Teatro El Extranjero | SABOR A TEATRO

* MAYO 2023 *

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Minientrada

Regresa El casamiento, de Witold Gombrowicz

Luego de una primera temporada con el apoyo unánime de la prensa y el público, el domingo 10 de febrero a las 20 hs. regresa

El Casamiento

De Witold Gombrowicz, con dirección de Cintia Miraglia

Intérpretes: Mariano Bassi (Enrique), Víctor Salvatore (Pepe/ guitarrista), Hugo Dezillio (Padre), Mónica Driollet (Madre), María Colloca (María/ cantante), Fabián Carrasco (Borracho/canciller y acordeonista), Luciano Nobati (Dignatario /violinista)

Funciones: A partir del 10 de febrero – domingos, 20 hs.

Sala El Extranjero, Valentín Gómez 3378

Informes: 4862-7400 / Email:elextranjero@elextranjeroteatro.com/

Entrada $350 (Est. y Jub. $300 / Menores de 18 $200) – Promociones: 2×1 con Club La Nación / 2 x $ 500 Anticipadas en Alternativa.-

“El Casamiento no es una trasposición artística de un problema o una situación, sino una libre descarga de la imaginación, eso sí, dirigida a un fin determinado. Es una lucha en sueños con los demonios del mañana, es la celebración del sagrado rito de un nuevo y desconocido Devenir. De modo que, puesto en escena, debería convertirse en el monte Sinaí, lleno de revelaciones místicas, en una nube preñada de mil significados, en un trabajo desenfrenado de la imaginación y la intuición, en un Grand Guignol rebosante de alegría, en una misteriosa missa solemnis a caballo de los tiempos y a los pies de un altar desconocido”, Fragmento del Diario Witold Gombrowicz

El casamiento de Witold Gombrowicz es, desde el punto de vista dramatúrgico, una heredera directa de Ferdydurke –la primera novela del autor-. Una pieza con claras influencias de escritores tales como Shakespeare, Joyce y Kafka; poseedora de una poética que produce, al unísono, diferentes niveles tanto de fascinación como de desconcierto, presentando a la vez las grandes obsesiones gombrowiczianas, tales como: la forma que deforma, lo maduro versus lo inmaduro, lo foráneo, el poder, la locura y la destrucción, entre otros. Una fuerte crítica a toda forma de identidad colectiva que encorseta e impone al individuo un cercenamiento en su libertad.

Este espectáculo, además de ser seleccionado para participar de la Décima Tercera Edición del Festival Gombrowicz (Random, Polonia), cuenta con el apoyo de la Embajada de Polonia, Proteatro y LatinGráfica, junto con el auspicio de la Editorial Cuenco del Plata y del Congreso Gombrowicz

Sinopsis

Enrique sueña que vuelve de la guerra y ve surgir todo su pasado (su casa natal, sus padres y antigua novia, entre otros). Pero descubre que todo ha sido degradado: su hogar se ha transformado en una taberna atendida por sus vínculos primarios. Toda esta realidad lo asfixia tanto que sólo encuentra salida a través de una ficción trastornada y delirante.

“Decidimos reestrenar esta obra luego de una hermosa temporada (2018) a sala llena y de las maravillosas repercusiones que hemos tenido de parte de críticos, colegas y el público que nos acompañó. Decidimos volver también porque creemos en la fortaleza de la obra gombrowicziana y en su enorme vigencia, a setenta y cinco años de que fuera escrita. Se trata de una asombrosa radiografía de lo que sucede actualmente en nuestro país y en buen parte de Latinoamérica. Una pieza provocadora e inteligente que a partir de su ácido humor y su compleja estructura nos invita a ser parte de un entramado de amor, poder, locura y muerte”, declara Cintia Miraglia

