemporáneos, cool, pos-modernos, re cancheros, superadores de épocas pasadas pero, sin embargo, seguimos llevando en nuestra mente ciertas frases referidas a lo que está bien y a lo que está mal.

Existen muchos estilos de filosofías, aunque la más importante es la que contiene cierta coherencia entre lo que pensamos y hacemos en la práctica.

“Moral amoral inmoral” (de Brenda Lucia Carlini, Agustina Fitzsimons, Milva Leonardi y Marta Salinas), logra reunir las ideas más convencionales, esa mirada anticuada, para llevarla a escena.

Ellas son cuatro mujeres jóvenes, talentosas y osadas que se permiten jugar con la libertad en su máxima expresión; demostrando que el cuerpo es un conjunto de partes, que no nos debemos avergonzar por mostrarlo y que el humano siempre juzgará.

Llevando adelante esta premisa, podremos observar lo ridículos que somos a la hora de señalar con el dedo al diferente, al distinto, al que piensa y actúa de otra manera.

Por otro lado, en varias oportunidades, se suele hablar de moral queriendo referirse a lo ético. Distan mucho un concepto del otro y el diccionario ayudaría a quitar dudas relevantes.

Esta pieza teatral es muy enérgica -valiéndose de la danza-, entretenida y reflexiva. No existe un hilo conductor, sino varias, múltiples y la cantidad que nuestros ojos puedan observar por completo.

Actualmente, el tema de violencia de género y trata de blanca, abundan, dan temor, miedo, mas y mas tabúes. A las mujeres como receptoras de esos castigos (en general), nos tiene que pre-ocupar el mensaje que emitimos a una sociedad -que de a poco- se continúa destruyendo a sí misma, entre todos.

¿Por qué considerar que los pechos exhibidos son acto de provocación en lugar de apreciarlos porque ellos darán, en algún momento, el alimento a sus hijos?

¿Por qué considerar que la belleza de un cuerpo femenino tiene que ser asociado a un objeto sexual en vez de verlo como brillantez, como sostén de una familia, como contenedoras y dignas de dar y recibir amor?

¿Por qué el cuerpo de una mujer debe encajar con el de un hombre? Si desde los tiempos más remotos existió la homosexualidad pero no tanta discriminación como ahora.

¿Por qué una mujer que está con varios hombres es tildada de puta cuando ni siquiera está bien aplicado el término? Y en todo caso, ¿una prostituta no trabaja? Es más aceptado un político que roba, un delincuente que mata que una mujer que elige de que manera llenar sus bolsillos con dinero.

Según nuestro querido diccionario de la Real Academia Española, los significados que se corresponde al título de la obra expresan lo siguiente:

Moral: perteneciente o relativo a las acciones o caracteres de las personas, desde el punto de vista de la bondad o malicia.

Están aquellos que se sentirán avalados por una acepción semejante, pero, ¿de qué sirve quitar el contexto socio-político-cultural? Así como una constitución nacional no se sobrescribe y sigue conservando términos del siglo XIX, la RAE se apoya en la misma teoría de statu-quo.

¿Para qué modificar?

Dejemos que todos sigan discutiendo, imponiéndose, luchando e intentando que prevalezca el pasado en vez de construir sobre el presente.

Amoral: desprovista de sentido moral.

La desnudez, la elección sexual, de género, de pareja, de sentires, de aromas… elegir nos hace libres realmente.

Inmoral: que se opone a la moral o a las buenas costumbres.

La Iglesia es lo primero que se me viene a la cabeza. Esa institución que se separa tanto de la religión, que pide sacrificios, oraciones, rezos, divisiones, xenofobia, muerte, sangre, dolor.

¿Cuáles son las buenas costumbres? Las que generaciones antiguas llevaban a cabo porque tenían que ver con sus realidades?

La Iglesia que, frecuentemente, tuvo que ver con las desapariciones en nuestro país, con las torturas, con los malos estragos…

¿La moral a cuáles de sus integrantes pertenece? ¿A la que más le prometa a Dios? ¿Un Dios que se supone que perdona o no juzga al que comete los peores pecados en su vida?

No es mi intención discriminar a la religión ni a un edificio bañado en oro, pero sí la incoherencia de sus prácticas.

