*** Noviembre 2017 ***

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Entrevista a los Directores de Smokey Joe´s Café

logo Smokey Joe’s Café

El Director Musical, Daniel Landea, trabajó en varios musicales como: Ayres de Cabaret, entre luces y sombras (Sebastián Terragni), Desconcierto de musicales (Rubén Roberts), Wendy en las grutas misteriosas (Marisol Vecchi), Tabaco y ron (Orlando Hugo Campodónico), Teresa, la obra en musical (Julián Collados y Tito Garabal), Hola Dolly, soy Betty (Daniel Landea) y Salomé (Juan Manuel Bevacqua y Rolando Sosiuk). Mientras que el Director de Teatro, Alejandro Guevara, formó parte de: Acto sin palabras y Pit. Integró el elenco de Pepe Cibrián, Iman de teatro de objetos y Los títeres Bonomo. Y, como director, estuvo a cargo de: Las Otras (Javier Daulte), Volvió una Noche (Eduardo Rovner), La escala humana (Javier Daulte) y Proyecto Marita (Eduardo Grinovero).

Es la primera vez que se va a estar presentando en Buenos Aires este gran éxito de Broadway. ¿Qué sentís como director musical?

Es un gran honor, un privilegio y un placer poder llevar adelante ésta experiencia. Y por supuesto, una oportunidad única. (Daniel Landea)

¿Smokey Joe’s Café es un musical nostálgico?

Puede ser que encuentren algún tinte nostálgico, es un espectáculo con canciones de los años 50´s y 60´s… sin embargo no es una obra de clima íntegramente nostálgico. SJC es una obra muy dinámica, por momentos con un ritmo demoledor, por otros tranquila y evocativa… con climas muy distintos en su transcurso. (Alejandro Guevara)

¿La excusa de la obra es transmitir y rescatar este género musical de los 50´?

La obra es un Gran Homenaje a dos grandes: Lieber y Stoller, una dupla creativa extraordinaria de aquellos tiempos y, como todo proceso artístico, volver a las fuentes y redescubrir estos clásicos permite no sólo rescatar el género sino, además. ponerlo de frente a nuevas generaciones. En éstas canciones subyace un modo de ver la vida, el amor, la amistad y también, el desamor y la idealización del amor. (Daniel Landea)

Con respecto a las canciones, ¿se van a mantener en su idioma original o a realizar en castellano?

Las canciones van a estar en idioma original. (Daniel Landea)

Si la historia hubiera surgido acá en Buenos Aires, ¿cuál sería el Café en que se reuniría este grupo de amigos?

La obra tiene varios momentos, y de acuerdo a estos momentos los personajes eligen diferentes espacios de encuentro. Puedo imaginarlos en esa primera etapa en la que son más jóvenes, yendo a lugares muy estilo San Telmo, tipo “Bar Defensa”, en donde la energía y los sueños se concentran en un mismo espacio. (Alejandro Guevara)

¿Qué dificultades tiene dirigir a músicos en vivo mientras se desarrolla una obra en escena?

Con estos músicos, ninguna. Son realmente fantásticos. (Daniel Landea)

¿Cómo fue el proceso de selección de los artistas y músicos? Y, ¿cuál fue la gran dificultad sobre dicha etapa?

Respecto de los músicos, tuvimos la fortuna de toparnos con un grupo de profesionales maravillosos, todos profesores con mucho estudio musical y musicalidad que ya trabajaban juntos, con lo cual, no hubo que hacer audiciones. Verlos tocar fue suficiente.

En cuanto a los artistas, fue mucho más complejo, dados los requerimientos vocales e interpretativos, con el agregado de lo coreográfico, tema para nada menor. Los debates fueron extensos y se necesitaron varias etapas para poder llegar a la conformación definitiva del grupo, en particular por lo difícil que era encontrar personas que reunieran no solo destreza vocal, interpretativa y coreográfica, sino que además diesen el perfil del personaje. (Daniel Landea)

¿Cuáles son las sensaciones que vas teniendo a lo largo de los ensayos?

Las sensaciones son muchas, por momentos ambiguas: entusiasmo, euforia, temor, duda… Pero por sobre todas las cosas te diría que me siento muy confiado con lo que va surgiendo. (Alejandro Guevara)

¿Smokey Joe’s Cafe es un espectáculo para todo amante del buen rock and roll?

Por supuesto. Es un espectáculo para todas las edades porque para quienes vivieron esta época dorada, la van a disfrutar. Quienes la conocieron después, la van a revivir, y quienes no la conocen pero gustan del rock, van a volver a las fuentes y descubrir estos clásicos absolutamente mágicos. (Daniel Landea)

¿Cómo fue el proceso de selección de los artistas y músicos? ¿Cuál fue la gran dificultad sobre dicha etapa?

Muy complejo. La exigencia que planteamos desde lo artístico fue muy alta, lo cual nos requirió realizar varias audiciones.

Así mismo, quienes pasaron la primera ronda tuvieron que sortear luego varias instancias más, y alcanzar los estándares que nos habíamos propuesto conseguir, ya que de verdad queríamos contar con el mejor elenco. ¡Y puedo afirmarte que no nos equivocamos! (Alejandro Guevara)

Una comedia musical con artistas que tienen que serlo de manera integral. ¿Cómo es coordinar tantas coreografías que estallan de un cuadro a otro?

Es muy emocionante. Es como armar un rompecabezas donde por momento las piezas encajan y luego ya no. Más allá del plan de trabajo, prefiero dejar y confiar en que el proceso vaya aportando lo que la obra necesita.

Desde que me metí de lleno -allá por el verano pasado- en la obra, de a poco fue cautivándome cada uno de los cuadros. Y cuando llegó el elenco aún más. Los chicos le terminaron de dar ese condimento especial que tiene que tener la obra, que es cuando los intérpretes le dan el carácter y hacen que prime su impronta por sobre los personajes. Hoy me atrevo a decir que si el espectador ve personajes es merito del trabajo de los chicos del elenco. Además, Delfina García Escudero trabaja meticulosamente para que cada coreografía salga perfecta. (Alejandro Guevara)

¿La elección de este musical deciden estrenarlo por algún motivo en especial en este momento?