Ficha Artística y Ficha Técnica

Autor: Witold Gombrowicz; Intérpretes: Mariano Bassi (Enrique), Víctor Salvatore (Pepe/ guitarrista), Hugo Dezillio (Padre), Mónica Driollet (Madre), María Colloca (María/ cantante), Fabian Carrasco (Borracho/canciller y acordeonista), Luciano Nobati (Dignatario /violinista) Escenografía: José Escobar; Iluminación:Cristian Domini; Vestuario: Cintia Miraglia; Música Original: Daniel Quintás; Diseño Gráfico: Clara Frías; Supervisión Artística: Gabriel Guz; Producción: Natalia Gauna; Asistente de Dirección: Francisco Barceló; Dirección: Cintia Miraglia / Duración: 75 minutos

Sobre Witold Gombrowicz

Nace en Polonia en 1904. Novelista y dramaturgo, candidato al premio Nobel de Literatura. Nació en el seno de una familia acomodada perteneciente a la nobleza polaca. Estudió Derecho en la Universidad de Varsovia entre 1926/32. En 1933, Gombrowicz publica algunas historias cortas reunidas bajo el título de Memorias del período de la inmadurez. Su primer éxito es la novela Ferdydurke, con la que ganó notoriedad a raíz de su encarnecida crítica a la parte nacionalista de la sociedad de Varsovia. Días antes del estallido de la II Guerra Mundial viaja, invitado con una embajada de escritores polacos, a la Argentina. Durante el viaje, Alemania invade repentinamente Polonia y ante los acontecimientos que se producían en Europa, Gombrowicz decide permanecer en Buenos Aires, donde vivirá a lo largo de 24 años (1939-1963). A finales de los años 50, la novela semi-autobiográfica Transatlántico fue representada en París y recibida con interés por los críticos teatrales franceses, otorgando a Gombrowicz cierta notoriedad. En 1963 se instala en Berlín y en 1964 en Royaumont, cerca de París, donde conoce a Rita Labrosse, con la que unos años más tarde contrae matrimonio. Tiempo después se instala en Vence, donde muere en 1969.

Sobre Cintia Miraglia

Es directora, dramaturga y docente. Licenciada en Dirección Escénica del Departamento de Artes Dramáticas de la UNA (Universidad Nacional de las Artes) y Egresada de la Escuela de Artes Teatrales (EAT). En su rol de directora, se destacan los siguientes trabajos: «Arboles, sonata para viola y mujer» co/dirigido junto a Ana Longoni (Teatro Del Abasto y Teatro Anfitrión, Años 2006/7); «Catástrofe inesperada» de Luis Cano (ECuNHi, Ex ESMA, Años 2008/9); «Bordes», pieza de su co/autoría junto a Natalia Villamil (Teatro El Extranjero, Años 2015/6) y “Rayito de Sol” de Natalia Villamil (Espacio Callejón, Años 2017/8). Sus puestas han participado en Festivales y Congresos sobre Artes Escénicas tanto nacionales como internacionales (tales como, entre otros: Festival Abril Cultural, Salta Argentina; Festival Mujeres a las tablas, Neuquén Argentina; Festival Internacional de Blumenau, Brasil; Festival Latinoamericano de Mar del Plata, Argentina; Festival Internacional Carnaval constituyente Valparaíso / Chile; XI Congreso Internacional de Dramaturgia Hispanoamericana Actual, Universidad Nacional de Concepción, Chile; IV Congreso Internacional de Teatro en la Biblioteca Nacional y Congreso Tendencias Escénicas, Universidad de Palermo). Ha recibido los premios a Mejor Dirección y Mejor Espectáculo de Teatro Adultos en el Festival Iberoamericano de Mar del Plata, una Mención Especial del Jurado en el Festival Internacional de Blumenau (Brasil), y una nominación para los Trinidad Guevara por su trabajo en“Arboles, sonata para viola y mujer”. Como directora también ha participado del Programa UBA XXII de Formación Universitaria para personas privadas de su libertad ambulatoria, Penitenciaria Nº3 – Inst. Correccional de Mujeres (Ezeiza). En el área pedagógica, es docente de Dirección Teatral en UNA (Universidad Nacional de las Artes) y trabajó en la formación teatral de adolescentes en el Barrio Ejército de los Andes (Fuerte Apache). Actualmente, además de presentar en su segunda temporada “El Casamiento”, de W. Gombrowicz (Domingos, 20 hs., Teatro El Extranjero), se encuentra en pleno proceso creativo de “Blanca”, con texto de Natalia Villamil, protagonizada por Monina Bonelli, Leticia Torres, Mariano Sayavedra, Héctor Bordoni, Marcelo Pozzi, el cual se estrena bajo su dirección, el 8 de marzo en el Centro Cultural San Martín (Viernes y Sábados, 21 hs.)