¿Por qué el Vaticano no da el ejemplo combatiendo la pobreza y desnutrición?

Apoyándome en mi filosofía de vida totalmente convencida de lo que ayuda a una sociedad y lo que es tradición, actúo en consecuencia, colaboro sin poner mi nombre y celebro que “Moralamoralinmoral” haya ganado en la Bienal de arte porque significa que estamos avanzando y rompiendo barreras oxidadas. Quizás se tarde, quizás intenten demorarnos, pero la juventud siempre se dijo que es la que logra llevar adelante sus convicciones.

moralamoralinmoral ficha

Mariela Verónica Gagliardi

Mariela Verónica Gagliardi

Baby call2

La relación entre una mucama y su ama es muy conocida. Siempre fue y será vista de diversas maneras. Podrá buscarse su lado humorístico, trágico, despreciable o humillante.

“Baby call” (de y dirigida por Sofía Wilhelmi) decide basarse en el típico vinculo, marcando las diferencias de clases económico-sociales y mostrando cómo, ante una adversidad, dicha relación puede revertirse.

Todos seguramente conozcan ese aparatito llamado como el título de la obra, que sirve para escuchar cuando un bebé llora. En esta obra no hay presencia de pequeños pero sí la necesidad imperiosa de la dueña de casa por controlar y no perderse de ningún paso.

Otra vez notamos, cómo lo que parece seguro puede verse afectado por factores y situaciones externas que no han sido contempladas.

Un asalto a mano armada es el conflicto en “Baby call”. Dos mujeres que viven juntas, por fuerza mayor, y que deben Baby call6sortear obstáculos, uniéndose para combatir a los enemigos que lograr ingresar en la vivienda.

La mucama conoce ese mundo perverso, inseguro, lleno de delincuencia… pero su jefa no. Ésta no entiende lo que sucede, hasta el punto que no toma como amenaza al atraco. Ella tiene su propio problema por solucionar que es la separación de su marido.

Paralelamente, los ladrones serán espectadores de las ridículas exposiciones de la dueña de casa y su empleada -que no podrá entender el modo de proceder-.

Como una comedia negra, esta pieza teatral, nos deleitará con las actuaciones, con los diálogos y, sobre todo, con los efectos sonoros que serán realizados en vivo por los propios artistas.

Quisiera decirles que en mi experiencia durante la función, pude sentir y vibrar Baby call. Los sonidos llevados a cabo con ollas y diferentes objetos simples hogareños, dieron una magia especial, que jamás se podría haber logrado con música o efectos especiales.

Un radioteatro puede contemplarse y quienes están privados de la vista, seguramente serían espectadores de lujo.

¡Qué buen logro el no tener que apoyarse solo en la palabra! La coordinación es impecable a lo largo de toda la obra Baby call1pero las voces se escuchan diferentes, nos logran habituar en un espacio determinado, en una distancia amplia o corta.

No es necesario un espacio gigante para que los actores se desenvuelvan ya que ellos encontraron la manera, excelente, de contar una historia utilizando recursos económicos.

Con respecto a la escenografía, vale destacar la creatividad de convertir un dormitorio con cajones de maderas, dándole un lugar lleno de espacios para guardar todos sus objetos personales y los de limpieza de la casa.

A su vez, existe otro punto importante a resaltar que es el de los dos espacios paralelos. Mientras una escena se desarrolla en la habitación de la mucama, otra se sitúa en algún sitio que no vemos con los ojos pero sí podemos imaginar gracias a los diálogos.

Es original esta modalidad de narrar dos situaciones al mismo tiempo, permitiendo que el espectador ponga en primer plano una u otra, mas allá de lo que la iluminación y texto deciden resaltarnos.

Lo maravilloso del teatro es que nuestra mirada puede posicionarse en un lugar u otro, en un personaje u otro. No existe un paneo ni plano que nos obligue a contemplar lo que no nos interesa. No existe el capricho del director sino la decisión personal.

La unión hace la fuerza, supera obstáculos impensados y nos obliga a cambiar. Todo cambio asusta, pero de eso se trata.

