*** SEPTIEMBRE 2025 ***

Entrevista a los Directores de Smokey Joe´s Café

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El Director Musical, Daniel Landea, trabajó en varios musicales como: Ayres de Cabaret, entre luces y sombras (Sebastián Terragni), Desconcierto de musicales (Rubén Roberts), Wendy en las grutas misteriosas (Marisol Vecchi), Tabaco y ron (Orlando Hugo Campodónico), Teresa, la obra en musical (Julián Collados y Tito Garabal), Hola Dolly, soy Betty (Daniel Landea) y Salomé (Juan Manuel Bevacqua y Rolando Sosiuk). Mientras que el Director de Teatro, Alejandro Guevara, formó parte de: Acto sin palabras y Pit. Integró el elenco de Pepe Cibrián, Iman de teatro de objetos y Los títeres Bonomo. Y, como director, estuvo a cargo de: Las Otras (Javier Daulte), Volvió una Noche (Eduardo Rovner), La escala humana (Javier Daulte) y Proyecto Marita (Eduardo Grinovero).

Es la primera vez que se va a estar presentando en Buenos Aires este gran éxito de Broadway. ¿Qué sentís como director musical?

Es un gran honor, un privilegio y un placer poder llevar adelante ésta experiencia. Y por supuesto, una oportunidad única. (Daniel Landea)

¿Smokey Joe’s Café es un musical nostálgico?

Puede ser que encuentren algún tinte nostálgico, es un espectáculo con canciones de los años 50´s y 60´s… sin embargo no es una obra de clima íntegramente nostálgico. SJC es una obra muy dinámica, por momentos con un ritmo demoledor, por otros tranquila y evocativa… con climas muy distintos en su transcurso. (Alejandro Guevara)

¿La excusa de la obra es transmitir y rescatar este género musical de los 50´?

La obra es un Gran Homenaje a dos grandes: Lieber y Stoller, una dupla creativa extraordinaria de aquellos tiempos y, como todo proceso artístico, volver a las fuentes y redescubrir estos clásicos permite no sólo rescatar el género sino, además. ponerlo de frente a nuevas generaciones. En éstas canciones subyace un modo de ver la vida, el amor, la amistad y también, el desamor y la idealización del amor. (Daniel Landea)

Con respecto a las canciones, ¿se van a mantener en su idioma original o a realizar en castellano?

Las canciones van a estar en idioma original. (Daniel Landea)

Si la historia hubiera surgido acá en Buenos Aires, ¿cuál sería el Café en que se reuniría este grupo de amigos?

La obra tiene varios momentos, y de acuerdo a estos momentos los personajes eligen diferentes espacios de encuentro. Puedo imaginarlos en esa primera etapa en la que son más jóvenes, yendo a lugares muy estilo San Telmo, tipo “Bar Defensa”, en donde la energía y los sueños se concentran en un mismo espacio. (Alejandro Guevara)

¿Qué dificultades tiene dirigir a músicos en vivo mientras se desarrolla una obra en escena?

Con estos músicos, ninguna. Son realmente fantásticos. (Daniel Landea)

¿Cómo fue el proceso de selección de los artistas y músicos? Y, ¿cuál fue la gran dificultad sobre dicha etapa?

Respecto de los músicos, tuvimos la fortuna de toparnos con un grupo de profesionales maravillosos, todos profesores con mucho estudio musical y musicalidad que ya trabajaban juntos, con lo cual, no hubo que hacer audiciones. Verlos tocar fue suficiente.

En cuanto a los artistas, fue mucho más complejo, dados los requerimientos vocales e interpretativos, con el agregado de lo coreográfico, tema para nada menor. Los debates fueron extensos y se necesitaron varias etapas para poder llegar a la conformación definitiva del grupo, en particular por lo difícil que era encontrar personas que reunieran no solo destreza vocal, interpretativa y coreográfica, sino que además diesen el perfil del personaje. (Daniel Landea)

¿Cuáles son las sensaciones que vas teniendo a lo largo de los ensayos?

Las sensaciones son muchas, por momentos ambiguas: entusiasmo, euforia, temor, duda… Pero por sobre todas las cosas te diría que me siento muy confiado con lo que va surgiendo. (Alejandro Guevara)

¿Smokey Joe’s Cafe es un espectáculo para todo amante del buen rock and roll?

Por supuesto. Es un espectáculo para todas las edades porque para quienes vivieron esta época dorada, la van a disfrutar. Quienes la conocieron después, la van a revivir, y quienes no la conocen pero gustan del rock, van a volver a las fuentes y descubrir estos clásicos absolutamente mágicos. (Daniel Landea)

¿Cómo fue el proceso de selección de los artistas y músicos? ¿Cuál fue la gran dificultad sobre dicha etapa?

Muy complejo. La exigencia que planteamos desde lo artístico fue muy alta, lo cual nos requirió realizar varias audiciones.

Así mismo, quienes pasaron la primera ronda tuvieron que sortear luego varias instancias más, y alcanzar los estándares que nos habíamos propuesto conseguir, ya que de verdad queríamos contar con el mejor elenco. ¡Y puedo afirmarte que no nos equivocamos! (Alejandro Guevara)

Una comedia musical con artistas que tienen que serlo de manera integral. ¿Cómo es coordinar tantas coreografías que estallan de un cuadro a otro?

Es muy emocionante. Es como armar un rompecabezas donde por momento las piezas encajan y luego ya no. Más allá del plan de trabajo, prefiero dejar y confiar en que el proceso vaya aportando lo que la obra necesita.

Desde que me metí de lleno -allá por el verano pasado- en la obra, de a poco fue cautivándome cada uno de los cuadros. Y cuando llegó el elenco aún más. Los chicos le terminaron de dar ese condimento especial que tiene que tener la obra, que es cuando los intérpretes le dan el carácter y hacen que prime su impronta por sobre los personajes. Hoy me atrevo a decir que si el espectador ve personajes es merito del trabajo de los chicos del elenco. Además, Delfina García Escudero trabaja meticulosamente para que cada coreografía salga perfecta. (Alejandro Guevara)

¿La elección de este musical deciden estrenarlo por algún motivo en especial en este momento?

