*** SEPTIEMBRE 2025 ***

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La conexión del amor

X Festival tango y cambalache20

Los tiempos cambian, las costumbres también, pero siempre quedamos algunos mirando esa época en que surgía el tango. Originado, en un principio, solo musicalmente en los prostíbulos. Interpretado por grandes músicos e intentando reflejar -al igual que otros estilos- una ideología, un modo de pensar, de vivir, de sentir y de ver al mundo.

Asociado con sectores bajos, luego con una élite, más tarde con ambas. Pretendiendo danzar lo que unos pentagramas, con sus figuras, escribían. Soñando con el amor, con pertenecerle a ese ser tan especial y sufriendo de una manera tan desgarradora cuando no se daba esa posibilidad.

Todas las letras del tango tienen pasión, están cargadas de pasión y desde hace más de diez años que revolucionó al mundo entero. Posicionándonos en la Argentina, hacía falta, era necesario que, al menos una vez por año, existiera un festival que reúna a artistas y a sus seguidores.

Así fue como el abrazo de José Garófalo, Alberto Goldberg, Leonardo Cuello, Hugo Mastrolorenzo e Irina Jabsa produjo un nuevo fenómeno en que el tango, la danza y el teatro se agruparon bajo el Festival Cambalache. En esta oportunidad, la Casa del Bicentenario, se convirtió en el escenario de este despliegue que tendrá lugar del 20 al 29 de marzo, con entrada libre y gratuita.

Sabor a teatro eligió estar el miércoles 25, cubriendo la programación de ese día y vivenciando momentos inolvidables.

A las 18 hs comenzó «Los centinelas del sueño eterno» (una performance de la Compañía Tragicómica Tanguera, dirigida por: Germán Ivancic, José Garófalo y Diego E. Rodríguez). Esta muestra produjo varios cuestionamientos. Primero, miradas desorientadas: la gente no sabía si sentarse en las pocas sillas que había en la planta baja, quedarse parada o caminar por el lugar. Desde ya que lo no convencional de la performance, seguramente buscaba, sorprender, desestructurar e invitar a romper modos tradicionales.

Una pareja que se observa, se busca, se abraza, se separa. Un hombre y una mujer que están vestidos, elegantemente, para danzar. Ellos no bailan tango-escenario ni realizan pasos para que el público se maraville. Estos personajes pretenden, desde la intimidad más profunda, transmitir sus sentimientos. Así comienzan un viaje en el cuales están embarcados en sus soledades y con pequeñas cosas hallarán el modo de reencontrarse. Luego, tomarán el ascensor, dentro del cual habrá una cantante que esbozará siempre la misma estrofa, invitando a participar a quien desee compartir otras performances en un tercer piso.

Al ingresar en este nuevo nivel, encontraremos a otra pareja que será totalmente diferente. Ésta bailará esperando la probación del público, observándolo para obtener su aprobación, desplazándose por todo el salón en un estrecho abrazo ya no tan romántico como la pareja anterior. Las caras de ambos partenaires serán más picarescas y, después, veremos a dos mujeres que tendrán un baile encantador, que se comunicarán desde la sonrisa y la comunicación absoluta con cada persona que las mire un instante. Ellas fueron quienes, desde el melodrama, consiguieron entablar un diálogo con los amantes del tango logrando insertarse, espontáneamente, sin ser juzgadas por alguien.

Vale informar que la Casa del Bicentenario estaba con una muestra dedicada, exclusivamente, al amor; motivo por el cual se produjo un enlace divino entre ésta y el festival.

Al finalizar esta propuesta, ya estábamos dentro de una sala, sentados y esperando lo siguiente que sería una serie de cortos (pertenecientes a Cinefilia Tanguera, con dirección de Leonel Mitre). Fueron muchas las proyecciones que pudimos disfrutar, de diferentes años, estilos y duraciones. A continuación voy a resaltar aquello que tuvo más éxito, medido por aplausos y risas. ¿Qué es lo que busca una película o un espectáculo? Más allá de tener la aprobación del público, conseguir ese enlace que emocione: la empatía. Esa pertenencia que logra el género documental a través de, por ejemplo, una historia de vida de un personaje famoso o no famoso. Este fue el caso de Féliz Picherna, un argentino que fue entrevistado y de quien se consiguió una serie de momentos conmovedores. Un hombre colmado de sabiduría tanguera, fiel conocedor de compositores y musicalizador en milongas. Para él es un arte el de pasar música, lo cual hace a través de cassettes -dejándolos en punta con una precisión impecable-, manteniéndose en un pasado lleno de estos objetos que consiguen una sonrisa de quienes añoramos dichas cosas.

Ese viaje por su vida, fue y es un recorrido por la nuestra, por la de cada uno, una conexión muy especial que solo se consigue si permanecemos abiertos para vernos reflejados en otros seres tan semejantes y diferentes.

El tango es esto, es una esencia, un aroma, un sentir que se mama desde chico, que no se puede explicar del todo con palabras ni con gestos sino con un cabeceo, con una mano, con un giro y con la oportunidad de seguir manteniendo vivo a este género que, por lo visto, cada vez más logra su cometido.

Mariela Verónica Gagliardi

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en marzo 25, 2015

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Fortaleciéndose para morir

Vidé19Los textos de Vicente Muleiro van ventilando todo tipo de intimidad de este dictador -no para convertirlo en un héroe sino para demostrar que, a pesar de todo, era una persona, un ser humano-. Al decir esto no me estoy refiriendo a tomar una posición política determinada aunque jamás podría pronunciarme a favor de un líder-títere que destruyó masivamente a tantos inocentes que pretendían hacer valer sus propios discursos.

«Vidé, la muerte móvil» esboza lo que siente el dictador a momentos de morirse. Es tal el punto de inflexibilidad en su carácter que hasta decide cómo terminar en este mundo, qué le hace falta, qué decir, que callar. A simple vista se lo ve como un hombre con convicciones fuertes pero con una limitación para el amor.

Él (Marcelo D´Andrea) entrena a un soldado (Carlos March) que se aburre con tantos ejercicios y termina haciendo tap. A su vez, consiguen entablar un lazo en el que uno le enseña al otro diferentes cuestiones de la vida.