Baby call3

“Baby call” demuestra que los estereotipos son tan sólo eso. Que no todo lo que parece ser de una manera termina siendo así. Y que el factor sorpresa está presente, de principio a fin.

 ficha artístico-técnica Baby call

Mariela Verónica Gagliardi

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O no reparaciones5

¿Cómo se puede modificar el pasado, una situación, una etapa, un momento?…

«O no reparaciones» podría definirse como una muestra de teatro experimental durante la cual se observan diversos cuadros -muy opuestos unos de otros- entre los que puedo mencionar: el desamor entre una pareja; la ceguera de una familia que, por dolor y miedo, oculta su miserable realidad; una maestra de inglés que intenta transferir sus conocimientos a personas que no tienen ni el más mínimo interés.

Hasta acá podríamos comprender la obra de una manera pero, al continuar la trama, vuelve a aparecer el fantasma de la muerte. De esa muerte sanguinaria, de O no reparaciones3la dictadura en el mundo, de las marchas militares que producen escalofríos, de la tragedia más grande del mundo referida al no poder aceptar al diferente, al distinto y a aquellos que no respondan a nuestros ideales caprichos.

La lucha intelectual no da siquiera un suspiro de paz, ni antes ni ahora. Los focos de combate son otros o los mismos, al igual que sus protagonistas que, lamentablemente, dejan herederos.

¿Es capaz una sociedad, de aquí de allá, de curar y reparar los daños que provocaron cadáveres?

¿Qué sucede cuando no se observa el mal y se lo naturaliza?

Esta creación colectiva (dirigida por Florencia Suárez Bignoli), impacta, emociona y produce incomodidad. Quizás para este público no, o para todos los presentes no, pero para otros sí.

Existen temas como la anorexia que, por más que el tiempo transcurra y todos nos volvamos enciclopedias, aún no se puede sanar. Y de eso se trata: de curar O no reparaciones7heridas tan profundas y difíciles de demostrar que el propio cuerpo debe encargarse de somatizar y transmitir, exageradamente, lo que le pasa.

También, hay otras cuestiones como la violencia colocada en la cima. Claro que es agresivo ver ropa tan diminuta como imposible de probarse, claro que es agresivo escuchar y ver publicidades que discriminan a la mujer y hombre que no cumple con estándares sociales impuestos y sacados de una galera que vende, claro que es violento y desgarrador asumir que una sociedad está enferma por culpa de los más poderosos pero, también, defendidos por los que gozan de ignorancia.

¿Cómo dar la vuelta de página cuando no se superó la tragedia individual y social?

¿Y si superáramos el pasado como haríamos para no olvidarlo? Se puede superar sin olvidar como para no volver a cometer tremendos genocidios?

¿Qué peso y arduo trabajo tenemos individual y colectivamente!

Mientras los diálogos van y vienen, los actores se desenvuelven dentro de una sencilla escenografía compuesta por afiches blancos que permiten sorprender con videos en vivo, juegos de luces y un despliegue visual-sonoro impecable.

O no reparaciones8

Finalmente, el amor es el encargado de cerrar la dramaturgia. Un amor noble, inocente, una mitad que se une a otra conformando una unidad. Y esa pieza ejemplifica al mundo, intentando reunir de a poquito a sus integrantes.

Será cuestión de embarcarse y disfrutar…

Disculpen, cómo podría afirmar estas acciones cuando el hombre no para de garronear lo que tiene el de al lado o de envidiar, con ira, cuando no obtiene una tajada.

¿Cómo reparar algo si todavía se puede terminar de arruinarlo?

O no reparaciones2Es mejor no pensar cuán peor podríamos estar y empezar siendo responsables: en principio por nosotros y luego colaborando con quienes perecen bajo un árbol, permitiendo que la sangre se oscurezca.

Tal como dice el título «O no reparaciones». Vivir y dejar vivir. Parece ser una locura el velar por nuestro propio principal derecho.

ficha artístico-técnica O no reparaciones

Mariela Verónica Gagliardi

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Haya9

En la ciudad de Bolívar se esconde una historia real que María Laura Santos (la directora), se encargó de ficcionar, así como de guionar. Esta narración tiene ese aroma y gusto al interior, a que realmente ocurrió y que sus personajes son netamente intérpretes.

“Haya” es el título de la obra, así como de su protagonista (Paula Baldini), la cual tendrá la valentía de enfrentar momentos angustiantes pero que, sobre todo, aprenderá a acomodarse a diversas situaciones totalmente inesperadas en ese pueblo.

