*** MAYO 2023 ***

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Traducción de las noches, De Virginia Innocenti

Traducción de las nochesEscribí mi primer poema a los nueve años, dedicado a mi madre, en un cuaderno que ella me regaló para que allí “vuelque con libertad mis sentimientos”. Después de 40 años necesité dar a luz parte de toda esa obra que estaba a punto de morir de asfixia en una caja olvidada en mi placard. “Traducción de las noches” es un relato catártico, un ritual para exorcizar, quemar el daño de los tiempos de la adolescencia y la infancia y presentar al fin a una mujer renacida, refundada gracias a su vocación de luz, su amor por la vida, por la música, por la poesía, por la creatividad. Me considero una juglar. Cantar y contar historias es en definitiva lo que siempre me ha salvado.

La vida no confunde

Ninguna de sus voces

Canto único en cada ser

Nadie ausente

Nada ausente

Observo la tarde

Observo caer el tiempo

La arboleda empieza a sostener la noche

Menos mi fuego

Todo atardece.

AutoríaVirginia Innocenti

IntérpreteVirginia Innocenti

Diseño de lucesLeandra Rodríguez

Redes SocialesGustavo Passerino

Músico En EscenaGaspar Tytelman, Sergio Zabala

VideoMaría José Jerónimo

FotografíaAlejandra López

Asistencia generalSofía Montecchiari

Producción ejecutivaVerónica Lutowicz

DirecciónVirginia Innocenti, Leandra Rodríguez

Duración: 60 minutos

Clasificaciones: Teatro, Adultos

CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACIÓN

Corrientes 1543 – C.A.B.A.

Teléfonos: 5077-8000 int 8313

Web: http://www.centrocultural.coop

Entrada: $ 500,00 – Domingo – 19:30 hs – Hasta el 30/06/2019

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Un poema griego

La oscuridad de la razón1

En una tierra donde todo está permitido o no prohibido, vive una familia que -para nuestra sociedad actual- es disfuncional. Amores desenfrenados, deseos cautivos, una memoria cautelosa y la necesidad de sentir, de que el cuerpo se exprese; son algunas de las acciones que pueden verse durante «La oscuridad de la razon» (escrita por Ricardo Monti y dirigida por Virginia Innocenti).

Esta pieza teatral tuvo su origen en 1993, una década infame en que el uso de la razón pareció someterse a intereses de poder, a la venta de un país tan rico como el nuestro y a la necesidad de los gobernantes por pretender cultivar la ignorancia para manejar, a los más débiles, como rebaño. Sumada a dicha realidad, cobra protagonismo el mito de Electra, a través del cual se explica la relación entre víctima y victimario.

Ingeniosamente, es dicho mito el encargado de conseguir que tanto la tortura, la opresión y la censura; se difundan de un modo más artístico y menos ácido.

Si bien las escenas transcurren en Argentina, con la vuelta de Mariano (Juan Luppi) de su viaje por Europa, se produce una interesante fusión entre estereotipos, vestuarios y conceptos de la antiguedad.

Alma (Daniela Salerno) es, simbólicamente, Electra. Un personaje emblemático que se enfrenta con el de su madre Clitemnestra (Ana Yovino); aunando sus fuerzas y consiguiendo dos excelentes interpretaciones que hacen relucir aún más la adaptación de Virginia y la puesta en escena.

Al comenzar la historia presente, es inevitable sentir el aroma shakesperiano –vinculando algunas de sus obras como Hamlet y Macbeth- de tragedias griegas como el Mito de Electra y la crisis del liberalismo vigente en nuestro país –durante la divulgación de dicha obra de Monti-.

Resulta extraña esta amplia combinación de géneros, estilos y escrituras de antes y ahora. Pero, el dramaturgo logró hallar esa esencia para cautivarnos.

Se puede trasladar el mito a muchos casos policiales de la actualidad, esos casos en que personas toman la decisión de matar a sus padres o miembros directos de la familia. Estas situaciones que provocan escalofríos en mentes y corazones sanos, incentivan en otros seres una serie sentimientos que, supuestamente, podríamos deducir lo harían para culminar con sufrimientos tan agobiantes. Eliminar al que produce dolor, en vez de cambiar la actitud ante la vida sería el modo en que accionan esas personas. Esto se plasma en “La oscuridad de la razón”, una obra que tiene de protagonistas a todos los actores en escena, ya que cada uno de ellos consigue representar un simbolismo o persona trascendente, que sirven para explicar conceptos a veces olvidados.