La escena del teatro musical está cada vez más fuerte y creemos que es muy buen momento para que SJC llegue al país. Y también está el desafío de trabajar con una obra sin texto donde solo hay canciones de diferentes estilos.

Lo rico también, está en no tratar de contar fielmente una historia que está atravesada por hechos y protagonistas culturales de una época y lejanos a nosotros, sino mas bien tomar la trama vincular de estos amigos y potenciarla para que eso sea justamente uno de los puntos fuertes de la obra: las relaciones entre los protagonistas. (Alejandro Guevara)

Mariela Verónica Gagliardi

Escrito

en agosto 23, 2015

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Contemplando el universo de una escritura

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Franz y Albert2

Abril de 1911 – Praga (Austria).

Bajo las estrellas, en una velada única y emotiva, el genio de la física, Albert Einstein (Julián Marcove), y el abogado pero apasionado por la literatura, Franz Kafka (Miguel Sorrentino); se reúnen. Ellos conforman una dupla realmente inigualable, emotiva y apasionante en que podemos conocer detalles del pasado, anécdotas, amores y sus deseos menos conocidos. Así es como Daniel Marcove trae al escenario una joyita del teatro titulada Franz & Albert (con dramaturgia de Mario Diament), una historia con varios matices que se encargan de ilustrar una amistad en la cual conviven dos jóvenes con gustos y carreras completamente diferentes.

Así es como mientras Einstein habla del tiempo, mencionando que no existe objetivamente, refiriéndose como un sinsentido a la afirmación de que el tiempo fluye. Cuando escuchamos estas reflexiones, Fakfa se sorprende y su compañero le da ejemplos de absolutamente todo lo que evoca.

No necesito mucho para sentirme humillado, dice Franz. Siempre se supo sobre la personalidad tímida, depresiva y sin entusiasmo que daba a conocer y que, realmente, era cierta.

Al tiempo le sigue la noción acerca de el movimiento que es una ilusión ya que el movimiento por sí solo no existe. Pero, Kafka no pierde un instante para describir el abogio que siente por su trabajo en la empresa, desempeñándose en un puesto que, claramente, no es su ideal.

Existen muchísimos aspectos a resaltar tanto sobre las interpretaciones de ambos personajes como del texto y, por supuesto, la dirección. Es un conjunto inteligente que supo llevar adelante un careo entre dos emblemáticos famosos que dejaron sus huellas a través del tiempo y lo seguirán haciendo. En esta oportunidad, un balcón es el encargado de hospedar a los amigos que brindan, fuman, se dan el gusto de bailar el vals y de contagiarse del otro lo que les falta.

Realmente una experiencia enriquecedora de punta a punta que nos refresca datos relevantes de Franz y Albert3sus vidas y da a conocer para algunos, seguramente, detalles que no sabían. Así, la dramaturgia cumple el cometido de ser para todo público ya que dependerá el interés de cada persona el llevarse un fragmento determinado a su corazón o la plenitud de haber sido parte de las charlas entre dos genios.

Entre teorías, libros y conversaciones aparece la tan cuestionada Teoría de la Relatividad de Einstein en que menciona que el espacio es tridimensional y que la cuarta dimensión es el espacio-tiempo. Pero el espacio de Kafka parece ser absurdo, infinito y vertiginoso: yo soy un hombre atrapado en una realidad estática. Qué reprocharle a éste último cuando su palidez de por sí le deja relucir su desmotivación.

Los temas que más se mencionan a lo largo de esta puesta en escena están orientados a la culpa, el suicidio y el miedo. Esa baranda negra que les sirve de obstáculo, de asientos y de límite entre la vida y la muerte. La fiesta interna que nunca se ve y que no interesa tampoco descubrir ya que la acción es externa y nos tomamos de su mano para aventurarnos en la noche. Una noche en que evocarán sus temores para íntimos y sus secretos más ocultos.

Nuestra vida social es una máscara que portamos (Einstein) es la frase que afirma la transparencia de ambos respecto al entorno tanto cercano como lejano. Aunque no solo es la hipocresía su enemiga sino el significado del progreso. Lógicamente, a Albert le encanta y a Franz le produce temor la gente que lo impulsa.

Como espejos en que se desdibujan, se alejan y se acercan cada vez más; dicho de una u otra forma parecieran asemejarse más de lo imaginado o supuesto. Como dos almas que se conocieron para transmitir y no aparentar, para dar y no esperar recibir.

También la política surge como broche de oro para que expresen su descontento. Ambos judíos pero sin resentimientos sino con una luz que quedará encendida como merecimiento a todo lo que han hecho.

Autor: Mario Diament. Actúan: Miguel Sorrentino, Julián Marcove. Director: Daniel Marcove. Funciones: sábados 22:30 hs y domingos 20:15 hs. Teatro El Tinglado.

Mariela Verónica Gagliardi

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Escrito

en agosto 22, 2015

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Las cosas por su nombre 

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pimiento verdi

La ópera alemana se siente fuerte, sus vibraciones tenaces propias de un régimen político duro y con expresiones rígidas dignas de recibir comentarios burlescos en el mundo teatral… como en la presente obra titulada El pimiento Verdi (escrita y dirigida por Walter Boadella).

Un restaurante tradicional y donde se come muy bien es el escenario en que se desarrolla cada una de las acciones de esta excelente puesta en escena. Como si fueran rivales en un punto: la ópera italiana se enfrenta a la ópera alemana y habrá mucha repercusión entre los clientes que se disputarán el homenaje a quien se lo merezca en verdad.

Entre cantos, palabras y aromas descriptos, un gran elenco interpretará diferentes fragmentos de escenas pertenecientes a ambos compositores prestigiosos.