Cómo morir, eligiendo hacerlo cuando el cuerpo aún responde. Decidiendo fallecer con las mismas convicciones, sin arrepentimientos ni perdones.

Este es uno de los mensajes que más resaltan a lo largo de la dramaturgia que tiene el placer de ser dirigida por Norman Briski (y desplegada en su teatro Caliban), quien le otorga su don artístico junto a las palabras de Muleiro. El dúo convierte a Videla en otro soldado, a sus expresiones en verdades que quisieran implantarse en lo más profundo de la sociedad argentina pero que jamás lo conseguirá.

«Vidé, la muerte móvil» tiene el oportunismo de hacer reír, provocando diferentes reacciones en el público. Por un momento me detuvo a observar frente a mi lugar a una chica que fruncía el ceño, al lado a una pareja que reía a carcajadas y, así, tener la certeza de que la polémica será uno de los frutos más poderosos de la obra: durante y después de la función.

El código grotesco y de clown están presentes en cada diálogo y, la ironía, se encarga de impartir la enseñanza de poder, ahora, ser nosotros quienes tengamos el honor de sonreír frente al sufrimiento del gran represor del siglo pasado.

Si bien se entiende perfectamente esto, es un tema que sigue siendo sensible y lo seguirá siendo por siempre. Quien logre comprender que no es la intención de esta dramaturgia el enjuiciar una época o tipo de gobierno o política; ingresará en un universo en que se mezcla el canto, el baile y la actuación de tal manera que resulta imposible no disfrutar del espectáculo.

Una muerte móvil que lo espera para cuando esté preparado, que continúa impartiendo órdenes, delirando con sus discursos y ocurrencias, presentando un Falcon que marcó las desapariciones y fusilamientos de aquel entonces.

La escenografía no es estática y este factor permite que todo sea más ágil y artesanal, utilizando un placard no solo como tal sino como espacio, una cruz como lugar para confesar las peores miserias, para que su discípulo emita sus pensamientos, para que juntos delineen un esquema tan inverosímil con rebuscado.que

Ritmos musicales, bigotes estáticos, uniformes que marcan tendencias y estereotipan sin dar lugar a interpretaciones diferentes y el uso de la palabra como expresión principal de esta obra. Una palabra que se esboza y repite cada vez más fuerte hasta que ingrese, sin pedir permiso, en las mentes que deambulan por allí.

Cómo ahorrar, qué recursos utilizar, que ideología hacer predominar y no titubear jamás. Ese fue el plan de Videla, un hombre que no era respetado por su familia y que tomó revancha con quienes no lo merecían. Quien abusó de su poder para demostrar una hombría innecesaria.

Muchos personajes (necesarios por el argumento), interpretados por Carlos March, desfilan en esta estupenda historia que refleja un pensamiento, un modo de ver la vida y de cuestionar el pasado, enjuiciando en público a este hombre camuflado y dándole la única lección que se le puede dar en vida o muerte: que la unión hace la fuerza y no la fuerza física sino ideológica, sin resentimiento sino con sabiduría, conservando la memoria intacta y la sonrisa ante cualquier adversidad.

Vidé la muerte móvil ficha

Mariela Verónica Gagliardi

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Escrito

en marzo 23, 2015

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Un atentado al corazón

Miranda10

El 21 de diciembre de 1988, el vuelo 103 de Pan Am (compañía estadounidense) sufre un atentado, a partir del cual pierden la vida varias personas de diferentes nacionalidades. Esta noticia, es adaptada para la obra de teatro, informando que sucede en la ciudad de San Pedro.

Ni la vida se compra ni la muerte se compra. Ambas cosas, llegan cuando tienen que llegar, por más rezo o plegaria que hagamos. Ni un Santo ni una oración podrán devolver a quien ya no está o asumir realmente lo que toca cuando esa persona ya no esté presente para escucharnos.

«Miranda» (escrita y dirigida por Ulises Puigrós) no se centra en la muerte aunque sí logra abordarla de algún modo. La sala de Corrientes Azul parece ser el lugar escogido para confesiones tan reales como tristes en que, se diga lo que se diga, las lágrimas nos recorren.

Desde un comienzo, la iluminación tenue y la vestimenta sombría, contextualizan el ambiente: un velorio. Si bien hay un muerto -que jamás vemos-, las culpas, la discriminación y la violencia tienen su espacio para determinara quién es cada uno y qué pretende del otro.

Miranda es una diva glamorosa, actriz protagonista de la novela de la tarde, y un ser que tiene demasiado para decir. Como si las palabras no bastaran, ella está presente y, de a poco, logrará silenciar cada acto de maldad o ignorancia por parte de su familia.

Su hermano, su cuñada y su mamá formarán parte de la sociedad ochentosa que apenas lograba conocer sobre la homosexualidad y cada concepto tan lejano como exasperante. Miranda, por otro lado, argumentará e integrará a los menos escuchados, a ese pequeño sector que pareciera ser -aún actualmente- el más relegado y equivocado. Ridículamente, ya es momento de aceptar que no existe persona que tenga la razón, cada una tiene sus justificaciones y no siempre es necesario darlas. Quien más necesita entender es, seguramente, quien menos definida tenga su vida y quien más pena sienta de sí mismo.

Miranda es el reflejo del sufrimiento, del padecimiento, de la lucha diaria, de la grandeza, del orgullo de tener libertad y una alegría a su propio corazón. Ella no necesita condenar sino ser. No precisa de un manual de instrucciones ni de tener la posibilidad de hacerse notar. Ella, después de mucho tiempo, vuelve, regresa a su casa y es ahí cuando lo olvidado resucita.

Como si se tratara de un baúl lleno de polvo y telarañas, ella lo abre para hacerle notar a su familia lo mal que estuvo.

Admirarla es lo que resulta. Primero por la pantalla chica y después al verla en vivo.

Si siguen existiendo temáticas de género en el mundo artístico es porque las minorías necesitan ser tenidas en cuenta y precisan aprobación de alguna manera. Mínimamente para no sentir que su condición las convierte en minusválidas.