Como una pequeña pero gran historia, el eje central girará entorno a lo emotivo. Las sensaciones serán unas y al
cabo de un rato, otras. Las personas que irá conociendo Haya no serán convencionales sino todo lo contrario. Ni Haya7siquiera tendrán nombres que coincidan con sus géneros y este punto hará reflexionar sobre el sexismo.

Esta pieza teatral nos remite a aquello tan puro como el amor, en todas sus vertientes.

Un espacio recreado con objetos que nos ubican en tiempo y espacio, al mismo tiempo que la iluminación y música, serán los encargados de permitirnos lagrimear, buscar en nuestro interior, en ese rinconcito colmado de recuerdos inolvidables.

“Haya” pertenece al género testimonial y de eso no hay dudas. Pero, Haya no es solamente una mujer en un pueblo. Haya es una mujer en busca de su identidad, de sus ancestros, de la soledad y de la compañía que surge de modo espontáneo.

Es imposible no emocionarse. Todos hemos tenido pérdidas de seres queridos y la muerte en nuestra sociedad continúa siendo una energía tan oscura como la bruma, de lo que no se puede hablar demasiado sin estallar en llanto.

¿Qué significa el término haya?

Puede ser un verbo o sustantivo, según como se utilice. La palabra hace referencia a una acción o árbol. Dos cosas tan diferentes una de otra.
Aunque no es el fin de la obra ninguna de estas dos en particular, sí me atrevo a involucrarlas como parte del relato.

La Paloma es el sitio en el que se desarrolla casi toda la historia, en paralelismo a un hotel llamado Goitías -muy cerca de allí- atendido por un hombre demasiado particular, con un costado melancólico-romántico.

Haya5

Cada momento que transcurra será inolvidable para la protagonista y para nosotros como público. Ella podría ser cualquiera de los espectadores que se sumerge en una aventura impensada, pero que le resultará placentera.

Desde que se ingresa a la sala del teatro, se ve un letrero luminoso, ubicándonos en un lugar determinado. Ese será el punto de partida y, gracias a éste, se desarrollará lo siguiente.

Haya nos cuenta un mito sobre las hermanas caballo. Estas hermanas son de pocas palabras, parecen niñas aunque ya no lo son, parecen haber vivido demasiado tiempo alejadas de la gente y cada palabra escuchada les producirá un estímulo diferente, permitiéndoles bailar, cantar y ser felices nuevamente.

Haya3

¿Qué puede sentir una persona ante una gran pérdida?

Silencio, no saber qué decir, no poder hablar.

Como si la voz fuese la encargada de reproducir tristeza y dolor. Qué acostumbrados estamos a tener que emitir sonido con la boca, dejando de lado al resto del cuerpo que muchas veces se expresa más nitidamente.

Qué sucede con las personas que deciden formar su propia vida lejos de la ciudad, de un mundo simultáneo pero en muchos casos demasiado dañino para ser recorrido?

Ser “anti-social”, ¿está mal? No querer seguir al rebaño de ovejas y tener otros valores, ¿es incorrecto? ¿Por qué la única verdad es la escogida por la mayoría, en varias ocasiones porque ya es lo más cómodo y ya transitado por otros?

La música de los Guns and Roses surge en cierto momento de la dramaturgia con la canción Paradise City y el factor Haya6sorpresa vuelve a apoderarse de nosotros.

¿Quién podría imaginar que un grupo de música internacional formaría parte de tan profunda obra?

Una ciudad paradisíaca con movimientos de caballos, danzando el rock and roll tan mágica como poderosamente podría verse en escena.

Probablemente los actores intenten buscar aquellos niños que fueron, los aromas de la casa de sus abuelos, el olor a pasto recién cortado y cada comida servida en las mesas de los domingos.

Seguramente si pudieron llegar a esa columna vertebral seguirán llenando las butacas como hasta ahora, enterneciendo, provocándo risas y dándonos la oportunidad de volver por un rato a la infancia, esa etapa en que solo existían los juegos.

Ficha técnica Haya

 Mariela Verónica Gagliardi

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8) L14

Unas sillas antiguas y rotas colgando del techo junto a telarañas, invaden el espacio que -con una melodías tenebrosa- nos sumergen en la historia de «L 14» (escrita y dirigida por Nicolás Pérez Costa y Nacho Medina).