Escrito

en enero 29, 2019

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«La Mansa», de César Brie

Duración:

60 minutos.

Funciones: Viernes 21 hs y sábados 23 hs.

Localidades: $ 200

Mientras ella esté aquí, todo va bien; puedo ir a mirarla a cada rato, pero mañana cuando se la lleven… ¿Cómo haré cuando me quede solo?» A partir de esta pregunta desesperada inicia el relato de «La Mansa». Quien nos cuenta la historia es él, el usurero, el hombre de la casa de empeños que poco antes se había casado con la muchacha mansa y ahora trata de darse una razón sobre su muerte prematura.

Ambos, separados por la muerte, están en escena sin separarse nunca en un diálogo de acciones y palabras. Él trata de entender lo ocurrido, regresa, recuerda, reconstruye, comprende, se confunde, trepa dolorosamente hacia la conciencia de quién él es realmente, de lo que desencadenó y provocó. Ella lo ayuda a reconstruir, describe los hechos, agrega, confirma, se calla. Está muerta, no puede argumentar, razonar o justificar. Ella es la memoria de él, su víctima, su culpa, su amor herido, su silencio.

Director:

César Brie

Autor:

Fiódor Dostoievsky

Actúan:

Iván Hochman y Abril Piterbarg

Diseño gráfico:

Cachi Bratoz

Vestuario:

Carolina Ferraioulo

Asistencia de dirección:

Florencia Michalewicz

Música:

Pablo Brie

Realización de escenografía:

Duilio Della Pittima

Producción ejecutiva:

Larisa Rivarola y Liza Taylor

Prensa:

Simkin & Franco

Agradecimientos:

El Ojo Verde, Vera Dalla Pascua, Sofía Diambra, Adriana Podzcammer, Mariano Stolkiner y Liza Taylor

Trailer:

Juan Barone

Ilustrador:

Clara Carlon

Escrito

en abril 25, 2017

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Otras maneras de vincularse

PH: Fuentes2fernández

En el país del nunca jamás esta familia podría ser ubicada, colgada como un cuadro en sepia y desvinculada de todo contacto con el exterior. Así es como ocurre todo y toda “rebeldía” podría ser combatida con el peor odio imaginado. El terror podría avecinarse de un momento a otro, solo hay que saber esperar la oportunidad para vislumbrarlo si es que eso se desea.

No siempre una familia convive y se relaciona de una manera saludable y normal. A veces, y tantas realmente, lo que trata un clan es de moverse de forma funcional sin prestar real atención a su felicidad.

Este es el caso de la historia Independencia escrita por el dramaturgo contemporáneo norteamericano, Lee Blessing (traducida por Cecilia Chiarandini y dirección de Jorge Azurmendi) que invoca aquellas reminiscencias llenas de polvo. Un polvo de antaño, que huele a podredumbre y enviciamiento cuajado.

El lugar en que se desarrolla dicha trama es en un pueblo de Iowa (Estados Unidos), donde casualmente estudió Blessing la carrera de dramaturgia.

Tres hijas, de edades muy diferentes, se reúnen junto a su madre para rememorar ciertas cuestiones no resueltas. En verdad, más que reunión es una preocupación por la jefa de esta casa que utiliza determinados artilugios para manipular las vidas ajenas -por no haber logrado, quizás, tener una propia-. Y considero el “quizás” porque cada quien elige cómo vivir e incluso el que transita por este mundo sin tomar supuestas decisiones, aún está eligiendo desde el silencio.