Un gran trabajo de Ulises Puiggrós que le quita el velo al misterio cuestionado por los más impertinentes sectores sociales, aquellos que se creen con derecho de ofender y, la cobardía, de no marchar por sus propias inquietudes.

Entonces, se pueden tener en cuenta -como una sucesión de hechos- varios aspectos: el motivo de la muerte de este padre, el regreso de su hija y el dolor del pasado.

Quién es quién resulta fundamental para observar «Miranda», una comedia dramática que demuestra la delgada línea entre el hoy y el mañana, entre una decisión bien tomada y una mal tomada.

No juzgar se convierte en la acción más solicitada para entender el argumento de esta dramaturgia. Cada uno vive como puede y hasta las declaraciones más rígidas e hirientes por parte de la viuda, son entendibles pero no justificables.

La gran actuación de Tati Martínez, conmueve, emociona y brinda tanto placer que es imposible no emocionarse. Con su embarazo, se desplaza en escena, juega a ser esposa y futura mamá a la vez que le confiesa a Miranda su malestar verdadero.

Como un estallido que irrumpe sin pedir permiso, así quedan marcados estos personajes, quienes interactuarán entre sí desde lo que fueron y, quizás, puedan dejar de ser.

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Mariela Verónica Gagliardi

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Escrito

en marzo 21, 2015

La luz de quien en verdad brilla

Errante en la sombra37

Ser o querer ser como, es el tema central en esta obra de teatro que se ubica en los años 30´, en una época regida por los antagonismos de clases. Dentro de ese panorama, Federico Andahazi escribe “Errante en la sombra” -una novela que le da la oportunidad a aquellos artistas no reconocidos, de ser protagonistas-. En esta historia, el cantor Juan Molina es el homenajeado y traído a la fama de una manera original y atrapante.

Juan Molina (Carlos Ledrag) que conoció al morocho del Zorzal, al tan estimado Carlos Gardel (Gastón Biagioni). A un Gardel diferente, que es mostrado como enamoradizo, sensible y humilde en personalidad.

A lo largo de la obra musical (dirigida por Adrián Blanco), surgen muchísimos detalles que permiten que Errante en la sombra reluzca como es debido. El amor de Ivonne (María Lucía Gerpe), disputado por dos hombres que no se odian ni rivalizan entre sí, la violencia impartida por un padre que descarga toda su agresión en un niño, una madre sin la fortaleza suficiente como para defender a su hijo, el tango como motor que impulsa tantos sentimientos pasionales y contradictorios van delineando aquella sombra que le hace el número uno a Molina, sin siquiera saberlo.

Las canciones que ilustran y complementan la trama, son esbozadas por los protagonistas, con coros por parte del resto del elenco. A esto se suma un trío compuesto por tres músicos (Daniel Domino Iacovino, Pablo Germán Sensottera, Juan Schloeder y Leandro Ángeli) que, de principio a fin, van tiñendo con sus melodías cada escena de la dramaturgia.

Errante en la sombra es una historia popular, para que todos puedan disfrutarla por igual, conocer el momento más predominante de esta música y su respectiva danza, sentirse identificados y pertenecientes a una cultura rioplatense tan importante como necesaria. También, es bonita la forma en que se presentan los diálogos, ya que permite que no sea de manera cronológica sino que las escenas comiencen por el final, dándole una intriga mayor a la historia.

Una historia de amor es imprescindible para que el tango tenga éxito. Aquí ocurre, pero la desgracia también es necesaria como para que el amor sea más valorado por ellos y por todos los espectadores.

Sorprende visualizar a presidiarios, desde el inicio, como disparador de ideas y como escenario fundamental para que luego se entienda quién es y fue Juan Molina en esta ficción. Un hombre soñador, que pasaba sus días tocando la guitarra criolla y vocalizando sus propios temas, que intentó confiar en una propuesta de trabajo para salir de su casa -huyendo de tanto maltrato familiar-, pretendiendo ser aquel que siempre quiso, como sea y donde sea.

Cabe destacarse la voz de Gastón Biagioni -quien tiene un matiz diferente para detallar cada situación- al igual que su interpretación actoral, la cual que va pintando un cuadro de antaño y que logra retrotraernos a una época pasada, muy bien descripta en vestuarios, iluminación y códigos del ambiente-.

Una prisión en la que los propios condenados fueron sus oyentes y seguidores, retroalimentándose de una forma tan espiritual como conmovedora. Una actriz devenida en prostituta. Un Gardel que, al menos aquí, no es mostrado como el mejor sino como el segundo mejor. Un Juan Molina que comenzó cantando en coros religiosos y cayó en manos de cuanto chanta se le cruzó. Y, la figura del narrador presente (Pablo Goldberg) que se convierte en el sub-protagonista de Errante en la sombra ya que no solo da el pie a la siguiente escena sino que se compromete con su rol e interpreta tantas sensaciones y vivencias como pudieran transmitirse en un drama semejante.

Otra de las cuestiones a resaltar es la puesta en escena, dentro de la que se pueden visualizar cambios repentinos y ágiles, los cuales permiten que la composición de una situación se suceda de otra en tan solo segundos. Un preso lavando su ropa y fusionándose con el ritmo acontecido. Este preso que resulta ser el narrador y quien presenciará la intimidad de los tangueros que serán motivo de tristezas y melancolías, propias de los suburbios arrabaleros.

Las pretensiones son dejadas a un lado y reemplazadas por la realidad, una realidad que se debate entre la vida y la muerte.

Errar quedando en ese lado sombrío, propio de quien desea ser como, o de ser alguien diferente.

Juan Molina tenía la luz necesaria para brillar. No tuvo la mejor de las suertes pero lo intentó y eso lo convierte, ahora y siempre, en un ícono del tango. Al menos en estos escritos de Andahazi que lo erigen como tal.

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Mariela Verónica Gagliardi

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El juego como opción de cambio

Entre2

Cuatro artistas (Cecilia Blanco, Javier Drolas, Agustín Repetto y Fernando Tur ) que escriben, interpretan y dirigen su propia pieza teatral podría ser un caos total o un verdadero hallazgo.