Al comenzar la obra vivía un paralelismo con algún cuento de terror de la infancia. Una propuesta diferente estaba ante mis ojos y dejé que cada sentido se empapada de ésta. A lo alto de una escalera de madera había una chica que hizo una introducción -la cual creó suspenso e intriga-.

Pero, de repente, el clímax de la dramaturgia se modificó por completo para dar 1) L14lugar a sus personajes que, unidos por algún motivo, decidieron interpretar un libro. Así fue como repartieron al azar cada rol, se vistieron para la ocasión e intentaron jugar.

Qué complicado puede resultar ponerse en la piel de un otro y olvidarse de quien es uno mismo. Cuál es la identidad de cada ser y cómo se opta por hacerse cargo de quién se es?

A partir de esa búsqueda, posiblemente impensada para llevar a cabo, se desarrolla una temática entretenida e inteligente, surgiendo canciones y coreografías muy impactantes.

Con respecto a la narración, Luis XIV es el Rey protagonista y a partir del cual girará cada una de las situaciones y conflictos de la obra.

Un punto interesante es que son dos historias -una desprendida de la otra- y que, de a poco, se van complementando, 27) L14así como sus personajes. El anacronismo es el factor que posible esto y los diálogos generan tensión, goce, complicidad con el espectador y un aire turbio en otros aspectos.

Si bien L 14 pertenece al género de comedia musical, dentro del suspenso. Existen tintes cómicos que permiten relajarnos y sentir esa bruma pesada -específica del relato-.

Cuando finalizó la pieza teatral, Nicolás Pérez Costa, comentó que escribió la obra a sus 17 años. No sorprende que así fuera ya que nos tiene acostumbrados a pura creatividad y talento. Aunque sí parece escrita por un joven, por ese aire novedoso y pantomímico en ciertos fragmentos de la obra.

Así es como, mágicamente, viajamos por un mundo de ficción, a partir del cual, la aristocracia se enfrenta a su pueblo, a la miseria económica, a un reinado sin rumbo y a su propia esposa que, casualmente, no interpreta ese papel en el juego.

«L 14» es una ubicación, un piso con un número de departamento, un espacio para crear, divagar y encontrarse. Un itinerario para seguir por convicción o miedo, un camino ocioso y religioso, alegre y triste. Un itinerario para elegir el propio final. El marcado por la narración que se persigue y el aceptado o rechazado por nuestros valores.

6) L14

Nadie podrá escapar a su propia esencia y ese será el puntapié para comprender la profundidad de la obra.

«L 14» es una alternativa a la vida actual y la posibilidad de intercalar dos mundos paralelos. Lo peligroso es olvidarse de quién es cada uno y confundir ambos universos.

Mariela Verónica Gagliardi

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Reset1

«Reset» (de y dirigida por María Florencia Diácono) es un término muy utilizado en nuestros tiempos y asociado a la tecnología. Cuando se tilda un celular, generalmente, hay que hacer un procedimiento para que vuelva a funcionar; o cuando la computadora pasa por un conflicto similar, también, sabemos que debemos reiniciarla.

Pero, ¿cómo se aplicaría un reseteo al cuerpo humano, al cerebro?

En esta propuesta original y divertida, dos jóvenes (Federico Fedele y Michelle Wiernik) nos llevarán por un recorrido interesante y que dejará boquiabierto al público.

Ellos fueron elegidos para una especie de experimento, el cual los conducirá a la felicidad. Claro. Que la felicidad es Reset2muy relativa y subjetiva, variando demasiado de a una a otra persona. Entonces, ellos serán empujados formalmente a lo que se considera -socialmente- como tal.

El primer beso, el primer noviazgo, el casamiento, la formalidad, el deber ser; irán sorprendiéndonos a lo largo de «Reset», una pieza teatral sin altibajos y con mucha fuerza escénica.

Con el estilo de un videojuego, estereotipando a sus personajes -con looks súper techno y la música contextualizando dichos sketchs-; podremos conocer la verdad del sector más pequeño. Aquel segmento que se suele discriminar por no pensar como la mayoría, ya obsoleta.

La obra puede ser entendida por grandes y chicos. Cada franja etárea comprenderá lo que esté a su alcance visual o moral.