Independencia, entonces, no se basa solamente en una lucha llevada adelante por cuatros familares íntimos, sino en el descubrimiento bien profundo acerca del rumbo que desean trazar en el futuro cercano, cuasi inmediato.

Las tres hijas necesitan liberarse de su pasado y presente. Es tal el agobio que sienten que piensan en escaparse de esas cuatro paredes. Claro que no viven juntas, pero la culpa las engaña y envuelve de tal modo que logra confundirlas y regresar a aquel momento en que sí lo hacían.

Esta dramaturgia, activa mecanismos de pulsión constantes, no dejando un instante para reflexionar en el momento. Los silencios no existen, los espacios vacíos tampoco. Es tal el control que quieren tener estos personajes -sobre sí mismos y sobre los demás- que Azurmendi consigue plasmar dichas esencias en cada acción y reacción. Es entonces cuando los engranajes funcionan a la perfección, dotando a la pieza artística de completa ira, pasión, deseo, odio, amor y demás sentimientos que surgirán durante toda la disputa familiar.

Con respecto a las interpretaciones, quisiera resaltar a Cristina Dramisino y a Anahí Gadda -las cuales consiguen una unión no solo como madre e hija ni por sus textos en escena, sino por la fusión que se precisa como para que una obra dirigida por Jorge Azurmendi cobre el vuelo necesario y se tiña de luz-. Es este dúo el que debe seguirse a lo largo de las líneas de la historia y diálogos para saber el dolor tan profundo que aún no cicatriza, el aroma a niñez que no madura y las caricias no siempre presentes que todo lo perdonan.

Por el lado de la escenografía, el espacio físico les permite jugar con cada lugarcito del teatro, utilizando absolutamente todo como para recrear sensaciones y sonidos lo más reales posibles.

Tal vez lo que produzca un alejamiento entre el escenario y el espectador sea el haber conservado los nombres en inglés de sus personajes y lugares. Si esto se modificara, sin lugar a dudas, la identificación sería excelente y no habría que imaginar dónde está situada, geográficamente, cada ciudad.

Independencia es una obra de teatro fresca, ágil y con mucho por analizar en el plano psicológico, social y dramático. Cada persona podrá hacer su propio viaje e ir quitándose aquellas mochilas tan pesadas que se creía cargarían para siempre.

Mariela Verónica Gagliardi

Escrito

en junio 14, 2016

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Se acabaron los cuentos de hadas

Unas melodías en el piano dan comienzo a esta historia del mar en que vive La Sirena (escrita y dirigida por Luis Cano), una mujer bella y sufrida que tiene que hacer cosas ingratas -para ella misma- para poder subsistir.

Sentada en un banquito bajo, sobre una escenografía que gira, esta Monina Bonelli interpretando a la joven que posee una herida en la pierna y en su corazón, con marcas imposibles de borrar. De hecho no deben ser borradas para que su pasado sirva de aprendizaje a una sociedad que aun continua un poco pasiva en cuanto a la violencia de genero y prostitución.

¿Este es el bar Jamaica? ¿El Chaplin, el Flash, el Taray? – se pregunta a sí misma.

De repente, una canción de Sara Lowlan (acompañada en el piano por Ana Foutel) afirma su sensación: Vine caminando con la garganta seca.

Así es la introducción a una noche mas en la vida de Nina, en la Nina de antes y en la adulta de ahora. Una ronda de tragos para olvidar y transitar unas horas mas relajadamente, aunque resulte imposible de concebir.

Claro que no tiene dinero para comprar alguna bebida alcohólica y la alternativa que le dan para que lo haga es que cuente historias. De esta manera ella deberá complacer a los hombres de la taberna, encontrando el tipo de narración que más les convenza.