En cuanto comience la historia, un matrimonio tirará la primera piedra diciendo que Verdi está un poco rancio. Entonces comenzará a sonar La Traviata (en los dedos mágicos de Damián Mahler) y será el principio de un sinfín de melodías que nos deleitarán durante toda la dramaturgia. Luego le tocará el turno a Tristán e Isolda (Wagner) y, de ahí en más, Nacho Gadano será quien evoque, cante y  disponga el curso de la pieza teatral –uniendo y dándole forma a El pimiento Verdi-.

Clases sociales que chocan, gustos musicales que irrumpen y comidas que desfilan por doquier. Personas que defienden sus ideales y que los depositan en músicos creyendo ser ellos, confundiéndose y montando escenas súper atractivas, entretenidas e instructivas para cualquier amante de la comedia musical y para quien desea un acercamiento a dicho universo.

La marcha nupcial suena, Rigoletto se acerca, los intentos por cantar en alemán sin escupir fracasan y el proyecto de convertir en parodia este musical llega a conmover con tanto talento unido.

Brunilda averigua de qué ópera es un argumento, el relato de un partido de fútbol se recrea originalmente y entre melodías. El personaje que interpreta Nacho se refiere a lo que un amigo suyo decía acerca de Wagner: tiene «instantes geniales y cuartos de hora insoportables». Y es cierto que sus óperas siempre tuvieron argumentos muy largos y referidos a contextos políticos, motivo por el cual no reciben admiración de un público masivo como sí ocurre con la italiana y de otros países europeos.

La teatralización de diferentes escenas de óperas se van intercalando entre sí hasta llegar a su punto de cuestionamiento inicial. Después de debatir durante horas sobre Pársifal, Aída y Othelo -entre algunas de las aparecidas en las tablas- los comensales se dan una tregua y el show continúa deleitosamente.

El pimiento es como ese gustito fuerte que le hace falta a la vida, para que sea más placentera y mengue un poco la disputa. En definitiva no existe una única verdad sino varias y lo interesante es ver cómo, humorísticamente, confluyen todas juntas y sin que predomine el horror. En definitiva, el arte es capaz de abarcar todas las incoherencias y rivalidades para hacerlas sonar armoniosamente. «Los artistas son unos farsantes pero el arte es de verdad» – se menciona en un momento de la obra.

Voces impresionantes cautivan a los dos públicos: el que está arriba del escenario como figurante y el que está abajo (nosotros).

El pimiento Verdi es una brillante puesta en escena, una comedia musical para infartarse de la risa, sin descanso, donde la iluminación con tonalidades en verde azul y roja se fusionan para recrear diferentes años, situaciones; demostrando que todo entra por los ojos (como la comida con sus aromas) y que las melodías son capaces de apoderarse de quien se abra a escucharlas.

Picante y jugosa, se pasea entre los delantales de los mozos y de todo aquel que se atreva a ingresar a este restaurante poco convencional para hacer valer sus ideas de una u otra manera. Ganará quien tenga que ganar como en todo juego. Lo importante es competir y que Italia siga saboreando paladares y oídos.

Dramaturgia: Albert Boadella. Elenco: Nacho Gadano, Mirta Arrúa Lichi, Santiago Sirur, Carolina Gómez, Nacho Mintz, Víctor Hugo Díaz, Damián Mahler (pianista), Miguel Drappo y Flor Benítez. Adjuntos de dirección: Martina Cabanas y Borja Mariño. Iluminación: Bernat Jansà. Vestuario: Isabel López. Diseño de reposición de vestuario: Aníbal Duarte. Escenografía: Josune Cañas. Dirección: Albert Boadella. Las funciones son de miércoles a domingos a las 20:30 hs. Teatro San Martín (Sala Martín Coronado).

Mariela Verónica Gagliardi

Escrito

en agosto 22, 2015

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Te aplasto como insecto

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El invernadero9

El escritor Harold Printer escribió hacia fines de los años cincuenta, El Invernadero, época en que se desató la Revolución Húngara (1956), un movimiento revolucionario que tuvo lugar contra el gobierno del país y de las políticas impuestas desde la URSS. Lo que estaba en juego era la retirada de las fuerzas soviéticas del territorio de Hungría y el gran poder que ejercía el Politburó contra la revolución.

Recién treinta años después se crea la Tercera República Húngara y cada 23 de octubre se conmemora por lo ocurrido en 1956.

Dentro de este contexto es que Pinter idea su dramaturgia The Hothouse (El Invernadero), una comedia policial con tintes de farsa y absurdo.

Resulta imposible no dejarse seducir por la propuesta dirigida por Agustín Alezzo e integrada por un elenco de actores maravillosos que mantienen, fielmente, la estética inglesa de aquél entonces.

El director de un centro de salud mental, protagonizado por Edgardo Moreira, es quien irá hilvanando su parecer intrincado e implantando la duda sobre cada certeza supuesta de los demás empleados del lugar. Es así como la historia se convertirá en un juego detectivesco en que los espectadores serán los encargados de encontrar el motivo de existencia de esta institución, por qué los internos llevan número en vez de nombre, a qué se debe tanta intriga y por qué los discursos se vuelven más importantes que las acciones.

Sin lugar a dudas que existen dos conflictos a partir de los cuales girarán las dudas: la muerte del paciente 6457 y el nacimiento de un bebé. Estos hechos estarán en boca de los que habitan este sitio tan frío y cobarde a la vez. Y, por qué utilizo esta última palabra. Justamente porque si no existiera dicha institución física, le sería imposible al hombre (y con hombre abarco a aquel que le toque tomar el poder en el momento indicado) imponerse ante los demás.

Si bien el organismo parece ser de salud mental por las charlas que se definen durante la obra, lo cierto es que no se dice de modo explícito (creo que no hace falta hacerlo tampoco ya que diversos mecanismos de tortura dan cuenta de ello).