A su vez, la comedia musical con canciones realizadas especialmente por el elenco, harán mucho más amena a Reset, combinando movimientos de baile -no especificos de la danza- con la marcha y un final con guitarra en vivo.

Reset3

Cuando ya no sabés qué rumbo tomar o, definitivamente, deseás un cambio rotundo en tu vida, ¿cómo volvés a cero?

Sería como volver a nacer, lo cual es imposible ya que cargamos con demasiada información en nuestro cerebro, difícil de limpiar.

Muchas canciones famosas suelen hablar de volver a… acaso es tan importante eliminar esa mochila que traemos a cuestas? No sería mejor que nos sirva de experiencia?

Los actores interpretan a dos muñecos, dos muñecos que no son imprescindibles, que se pueden reemplazar con un abrir y cerrar de ojos. Entonces, ¿qué mensaje fundamental nos quiere dejar esta gran obra?

Que mientras sigamos repitiendo modelos, sin cuestionar absolutamente nada, formaremos parte de una puesta en Reset4escena, de un capítulo más de la vida de otros.

Hay quienes consideran que es correcto copiar sin modificar, sin elegir. Pero acá no se trata de lo que está bien o mal, sino de que somos seres capaces de hacer una historia distinta. Que no debemos esforzarnos por diferenciarnos del otro, pero que tenemos que usar la razón para Ser.

Recuerdo a una profesora de literatura que cierta vez dijo: Dios Es. Lo que ella nos quería transmitir es que una persona es en general una profesión, un color, un adjetivo. Dios no precisa tener adjetivos.

Quizás suene muy prepotentes mi parte confirmar que todos tenemos la oportunidad día a día de Ser, de conseguir lo que buscamos, en vez de perdernos en el laberinto. Solamente nos hace falta hacernos amigos de nosotros mismos y confiar.

Mientras los colores de Intervention Company -cita en Butterfly- siga demostrando cuán irreal es la realidad plasmada por los ancestros, seguirá vigente un modelo antiguo y perezoso. Aunque el día que abran sus ojos quienes permanecen en la quietud, se podrá construir un mundo interesantisimo.

Reset de sus impactante y utiliza recursos televisivos, en general, y frases conocidas por todos para describir escenas y momentos tradicionales. Deeste modo, la ironía se convierte en la base del relato, con diálogos sencillos pero profundos.

Reset9

La destreza de los interpretes, desde lo vocal hasta lo actoral nos dejan solo una ventana abierta: la del éxito, unido de la felicidad elegida por cada corazón y no impuesta porque así tiene que suceder.

Los aplausos sonaron durante la función y al finalizar ésta. Desde mi percepción, sentí que tuvieron que ver con el trabajo profesional llevado a las tablas pero, también, a la vida que se escurre entre nuestros dedos si no le damos un reseteo de vez en cuando.

 Mariela Verónica Gagliardi

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Con idea y producción general de El Nudo – Compañía Teatral Creadores de «Un tigre en el Gallinero», “Un Hipo Desafinado” y “Un ovillo con pelusa”

Funciones: Sábados y domingos a las 16hs.

En vacaciones de invierno: De martes a domingo a las 16hs.

Centro Cultural de la Cooperación “Floreal Gorini”, sala R. G. Tuñón

Corrientes 1543 – CABA – Informes: 5077-8077

Localidades 80$ (menores de 2 años sin cargo)

Títeres para niños de 0 a 7 años

Duración del espectáculo: 40 minutos.

Dramaturgia: Laura Monti

Dirección y puesta en escena: Nelly Scarpitto

Idea y producción general: El Nudo Compañía Teatral

Intérpretes: Mariana Trajtenberg, Daniel Scarpitto, Claudia Villalba, Telma Skocznadek

“La vida cotidiana de Felipe, el elefante, se ve sorpresivamente interrumpida por la llegada de dos inexpertos cazadores. Los animales buscan una solución hasta que descubren, después de pasar por una infinidad de situaciones disparatadas, que la mejor salida al problema es enfrentarlo todos juntos”.

Una zambita cruel8

Un caballo humanizado (Patricio Witis), el cual vive encerrado en un potrero, sin relacionarse demasiado con sus amos.