Como si existiera una línea imaginaria que dividiera al público, se notará el tipo o clase de historia que narre, la escenografía que se utilice y la imagen visual que se vaya construyendo.

Si una mujer no fue tratada bien de pequeña, ¿qué resultado puede darse? ¿Qué carácter o confianza puede expandirse por el cuerpo de quien no tuvo protección y cuidado durante la infancia, a quien no se le enseñó a valorarse?

Su madre la trataba de borracha en vez de tratarla como hija, con dulzura, con cariño.

Con los tatuajes que pintan partes de su piel, ella va introduciendo a un nuevo relato hasta encontrar el de su propia vida -aquel que no podrá rectificarse ni desmentirse-. Es la verdad, aquella que le dejó heridas sangrantes para siempre. Aquella que nunca tuvo valor o valentía para contarla.

Un bigote de su abuelo, Un pez verde y La sirena comprenden los tres microrrelatos que envuelven a los espectadores en ultramar para traer a colación cuestiones político-sociales de nuestro país.

Monina consigue deleitar con sus dotes actorales, apoyándose en el texto que va cobrando un vuelo muy alto gracias al dramaturgo como a las técnicas clownescas de las cuales se vale para conseguir que su cuerpo pose y se detenga -como si se tratara de fotogramas-.

Y ella empezó a cantar diferente, y una burbuja le quitó la vida al marinero. Estos datos incluidos dentro de la historia convierten a la misma en poesía pura, en esos detalles tan románticos hasta para hablar de la muerte.

Así es este unipersonal que nos sumerge en lo imposible de cantarle a la vida hasta en momentos estremecedores. Nina es víctima de un sistema pero no se queda congelada en tal postura sino que arremete con ésta, la insinúa y consigue despojarse de su mayor mal.

Su lugar no es un bar sino su propio hogar, alguno que estará en algún sitio determinado. Aquel que le brinde una caricia y la posibilidad de ser feliz. Suele decirse que no está muerto quien pelea y ella es una luchadora que desconocía sus poderes. Vencido el enemigo, el futuro es todo suyo. Solo falta que lo asuma y se de una oportunidad -aquella que todas las mujeres maltratadas merecen-.

Nina es un ejemplo conmovedor y un granito de arena, una militancia activa en pos de los derechos humanos, en contra de la violencia y el maltrato en todas sus concepciones.

Ella le dedica una última canción a todos los que buscan un lugar en el cual sentirse bien. Quizás sea una proyección a sí misma y la fortaleza para que ningún hombre siga manteniendo su postura de cobarde que lo hace reaccionar con la peor arma de fuego: el golpe.

Dramaturgia: Luis Cano. Actriz: Monina Bonelli. Pianista: Ana Foutel. Dirección: Luis Cano. Funciones: lunes 20:30 hs. Teatro El Extranjero.

Mariela Verónica Gagliardi

http://www.safecreative.org/work/1509255234417-la-sirena-critica»

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Esta obra está protegida por las leyes de copyright y tratados internacionales.

Escrito

en septiembre 21, 2015

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Cuando muera del todo, moriré con ella

Un hostel en la Isla de Tigre será el lugar predilecto y escogido por una pareja, en crisis, para despejarse y pasar tiempo al aire libre. Claro que ese aire no será muy puro ni tan libre ya que conocerán a los dueños del sitio -una joven y su padrastro-, los cuales tendrán que ocultar, cada vez más, un secreto que los compromete absolutamente.

Al avecinarse un fuerte temporal, los planes de acampar al aire libre serán dejados de lado y solo podrán hospedarse en dicho lugar inóspito, que los atormentará mucho.

«La deriva» (Andrea Marrazzi) es un thriller psicológico que indaga en dos temas fuertes como lo son: el amor y la muerte. Quizás suene más bonita la primera palabra que la segunda, aunque sabemos que el desamor es un veneno que va matando de a poco.

¿Qué es estar a la deriva?