Nunca es tarde para ser feliz, escuchamos a lo largo de nuestra vida. Sin embargo, al llegar a la adultez, no siempre se consigue. Es así como observamos a Clitemnestra, a Lady Macbeth y a Gertrudis convivir en una misma mujer, aquella mujer que arde en deseos carnales y que no logra pensar con la mente. Esta mujer que simboliza a tantas otras que transitan su camino, egoístamente, e hiriendo a quienes les impidan ser felices o lograr su cometido.

Por otro lado, se encuentra Electra, una joven que ama a su padre (Pablo Mariuzzi), el rey Hamlet, el rey Agamenón y el rey Duncan. Un padre que es reemplazado por “otro” (Luciano Suardi). Asombrosamente, el espectador -según sus conocimientos- podrá contemplar una escena u otra, podrá recrear estos clásicos o disfrutar de una historia que trata sobre los valores de la vida, sobre lo mas inspirador -acompañado por la música, en vivo, de Maia Mónaco- quien crea una atmosfera mágica que puede contemplarse con los ojos cerrados.

Y esto es lo que tiene el teatro bien concebido, en que todo el elenco despliega sus alas para volar por ese espacio enorme que existe entre la vida y la muerte. Un espacio sobre el que no podremos reflexionar cuando no estemos en este mundo.

La oscuridad existe en la razón y en el corazón del humano. Sin ésta, nadie podría saber lo que es la luz ni cómo alcanzarla. Sería como hablar de alegría cuando no conocimos la tristeza. O de aprovechar el tiempo en que nuestros ojos están abiertos para hacer que cada ilusión se transforme en realidad.

¿Por qué no mostrarse sin tapujos, sin máscaras, sin pretensiones?

Esta gran pieza artística demuestra que cada hora que transcurre, sin modificarnos, es una pérdida irrecuperable, un lapsus que no tendrá sentido.

La sociedad es de los poetas, de los que sueñan, de los que anhelan un mundo diferente. Mariano, recorrerá su camino hasta descubrir, de la mano de la Mujer (Lorena Szekely), cómo alcanzar su senda. Aquella que le dará la calma necesaria para su alma.

ficha La oscuridad de la razón

Mariela Verónica Gagliardi

La luz de quien en verdad brilla

Errante en la sombra37

Ser o querer ser como, es el tema central en esta obra de teatro que se ubica en los años 30´, en una época regida por los antagonismos de clases. Dentro de ese panorama, Federico Andahazi escribe “Errante en la sombra” -una novela que le da la oportunidad a aquellos artistas no reconocidos, de ser protagonistas-. En esta historia, el cantor Juan Molina es el homenajeado y traído a la fama de una manera original y atrapante.

Juan Molina (Carlos Ledrag) que conoció al morocho del Zorzal, al tan estimado Carlos Gardel (Gastón Biagioni). A un Gardel diferente, que es mostrado como enamoradizo, sensible y humilde en personalidad.

A lo largo de la obra musical (dirigida por Adrián Blanco), surgen muchísimos detalles que permiten que Errante en la sombra reluzca como es debido. El amor de Ivonne (María Lucía Gerpe), disputado por dos hombres que no se odian ni rivalizan entre sí, la violencia impartida por un padre que descarga toda su agresión en un niño, una madre sin la fortaleza suficiente como para defender a su hijo, el tango como motor que impulsa tantos sentimientos pasionales y contradictorios van delineando aquella sombra que le hace el número uno a Molina, sin siquiera saberlo.

Las canciones que ilustran y complementan la trama, son esbozadas por los protagonistas, con coros por parte del resto del elenco. A esto se suma un trío compuesto por tres músicos (Daniel Domino Iacovino, Pablo Germán Sensottera, Juan Schloeder y Leandro Ángeli) que, de principio a fin, van tiñendo con sus melodías cada escena de la dramaturgia.

Errante en la sombra es una historia popular, para que todos puedan disfrutarla por igual, conocer el momento más predominante de esta música y su respectiva danza, sentirse identificados y pertenecientes a una cultura rioplatense tan importante como necesaria. También, es bonita la forma en que se presentan los diálogos, ya que permite que no sea de manera cronológica sino que las escenas comiencen por el final, dándole una intriga mayor a la historia.

Una historia de amor es imprescindible para que el tango tenga éxito. Aquí ocurre, pero la desgracia también es necesaria como para que el amor sea más valorado por ellos y por todos los espectadores.