El Invernadero podría bien ser el escenario revolucionario sito en Hungría y los directivos, aquellos rusos que reprimían física y psicológicamente a quienes luchaban por sus derechos y un país libre de toda invasión externa. Los sin nombre, serían los desprovistos de derechos que pretendían aunque sea permanecer vivos y salvos. Pero, cómo salir ilesos de un mecanismo represivo tan eficaz que dominaba con la acción más que con la palabra, aunque en la mano de Pinter, es la palabra, la encargada de desvalidar la acción -haciendo énfasis en lo absurdo que resulta aniquilar al otro sin tener argumentos racionales para hacerlo-.

Y cuando no se encuentra la manera de luchar de igual a igual, se mata o reprime de la peor manera, dejando a la víctima desprovista de defensa. Este abuso de autoridad se ve plasmado, íntegramente, a lo largo de toda la historia y resulta agobiante cómo la lingüística puede anular el pensamiento ajeno, así como también -si se lo desea- el acudir a la tortura física.

En cuanto la luz blanca se esfuma, la roja alumbra a un pobre interno a quien se lo intenta vaciar hasta matándole su propia alma. Convertido en un mero robot que dice y responde como los “otros” quieren, es que su corazón se duerme para siempre. Así transcurre esta puesta en escena al igual que la vida de cualquier mortal.

Si el poder pudiera distribuirse -como la riqueza que jamás se reparte-, en partes iguales, esta obra no tendría su motivo de existencia ni tendría la obligación de educar a través del diálogo y del humor.

Porque todo lo que duele no fortalece, a veces extermina como si los humanos fuesen insectos devenidos en plaga. Y como la plaga se denomina con tal nombre, deja de interesar.

El Invernadero jamás pasará desapercibido porque se ubica en un lugar intrincado, en que se puede debatir y a partir del cual ganará no el mejor sino el que se atreva a tener más sangre en sus manos, dejando de lado la culpa. Qué replanteo podría tener una persona que solo siente con la cabeza y con el interés insoslayable de poseer lo que otro tiene, sin importar las consecuencias.

El Invernadero no es una moda y por ello podría seguir en cartelera de por vida. Porque no tiene imperfecciones, porque todos los artistas tienen su momento de protagonismo y porque quien podría ser el culpable es solo para distraer la atención de aquellos dormidos por el sistema.

La corrupción, la seducción y el poder coercitivo; desfilan incesantemente hasta que ocurre la desgracia.

Elenco: Edgardo Moreira, Nicolás Dominici, Georgina Rey, Sebastián Baracco, Federico Tombetti, Bernardo Forteza y Jorge Noya. Escenografía y vestuario: Marta Albertinazzi. Sonido y música original: Mirko Mescia. Asistencia de dirección: Martin Ventimiglia. Dirección: Agustin Alezzo. El Camarín de las musas. Funciones: viernes 21 hs, sábado 19 hs.

Mariela Verónica Gagliardi

Escrito

en agosto 22, 2015

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El espanto de estar vivo

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Cumple zombi1

La Sala Casacuberta del Teatro San Martín en este caso no se ilumina sino que se oscurece para adentrarnos en una historia muy peculiar: la de un zombi que busca ser querido y aceptado por sus semejantes. Con una música que recrea la atmósfera pretendida, lo negro y colorido se unen y separan cuantas veces sea necesario para dar lugar al conflicto, al amor, al deseo, a la bronca y a todo tipo de sentimiento surgido.

Ivo Siffredi adapta el cuento Cumple zombi (de Alberto Pez y Roberto Cubillas) al mundo de los títeres en que todo es posible. Ese universo de hilos, de marionetas y de voces cambiantes que irán construyendo al pueblo de Jacumel -un espacio habitado por seres un tanto peculiares que, como todo lugar, tiene buenos y malos-. Con su impecable dirección y confección de marionetas y títeres, este espectáculo se torna maravilloso.

Como en la película de los ochenta, Beetlejuice que fusionaba el suspenso con humor negro y la comedia, Cumple zombi transita por un mundo con códigos como el de los vivos pero muchísimo más entretenido y no convencional.

Cuando las luces se atenúan, el humo invade y ellos aparecen, de a poco, uno tras otro para celebrar un nuevo aniversario en la vida de Benito. Si hasta suena tierno este nombre al igual que sus ojitos que pestañean cuando se enamoran, que teme no tener torta ni regalos y el olvido de sus amigos.

Más allá del festejo, ocurren algunas peripecias antes de llegar al mismo. Y es que una mujer, en este caso una zombi, se disputa el corazón de dos y uno de ellos jugará demasiado sucio pretendiendo envenenarlo.

Un primer beso que se hace esperar, que quizás nunca llegará. La tensión es sopesada gracias a los diferentes animalitos que se mueven espontáneamente dentro de la escena, recobrando su libertad. Los vivos no mucho más vivos que los muertos y éstos teniendo los mismos sueños de cualquier mortal que se enciende cuando ve luz y se entristece al apagarse.

Realmente es atrapante el modo en que se desarrolla la dramaturgia, la habilidad en que los titiriteros se desempeñan y la parte visual súper atractiva que cautiva en todo momento, consiguiendo sonrisas y sustos en las caras de sus pequeños y adultos espectadores.

Existen varias enseñanzas en esta historia referidas a los buenos valores, a la felicidad y a las pequeñas cosas que sirven para construir un mundo mucho mejor. Si la trampa no existiera, no habría corrupción. Claro que la magia de esta aventura no apunta a asuntos políticos pero sí puedo afirmar que la política está presente como mecanismo para llevar adelante un festejo con toda la ingenuidad que eso implica, la misma que tiene una mirada ante la presencia de un ser amado o las maripositas en la panza cuando se está acercando o hay incertidumbre.

Para que nadie del público se pierda en el relato, una pantalla gigante subtitula extractos de cada escena y, a su vez, el personaje de Bikor (interpretado por un humano que también es movido con hilos) se encarga de hilvanar cada uno de los diálogos, conceptos y escenas existentes para que ningún niño quede afuera de lo que acontece.