La escena del teatro musical está cada vez más fuerte y creemos que es muy buen momento para que SJC llegue al país. Y también está el desafío de trabajar con una obra sin texto donde solo hay canciones de diferentes estilos.

Lo rico también, está en no tratar de contar fielmente una historia que está atravesada por hechos y protagonistas culturales de una época y lejanos a nosotros, sino mas bien tomar la trama vincular de estos amigos y potenciarla para que eso sea justamente uno de los puntos fuertes de la obra: las relaciones entre los protagonistas. (Alejandro Guevara)

Mariela Verónica Gagliardi

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La cultura es un derecho y no un accesorio

Fanfarria Da Vinci16

En Buenos Aires no toleramos a aquellos políticos que destinan los fondos a satisfacciones personales o a egoísmos extremos o a circunstancias que los dejan en evidencia. Siempre, quienes nos dedicamos al ámbito cultural, deseamos que haya presupuesto para las diferentes ramas del arte, de la educación y, quién más quisiera, de las artes escénicas.

En Rafaela (Santa Fe), ocurre lo contrario. Muchos vecinos, critican negativamente al ámbito cultural por promover la cultura y por seguir avanzando año tras año. Por recuperar una construcción tan simbólica como la del Viejo Mercado y convertirla en Centro Cultural, por hacer que la ciudad cada día esté más bonita, artísticamente, y por lograr aquello que se dice y no siempre se siente: que la cultura sea un derecho, no algo para una élite.

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Así, quedó demostrado, en la Apertura del 11° Festival de Teatro de Rafaela -que comenzó hoy- cómo la sociedad rafaelina necesita del teatro, necesita de la cultura, cómo se la apropia ya no como accesorio sino como parte de su vida y cómo desde el desfile en el microcentro hasta la última función en La Máscara, colmó de vecinos felices cada butaca y cada espacio.

Y no existe pretexto para afirmar que la función gratuita tuvo más público que las pagas, porque todas tuvieron éxito.

La fiesta comenzó con Fanfarria Da Vinci (con la intervención del artista Víctor “Tomate”Ávalos, de Buenos Aires), un grupo de músicos cordobeses que desfilaron junto a un dragón enorme, armado con globos, de distintas formas y tonalidades: rosa, blanco y negro -que son los colores elegidos para la artística de este año por el Festival-.

De esta forma, a las 18 hs pudo disfrutarse de pura música, ejecutada por actores circenses que al ritmo de instrumentos de viento y percusión, consiguieron la adhesión del público a lo largo de las calles. Niños de diferentes edades, muchísimos adultos y varios perros que querían escuchar el espectáculo sin ser pisados.

Estamos en invierno y, sin embargo, se sintió verano, en medio de un corso en el que todos esperaban mirar al dragón, tocarlo y sacar cuantas fotos puedan.

Luego, una larga fila nos esperó en el Teatro Municipal Manuel Belgrano para escuchar tanto al Secretario de Cultura (Marcelo Allasino) como al Intendente de Rafaela (el Arquitecto Luis Castellano).

Secretario e Intendente Rafaela

A diferencia del año pasado, esta vez, sus discursos estuvieron más cargados por la emoción y la firmeza de que están por el camino indicado y lucharán contra todo tipo de boicot.

Fue, realmente, una inauguración conmovedora y caben resaltar algunas frases dichas por ambos íconos de la Cultura rafaelina.

El bien común está en boca de todos (…) Hay quienes se resisten al cambio y hay quienes lo abrazan. Este Festival es una muestra contundente de ese cambio que estamos viviendo como comunidad, es un ejemplo de transformación. Para algunos, el arte sigue siendo un espacio de regocijo elitista, un lujo para pocos o un accesorio prescindible; para otros, una forma de abrir puertas, generar vínculos, un espacio para reconocernos, repensarnos, encontrarnos” (Marcelo Allasino).

También hizo hincapié en que el festival llega a quienes pueden y a quienes no, a los que están en el centro y en los barrios, a las localidades con salas y a los que no las tienen.

Luego, tuvo la palabra el intendente Luis Castellano: “El Festival es una fiesta popular en la Ciudad de Rafaela (…) La cultura y el teatro nos ayudan a encontrarnos.

Popular, encuentro, derechos, cultura y arte; fueron algunas de las palabras que circularon en ambos discursos y que desean quedarse impregnadas en el imaginario social. Como quien sopla el molinillo de viento con un aire de esperanza a que todo cambie a favor o a que, al menos, todo el esfuerzo de más de una década no sea en vano.

También, el Licenciado, se refirió a los inmigrantes -haciendo un breve recorrido por la historia- y recordándonos que fueron ellos quienes colocaron las primeras semillas cuando la tierra era tierra y quisieron crear cultura para ellos y para el futuro.

Ya llegada la noche, el grupo La Pipetuá (de Buenos Aires) hizo su aparición en escena con
La Pipetuá 13 añosun show increíble, aplaudido de pie por los espectadores y demostrando el talento que lo caracteriza desde siempre.

La edad del pavo es el nombre de su espectáculo (dirigido por Teresa Duggan y La Pipetuá), que con un sello se distingue de otros de su género. Mezclando y fusionando el clown, circo, música y destrezas físicas; consiguen un éxito arrollador que puede verse plasmado en cada uno de sus números -los cuales llaman la atención por su lenguaje cotidiano y de fácil llegada al público, por su feedback, por el carisma que tienen de principio a fin y por la excelencia y perfección de todo lo presentado en el show-.