Una tormenta que, simbólicamente, desata discusiones entre estas personas, que les permiten conocerse, interactuar y debatir -sin siquiera proponérselo- sobre el fin de las cosas, sobre los recuerdos y esa melancolía que los está extinguiendo.

Como si matar ratas fuera la única actividad para una mujer en la isla y como si este animal provocara no solo asco sino repelencia del resto de los humanos.

Inmersos en el suspenso, desde que comienza la obra de teatro y hasta que finaliza, se puede disfrutar de una excelente propuesta, la cual es posible gracias a la dramaturgia, a las interpretaciones y a la impecable dirección. Todos los detalles decorativos, de iluminación y vestuarios existen aquí, al igual que los aromas -gracias a los cuales podemos, como público, recrear imaginariamente cada escena-.

Como un barco que está a punto de naufragar y, sin embargo, no tiene demasiadas esperanzas. Como la vida de cuatro personas que son muy diferentes entre sí y que anhelan aferrarse a algo o a alguien para sobrevivir.

Presos de sus propias rutinas, las cuales no se animan a modificar por miedo, presos tras sus propias rejas y tras ese olvido que nunca llegará.

Los temas de conversación, derivan unos en otros. Sus análisis derivan unos en otros. El hilo conductor nos lleva hacia un lugar, para luego confundirnos y que no prejuzguemos ni a estos seres ni a sus conductas.

Somos animales racionales que acusamos antes de tiempo, con o sin pruebas. Que por temor, corremos desesperados sin rumbo fijo. Esto mismo se ve reflejado en la puesta en escena, en las tonalidades de sus colores, en las luces que se encienden o apagan para mantenernos en vilo.

Y, la muerte, no tiene un abordaje simplista ni obvio, sino una vuelta de tuerca tan profunda que emociona hasta las lágrimas. Violencia y muerte vemos y presenciamos diariamente. Por eso son temas que forman parte de la sociedad y, justamente, nos tocan de cerca ya que reviven a partir de la palabra, de un hecho, de un gesto y de la memoria selectiva.

«La deriva», el terror de dejarse llevar sin evaluar las consecuencias -en contraposición a la deriva inevitable.

Son muchas las lecturas que se pueden hacer de esta pieza teatral que te hace pasar por diferentes situaciones, en tan solo una hora, y utilizando los cinco sentidos para oler la desgracia o intuir que algo malo se está por avecinar.

Colores y texturas transformando un espacio empobrecido en calidez, hasta que las tenues luces marquen lo contrario. El espacio del Teatro El Extranjero que oficia de oyente y testigo de las teorías que se empobrecen con dosis de realidades.

Una isla que absorbe a aquellas criaturas estancadas y sin motivación para construir hacia adelante, permitiéndoles conocer el mundo en lugar de encerrarse en un pequeño segmento en que prima la soledad real y la personal.

Donde apenas puede llegar alguna señal de radio, donde de casualidad los huéspedes ingresan buscando amparo, donde el día y la noche pasan a ser un conjunto de horas intransitables y desgraciadas… allí están ellos, terminando con sus vidas sin, quizás, darse cuenta.

«La deriva» sonoriza y ambienta las desgracias, atenúa los momentos de reflexión e invade de deseos íntimos que incomodan al espectador. Removiendo y escarbando en esos rincones en que solemos acumular sin sentido, solo para no desprendernos de esa suciedad que asquea hasta al menos consciente.

Mariela Verónica Gagliardi

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Escrito

en marzo 17, 2015

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La convicción de ser quien se quiere ser

1831 – Granada (España).

Como una obra de arte «Pinedas tejen lirios» (escrita y dirigida por Susana Hornos y Zaida Rico) refleja la vida de una mujer luchadora que por hacer notar sus valores, fue eliminada violentamente de escena.

Mariana Pineda es aquella luz que muchas personas no se animan a irradiar, por miedos, por prejuicios, por ser juzgadas o abolidas.

Durante la función pude notar el gran desenvolvimiento de baile y coordinación (a cargo de Carmen Mesa), en conjunto con el actoral llevado a cabo por Petra (Laura Lebedinsky) y Pedrosa (Ariel Pérez de María).