Sorprende visualizar a presidiarios, desde el inicio, como disparador de ideas y como escenario fundamental para que luego se entienda quién es y fue Juan Molina en esta ficción. Un hombre soñador, que pasaba sus días tocando la guitarra criolla y vocalizando sus propios temas, que intentó confiar en una propuesta de trabajo para salir de su casa -huyendo de tanto maltrato familiar-, pretendiendo ser aquel que siempre quiso, como sea y donde sea.

Cabe destacarse la voz de Gastón Biagioni -quien tiene un matiz diferente para detallar cada situación- al igual que su interpretación actoral, la cual que va pintando un cuadro de antaño y que logra retrotraernos a una época pasada, muy bien descripta en vestuarios, iluminación y códigos del ambiente-.

Una prisión en la que los propios condenados fueron sus oyentes y seguidores, retroalimentándose de una forma tan espiritual como conmovedora. Una actriz devenida en prostituta. Un Gardel que, al menos aquí, no es mostrado como el mejor sino como el segundo mejor. Un Juan Molina que comenzó cantando en coros religiosos y cayó en manos de cuanto chanta se le cruzó. Y, la figura del narrador presente (Pablo Goldberg) que se convierte en el sub-protagonista de Errante en la sombra ya que no solo da el pie a la siguiente escena sino que se compromete con su rol e interpreta tantas sensaciones y vivencias como pudieran transmitirse en un drama semejante.

Otra de las cuestiones a resaltar es la puesta en escena, dentro de la que se pueden visualizar cambios repentinos y ágiles, los cuales permiten que la composición de una situación se suceda de otra en tan solo segundos. Un preso lavando su ropa y fusionándose con el ritmo acontecido. Este preso que resulta ser el narrador y quien presenciará la intimidad de los tangueros que serán motivo de tristezas y melancolías, propias de los suburbios arrabaleros.

Las pretensiones son dejadas a un lado y reemplazadas por la realidad, una realidad que se debate entre la vida y la muerte.

Errar quedando en ese lado sombrío, propio de quien desea ser como, o de ser alguien diferente.

Juan Molina tenía la luz necesaria para brillar. No tuvo la mejor de las suertes pero lo intentó y eso lo convierte, ahora y siempre, en un ícono del tango. Al menos en estos escritos de Andahazi que lo erigen como tal.

Errante en la sombra ficha

Mariela Verónica Gagliardi

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Objeto de caprichos ajenos

Casandra iluminada4

Los mitos y leyendas son apasionantes y permiten que quien no conocía sobre una historia, pueda inmiscuirse de a poquito. Escuchando o leyendo, vamos recreando ese mágico universo sobre un hito real o ficticio.

En esta oportunidad, Casandra es la elegida para narrar sus propias vicisitudes, karmas, fatalidades y desilusiones, desde su propia voz, intentando desahogarse de algún modo.

Noemí Frenkel, escribe y protagoniza este unipersonal con un tema emblemático y vigente como lo es la violencia de género.

Es que aún la sociedad no logra entender qué es la violencia, siquiera, como para asumir que las mujeres somos más maltratadas que los hombres y que, además, existen diferentes tipos de agresiones para llevar adelante.

Esta versión de Casandra (titulada Casandra iluminada), además de contar a grandes rasgos el contexto de su vida y entorno, se centra en lo que siente. Desde su humilde posición, habiendo sido manipulada por varios hombres que pretendían diferentes cosas de ella; decide romper el silencio. Decide hablar para que no se repitan sus calamidades, para que la violencia se erradique -ya que de nada sirve-.

Vestida de blanco, como símbolo de pureza, con una muñequita igual a ella, se mueve, se desplaza. De repente, cae, exterioriza su sentir, se toma el tiempo que precise para -desde ahí- continuar su relato.

Los sonidos y la iluminación cambian, constantemente, para que la artista pueda focalizar en un tema u otro. Así es como se vuelven imprescindibles y, juntos, transitan momentos tristes y desesperanzadores.

Apolo es quien tortura a Casandra, maldiciéndola de tal manera que le quita poder a su don. Sin que nadie crea en sus predicciones, ella se sumerge en un mar de lágrimas -el mismo que la acompaña en una de las últimas escenas de la obra-. Esas aguas calmas y turbias, celestes como el cielo y frías como el desarraigo.

Casandra, abusada por su padre (el Rey Príamo) cuando, seguramente, ni se sabía el significado real de la palabra. Casandra que por no amar a quien la amaba fue maldecida. Casandra que fue entregada por su propio padre como trofeo a Agamenón. Casandra que, hoy, tiene la oportunidad de decir qué sintió antes de perder la vida o de quitársela.