Utilizando la música como principal soporte, a partir del que surgirán pruebas físicas y tradicionales del mundo circense, jugando entre ellos como verdaderos pavotes, realizando chistes sonsos y que, sin embargo, despiertan las carcajadas del público y recreando el universo infantil y para todo público en que justifican cada una de sus elecciones.

Burbujas pequeñas, medianas y gigantes que sirven como contenedoras de cuerpos. Saltos a través de diversos objetos, canciones diversos estilos que logran describir paisajes y sensaciones. Instrumentos de viento, de percusión y todo aquello que escojan para sacarle sonido; ocurrirá a lo largo de este evento.

Los cuatro artistas, cada uno en lo suyo y en lo que mejor sabe hacer, generarán distintas situaciones cómicas y dignas de ser admiradas. Cómo con lo simple y desde lo simple se puede crear algo enorme y de calidad. Fruto del tiempo que permanecen juntos, de su perfeccionismo y de la vocación que con solo mirarlos segundos podemos confirmar.

Caños móviles, que cobran formas, desplazamientos que inundarán de alegría esta función, consiguiendo identidad. Aquí, allá, y en cualquier lugar por el que pase La Pipetuá; es un fenómeno que garantiza pasar un fantástico momento, un delirio tras otro y esa esencia que nos traslada a esos momentos en que éramos chiquitos -como los niños que venían gateando en la oscuridad para verlos cada vez más de cerca-.

Al finalizar esta obra, comenzó en el Teatro Lasserre, Muñeca (de Armando Discépolo,
Muñecadirigida por Pompeyo Audivert y Andrés Mangone). Este drama exhibe al amor en todo su esplendor. Al capricho como sensación irreparable y a la fortuna como la explotación más deshonrosa.

¿Quién es muñeca? Una mujer hermosa que con sus palabras y calidez, se desplaza como si sus pies patinaran y su cuerpo no le pesara en absoluto. Como un objeto que es adquirido, expropiado y utilizado a merced de Anselmo -un hombre espantoso, millonario y con una personalidad ambigua-.

Salida de un placard, se une a la aventura de un grupo de amigos que se debaten entre carreras de caballo, drogas, alcohol y algo de música. Apoyados por un cellista que, además, les hace la ambientación sonora en vivo, estos hombres no recorren la vida sino que la atraviesan. Desean comprar escenas y evitar otras. Hallar a la muñeca que huyó y volver a plasmar la vida tal cual era. No importa quién es ella en verdad sino lo que significa para Anselmo y para su débil situación.

Entre disfraces, glamour y un desfile de bebidas; las noches pasan una tras otra sin interesar nada más. Intentando que el titiritero haga sus jugadas y cada uno de sus caprichos se satisfaga, haciendo aparecer la política (como en todo texto de Discépolo) y utilizando a Uriburu para demostrar que ni un militar ni un radical podrán cambiar la situación en que se vivía y vive. Que todos son parte de lo mismo y, quizás por eso, ellos se encierren en la mansión para disfrutar, de algún modo, aquellos “placeres” de la vida.

Muñeca es una figura, una imagen, un fantasma que se pierde y aparece cuando lo invocan y todo lo que desearían otorgarle.

Cuando no está, los amigos parecen estallar de ira, de dolor infundado y de delirios cada vez más grandes.

La traición es aquello irreparable que surge en esta dramaturgia y que no tendrá más remedio que la tragedia a flor de piel. Como aquel sol que no saldrá jamás y aquellas sábanas que no volverán a alojar a la deseada.

Con actuaciones realmente impecables y una dirección majestuosa, esta versión consiguió crear interrogantes en cada uno de nosotros.

Esta obra fue estrenada por primera vez en 1924 y transcurridos noventa años, hay cuestiones que siguen iguales, otras que se han podido modificar y algunas más que reinarán en todos los humanos.

Mientras tanto, la muñeca de porcelana, ese adornito insignificante para unos e importantes para otros podrá recorrer cada minuto de las vidas de estos patriotas sin patria y la alienación que los invade, hará que no puedan descubrir cuando están despiertos, dormidos, viviendo o muriendo.

Para cerrar la noche, una comedia dramática llamada Doberman (escrita y dirigida por Azul Lombardía), se encargó de materializar muchas risas como al principio de la tarde.

Doberman

Mónica Raiola y Maruja Bustamante, consiguieron formar una dupla exquisita en que demostraron sus dotes para interpretar a unas amigas, más bien conocidas, que tienen algunos asuntos que solucionar.

La primera, una mujer ama de casa, con una sencilla vida; y, la segunda, una madre de seis hijos y un esposo decadente; conformarán la escena de Doberman. Una única escena que se desarrollará en la cocina de una de ellas, mediando la palabra como principal argumento.

¿Qué buscan dialogar tanto?

Con un lenguaje burdo, grosero y súper real en nuestros tiempos; ambas se debaten entre la ironía y la violencia verbal. No cabe revelar el asunto de sus charlas ya que la dramaturgia llegaría a su fin pero sí mencionar los dos personajes tan bien conformados por Mónica y Maruja.

Mónica, luciendo como tímida, sencilla e introvertida; mientras Maruja se va convirtiendo en esa raza de perro tan temida por algunos.

La agilidad en la manera de hablar de una, y la lentitud en la forma de esbozar la palabra de la otra, van delineando la trama de Doberman -una pieza artística que no solo genera tensión y expectativa sino que convierte el drama en comedia y la comedia en drama de un momento a otro-.

Azul Lombardía consigue esta ambigüedad y moldea cada uno de los diálogos para que las actrices sientan comodidad y puedan generar la sorpresa en el público.

Sentadas alrededor de una mesa, durante casi toda la obra, no precisan moverse si lo que tienen para decir pasa por otro lado.

Una llamada en el contestador, una visita inesperada, una enfermedad utilizada para manipular y toda la ferocidad de una mujer que se siente despechada y minusválida. En cuanto esto sea creído y justificado, el peor ataque podría aparecer.