Una aventura en la oscuridad en que los colores fluorescentes nos dejan atónitos y permiten que disfrutemos durante una hora de un espectáculo excelente, bien realizado y con todo lo que tiene que tener una obra para ser de alta calidad.

Colores por todos lados, formas distintas, voces de diferentes tonalidades, personalidades que se unen o disienten, dos universos de lenguajes paralelos (escénico y visual), un cumpleaños quizás no como el ansiado pero cumpleaños al fin que logra vencer todo tipo de obstáculo para traer lo más lindo de la vida -o de la muerte- que es poder compartir a pesar de las diferencias.

Los hermanos Desgracia quisieron hacer valer su nombre pero entre tanta alegría su cometido llegará a exterminarse por completo.

Como en la película de los ochenta, Beetlejuice que fusionaba el suspenso con humor negro y la comedia, Cumple zombi transita por un mundo con códigos como el de los vivos pero muchísimo más entretenido y no convencional.

Elenco: Daniel Spinelli, Silvia Galván, Bruno Gianatelli, Florencia Svavrychevsky, Valeria Galíndez, Julia Ibarra, Victoriano Alonso, Pablo Del Valle, Celeste López, Leticia Yebra, Lorena Azconovieta, Cristóbal Varela, Ariadna Bufano, Esteban Quintana. Diseño de escenografía, títeres y animaciones de pantalla: Roberto Cubillas. Realización de títeres, diseño y mecanismo de marionetas: Victoriano Alonso, Pablo Del Valle, Cristóbal Varela, Katy Raggi, Florencia Svavrychevsky, Ivo Siffredi. Música incidental original y dirección musical: Santiago Chotsourian. Diseño y puesta de sonido: Mariano Fernández. Dirección: Ivo Siffredi. Funciones: sábados y domingos, 16 hs. Teatro San Martín.

Mariela Verónica Gagliardi

Escrito

en agosto 22, 2015

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En busca de la felicidad

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Dos hombres sin destino18

Esta dramaturgia estrenada en España en el año 2004, tuvo un éxito rotundo y acá en Buenos Aires ya va por su segunda temporada.

El humor en tono absurdo es muy difícil de lograr en un escenario y en vivo, donde los tiempos tienen que ser precisos, justos –permitiendo dar lugar a los chistes que serán uno de los efectos deseados de la historia-.

Dos hombres sin destino son dos ejemplos de vidas que no logran encauzar sus metas, que ni siquiera se las plantean y que lo que hacen, a diario y por inercia, es mirar la televisión cual familia Simpsons.

Un sillón desgastado y cansado tanto como ellos, de sobrevivir sin incentivos.

Pero, un día, la suerte de Juan Ignacio cambia fortuitamente, consiguiendo la envidia de José Ángel -quien ya ni siquiera tiene un motivo para respirar-.

Juan Ignacio, tocado por la varita mágica, absurdamente puede conseguir hasta ponerse de novio con una actriz internacional, dar discursos ante un público masivo y ser solicitado como un referente a seguir.

Claro que el contraste que pretende acentuar el autor es el de dos personas que no hacen nada por sí mismas, esperando que algo los modifique en alguna dirección.

Entre risas, surgirán llantos por la propia indignación a no apostar nada (y no por miedo, sino por vagancia). Una casa que nos muestra un living, un escritorio y el decorado que quedó de antaño, congelando sus vidas como si se tratara de una simple fotografía sin movimiento ni respiración.

Qué fácil puede resultar burlarse de otro y qué tétrico puede ser asumir quien se es. La quietud, ese lugar cómodo que ya se torna incómodo en cuanto se puede ver el progreso ajeno, esa envidia venenosa que desea que al otro le vaya mal para no moverse del sitio en que se está.

Ordinarios, vulgares y conformistas; como tantos otros. Intentando sobrepasarse de desorden y consiguiéndolo a la perfección. Estrellándose contra un espejo de sí mismos y viéndose reflejados en el otro, constantemente.

Dos hombres sin destino es una mirada sobre aquellas personas que no aspiran a nada, simplemente que ven los días correr desde la ventana de su casa, sintiendo que la vida es eterna.

La simpleza de la historia permite hacer reír y reflexionar a un público heterogéneo. Una obra que es, indudablemente, para pasar un buen rato, encontrándose consigo mismo, quizás en algún momento de la dramaturgia.

El destino de ellos será incierto pero destino al final. Como el de cualquiera, como el de cada uno de nosotros. Como quien no tiene esperanzas sino la paciencia de no mejorar.

¿Cómo parodiar la propia desgracia?

Esta seguramente sea la clave de esta comedia que no tiene pudor ni vergüenza. Con dos actuaciones antagónicas, que se fusionan bien y en la que uno consigue lucirse como los personajes que le caen del cielo; mientras el otro viste y deambula siempre igual.

Dramaturgia: Pepón Montero y Juan Maidagán. Elenco: Iván Esquerré y Gonzalo Suárez. Dirección: Néstor Montalbano. Teatro CPM Multiescena. Funciones: viernes y sábados 21 hs. Domingos 20 hs.

Mariela Verónica Gagliardi

Escrito

en agosto 21, 2015

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Se murió mi esperanza

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Mariana, mujer de Lorca2

Mariana, mujer de Lorca (escrita por Federico García Lorca, interpretada por Patricia Tiscornia y dirigida por Santiago De Los Reyes) es un unipersonal que nos translada a Granada para recrear la atmosfera de una época que, sin lugar a dudas, fue triste y conmovedora a la vez.

En primer lugar, una actriz que no es española, resulta difícil de imaginar en dicho contexto (más allá de la vestimenta y accesorios que utiliza la artista para lograr un mayor acercamiento con el público). Es que lograr el acento, la pronunciación y veracidad de las palabras, no es tarea sencilla. Como homenaje a esta luchadora, el objetivo se cumple, pero si de representar se trata, la versión de Susana Hornos y Zaida Rico, quienes recorren la vida de Mariana Pineda -comparándola con la de muchas mujeres, de diferentes épocas, que lucharon hasta el cansancio por sus convicciones e ideales político-sociales-humanos- es un ejemplo de excelencia y enaltecimiento, motivo por el cual es difícil de juzgar la presente dramaturgia.