En medio de los típicos roces familiares -entre una hija (Celeste Sanazi) y su padre (Mariano Muente)-, surge una historia de amor que no llega a desarrollarse.

Los artistas tienen la convicción de cantar y trasladan la trama a las voces campestres y autóctonas.

Las guitarras suenan -marcando el ritmo, compás y sensaciones- desde la escena y desde fuera de ella.

No existen demasiados contratiempos, prevaleciendo el amor que no pudo ser y Una zambita cruel3el encierro emocional de los
personajes como barrera al despertar de sus emociones.

En cuanto al título de la obra, considero que no es necesario justificar, constantemente, el mismo a través de la palabra. Sus cuerpos expresan y la música confirma a éstas.

Tal vez, sea una cuestión estética el modo de narrar y el recurso poético utilizado.

La sala del Teatro Garganta estaba colmada, todas las mesas de madera tenían un aroma especial rural. Ese perfume a antaño que suele ser difícil recrear y transmitir.

De repente, uno de los actores llamado Lucas (Julián Rubino), esboza en su canción: «Voy sin saber a dónde voy, voy despidiendo lo que soy» y, luego, se incorpora a la obra para seguir sorprendiendo con su estilo moderno y popular, al son de la zamba.

Al principio no se sabe quién es quién, pero el relato principal no apunta a descubrirlo, sino a convencerse de cuáles son las cuestiones trascendentes en la vida de un ser vivo y a luchar por los valores que considere importantes.

Una zambita cruel16

La música ambienta, entretiene… los diálogos conforman cada escena pero, si imaginaramos, una zamba bailada de principio a fin; sería el resumen de esta obra.

Por otro lado, el personaje de Soledad (Celeste Sanazi), la prima de Lucas, pretende ser el hilo conductor de las tragedias que se van sucediendo, pero podemos -de algún modo- tomar al caballo como personaje principal o, inclusive, al propio guión.

Eso es lo más interesante en «Desde mis ojos»: la posibilidad de elegir el camino a seguir y el sentirse libre, sin tener que esforzarse por entender. El entendimiento es visible, con diálogos no rebuscados, gracias a lo cual el espectador puede Una zambita cruel15disfrutar y dejarse llevar por los estímulos de la pieza teatral.

Una estancia, un caballo, una familia y una serie de letras musicales que conforman esta propuesta.

Otro punto a resaltar es que cada intérprete puede lucirse, siendo todos protagonistas. También, la manera en que van alternándose los pensamientos del caballo con las escenas familiares, para lograr un par impacto distinto en una historia de amor.

«En la quietud del monte una brisa cambia todo» – dice el animal en cierto momento. El tenia sus pesares y dolor muy ocultos, tan ocultos que cuando quiso expresarlos no supo medir la fuerza. No era un animal salvaje pero sí en cautiverio, totalmente abandonado y despreciado.

La poesía está presente en todo momento, intentando desmarañar los problemas. A su vez, un guitarrista fuera de las tablas, ameniza a lo largo de la narración, otorgándole mayor vida al relato campestre.

Al finalizar la obra, me puse a pensar sobre el maltrato animal. Sobre la eutanasia, sacrificios, veganismo. Y es que, como les decía anteriormente, cada persona establecerá un lazo con aquel aspecto que le signifique más.

Si un caballo pudiese hablar con palabras, ¿qué esbozaría?

Una zambita cruel6

La violencia es violencia. Hacia una persona o animal. Entonces, por qué justificar uno más que el otro? Hasta donde llega el ego del hombre como para considerarse superior a otro ser vivo?

«La muerte es puramente animal», afirma el caballo. Quizás ese sea su argumento para no sentir culpable.

La historia avanza y cada conflicto se resuelve. Mientras tanto la música cobra protagonismo:

«Nunca supe cómo cantar esta zambita cruel».

¿Puede considerarse cruel un animal? Este actúa por instinto. Pero su instinto no siempre le marca lo correcto, solo lo que sus sentidos irracionales le confirman que debe hacer.

ficha artístico-técnica Desde mis ojos

 Mariela Verónica Gagliardi

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Pinedas91831 – Granada (España).

Como una obra de arte «Pinedas tejen lirios» (escrita y dirigida por Susana Hornos y Zaida Rico) refleja la vida de una mujer luchadora que por hacer notar sus valores, fue eliminada violentamente de escena.