La composición del perro conmueve, permitiendo que veamos cada detalle -desde sus ojos, su expresión en el rostro, su manera firme y convincente al caminar, al moverse- y esa delicadeza en que se escoge qué decir y en qué momento. Como si un animal pudiera hablar, que de hecho lo hace pero con otro lenguaje. Quizás más expresivo como el que puede notarse sobre todo al llegar el final de esta gran puesta en escena.

Tres estilos de obras totalmente diferentes, con vestuarios bien caracterizados y ambientaciones que permiten delinear la historia en cada una de ellas; fueron las primeras en pasar por este Festival que, una vez más, está generando muchísimas expectativas en los vecinos y en público de provincias aledañas que se traslada, al igual que Sabor A Teatro; para observar de cerca este fenómeno.

Mariela Verónica Gagliardi

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Un Festival Constante

Festival Constante90

Actualmente, existen muchas movidas culturales de diferente índole, para distintos públicos y que apuntan a un mismo propósito: enriquecernos artísticamente.

En estos tiempos en que todo es fugaz, repentino, en que los conocimientos son considerados uno de los valores más preciados, ya no alcanza con un capital obtenido ni con lo aprendido en una institución. El lenguaje callejero, el saber de las clases populares nos dotan de nuevos aprendizajes, nos revelan otros misterios y es acá cuando cualquier teoría planteada, se disuelve instantáneamente.

Si bien sigue existiendo discriminación por parte de algunos sectores sociales, la verdad es que la diversidad de propuestas permiten una unión que solo consigue erigirse como tal gracias al arte. El arte es el motor para que ricos y pobres podamos mezclarnos, para que lleguemos a acuerdos, para que dialoguemos sin sentir asco y para que intercambiemos experiencias.

Hay cosas que no se aprenden en la universidad ni en la escuela, sino saliendo a la calle, hablando con quienes deambulan por allí y si bien no estoy de acuerdo con la palabra inclusión; creo que es necesario que todos abramos cada vez más la mente y el corazón para darle el lugar a quien está fuera de esta sociedad que no solo es atravesada por la inseguridad sino por ideales y principios que se suponían perdidos.

Para bailar no hace falta tener dinero, basta con dejarnos llevar por melodías y no sentir que nadie es superior ni inferior. Nuestro cuerpo, como totalidad debe aunar todos los sentidos para darle pie a la cadencia, al movimiento, a la interpretación y a la oportunidad de juntarnos.

Antes era la danza clásica la considerada única danza, pero actualmente pueden mencionarse muchísimos estilos entre los cuales podemos retornar a esos orígenes que conformaban simplemente una ronda para bailar. Ya no existe tanta fragmentación entre lo que es y no es. Ahora, las sensaciones se apoderan de nuestra visual y nos dejamos llevar como si estuviéramos transitando por un mundo más elevado.

Ahora, los espectáculos artísticos no son todos para espectadores Festival Constante6pasivos sino que nos involucran, nos hablan o nos callan. Nos dan herramientas para que pasemos un momento único e irrepetible. Ahora, a diferencia de antes, los espectadores somos quienes marcamos las diferencias y depende de nosotros lo que nos llevemos, lo que transitemos, el valor con el que ingresemos y la apertura con la que permanezcamos.

El Teatro El Cubo, es un espacio ubicado en uno de los polos culturales más fuertes de la Ciudad de Buenos Aires que se caracteriza por un gran movimiento juvenil que renueva, mes a mes, las propuestas culturales permitiendo que nos involucremos con lo que desarrollan.

Esta vez le toca el turno a varios elencos de teatro, danza, arte plástico y música; para demostrar cómo la unión hace la fuerza. Cómo las energías en conjunto crean una contracultura.

Un Festival Constante (Creado y dirigido por Jesús Guiraldi) es eso y mucho mas. Es una muestra de cambio, de orgullo, de placer, de dos espacios simultáneos (interno y externo) que nos permiten elegir que presenciar, una libertad para ingresar a la sala o salir al exterior, una energía que fluye y se contagia.

Durante una tarde bastante calurosa, la adrenalina se vio, se sintió, estuvo, permaneció y consiguió ofrecer fragmentos de espectáculos muy buenos como: Los Nixis (de Alejandra Rubio), La Generala (de Damián Malvacio), Proyecto Event (de Mauro Cacciatore), La Comisión y Dime con quién andas (de Víctor Campillay). Sumado a estas piezas culturales, tres DJ y un VJ se lucieron a lo largo de las horas, decorando el patio de El Cubo y acompañando a las performances de danzas que tuvieron lugar en el escenario al aire libre.

En cuanto a las puestas en escena dentro del teatro, sus excelencias, esplendor y movimientos consiguieron darnos un valor supremo. Qué importante es que exista variedad para que la danza convencional sea venerada pero también la contemporánea consiga su espacio. Diferentes grupos desfilaron por las tablas, montando experiencias diferentes, sin prestar demasiada atención a la perfección de sus pies, a las caídas, a los movimientos sino centrándose en que sus cuerpos se desplacen y se abran al universo. También, la perfección tradicional nos deleitó.

Sin lugar a dudas, Los Nixis con sus canciones consiguieron captar a un gran público infantil para su próxima temporada y todo lo vivido en el Festival pudo concebirse en la idea de unidad. Unidad de lenguajes diferentes que evocan ansias por hacer lo que se ama y nada más.

Con respecto a una de las finalidades de esta producción, un porcentaje del dinero recaudado durante esta jornada será destinado a la ONG El hormiguero para que puedan construir una radio comunitaria en Villa Fátima.

Para seguir mencionando lo que implica introducirse en este tipo Festival Constante60de proyectos, el Director de El Cubo, Jorge Vidoletti, estuvo charlando con Sabor A Teatro y sus palabras parecieron transformarse en más energía y esperanza por avanzar hacia objetivos artísticos.