Patricia Tiscornia, sin embargo, recita los poemas de amor de Lorca, acercando lo más importante de la historia. Ella canta, recita, cuenta su vida y le narra a su único amor Pedro. Quizás una buena forma de desarrollar la historia pueda ser no querer interpretar a una española sino al sentimiento que perpetúa con el correr del tiempo, a esa sensación en que una meta se desdibuja como nebulosa, apostándolo todo.

La interpretación oscila entre los versos del autor y su deseo inagotable.

El hombre es un cautivo y no puede liberarse – le dice Mariana a Pedrosa, a quien no considera valiente en absoluto.

La noche no quiere venir para que tú no vengas ni yo pueda ir.

Pero yo iré aunque un sol de alacranes me coma la sien. Pero tú vendrás con la lengua quemada por la lluvia de sal.

El día no quiere venir para que tú no vengas ni yo pueda ir.

Pero yo iré entregando a los sapos mi mordido clavel. Pero tú vendrás por las turbias cloacas de la oscuridad.

Ni la noche ni el día quieren venir para que por ti muera y tú mueras por mí.

(Federico García Lorca)

Ella no se agota por su lucha, por más utópica que se vuelva, por más peligro que corra o sin sentido se convierta. Mariana dice: Yo bordé la bandera con mis manos y su rostro se ilumina por completo. Un rostro cansado, padeciente pero lleno de vida viva.

¿Y si estoy presa? Estoy presa.

Ella se siente la libertad, y desde ese lugar recita sus días, para transmitir su militancia individual, sin anexarse a organismos políticos sino a cultivar su bondad, su compromiso y su deseo por un país más justo y equitativo donde no se condene al que piensa y acciona diferente al modelo vigente.

Ella dice que va a morir por lo que él no se anima, lo increpa a Pedrosa (alcalde que ordenó su pena de muerte por despecho), juzgándolo por su quietud ante la tormenta. ¿Un crimen pasional? Un cobarde que utilizó la violencia para terminar con el corazón de la mujer que amaba. Esa es la esencia de esta obra, además de la bandera bordada por Mariana en homenaje a la libertad.

Teatro Botica del Ángel. Función estreno: jueves 20 de agosto 2015.

Mariela Verónica Gagliardi

Escrito

en agosto 20, 2015

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40 años, una vida musical

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Orquesta Norberto García26

El Maestro y Director de Orquesta, Norberto García (co-fundador y principal director invitado de la Orquesta del Centro del Conocimiento de Misiones, suplente de Concertino en la Orquesta Sinfónica Nacional Agentina y concertino de la Orquesta Sinfónica de la ciudad de Olavarria), cumple hoy cuatro décadas en el universo de la música, enseñando a artistas de diferentes edades y niveles socioculturales.

Para festejarlo eligió realizar un seminario de tres días consecutivos y cerrarlo con un concierto en la Sala Argentina del Centro Cultural Kirchner. Dicho concierto fue impulsado por El Centro del Conocimiento (de Posadas, Misiones), y su director Emilio Rocholl estuvo en la platea apoyando toda esta gran movida. Otro gran detalle fue el acompañamiento en piano de Diana Lopszyc.  

Fue una tarde realmente muy emotiva en que se mezclaron las sensaciones, los compositores y, dejando en evidencia que para ser músico primero hay que tener ganas, entusiasmo y tenacidad.

Una primera parte nos brindó Las estaciones porteñas de Piazzola, interpretadas por profesionales de diferentes partes del país (Misiones, Córdoba, Monte Grande, San Martín y Capital Federal). Cuerdas de violines, violas, cellos, contrabajos y la dirección majestuosa de García, evidenciaron que su apellido, en este caso, no era uno más sino el sello de su evolución a lo largo de los años, de su carrera y el carisma de su sonrisa que, seguro, despertó a niños soñadores.

Un otoño con aires de arrabalero, un invierno gris, oscuro y con un despertar impresionante. La llegada de la primavera con firuletes, tiempos veloces, romanticismo y vaivenes que oscilaban entre lo lento y rápido; para darle lugar a la pesadez del verano, lleno de aventuras, con campos abiertos que contienen fragancias a flores, vegetaciones y a libertad.

Si de estaciones se trata, resulta imposible no comparar con Vivaldi, un autor de otro país, incluso de otro continente que se dedicó a la música barroca. De distinto siglo, pero ambos, pretendieron crear las atmósferas necesarias para que los escuchas disfrutemos de la excelencia de acordes y transiciones musicales.

En este caso, el tango, un género bien nuestro, que no divide generaciones ni edades, ni rangos sociales ni económicos. Ahora, más que nunca, el tango es contemporáneo, vigente y colmado de expectativas para quienes deseen ejecutarlo, bailarlo u oírlo con los ojos cerrados.

Antonio Vivaldi (1678-1741) publicó esta pieza dentro de la colección Il cimento dell´armonia e dell´inventione Op. 8, detallando cada una de las cuatro estaciones del año para instrumentos de cuerdas.

Astor Piazzola (1921-1992) comienza la escritura en 1965 y la culmina en 1970. Durante una época drástica en Buenos Aires y Argentina, en que la vestimenta camuflada pretendió abolir la humanidad y el aire puro. Sin embargo, el arte de este compositor logró destacar que aún en tiempos de guerra es posible traer canción al alma.

Al terminar esta primera parte del concierto, jóvenes alumnos de Monte Grande fueron dirigidos por la violinista Victoria Mayorquín -quien también tocó en la orquesta anterior- e hicieron una pequeña intervención que se ganó varios aplausos.