No solo la dramaturgia es excelente sino el desenvolvimiento de su cuerpo en escena, teniendo un dominio total de cada extremidad y de su respiración. Podríamos no mirarla con los ojos para comprobar que en ningún momento exige a su respiración algo de aire para continuar. Sus posturas son perfectas y el entrenamiento que hace función tras función la dotará de avidez y militancia. Esta lucha que día tras día se lleva a tantas mujeres inocentes incapaces, a veces, de defenderse.

Esta combatiente, encerrada en un espacio que podrá ser abierto o cerrado según el momento a narrar; le permite a Frenkel doblegarse a su criterio. Parece no tener inconvenientes para tomar la forma que quiera, posicionar la mirada en un punto fijo, ser niña y adulta a la vez. Tomar conciencia de que su fin está por llegar y que ni siquiera haber predicho el sentido del viento o la misma Guerra de Troya, la eximieron de tanto dolor.

Sumisión, obediencia y maltrato fueron los sentimientos que invadieron a lo largo de su existencia a la desdichada princesa, quien con su hermosura despertó la ira de más de un hombre, despojándolos de sus pasiones y extirpándole verdades anticipadas.

Desprovista de esa fortaleza y suspicacia como para escudarse ante cualquier agravio, siente que ni siquiera sirve para cortarse tan bien la lengua y, así, quitarse el habla: (…) creí que iba a hacerlo tan bien tan bien que iba a estar liberada de hablar por el resto de mi asquerosa vida… qué fea palabra ¿no? ¿Asquerosa vida? (…).

Casandra iluminada ficha

Mariela Verónica Gagliardi

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Los inmortales

Durante el Siglo XII, los reinados de Inglaterra y Francia se ven enfrentados. Una navidad intenta reunir a la familia con un motivo El león en inviernoespecial: elegir al sucesor del Rey. El amor, en este caso, en vez de aunar fuerzas, las enfrenta hasta el punto de desearse la muerte.

Con las garras de un león -salvaje y voraz-, Enrique II (Daniel Fanego), intenta quedarse con todas las riquezas y territorios. Solo tiene instintos, como un animal, pero ningún sentimiento de compasión o cariño para con su familia y personas cercanas.

De esta forma, “El león en invierno” -guión original de James Goldman-, nos presenta una puesta en escena adaptada para la obra especialmente. Con un lenguaje vulgar y cotidiano, se acerca más al público, con quien establece una empatía a partir de frases cómicas que intentan descontracturar a la época de reinas y reyes, a la ambición y a la lucha de poder.

Esta obra tiene varios puntos a resaltar: por un lado, la innovación en cuanto al vocabulario que utilizan los personajes (por momentos refinado, estético y protocolar; y, en otras ocasiones, ordinario, cotidiano y contemporáneo). Otra cuestión a resaltar es la manera en que se va narrando la historia: los personajes no son presentados uno por uno al comienzo, sino de forma anacrónica e inesperada.

Ingresando de lleno en la historia, conocemos por un lado al típico matrimonio por conveniencia -conformado por Enrique II y Leonor de Aquitania-, quienes tienen tres hijos: Ricardo «Corazón de León» (Sergio Surraco), Godofredo (Fabio Di Tomaso) y Juan,El león en invierno4 conocido como «Juan Sin Tierra» (Manuel Fanego)-, cada uno con rasgos físicos y temperamentales totalmente opuestos y diferentes entre sí.

Como todo relato en que existe una familia real -la cual, a pesar de poseer tierras y riquezas por doquier-, siempre encontramos conflictos. En este caso, dichosenfrentamientos son amorosos y, además, de ambición. Sucede que Enrique está embelesado con Alix (María Alché) –una mujer joven y hermosa, hermana de Felipe II -el Rey de Francia- (Ignacio Rogers). Dicha relación entre ellos puede existir gracias a que hay una sometida que, en un comienzo parece ser ingenua, pero luego demuestra lo contrario. Además, este hombre tan “poderoso” tiene encerrada hace 10 años a su esposa, en un castillo. Ésta, totalmente desalineada, llena de odio, bronca, rencor y resentimiento; intenta hacerle frente a la Alix para que deje a su marido. El triángulo conformado no hace más que fracasar en todo momento ya que no existe amor de ninguno hacia ninguno de los miembros. El único sentimiento que reflota es el de aniquilación.