El mundo del arte y el mundo económico cada vez se juntan más. Desde la postmodernidad hasta ahora, ya no se piensa al arte fuera del mundo económico. Y, además, el mundo económico se está apropiando del mundo del arte y le está dando valor. Basta con que veas las subastas que hay en Estados Unidos de los millones y millones de dólares que cuestan cosas que pareciera que son para guardar en una botica de antigüedades. Esto está pasando como un fenómeno en el mundo y no es fácilmente entendible. Lo que pasa es que, paralelamente, la psicología cultural, la antropología cultural, como la filosofía del arte, están descubriendo, popularizando la idea de que verdaderamente el arte es la posibilidad de la mente más evolucionada. El arte es el desarrollo del pensamiento más integral y más potente que hay. Quiero decir: el mejor científico debe ser un artista para ser el mejor científico.

A esta altura podemos decir que en cada familia hay un artista y si no está consagrado, está en proceso de serlo.

Por suerte ya no se desvaloriza tanto como antes.

Cuando yo era chico y decías: voy a ser artista. ¿Y qué más?

Y si querías ser músico tenías que ir al conservatorio. No había nada alternativo, era todo lo oficial.
Hoy veo técnicas hindúes… faltan las marcianas. En Buenos Aires, por ejemplo, cada día me encuentro con una nueva técnica de danza.

Es mágico lo que suelen hacer acá. Los espectáculos cuando van mechando la danza contemporánea con el teatro con lo musical… se logran ver puestas en escena que en otros lados no.

Desde el arte tinellesco hasta el arte más sagrado, el más hermético o el de más difícil difusión tiene un lugar en la sociedad. Y tiene un desarrollo humano que va en camino de crecimiento, de ampliación de la conciencia humana que hasta hace veinte años no teníamos en cuenta.

Hay público para todo y eso es lo lindo.

Y en ese sentido, el crisol de razas de Buenos Aires o la babel que es Buenos Aires es increíble. De todo el mundo yo recibo gente acá (de países europeos) y todos quedan maravillados y algunos se quedan a vivir porque no pueden creer que sea una fiesta continua.

Cada vez hay más gente de Europa que viene para acá y se queda.

En ese marco social e histórico en el que estamos, yo encuentro innumerables productos muy jóvenes que son de un valor artístico impresionante.

El arte es algo que se contagia.

Contagia felicidad.

De repente, un médico, no sé si le puede contagiar a su hijo las ganas de estudiar medicina.

El 80% de las familias somos disfuncionales.

Festival Constante68

Es que por suerte la mayoría somos disfuncionales, para tener esa locura -bien concebida-, esa búsqueda, esa cosa más “anormal”.

La pasión pasa por ahí. El arte es pura pasión. No hay ningún músico, violinista, actor ni bailarín que a los doce años cuando decide serlo diga “yo con esto me voy a llenar de plata”.

Cómo hacemos para contener, organizar y hacer producir todo esto. No simplemente por el hecho de estudiar se es un artista. Verdaderamente artista es el que tiene una sensibilidad que hace que el público se conmueva.

El pull de arte viene a reunir a la sociedad civil, la sociedad económica, la sociedad clase media con todos estos artistas. Seleccionamos un proyecto, lo potenciamos, lo organizamos, lo dirigimos y lo coordinamos. Y cuando consideramos que está listo, es porque ya puede tener un rédito económico. Entonces, buscan a alguien de la sociedad civil que quiera invertir en arte.

Es una inversión.

Invertís y ves cómo va la cosa en cuestión de dos, tres años. Tiene todo un pronóstico de rentabilidad. Los márgenes de error van a ser muy pocos.

Además, en esta zona tan estratégica. El Abasto es uno de los focos artísticos más fuertes, mucho más que Palermo.

Tiene barrio, tiene tango.

Un adoquín.

Tiene una cosa fundacional. Gardel vivía acá en la esquina.

Tiene historia.

Y acá había cuchilleros y todo ese tipo de cosas que inspiraban a las letras del tango.

La realidad esta acá.

Los que hacían el tango eran todos estos forajidos. El símbolo es verdad, no casualidad.

Es un barrio no artificial, es lo que pasa.

¿Cómo fue el tema de las charlas previas y el ponerse de acuerdo para este primer festival con esta causa tan solidaria, para que puedan hacer la radio?

El pool de arte es la última novedad que estamos tratando de instalar para el 2015.

Yo cuando trabajo, trabajo todo en cinco minutos. Si no es en cinco minutos, no va a funcionar. Por una cuestión de empatía con la gente.

Tengo una amiga que es fotógrafa que le encanta sacar fotos de danza. Me dice un día: vamos a ver al teatro de Tolcachir Una constante. Me presentó a Jesús y lo invitó al Cubo, diciéndole que tenía unas ideas para comentarle. Así fue como le mandó a su asistente porque tenía programado un viaje a Sudáfrica. Al reunirse con ella, lograron darle más importancia a la parte de danza. Idearon fabricar una especie de colectivo para trasladar las funciones a las plazas conformando una unión entre La Constante y Cubo Manía; y con eso van a promocionar el pool de arte. Esto estaría preparado para febrero del próximo año.

Cuando aparece el tema de la plata todo se vuelve más mezquino, miserable y egoísta. La plata empieza a reemplazar a la potencia del deseo.

El dinero tiene que ser un resultado.

Lo mejor es trabajar en esta función, en esta empatía inicial que si eso fluye y esa potencia se desarrolla, la economía viene sola.

Y, como resultado de esta cadena de gratificaciones, el director del Festival Constante71festival, respondió unas breves preguntas antes de continuar corriendo de un extremo al otro, viendo qué necesita cada grupo, estando en todos los detalles y con una sonrisa dibujada en la cara de principio a fin.

Llegando casi al final de la jornada, me crucé con Jesús, quien ya estaba un poco más relajado como para brindarnos unas palabras.

¿Cómo surge el Festival Constante, cómo fue la organización?

Un Festival Constante surge por el hecho de generar un espacio con amigos de diferentes puntos de la danza, del arte, para juntarnos y despedir el año todos juntos. El fin es ese.