Y, a continuación, The Simple Symphony Op. 4 de Benjamin Britten se apoderó de la escena. Esta pieza que fue compuesta por este excelente músico a sus nueve años de edad y que tal cual afirmó Norberto García: de simple no tiene nada; es un pasaje por diferentes estilos. Consta de cuatro movimientos: Boisterous Bourrée, Playful Pizzicato, Sentimental Sarabande y Frolicsome Finale.

Más allá de la complejidad de cada una de sus partes, escuchar las melodías de Britten es un placer inigualable.

Sus matices, deleitan, emocionan y se produce un climax conmovedor.

Con respecto a Boisterous Bourrée, se refiere a un allegro en forma de sonata, luego Playful Pizzicato (movimiento fijo, de compás rápido), a continuación Sentimental Sarabande (movimiento lento y melancólico) y, el último Frolicsome Finale (donde la alegría se apodera del ritmo).

Así fue como representantes de Puerto Madryn (Gustavo Stecko), Alta Gracia y diferentes zonas de Buenos Aires; colmaron la atmósfera de la sala con una función maravillosa en que salimos impregnados de aires distintos.

Dos épocas y países diferentes, se unieron para aunar las aguas y demostrar que Argentina e Inglaterra tienen más en común de lo que se puede imaginar. Que las brechas son más cortas de lo que se cree y que el arte acaricia a todo músico que se interese por las notas de una partitura, de varias, de todas.

Mariela Verónica Gagliardi

Escrito

en agosto 19, 2015

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Ni muerto, en paz

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La tragedia de Ricardo III1

La tragedia de Ricardo III (The life and death of kink Richard III, escrita por William Shakespeare y dirigida por Jorge Eines) plantea ciertos conflictos de dos épocas diferentes y permite que consigamos aunarlas con nuestra actualidad mundial.

Porque Eines compara y asemeja a Hitler y su nazismo con Ricardo III y su despotismo. Claro que existió un verdadero Rey que viviía en la Torre de Londres donde se ejecutaron y encerraron a muchas personas. Este punto transcurre exactamente igual en la historia inglesa y en la dramaturgia.

La Segunda Guerra Mundial (Siglo XX) expone a Adolf Hitler con su plan macabro de crear muchos campos de concentración y eliminar a quienes no fueran como su capricho lo deseara. Dicho espacio físico aparece representado al fondo del escenario y resulta tanto conmovedor como interesante notar el desenvolvimiento de hombres y mujeres que continuaban con sus rutinas diarias de lavar, coser, remendar… hasta que la muerte les llegue.

Cerca de un millón de judíos fueron asesinados en Auschwitz -el campo de concentración más grande, monstruoso y el que reclutaba a más personas de la colectividad-. No solo fue una guerra contra los judíos sino contra todo no incluido dentro de la raza aria: 74.000 polacos, 21.000 romaníes (gitanos), 15.000 prisioneros de guerra soviéticos y alrededor de 10.000 ciudadanos de otras nacionalidades fueron exterminados del mapa para siempre.

El Tercer Reich (en Inglaterra, la equivalencia se denominó Lager) fue orgullo de los nazis y padecimiento del resto de los mortales que temblaron ante el famoso brazo estirado, tan rectamente como su regimen descomunal.

Pero, en la presente puesta en escena, se produce un alivio al comprender que no solo se menciona la crueldad histórica de Hitler y Ricardo III sino que se trata de un montaje que tendrá que llevarse a cabo para no perecer en el intento. Sí, un grupo de actores irán interpretando a los personajes centrales de la obra shakesperiana para salvarse y sobrevivir.

¿Quién fue Ricardo III?

Duque de Gloster que tuvo mala fama, no solo por su forma de proceder sino por la cantidad de asesinatos que tiene en su historial. A pesar de ello, también se lo recuerda como un hombre (con esto no me refiero a humano, sino simplemente por su condición masculina) que se enamoró -sin juzgar si realmente fue amor o manipulación-.

De lo que no se podría estar de acuerdo es del destino de su cuerpo fallecido, el cual se enterró más de cinco siglos después y no en el año 1485 en que perdió la vida durante la batalla de Bosworth Field (Inglaterra).

Se lo recuerda, entre otras cosas, por su frase célebre: “Mi reino por un caballo”. Dicha frase no es más que una súplica que tiene su origen en cómo se preparó a su animal para la batalla. Resulta ser que un herrero estuvo encargado de hacerle las cuatro herraduras al caballo pero, al llegar a la última, la confeccionó sin demasiada perfección ya que se había quedado sin clavos; motivo por el cual durante la riña el pobre animal perdió el equilibro, cayendo y tirando sin querer a Ricardo III. Esa jornada fue definitiva y si el herrero se hubiera comprometido con su trabajo, probablemente el reino hubiera seguido en pie, victorioso.

La historia de Shakespeare es totalmente dramática y atrapante hasta el final.

Jorge de Clarence (hermano de Ricardo que lo precede como heredero al trono), tuvo cuatro hijos: Ana, Margarita, Eduardo y Ricardo. Ana es seducida por Ricardo III -quien le dice que mató a su marido -y su propio hermano- (Eduardo IV) por culpa de su belleza-. Cabe aclarar que también había asesinado a su suegro (Enrique VI). Esta relación enfermiza que pretende tener Ricardo con Ana, a quien humilla y trata bien cuando se le antoja, luego se consolida. La escupida de ella contra él, revela la repugnancia que le tiene pero la necesidad de poder que pretende.

Son muchísimos los personajes de esta tragedia pero lo sorprendente es que queda en el imaginario social esa sensación de súplica por la paz, más allá de frases o diálogos instaurados deleitosamente en los manuscritos ingleses. Un elenco de actores muy bien seleccionados, dentro de los que resaltan Natalia Villena y Alejandro Cop, logrando transitar por un sinfín de emociones, consiguiendo plasmar sus ademanes y diversas expresiones imprescindibles para las artes escénicas.