En el año 2009, este grupo presentó “12 4” y ganó muchos premios y destaques. Después de su gran repercusión, llega la segunda temporada de “Entre”, una obra con sello propio que indaga sobre el tiempo, sobre lo sensorial y sobre la diversión del ser humano -valiéndose de una puesta en escena que dinamiza la historia-. La compañía eligió al teatro El Extranjero para vivenciar su pieza teatral.

Al mejor estilo de una performance -con estética del lejano oeste-, los actores y músicos se desempeñan con destreza en todo sentido. Un sonido producido, de forma espontánea, por uno de ellos, repercute de tal manera en los demás que se logra conformar una melodía tan natural como divertida.

Este es el juego que propone “Entre”, el de utilizar al cuerpo para convertir el silencio en dinamismo, para demostrar que los grupos -que simbolizan en este caso a una sociedad determinada- son importantísimos a la hora de crear.

Son varios los aspectos a resaltar durante la dramaturgia. Por un lado, los instrumentos no convencionales que utilizan estos artistas, consiguiendo sonidos similares a los ya conocidos pero con propias singularidades. Por otro lado, la convergencia que, espontáneamente, logran llevar a cabo mediante cortinas de enrrollar. Y acá me detengo ya que es lo que más me atrapó a lo largo de la función.

Podría tratarse de una empresa capitalista que se especializa en dicho producto -fabricado en serie-, de distintos tamaños y para un mismo uso. El desafío de los operarios vendría a ser buscarle la vuelta a su actividad rutinaria como para que no aborrezcan al mundo. Sus cuerpos cansados, hostiles y desesperanzados; encuentran la manera de crear un submundo en el que reina la fantasía, el deseo, la sensualidad y las notas musicales. Sus cuerpos que no solo sirven para agrupar objetos sino para vincularse entre ellos, rítmica y coreográficamente, pensando en cómo llegar a no aburrirse jamás.

Movimiento identificado, soslayado, integrado y amalgamado. No existe un baile que sea correcto o incorreto. Cada danza les permite accionar de una forma, como si se tratara de un pensamiento o teoría o enunciado. No hay algo definido. La búsqueda es lo que los une y aquello que les permite convivir armoniosamente.

No existe un conflicto que los distancie o desuna. Cada uno de estos seres es mágico, ya que aporta su conocimiento, su sentimiento y esa alegría tan inocente como la infancia.

Jugar a ser quienes pretenden, arrastrarse por un piso, dejarse arrastrar por un espacio físico sin que por ello se sientan usados o enajenados. Jugar como mecanismo de superación y de trazar un camino paralelo al que les toca vivir.

Podrían no tener cortinas y las lecturas serían otras, aunque no opuestas a las que realizo en este momento.

Carlos Matus escribió sobre la teoría del juego social, y de ella se desprende que los individuos son en realidad actores que interactúan de manera creativa y conflictiva. No me detendré a analizar a este interesante autor pero sí a relacionar este punto específico.

Muchas veces se estigmatizan palabras como política y gobierno, endureciéndolas y expulsándolas de nuestras vidas por considerárlas contaminantes. Una institución o persona conforma al actor social y, lo más interesante, es que para que exista un juego social, los integrantes tienen que ser independientes. Esta independencia puede observarse en “Entre”, mientras que el título integra a los participantes, invita a la reflexión y a armar un propio tablero de ajedrez en que no solo los desplazamientos son importantes sino la coordinación.

La audioperceptiva integra y revitaliza a quienes parecían extinguirse. Es la música el motor disparador, aquel que une las piezas que engranan perfectamente. Y no me refiero a la perfección determinada socialmente sino a la que cada uno considere como tal. Así como podría esbozarse la belleza según ciertos parámetros, “Entre” es una inteligente propuesta que, libre de todo prejuicio, se anima a recorrer espacios -sin tener que explicar demasiado con palabras lo que sí pretenden con las distintas expresiones-.

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Mariela Verónica Gagliardi

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Cuando muera del todo, moriré con ella

La deriva1

Un hostel en la Isla de Tigre será el lugar predilecto y escogido por una pareja, en crisis, para despejarse y pasar tiempo al aire libre. Claro que ese aire no será muy puro ni tan libre ya que conocerán a los dueños del sitio -una joven y su padrastro-, los cuales tendrán que ocultar, cada vez más, un secreto que los compromete absolutamente.

Al avecinarse un fuerte temporal, los planes de acampar al aire libre serán dejados de lado y solo podrán hospedarse en dicho lugar inóspito, que los atormentará mucho.

«La deriva» (Andrea Marrazzi) es un thriller psicológico que indaga en dos temas fuertes como lo son: el amor y la muerte. Quizás suene más bonita la primera palabra que la segunda, aunque sabemos que el desamor es un veneno que va matando de a poco.

¿Qué es estar a la deriva?

Una tormenta que, simbólicamente, desata discusiones entre estas personas, que les permiten conocerse, interactuar y debatir -sin siquiera proponérselo- sobre el fin de las cosas, sobre los recuerdos y esa melancolía que los está extinguiendo.

Como si matar ratas fuera la única actividad para una mujer en la isla y como si este animal provocara no solo asco sino repelencia del resto de los humanos.

Inmersos en el suspenso, desde que comienza la obra de teatro y hasta que finaliza, se puede disfrutar de una excelente propuesta, la cual es posible gracias a la dramaturgia, a las interpretaciones y a la impecable dirección. Todos los detalles decorativos, de iluminación y vestuarios existen aquí, al igual que los aromas -gracias a los cuales podemos, como público, recrear imaginariamente cada escena-.

Como un barco que está a punto de naufragar y, sin embargo, no tiene demasiadas esperanzas. Como la vida de cuatro personas que son muy diferentes entre sí y que anhelan aferrarse a algo o a alguien para sobrevivir.

Presos de sus propias rutinas, las cuales no se animan a modificar por miedo, presos tras sus propias rejas y tras ese olvido que nunca llegará.