Vos venís, hace tiempo, desarrollando todo lo referido al movimiento corporal.

Yo soy bailarín, docente, coreógrafo. Tengo 26 años, hace veinte años que me enamoré de la danza. Este año fue un año muy particular, donde las oportunidades para mi grupo La Constante se han abierto y este espacio, justamente, es una de las oportunidades que se dieron.

Este es un encuentro para expresarse, para pasarla bien, para estar con amigos y, por sobre todas las cosas, para bailar.

Mariela Verónica Gagliardi

Fotos del Festival Constante

 

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La Casona Iluminada presenta, por primera vez en Buenos Aires, MONTSERRAT

MontserratUNICAS DOS FUNCIONES

Viernes 10 y sábado 11 de octubre / 21 hs.

El colectivo Lagartijas tiradas al sol esta conformado por artistas convocados por Luisa Pardo y Gabino Rodríguez que desde el 2003 vienen desarrollando proyectos que vinculan el trabajo y la vida.

Montserrat es un proyecto que parte de la inquietud por saber quién fue la mujer que le dio la vida a Gabino Rodriguez , co director de la Compañía, mujer de la cual hoy no tiene más que algunos destellos que no logran formar un recuerdo.

Con el espectáculo Montserrat han participado de numerosos festivales entre ellos: Festival Santiago a mil (Chile); Festival Temporada Alta (Girona);  Centro Cultural España (Guatemala); Museo de arte contemporáneo de Vigo (España) ; Festival CAIN. Guadalajara (México). University of California Institute for Mexico and the United States, Riverside, (California).

En Buenos Aires participaron del FIBA 2013 con El Rumor del Incendio en La Casa de la Cultura.

“Nuestro trabajo busca dotar de sentido, articular, dislocar y desentrañar lo que la práctica cotidiana fusiona y pasa por alto. No tiene que ver con el entretenimiento, nuestro trabajo es un espacio para pensar” afirman los directores de la Compañia.

Ficha Técnica:

Montserrat es un espectáculo de Gabino Rodríguez

Dirección técnica: Sergio López Vigueras

Asistente general: Mariana Villegas

Colaboración en video: Carlos Gamboa y Yulene Olaizola

Colaboración artística: Luisa Pardo

Producción: Lagartijas Tiradas al Sol

Esta obra cuenta con el apoyo de CCEBA Centro Cultural de España en Buenos Aires

LAGARTIJAS TIRADAS AL SOL

La Casona Iluminada (Corrientes 1979 – C.A.B.A.)

VIERNES 10 Y SÁBADO 11 – 21 hs.

Precio de entradas: $80 / $60.

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Mercado de Artes Escénicas de Buenos Aires

TEATRO SAN MARTÍN

ESCENA 70

Mercado de Artes Escénicas de Buenos Aires

Para conmemorar los 70 años de teatro municipal en la ciudad de Buenos Aires, del lunes 6 al miércoles 8 de octubre el Complejo Teatral realizará, por única vez, Escena 70 – Mercado de Artes Escénicas de Buenos Aires, evento que tendrá lugar una vez finalizado Gestión Latinoamérica – Escenarios de la Gestión Teatral en América Latina.

Escena 70 – Mercado de Artes Escénicas de Buenos Aires desea propiciar la creación de una plataforma exportadora para las artes escénicas de la ciudad, que permita proyectar internacionalmente la vasta producción artística de esta parte del mundo.

Durante tres días empresarios culturales, productores, managers, creadores, especialistas en marketing cultural y artistas, encontrarán en Escena 70 la oportunidad ideal para conocer propuestas de teatro, danza, performance, circo y títeres producidas en Buenos Aires, intercambiar experiencias de negocios, ampliar los circuitos de recepción y consumo de sus productos culturales, negociar las condiciones de presentación y circulación, y sobre todo, abrir las puertas del mundo a la diversidad cultural porteña.

Para participar de este intercambio se realizó una convocatoria que dio como resultado, a partir de la decisión de un jurado, una selección de 100 obras. Todas ellas tendrán acceso a las Ruedas de Negocios*. Esta actividad se desarrollará en el Teatro San Martín (Avenida Corrientes 1530).

Organiza Complejo Teatral de Buenos Aires. En colaboración con Redlat Colombia / Circulart. Con la participación de: Grupo La Plaza, Teatro Picadero, El Cultural San Martín y Auditorio Losada.

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Las D´enfrente, de Federico Mertens

lasdeenfrente

Adaptación de Germán Akis y Raúl Baroni.

Buenos Aires, 1914. Las mujeres de una familia de clase media viven, respiran, sueñan e imitan; todo en función de vivir como lo hacen las de enfrente, en algo que ya se convirtió en una obsesión.

Obra teatral en donde la comicidad fluctúa entre los personajes del inmigrante italiano que a través de su cocoliche apunta a la cultura del trabajo y el esfuerzo; y su esposa e hijas criollas que en su proceder desmedido y disparatado no llegan más que ha modificar sus apariencias en pos de una similitud inútil con el único espejo que poseen: “las d’enfrente”.

Federico Mertens, el autor, buscó a través de esta obra plasmar lo ridículo que es vivir por y para ser y tener lo que el cuadrante de una ventana ajena nos permite ver; envidiando, compitiendo, celando e incluso hasta a veces odiando y amando en simultáneo una vida que no es la nuestra.