En cuanto a la protagonista (Arantza Alonso), ella supo captar la esencia de los ojos de esa mujer soñadora, utópica, valiente y tenaz; que tanto dio sin esperar nada a cambio.

Como una flor amarilla, con su encanto aromático, también, debemos tener en cuenta que -algún día- marchitará.

Ella murió, sin quererlo. Pero vivió, se desarrolló y sintió, a flor de piel, cada instante.

Uno de los aspectos más interesantes de la obra es el modo de narrar, pudiendo entrelazar pasos de flamenco, excelentemente sincronizados, y permitiendo darle una estética realmente delicada a la obra. Por otro lado, me parece muy buena la elección de mostrar violencia sin ser recurrente, danzando y actuando cada agresividad con un recurso distinto. Sabemos que no tiene el mismo impacto, pegar una cachetada con la mano que hacer un movimiento sutil que lo interprete.

De esto se trata «Pinedas tejen lirios», de buscar y encontrar los detalles, la esencia y fundamento para contar -originalmente- una historia real, ficcionada y que llega a lo más profundo del corazón. Cada recurso escogido se vuelve único, suspicaz, valiente y revelador. Es imposible no sentir la piel de gallina al contemplar esta pieza teatral.

Durante la función no existieron ruidos y distracciones. El tema fue conmovedor y el camino escogido para transitarlo, muy especial.

Celebro cuando los actores interpretan a varios personajes y, sobre todo, cuando son talentosos como para no confundir al espectador. Toda la vida de Mariana estuvo presente, su infancia, su madre, su hermana, su marido y tantas otras escenas que ejemplificaron la esencia y lo más importante de la familia Pineda.

También, considero que no sólo se basa la obra en la vida de Mariana Pineda, sino que es un reflejo, inclusive, de situaciones femicidas que siguen ocurriendo en nuestros días. Así como ella mantuvo sus convicciones en primer lugar, hay mujeres que no se animan siquiera a desvincularse de la maldad ajena que tanto las perjudica.

La protagonista habrá sido vista como una provocadora, sin proponérselo.

Una mujer golpeada, física o psicológicamente, también es vista de la misma manera.

Los ojos de los más miserables producen ceguera, penumbras y delirios.

Muchas veces, lastimosamente, escuché a hombres decir «algo habrá hecho». Sin remitirnos específicamente a la dictadura militar, no existe justificación para azotar a alguien.

Cuán poderosas y polémicas pueden ser las palabras libertad, igualdad y ley. Antes, ahora y mañana. Quizás, antes más que ahora. Posiblemente, mañana en menor medida.

Pinedas engloba a cada una de las mujeres que con amor, perseverancia y firmeza pudieron hacerse valer. Sus vidas estuvieron, están y estarán en juego; pero acaso tiene sentido respirar un aire contaminado si somos capaces de elegirlo?

Con respecto al vestuario, es llamativo y bien característico de la época. Es perfecto el detalle del vestido de ella que marca el presente y pasado, al quitárselo y quedarse con otro atuendo. El vestido antiguo era rígido como esa época, incomodo, haciéndola sentir en prisión, una prisión tan simbólica como real.

«Pinedas, tejen lirios» en vez de calas. Enhebran amor y bondad en vez de odio y rencor.

Tienen una mirada alegre y cantan sus pesares, buscando la arista más entretenida y voraz.

Los versos van y vienen, sirven de contexto y relajan a la vez. Casi al finalizar se escucha «El romance de Mariana Pineda» (una pieza anónima e incluida en la obra de teatro de Gabriel García Lorca). Cabe aclarar que el cantautor español Luis Pastor compuso especialmente esta versión para esta pieza teatral, la cual es sumamente exquisita de escuchar.

Mariela Verónica Gagliardi

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Escrito

en abril 6, 2014

SABOR A TEATRO

* MAYO 2023 *

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