Mariana Pineda es aquella luz que muchas personas no se animan a irradiar, por miedos, por prejuicios, por ser juzgadas o abolidas.

Durante la función pude notar el gran desenvolvimiento de baile y coordinación (a cargo de Carmen Mesa), en conjunto con el actoral llevado a cabo por Petra (Laura Lebedinsky) y Pedrosa (Ariel Pérez de María).

En cuanto a la protagonista (Arantza Alonso), ella supo captar la esencia de los ojos de esa mujer soñadora, utópica, valiente y tenaz; que tanto dio sin esperar nada a cambio.

Pinedas11

Como una flor amarilla, con su encanto aromático, también, debemos tener en cuenta que -algún día- marchitará.

Ella murió, sin quererlo. Pero vivió, se desarrolló y sintió, a flor de piel, cada instante.

Uno de los aspectos más interesantes de la obra es el modo de narrar, pudiendo entrelazar pasos de flamenco, excelentemente sincronizados, y permitiendo darle una estética realmente delicada a la obra. Por otro lado, me parece muy buena la elección de mostrar violencia sin ser recurrente, danzando y actuando cada agresividad con un recurso distinto. Sabemos que no tiene el mismo impacto, pegar una cachetada con la mano que hacer un movimiento sutil que lo interprete.

De esto se trata «Pinedas tejen lirios», de buscar y encontrar los detalles, la esencia y Pinedas6fundamento para contar -originalmente- una historia real, ficcionada y que llega a lo más profundo del corazón. Cada recurso escogido se vuelve único, suspicaz, valiente y revelador. Es imposible no sentir la piel de gallina al contemplar esta pieza teatral.

Durante la función no existieron ruidos y distracciones. El tema fue conmovedor y el camino escogido para transitarlo, muy especial.

Celebro cuando los actores interpretan a varios personajes y, sobre todo, cuando son talentosos como para no confundir al espectador. Toda la vida de Mariana estuvo presente, su infancia, su madre, su hermana, su marido y tantas otras escenas que ejemplificaron la esencia y lo más importante de la familia Pineda.

También, considero que no sólo se basa la obra en la vida de Mariana Pineda, sino que es un reflejo, inclusive, de situaciones femicidas que siguen ocurriendo en nuestros días. Así como ella mantuvo sus convicciones en primer lugar, hay mujeres que no se animan siquiera a desvincularse de la maldad ajena que tanto las perjudica.

Pinedas7La protagonista habrá sido vista como una provocadora, sin proponérselo.

Una mujer golpeada, física o psicológicamente, también es vista de la misma manera.

Los ojos de los más miserables producen ceguera, penumbras y delirios.

Muchas veces, lastimosamente, escuché a hombres decir «algo habrá hecho». Sin remitirnos específicamente a la dictadura militar, no existe justificación para azotar a alguien.

Cuán poderosas y polémicas pueden ser las palabras libertad, igualdad y ley. Antes, ahora y mañana. Quizás, antes más que ahora. Posiblemente, mañana en menor medida.

Pinedas engloba a cada una de las mujeres que con amor, perseverancia y firmeza pudieron hacerse valer. Sus vidas estuvieron, están y estarán en juego; pero acaso tiene sentido respirar un aire contaminado si somos capaces de elegirlo?

Con respecto al vestuario, es llamativo y bien característico de la época. Es perfecto el detalle del vestido de ella que marca el presente y pasado, al quitárselo y quedarse con otro atuendo. El vestido antiguo era rígido como esa época, incomodo, haciéndola sentir en prisión, una prisión tan simbólica como real.

«Pinedas, tejen lirios» en vez de calas. Enhebran amor y bondad en vez de odio y rencor.

Tienen una mirada alegre y cantan sus pesares, buscando la arista más entretenida y voraz.

Pinedas5Los versos van y vienen, sirven de contexto y relajan a la vez. Casi al finalizar se escucha «El romance de Mariana Pineda» (una pieza anónima e incluida en la obra de teatro de Gabriel García Lorca). Cabe aclarar que el cantautor español Luis Pastor compuso especialmente esta versión para esta pieza teatral, la cual es sumamente exquisita de escuchar.

Mariela Verónica Gagliardi

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