“ “Las d´enfrente” representa una de las joyas del teatro argentino, al igual que lo hizo la comedia del arte en Italia, el sainete criollo nuestro nos habla de una realidad de postal: brillante colorida y vivas, llena de un envidiable humor que se dispara a través de una rama ágil que no da tregua ni respiro. Tratamos de rescatar ese espíritu de juego y de fiesta tan vital y regocijante de toda comedia clásica que se precie” dicen los directores de la obra

FICHA TÉCNICA
Elenco:
Tuty Constantino….Celia ,la hija
Cristina Faiella……La madre
Luisina Ponse…….Ester, la hija
Gonzalo García Santillán…. Ricardo
Mario Martín……Don Esteban, el padre.
Matías Ferreira…..Heriberto, el dependiente
Rocío Sueiro…..Elenita, la amiga.
Escenografía y vestuario: Gabriel Pace
Realización de vestuario: Tina Tambutti
Luz y sonido: Maximiliano Reboliz
Asesor de costumbre: Agustin Forte Galo
Fotografia: Facundo Carmona
Diseño grafico: Rocio Sueiro
Prensa: Nilda Gallegos Nelson
Traspunte: Bayon Verdiales
Puesta en escena y Dirección General: Germán Akis y Raúl Baroni

TEATRO ARLEQUINO

(Alsina 1484 – C.A.B.A.)
Entradas $ 50.

Sábados de octubre y noviembre a las 21hs.

 

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Mesa redonda sobre la ópera de Charles Gounod

Romeo et Juliette

Miércoles 8 de octubre a las 19 en el Auditorio de la Universidad del Museo Social Argentino (UMSA), Corrientes 1723 (C.P 1042 AAD), Ciudad de Buenos Aires. Entrada libre y gratuita.

En la búsqueda de acercar EL ARTE DE LA ÓPERA a todo el público interesado en experiencias culturales, Buenos Aires Lírica los invita al último encuentro del año del ciclo de mesas redondas dedicadas a las producciones de su temporada lírica.

En esta oportunidad se abordará Roméo et Juliette, de Charles Gounod. Esta gran producción será estrenada en el Teatro Avenida el 17 de octubre.

ANTECEDENTES

La ópera es una manifestación artística nacida de la especulación de un grupo de intelectuales renacentistas italianos, que se impuso popularmente a mediados del siglo XVII y que creció hasta abarcar todas las artes. Hoy se puede asegurar que se trata del primer entretenimiento multimediático de la historia.

Las mejores óperas tienen un enorme trasfondo cultural dada la diversidad de fuentes que la alimentan y es por eso que pueden ser comprendidas desde una variedad de disciplinas: no solamente desde la música y el teatro, sino -por ejemplo- también desde las costumbres, la historia, la filosofía, la psicología, las letras y las artes plásticas.

www.balirica.org.ar

EL AUTOR Y SU OBRA

A mediados del siglo XIX, en París -que siempre fue uno de los grandes centros musicales de Europa- predominaban figuras extranjeras. Pero con el éxito de Faust y de Roméo et Juliette, Charles Gounod (1818-1893) se convirtió en el compositor de ópera más popular de la historia de Francia.

Luego de Faust, el autor escribió cuatro óperas, pero todavía no logró repetir aquel éxito. Hasta que en 1867, acompañado de sus libretistas Jules Barbier y Michel Carré, volvió su mirada hacia Shakespeare: el Théatre-Lyrique le dio todo su apoyo y el milagro se produjo con Roméo y Juliette.

La ópera, de cinco actos, en francés, trata sobre la conocida y trágica historia de estos dos amantes. Y, como en Faust, los autores enfocaron la historia en el romance de los protagonistas y la mayor parte del trasfondo social a través de la acción de los personajes secundarios quedó descartada.

Para incrementar el impacto teatral introdujeron algunas modificaciones, como la de despertar a Juliette a tiempo como para permitir a los amantes despedirse.

El resultado: una obra melodiosa y memorable que musicalmente nos ofrece cuatro grandes dúos para los protagonistas, enmarcados en una cantidad de arias y coros de un lirismo fluido y delicado típico de Gounod. Como corresponde a una obra de maestra del arte francés.

LA MESA

La mesa del 8 de octubre se integra con: Javier Logioia Orbe, director musical, Mercedes Marmorek, directora escénica, Nora Sforza profesora de historia y literatura, especialista en cultura italiana y Claudia de Rossi, psicoanalista.

Actuará de moderador el Ing. Frank Marmorek, presidente de la asociación Buenos Aires Lírica.

Buenos Aires Lírica es una asociación sin fines de lucro que desde 2003 contribuye a nuestra cultura produciendo ópera clásica de nivel internacional y la presenta como una experiencia viva: en BAL la ópera se mira, se escucha, se descubre y se disfruta. Las actividades de difusión que propone se dirigen a todas las personas que quieran interesarse por la ópera a través de un conocimiento multidisciplinario.

La duración de la Mesa Redonda dedicada a Roméo et Juliette de Gounod será de 90 minutos aproximadamente y estará dirigida al público general interesado en las artes, la historia y las costumbres. Se responderán preguntas del público.

Entrada libre y gratuita. Como la capacidad es limitada, es necesario pre-acreditarse para poder asistir (alicia@octaviacultura.com.ar).

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“Flechas del ángel del olvido”, de José Sanchís Sinisterra

Flechas del ángel del olvido

ESTRENO 2 DE JUNIO

LUNES 20.30 HS

FLECHAS DEL ÁNGEL DEL OLVIDO

de José Sanchís Sinisterra con dirección de Ana Alvarado

El autor José Sanchís Siniterra estará en Buenos Aires del 31 de mayo hasta mediados de junio para presenciar el estreno.

Una joven de poco más de veinte años ingresa a una clínica con todos los síntomas de una grave amnesia retroactiva.

Las circunstancias de su ingreso son inciertas. No hay ningún indicio sobre su identidad. Entonces, ¿Cómo restaurársela, para devolverla al mundo?

Actúan: Mara Bestelli (Selma), Carolina Calema (X), Pablo Cura (Efrén), Lucrecia Gelardi (Dora), Juan Mako (Erasmo) y Montse Ruano (enfermera).

Estreno: lunes 2 de junio 20.30 hs. Funciones: lunes 20.30 hs. Duración: 90 minutos

TEATRO TIMBRE 4 (México 3554 – C.A.B.A.). Entradas: $100 y  $ 80 (descuentos a estudiantes y jubilados).