Los temas de conversación, derivan unos en otros. Sus análisis derivan unos en otros. El hilo conductor nos lleva hacia un lugar, para luego confundirnos y que no prejuzguemos ni a estos seres ni a sus conductas.

Somos animales racionales que acusamos antes de tiempo, con o sin pruebas. Que por temor, corremos desesperados sin rumbo fijo. Esto mismo se ve reflejado en la puesta en escena, en las tonalidades de sus colores, en las luces que se encienden o apagan para mantenernos en vilo.

Y, la muerte, no tiene un abordaje simplista ni obvio, sino una vuelta de tuerca tan profunda que emociona hasta las lágrimas. Violencia y muerte vemos y presenciamos diariamente. Por eso son temas que forman parte de la sociedad y, justamente, nos tocan de cerca ya que reviven a partir de la palabra, de un hecho, de un gesto y de la memoria selectiva.

«La deriva», el terror de dejarse llevar sin evaluar las consecuencias -en contraposición a la deriva inevitable.

Son muchas las lecturas que se pueden hacer de esta pieza teatral que te hace pasar por diferentes situaciones, en tan solo una hora, y utilizando los cinco sentidos para oler la desgracia o intuir que algo malo se está por avecinar.

Colores y texturas transformando un espacio empobrecido en calidez, hasta que las tenues luces marquen lo contrario. El espacio del Teatro El Extranjero que oficia de oyente y testigo de las teorías que se empobrecen con dosis de realidades.

Una isla que absorbe a aquellas criaturas estancadas y sin motivación para construir hacia adelante, permitiéndoles conocer el mundo en lugar de encerrarse en un pequeño segmento en que prima la soledad real y la personal.

Donde apenas puede llegar alguna señal de radio, donde de casualidad los huéspedes ingresan buscando amparo, donde el día y la noche pasan a ser un conjunto de horas intransitables y desgraciadas… allí están ellos, terminando con sus vidas sin, quizás, darse cuenta.

«La deriva» sonoriza y ambienta las desgracias, atenúa los momentos de reflexión e invade de deseos íntimos que incomodan al espectador. Removiendo y escarbando en esos rincones en que solemos acumular sin sentido, solo para no desprendernos de esa suciedad que asquea hasta al menos consciente.

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Mariela Verónica Gagliardi

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en marzo 17, 2015

Humoris Causa: I Festival de Humor del Centro Cultural de la Cooperación

    humoris causaI Festival de Humor del Centro Cultural de la Cooperación

 Del 26 de marzo al 17 de abril

 Área de Varieté //

 Área de Investigaciones en Ciencias del Arte

Desde el Área de Varieté y el Área de Investigaciones en Ciencias de Arte (AICA) del Centro Cultural de la Cooperación presentamos la primera edición del Festival Humoris Causa, íntegramente dedicado a visibilizar espectáculos donde se conciben nuevas formas, procedimientos y recursos para entender el humor. Del 26 de marzo al 17 de abril contaremos con 5 obras teatrales de artistas reconocidos tanto en nuestro país como en el exterior, quienes presentarán no solo sus espectáculos sino que también brindarán un espacio de debate teórico con las organizadoras y el público, con el objetivo de reflexionar acerca del arte teatral, la dramaturgia escrita y corporal, la dificultad de “hacer reír”, y las posibilidades en la actualidad de poder llevar adelante espectáculos con esta temática.

Marcelo Savignone, Hermes Gaido, Luciano Rosso, Jorge Costa, Roberto Sánchez y Manuel Mansilla son los directores que nos acompañarán junto con sus elencos a compartir y construir un espacio donde la práxis y la teoría se aúnan, al mismo tiempo que nos brindan un arte que convoca a la risa.

Localidades a $100.-

Disponibles en www.alternativateatral.com.ar, boletería del

Centro Cultural de la Cooperación (Av. Corriente 1543) y por medio de la página del festival: humoriscausa.wix.com/humor.

vivoJueves 26/03 – 21.30 hs – Sala González Tuñón //

Vivo. Concepción, dirección y actuación: Marcelo Savignone

Espectáculo experimental de improvisación, donde se ensaya la multiplicidad de la escena como factor determinante de la construcción. La utilización de máscaras balinesas como soporte poético nos conecta con las raíces de la improvisación, con el teatro del actor.

Concepción, dirección e interpretación: Marcelo Savignone
Asistente de dirección: Luciano Cohen, Federico Costa, Pedro Risi.
Entrenamiento en máscara: Deby Low
Entrenamiento físico: Juan Martin Fernandez
Diseño de Iluminación: Ignacio Riveros
Diseño de escenografía: Lina Boselli
Realización: Federico Villarino
Música: Andy Menutti
Asesoramiento vestuario: Mercedes Colombo
Asesoramiento en máscara: Alfredo Iriarte
Fotografía: Vivian Galban
Diseño gráfico: Edgardo Carosia
Producción: Producciones Belisarias

urrakaJueves 02/04 – 21.30 hs – Sala González Tuñón //

Urraka! Música con objetos. Autoría y dirección: Hermes Gaido y Luciano Rosso

Coreografías donde el cuerpo de los intérpretes se convierte en el único instrumento sonoro. Tachos de metal como base para el ritmo folklórico de la chacarera, cumbias de antaño, milongas de botellas y un electrorock con sartenes y chapitas de gaseosas invitando al público a bailar.

Autoría y Dirección: Hermes Gaido y Luciano Rosso

Intérpretes: Emmanuel Calderón, Ludmila Gallardo,

Roberto González, Cristian de Castro, Lucas Rivarola, Hermes Gaido, Luciano Rosso, Pedro Rodríguez, Juan Gudiño.

Vestuario: Carla Cappa y Julieta Rejtman

Realización: Urraka

Luces: Gabriel Rivero

Sonido: Ignacio Caltana

Coreografía: Cristian de Castro y Luciano Rosso

Viernes 03/04 – 19 hs – Sala Giribaldi // Charla con los artistas:

Marcelo Savignone, Hermes Gaido, Luciano Rosso

Emmanuel Calderón, Ludmila Gallardo, Roberto González,

Cristian de Castro, Lucas Rivarola, Pedro Rodríguez, Juan Gudiño.