Autor: William Shakespeare. Elenco: Alejandro Cop, Annemarie Castillón, Denise Yañez, Ernesto Rowe, Florencia Limonoff, Hilario Quinteros, Juan Kiss, Natalia Villena. Director: Jorge Eines. Teatro El Tinglado. Funciones: domingos 17.30 hs.

Mariela Verónica Gagliardi

Escrito

en agosto 18, 2015

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Entrevista a Delfina Danelotti

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perrota 6Actuó en Humahuaca 4080, Lúcido, La soledad y Otras mujeres. Actualmente, está protagonizando La Inapetencia de Rafael Spregelburd en el Teatro La Lunares del barrio del Abasto.

¿Cómo fue tu elaboración de este personaje tan particular?

Desde un primer momento, con la directora trabajamos el gesto sobreactuado de una sonrisa constante comunicando un estado carente de conflicto. Es decir que partimos de una forma corporal saturada para desembocar casi por desgaste físico en un estado de tensión escénica. Ese estado es lo que me sostiene actoralmente. Allí radica la emocionalidad del personaje. Un cuerpo habitado de rigidez que, escena tras escena, va adquiriendo diferentes calidades a causa de la erosión de la forma en el tiempo: la tensión deviene angustia, luego miedo, dolor, contradicción y asfixia, siempre detrás de un gesto que se proyecta hacia la perfección.

¿Tiene algo tuyo la Sra. Perrotta?

La presencia de la Sra. Perrota responde a un exceso de prolijidad que inhabilita una espontaneidad legítima. Por lo tanto, desde la forma construida no tengo nada en común. Pero desde el campo emotivo, el abordaje es tan complejo y a la vez tan reconocible como en cualquier otro personaje.

¿Considerás que aún en nuestra sociedad no hay una cultura de adopción?

Creo que hablar de sociedad y cultura para analizar la cuestión de la adopción es impulsar al pensamiento a utilizar términos generales que deberían responder a un conocimiento profundo del tema, del cual carezco. Considero que la decisión de ciertas parejas que se resignan a no ser padres o se someten a tratamientos invasivos en vez de acceder a una adopción, es una cuestión pura y exclusivamente de la intimidad de cada pareja. Y sinceramente, creo que siempre es mejor pensar desde el punto de vista de las excepciones y no desde las generalidades que suelen ser no puntos de vista.

¿Es posible conseguir un equilibrio entre deseo y amor?

Sí. En tanto que el deseo es producción, el impulso violento engloba dentro de él al amor y viceversa. Es una relación de tensión en perpetuo desplazamiento. El equilibrio es parte de esa potencia que intenta perseverar. No nos inclinamos por algo porque lo consideramos bueno, sino que, por el contrario, consideramos que es bueno porque nos inclinamos por ello.

Existe mucha bajada de línea en La inapetencia respecto a diferentes temáticas. ¿Crees que es indispensable un personaje como el que interpretás para decir las peores verdades?

Para nada. Cualquier personaje puede decir las peores verdades. Se conciben bajo distintas formas, pero son irreductiblemente impersonales. Están totalmente desfasadas de la idea de una psicología particular; sino que más bien brotan de un encuentro, de un vínculo, de una combinación.

En este caso Mambrú no se fue a la guerra pero tu hija sí. ¿Cómo construyeron ese vínculo?

Después de varios meses de ensayo, el vínculo se gestó de manera autónoma. La entrega al juego más el tiempo recorrido, hicieron por sí solos un trabajo orgánico. Los acontecimientos puntuales que la obra propone (una hija que decide ir a la guerra) fueron concebidos por la directora desde un modo etéreo, sin solemnidad ni juicio. Esa decisión hizo que tanto Dolores (la actriz que hace de mi hija) como yo, nos permitiéramos encontrar otro tipo de porosidad narrativa, no sólo la que se distingue objetivamente en el texto de Spregelburd.

¿Cómo es esa dicotomía que se produce entre comida y sexualidad?

La relación entre comida y sexualidad ha sido un tema central en buena parte de la literatura universal, ya en algún banquete de “El Satiricón” de Petronio aparecen referencias a este respecto. Asimismo, muchas metáforas sexuales que usamos habitualmente remiten a la praxis de la alimentación. En particular en la puesta de La Inapetencia, el exceso de discurso sexual y alimenticio no hace más que reponer su carencia. La relación de la Sra. Perrota y su marido está determinada por una no relación que se actualiza como un exterior simulado. Así la pluralidad de imágenes comestibles es puramente formal y responde a un solo acontecimiento que es la insatisfacción sexual. No se trata de una dicotomía, sino de una no relación, que no por eso deja de reconstruirse como vínculo.

¿Es mucho gasto de energía fingir ser alguien que no se es?

El gasto de energía forma parte de la exposición del cuerpo en escena. Se convive con ese desgate porque forma parte del trance lúdico que es la actuación. Uno es mirado, por lo tanto lo exterior afecta al interior. Pero así se construye la verdad en la ficción. No hay otra forma de hacerla vibrar: tanto el afuera como el adentro producen colectivamente el efecto inefable de la vitalidad en escena.

¿Como es el universo de La inapetencia?

La inapetencia es una comedia en código absurdo. El tinte onírico que la compone, expone situaciones que escapan de la lógica lineal a la que estamos acostumbrados, generando cierta molestia para el entendimiento. Sucede que la puesta es una metáfora de lo que la Sra. Perrota imagina y/o percibe de su realidad teñida de negación, insatisfacción y represión. Por lo tanto la apertura narrativa es infinita, dejando al espectador la posibilidad de contarse su propia versión de la obra.

¿Existe la fórmula perfecta para ser feliz?

Más que fórmula, existe una filosofía. Aquel que decide hacer lo que le gusta, lo que aumenta su potencia, su fuerza de existir, aquel quien ha conquistado la vida tan plenamente, la muerte siempre exterior y extensiva, no es cosa de interés. Se trata más bien de una conquista de beatitud intelectual. Elegir aquello que nos compone sólo depende de nosotros mismos.

Mariela Verónica Gagliardi

Escrito

en agosto 18, 2015

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