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Marina Fages presenta su disco “Madera metal”

TARDES ACUSTICAS EN EL JARDIN DE NOTORIOUS / Domingo 17 a las 17:30 hs / Entrada $25

Marina FagesMARINA FAGES + LOS ANIMALES SUPERFORROS

Marina Fages, compone, toca la guitarra y canta, explorando su espectro vocal y líneas melódicas con tendencia experimental sobre el formato canción. Presenta su disco solista autoral llamado Madera Metal. Y también participa en los proyectos El Tronador R353 y Los Hnos. Turdera.
Los Animales Superforros se formó en 2009 reuniendo integrantes de la Patagonia, Buenos Aires y Colombia. Su álbum coplas es una colección de canciones de carretera, como un viaje hacia ciudades interiores y autónomas.

Notorious (Av. Callao 966 – C.A.B.A).

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Aires de Tango

Hace un rato finalizó el show que brindó la orquesta “Percal Tango”, dentro del marco del 1er Festival Porteño de Fado y Tango, en Sede Almagro Tango Club (Medrano 688 – C.A.B.A). Dicho Festival comenzó el 5 y finaliza hoy, 9 de diciembre.

Percal tango4Karina Beorlegui fue la encargada de conducir el espectáculo que reunió a otras grandes figuras como: Mariana Accinelli (cantante de fado) y Ramón Maschio (guitarrista). También tuvimos el lujo de escuchar su gran voz, cantando un fado.

Las tres participaciones fueron muy amenas y se vibró una energía muy especial a lo largo de toda la noche.

Para aquellas personas que no sepan qué es el fado, les cuento que es una música referente de Lisboa (Portugal), el cual surgió en la misma época que el tango en Argentina. Ambos estilos, si bien son diferentes entre sí, comparten una esencia que se compone de: raíces, tradiciones y sentimientos, que nacen de lo más profundo de un pueblo y su corazón.

Percal tango2

Los músicos que hacen posible la existencia de Percal son: Nacho Cabello (composición, arreglos, guitarra y dirección musical), Sergio Milman (piano y arreglos), Luigi Coviello (contrabajo), Álvaro del Águila (bandoneón), Hernán Zauner (violín), Chowa (violoncello) y Martín Chiaino (voz y composición).

Nacho Cabello define a su banda como clásica. Yo me tomo el atrevimiento de hacerle frente y decirle que la base sí lo es pero los arreglos que realizan y la vuelta de tuerca que le dan al tango, es lo que hace que Percal sea un producto musical diferente al resto.

Percal tango1

El cantante, no tiene un voz típica de arrabal ni una necesidad imperiosa de tener que…

En primer lugar, llama la atención el nombre de la orquesta. Quienes sean del palo tanguero podrán saber algunas de las acepciones que definen a este término. Por lo general, en los diccionarios se refiere a una tela muy económica que se utilizaba en el Siglo XVIII. Ahora, ¿qué enlace podemos establecer entre la agrupación, el tango y esta descripción?

La melancolía reinante en este estilo de música, la desolación, la angustia, el amor, el desamor, la tragedia, el enamoramiento, la bronca. Pero sí, buscando unir palabras, podríamos decir que percal hace mención al conocimiento sobre un tema específico y también a lo más conmovedor que sería una mujer utilizando ropa fabricada con dicha tela, aparentando ser lo que no es. El amor, ocultado tras un retazo que nada vale, económicamente hablando, pero sí lo merece la lucha por ese ser tan especial.

Esta orquesta nos deleitó con tangos, milongas y vals, como: “Pimienta” (Osvaldo Fresedo), “Reminiscencia” (Ástor Piazzola), “El yacaré” (Hermanos Expósito) y “Malena” (Homero Manzi – Lucio Demare). Estos dos últimos cantados e interpretados por Martín Chiaino.

Percal tango3

Pero, además, pudimos escuchar los temas creados y compuestos por ellos mismos, dándole un tinte no convencional al ritmo.

Percal Tango, durante este año, estuvo presentando su disco “Mirá que lío santo” -tema incluido en el cd y recital-, material que es digno de conocer y apreciar una y otra vez. Por su entusiasmo, por su valentía al innovar y escribir letras propias, por intentar Ser sin copiar.

Uno de los momentos más lindos fue cuando Nacho, contó algunas de las anécdotas vividas durante las giras, lo cual permitió lograr empatía y entusiasmo en el público presente.

Con respecto a “Lila y las luces”, el músico y compositor, estaba de campamento por la zona de La Pampa, contemplando la naturaleza y leyendo un libro con dicho nombre, cuando sorpresivamente se apareció un alacrán. Percal tango5Inmediatamente, él corrió a su carpa y esa noche decidió quedarse adentro. En su interior, entonces, surgió la canción.

El tema “Amaro lucano”, también tiene su tinte mágico ya que la orquesta estaba de gira por Italia cuando Nacho, nuevamente, decide ir a un bar a tomar algo. Le ofrecen una bebida llamada amaro lucano y él no entiende qué es lo que contiene. Solamente el mozo le dice que con cuidado la tome. Como no sintió ningún efecto nocivo, pidió tres y luego empezó a ver cosas diferentes a las reales. Alucinación o alucinantes? Evidentemente las segundas ya que salió como colación esta canción tan bella.

Otras de las canciones, de su autoría, que sonaron fueron: “Un vals para Joaquín” y “Soy”.

Sin lugar a dudas, Percal tango fue el plato fuerte de la noche, sin desmerecer las otras actuaciones en el escenario.

Quizás siempre lo mejor se deje para el final, como ocurrió. Quizás haya que ser paciente y esperar, felizmente. Percal, teje y elabora una música que tiene un tinte diferente. Llevada a su punto más sabio. Más culto. Llena de pasión y que pisa fuerte.

Mariela Verónica Gagliardi

 

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