*Actividad libre y gratuita, sujeta a capacidad de sala*

un poyo rojoMiércoles 08/04 – 21.30 hs – Sala González Tuñón //

Un poyo rojo. Dirección: Hermes Gaido

Cruce entre la danza, el deporte y la sexualidad que explora los límites del lenguaje contemporáneo y abre un impactante abanico al respecto de las posibilidades físicas y espirituales del ser humano.

Actúan: Alfonso Barón, Luciano Rosso

Fotografía: Alejandro Ferrer

Coreografía: Nicolas Poggi, Luciano Rosso

Dirección: Hermes Gaido

tamortoJueves 09/04 – 21.30 hs – Sala González Tuñón

Tamorto (Romance de Arlequín y la muerte). Autoría y dirección: Jorge Costa y Roberto Sánchez

Arlequín está enfermo. Una adivinadora del porvenir le predijo que el día que dedicara más tiempo al sueño que a la botella, moriría a las doce de la noche en punto. Son las ocho y aún duerme.

Jorge Costa como Arlequín y Zanne cordobés,

Julia Muzio como Doctora y La Parca,

Emiliano Larea como Pierrot,

Romina Monaco como Colombina

y Fernando Hugo Perez Hernandez como Zanne Musico

Ejecución y Direccion Musical: Fernando Perez

Mascaras: Alfredo Iriarte (www.mascarasiriarte.com.ar)

Diseño grafico: Diego Feijoo

Supervisión dramática y Actoral: Gaby Paez

Coach en Canto: Mariana Macchiarola

Dirección: Jorge Costa y Roberto Sánchez

cóctelJueves 16/04 – 21.30 hs – Sala González Tuñón

Cóctel. Autoría, Dirección e interpretación: Manu Mansilla

Cuatro historias creadas y contadas con diferentes técnicas de títeres, teatro de objetos, bocones con varilla, títeres corpóreos, que por momentos recorrerán la sala, buscaran al público y compartirán con él historias y experiencias.

Autoría: Manu Mansilla

Intérpretes: Manu Mansilla

Diseño de luces: Coqui Ferreyra

Realización de títeres: Gustavo Garabito, Manu Mansilla

Música original: Santiago Llorente

Asistencia técnica: Lucia Eluney Peralta

Dirección: Manu Mansilla

Viernes 17/04 – 19 hs – Sala Giribaldi // Charla con los artistas::Hermes Gaido, Alfonso Barón, Luciano Rosso,
Jorge Costa,Roberto Sánchez,Julia Muzio, Emiliano Larea, Romina Mónaco, Fernando Pérez Hernández, Manu Mansilla y Luis*Actividad libre y gratuita, sujeta a capacidad de sala*

Curadora: Lucía Salatino // Productora & Prensa: Laura Rauch

WEB: https://humoriscausa.wix.com/humor

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Entrevista a Osvaldo Peluffo

Foto del director

Homenajearnos a las mujeres en nuestro día es muchísimo más que recibir regalos, flores, bombones y una cena.

¿Cómo crees que va modificándose, en el inconsciente colectivo, la manera conceptual de El día internacional de la mujer?

Creo que el concepto de “El dia internacional de la mujer” se va modificando en la medida que tomamos conciencia de que no es un día de festejo. Todo lo contrario. Creo que es un día de reflexión sobre nuestro comportamiento frente a la mujer.

El día 25 de marzo de 1911 murieron 146 mujeres (obreras textiles) por la falta de seguridad en el edificio donde se produjo el trágico incendio. Creo que a partir de ese hecho trágico deberíamos tomar conciencia, cada vez más, sobre la dignidad de la vida. Deberíamos dejar de lado los conceptos y comenzar por las acciones claras y concretas. Es hora de que los hombres dejemos de lado nuestro desprecio (considerando el desprecio al otro como demostración del mal) y nos comprometamos a vivir basados en un compromiso que es la esencia de la condición humana. El mes de marzo no es el único mes de la mujer. Todos los meses del año son El homenaje a la vida de las mujeres.

¿Considerás que existen dos grandes grupos: el de las mujeres que festejan, artificialmente, y el de las mujeres que luchamos por nuestros derechos?

Es posible. No lo sé. Pero creo que las mujeres que luchan por sus derechos, son las que se han tomado conciencia de la importancia que esa lucha tiene y, entonces, sería bueno que pudieran influenciar a las que aún no se han dado cuenta. Creo que de eso se trata la vida, de influenciar en forma positiva a los demás, creando valor sobre las circunstancias. Y me animaría a decir que no solo basta una toma de conciencia. Acaso, ¿ no tenemos conciencia de que el cigarrillo nos hace mal y seguimos fumando? Creo que hace falta una profunda reflexión sobre la vida. ¿Hacia donde vamos, en que nos basamos, para que estamos viviendo este tiempo? Vivenciar las artes, por ejemplo, sería más que auspicioso. Producir arte sobre el tema que nos desvela, es una forma de ver el mundo y eso ayudaría a la reflexión de nuestro diario vivir.

¿La compañía Farö milita en nombre de las víctimas de violencia de género?

La compañía Farö está comprometida con los valores de la paz, la cultura y la educación cuya esencia es el humanismo, y está en desacuerdo con cualquier tipo de violencia ya que ésta atenta contra la dignidad de la vida.

Creemos que el arte trasciende las barreras de nacionalidad, idioma y raza. Es un vehículo activo de paz y entendimiento entre las personas. Nuestro teatro abreva en los valores universales del budismo y en su idea de que solo un corazón despierto puede despertar a los corazones dormidos. Creemos que esa posibilidad está dentro de cualquier individuo que decida enfrentarse a sí mismo.

¿Cómo surge tu necesidad de expresar, artísticamente, lo que tantas mujeres sufren cotidianamente?

Mi necesidad surge desde la decisión de luchar contra la injusticia. En mi caso apelo al teatro. Es una herramienta fantástica. Es un ida y vuelta entre los que hacen y los que contemplan el devenir de las situaciones contadas. Es un aquí y ahora. Es la vida en sí misma. Además fui criado por una abuela campesina y frente al tema de las mujeres, siempre fue muy clara. Son mi espejo. Si frente al espejo hago una reverencia, la imagen me devolverá lo que soy, de lo contrario estallará en mil pedazos y producirá un daño irreparable.

¿Por qué una Fábrica de chicas y conducida por un hombre ausente?

El título “Fábrica de chicas” esconde una forma de pensar el mundo habitado por esos personajes. Lo que me propuse decir es: ¿Qué chicas se están fabricando en este mundo de hoy? ¿Cómo serán en el mañana? Y en cuanto a ser conducido por un hombre ausente, es mi idea central de la obra. Los hombres muchas veces estamos ausentes. Como dice el nano Serrat:.. “siempre llegamos tarde, donde nunca pasa nada…” Benítez, el personal de seguridad que vigila y controla a través de una cámara , el ex marido y el padre de Esther, la pareja de Alma y su padre que murió en un accidente, son todos hombres ausentes pero que tienen una presencia fundamental en la vida de las protagonistas. Son los fantasmas que rigen ese espiral de sufrimiento que es la violencia de género.

Muchas veces escucho a mujeres justificando maltratos ejercidos sobre ellas y justifican aduciendo que lo merecen. El sentimiento de culpa o el miedo a la soledad, ¿qué lugar ocupa en la vida de una víctima?

Es tan triste escuchar de una mujer ese tipo de sentimientos. La culpa, el miedo, la soledad pueden ocupar un lugar preponderante en la vida de la mujer que padece este flagelo. Creo que estamos frente a un ser debilitado. No tiene la energía vital suficiente como para enfrentar las situaciones de riesgo que se le presentan si no es con la ayuda de otra persona o de un profesional que la vaya guiando para superar el trance.

¿Se puede conocer la felicidad sin haber sufrido?

Depende del concepto que tengamos de la palabra felicidad. La mayoría la ven como la ausencia de problemas. En mi caso creo que la felicidad es no ceder ante ningún obstáculo. Sea cual fuere, los problemas que se nos presentan son el combustible ideal para construir una fortaleza tan grande que se transforman en felicidad absoluta. La otra felicidad es relativa. Depende de lo que viene de afuera. Va y viene. Me va bien, estoy contento, me va mal, estoy triste… En la historia de la humanidad hay ejemplos de mujeres formidables: Rosa Parks, Florence Nightingale, Rosa Luxemburgo y siguen las firmas.

¿Hay más Estheres o más Almas?

No lo sé. Creo que nuestra lucha tiene que concentrarse en que cada vez haya menos Estheres y menos Almas. ¡¿Cómo?! Esa es la pregunta del millón.

¿Considerás que la violencia de género es siempre impartida por hombres?

En la mayoría de los casos. Recuerdo casos como el de Tejerina de Jujuy, María Soledad Morales de Catamarca. Otros tantos en la Capital. Pero, también recuerdo el caso Barreda (en ese caso la violencia venía por parte de las mujeres que lo rodeaban, claro que eso no justifica de ninguna manera la solución que el hombre encontró.) Lo lamentable de ese caso es que escucho a muchos decir: Uy, a este le vamos a dar el Barreda de Oro… Lamentable.

¿Cuál es tu deseo para el universo femenino?

El siglo XXI será el siglo de la mujer – así lo afirma un filósofo japonés llamado Daisaku Ikeda (mi maestro de la vida). Y estoy convencido de que así será.

Si las mujeres no ganan esta batalla, la humanidad estará perdida. Lo creo firmemente. Nosotros, los hombres, colaboramos en ese triunfo, no siendo cobardes y enfrentando nuestras propias debilidades. Es hora de terminar con un siglo asignado por la violencia y comenzar con una nueva era de paz Es un proceso muy personal llamado La Revolución humana. Depende de cada uno de nosotros, y esto es lo que hace que la vida sea apasionante.

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Descubrir el origen

Belleza y escándalo19

Como en un bosque y en una playa y en cualquier lugar que estas mujeres se atrevan a recrear, surge aquello que las atemoriza, que las envuelve, que les demuestra cuánto puede ser la cobardía frente a los poco valientes.

Sara y Shin son audaces y cobardes, se reprimen para recordar el pasado, aquel pasado en que sufrieron; hasta que descubren la belleza. Una belleza inspirada en la naturaleza: en ramas, en arena, en caracoles. Una belleza que refracta la luz en medio de la oscuridad, esa oscuridad difícil de tapar u ocultar.

Indagando un poco sobre las etimologías de ambos nombres, encontré lo siguiente.

Shin: corazón, alma, espíritu, mente. Sara: princesa.

Esto quiere decir que, entre ambas, se fusionan, convirtiéndose en una misma. No tiene sentido decir si son dos mujeres que se aman o un hombre y una mujer, encarnados por actrices. Lo que atañe en esta deliciosa obra es cómo dos artistas utilizan varios recursos para narrar.

La música -interpretada por un guitarrista, en vivo-, la danza butoh -mostrando la fragilidad y grandeza de estas dos personas-, las imágenes proyectadas en el suelo ilustrando los pasajes de ambas y los poemas que unen cada acción como una única pieza teatral.

Con respecto a este estilo de danza, realmente es asombroso y conmovedor, es el resultado artístico al que llegaron Kazuo Ohno y Tatsumi Hijikata después de los bombardeos de EE.UU contra Japón. Tanto en el butoh teórico como en la destreza de ambas actrices, se puede ver su camino hacia la oscuridad -marcado por la atenuación de las luces. La guerra contrapuesta a la paz y la oscuridad como fuente de conversión para crear un mundo nuevo, sin discriminación ni juzgamientos. Permitiendo que la libertad exista como impulso inicial de transformación en que predomine el juego de más de un cuerpo amalgamándose hasta unificarse.

¿Qué sentiste al nacer, qué sentiste al tener que correr al hospital por golpes físicos, qué hacer y cómo construir desde el idilio de lo utópico?

Dos cuerpos cuasi desnudos que, actualmente, salvo ambientes puramente artísticos, son vistos como pornográficos, sensuales; ideales para hombres violentos y machistas que pretenden justificar sus pensamientos y maldades a partir de palabras como provocativa o algunas más humillantes asociadas con animales.

Canciones del género rock, cumbia y reggaetón son las que más resaltan la desnudez como objeto sexual. ¿Un bebé es pornográfico? ¿Una madre dando de mamar es una descocada?

Pareciera ser que lo burdo es lo que más se pasea por las cabezas de aquellos señores que pretenden mostrar una imagen errónea de sí mismos, a la vez que reconstruyen sus miserables vidas.

El ser humano, sin distinción de sexo ni de diferencias que permitan la estigmatización social. Cuando la belleza estética y física son dejadas de lado, surge lo inexplicable con palabras.

En este caso, «Belleza y escándalo», es una pieza artística y poética muy completa en que se confluyen diversas disciplinas para desarrollar el concepto fundamental de humanidad. Nacimiento, felicidad, búsqueda…

Bu: enterrarse con los pies. Toh: para poder volar con los brazos.

Belleza y escándalo ficha

Mariela Verónica Gagliardi

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Piezas cortas para degustar

Teatro Bombón IV

Teatro Bombón es el nombre de este Festival que inicia hoy su cuarta edición muy felizmente. Dentro de la propuesta se pueden conocer a directores y artistas que, tal vez, de otra manera no sería tan sencillo para quienes no tienen mucha llegada a las obras de teatro.

Teniendo en cuenta la diversidad de estilos, géneros y piezas en la cartelera porteña; La Casona Iluminada, ubicada estratégicamente, permite que nos deleitemos con puestas en escena de treinta minutos. Acostumbrados, como podemos estarlo, a presenciar obra de más de una hora, este proyecto dirigido por Cristian Scotton y Monina Bonelli, brindan la oportunidad a actores no famosos de formar parte de esta movida cultural.

Durante el acto de apertura, Scotton dijo que «es un proyecto donde entra mucha gente, pero no toda en el mismo lugar».

A lo que Bonelli agregó: «lo que nosotros hacemos es invitar artistas, mostrarles la casa y que puedan crear una obra en treinta minutos. Esto quiere decir que es muy importante el espacio para la creación, por eso, les damos ese espacio para que puedan ensayar donde se va a presentar.

Luego, lo que cada artista crea es prerrogativa de cada artista. Tratamos de elegir artistas diversos, es decir, que vengan de diferentes lugares: un paisano de cada pueblo».

Dentro de las obras escogí: Sector peluquería y Desapariciones. Cabe resaltar que está actuando ya le he presenciado anteriormente y vale la pena ser vista ya que actúa nada más ni nada menos que Monina Bonelli, resultando muy atrapante su modo de expresarse y el hilo conductor con su remate final.

Teatro Bombón IV Sector peluqueríaNo existe cosa más linda que el amor y esas cosquillitas en la panza cuando estás frente a esa persona especial.

«Sector peluquería» (escrita y dirigida por Sebastián Suñé) se enfoca en cómo transmitir sentimientos, tierna y eficazmente. Utilizando de pretexto un concurso de teatro, dos empleados se miran y ensayan hasta descubrir el amor.

A partir de Federico García Lorca y Bodas de sangre, acomodarán pelucas de diferentes colores solo como una rutina de trabajo, permitiéndose hallar la esencia de sus personajes.

El mate los descontractura en medio de un idilio vivido por ambos en que son estilistas y actores. Desafían al amor e indagan por universos reales y ficticios.

Pertenecientes a un sector social bajo, humilde pero soñador, juegan a vivir inmersos en el placer de poner en palabras expresiones tan bonitas como desgarradoras.

Dentro de la IV Edición de Teatro Bombón (desarrollado en La Casona Iluminada), tienen el desafío de contar en media hora su proyecto artístico. En él se aprecian detalles que nos ubican en el espacio de trabajo, utilizando luces rojas para los momentos pasionales, otras más tenues para pasar de una escena a otra y las convencionales blancas para retomar la realidad vigente.

Como si fueran tres espacios diferentes, por instantes se oponen y por otros se superponen mágicamente dándonos la oportunidad de disfrutar de sketchs que conforman un solo acto, del poeta Lorca y de la versatilidad de los dos artistas que son tan buenos haciendo comedia como drama.

Sector peluquería ficha

Teatro Bombón DesaparicionesUna pequeña habitación aloja a nueve espectadores que, de forma no convencional, son ubicados para el desarrollo de «desapariciones – Performance interactiva» (escrita, protagonizada y dirigida por Fiorella Cominetti y Martín Seijo).

La oscuridad enfrenta al público con la luz surgida de un monitor que va -lentamente- haciendo aparecer a quienes no son hallados. Como si se tratara de una película o serie televisiva, los humanos que se plasman y contornean mediante el software Moldeo, vendrían a identificarse con cada uno de los presentes.

Utilizando láser rojo, velas tradicionales, textos para recitar y una linterna; se erige una historia que nunca será la misma ya que el público cambiará de una a otra función y con éste las intervenciones que lleven a cabo y cómo se produzcan las interacciones.

Sujetos que fueron, de alguna manera abducidos por entes desconocidos -para modificarlos, resaltarlos, hacerlos especiales u olvidados.

La escenografía está conformada por los presentes, ambos actores y los objetos que utilizan para descubrir y trazar un mundo o planeta en que pueden esbozarse recursos tecnológicos que parecen ser tan reales como la ficción propuesta.

Un público activo, sentado, parado y contento de ser parte, de sentir que no escucha y ve solamente sino que puede aprender, probar y quitarse el miedo de herramientas visuales totalmente cautivantes y con una impronta distinta.

Todo el conjunto de «Desapariciones» permite que nos planteemos qué haríamos ante una situación de esta índole -sea que nos pase a nosotros mismos o a alguien cercano.

Desaparecer para reconocernos en otro espacio y tiempo o para reconstruirnos en otro ser o especie.

Desapariciones ficha

Mariela Verónica Gagliardi

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