Por otro lado, nos encontramos con tres hermanos que solo desean ser coronados. Por momentos, Godofredo, es quien demuestra que quiere parte de las riquezas pero no tenerlo todo, aunando sus fuerzas junto a sus pares para lograr vencer a su padre. Aquí vemos reflejado nuevamente al poder. De una forma más sutil, o de simulación o de falsedad, cada uno pretende ser el sucesor de su padre. Pero su padre no tiene demasiadas intenciones de tener un heredero ya que siente que vivirá para siempre. Como dice aquella frase tan conocida: “yerba mala nunca muere”.

El león en invierno1

Y, por último, otro personaje importante es el del Rey de Francia, quien fue y es el amante de Enrique -el preferido de Leonor, hasta que descubre el romance entre ambos-.

Hasta aquí todo parece un enredo, en el cual no se encuentra la punta del ovillo. Pero dicha punta es Alix ya que -a modo de objeto- pretende ser la Reina de Inglaterra y esposa de su amor. Aunque Enrique solo juega con sus sentimientos y pretende casarla con alguno de sus hijos, dándole por momentos lo mismo con uno que con otro.

Podríamos interrogar, ¿cómo lograría esta joven muchacha su propósito?

Durante el desarrollo de la historia, Alix dice “no tengo nada que perder y eso me convierte en un ser peligroso”. Es ella quien duerme en el lecho con Enrique pero aún no son más que amantes con sed de pasión. Intentando demostrar que su vínculo es más de lo que verdaderamente es. El objetivo de él es muy claro como les mencionaba anteriormente y el de ella también lo es. La única diferencia es que Enrique cree que podrá manejar a su antojo a Alix, sin cruzársele por la cabeza que es una mujer inteligente en cierto punto.

La estrategia que ella piensa usar es la de, a partir del romance, El león en invierno5manipular a su amado; pidiéndole que deje todo por ella. Claro que no será tarea fácil si lo lograra, porque los hijos jamás aprobarían su amor. Pero un anzuelo es ser la hermana de Felipe. Quizás Enrique por ese lado pueda pretender avanzar hasta llegar a su meta.

También, es importante tener en cuenta, que Enrique -de manera débil- imagina que su esposa firmará un tratado, a partir del cual poseería Quitania y, a cambio, casaría a Alix con su hijo Ricardo. Sí, con él le conviene más que con Juan –a quien podría manejar más a su antojo pero que por alguna razón no le convendría totalmente-.

Y, se cuestionarán el papel de la Reina, quien está encerrada hace tanto tiempo, privada de su libertad. Una posible solución para recuperar dicha libertad sería divorciarse de su marido, pero, ¿realmente lo desearía? Sería libre físicamente pero tal vez no a nivel sentimental, aunque dice no amarlo sino todo lo contrario.

Los personajes tienen un punto en común que es la ambición de poder. No son felices ni pretenden serlo, por lo visto. No tienen un mínimo gesto de bondad o grandeza, salvo Felipe quien demuestra en todo momento que es un hombre bueno, que no le desea la muerte a sus semejantes y que tiene el reinado de su país -no solo por haberlo heredado sino por haber estudiado todo lo pertinente al trono-. Igualmente, rodeado de tanta miseria humana, todo lo bello que él podría tener se ve opacado por sus compañías y vínculos que lo intentan contaminar de a poco.

Un león en invierno nos demuestra cómo una familia no tiene códigos entre sus El león en invierno3vínculos y cómo se traicionan unos a otros sin importarles en lo más mínimo. Esta obra nos presenta diálogos entretenidos y una manera no lineal de narración. El principio puede ser el final, aunque el desenlace también podría ser el comienzo. Todo depende de cuán atento se esté a cada detalle mostrado.

Otro de los aspectos que marcan la diferencia -entre esta pieza teatral y otras épicas- es la conjugación entre ficción y realidad. Por momentos sabemos que estamos presenciando una obra de teatro pero, de repente, el relato lineal es interrumpido por frases que nos demuestran lo contrario.

Los actores intentan jugar con esas dos herramientas, muy interesantes y complejas a la vez de llevar a cabo, para que no creamos en ningún final palpable, para que no saquemos conclusiones apresuradas ni hipótesis inconclusas. Es la Reina Leonor quien en un momento esboza “mi vida es una sucesión de escenas, solo me puedo encontrar con ellos (sus hijos) teatralmente”.

Todos los integrantes le tienen bronca a Enrique por un motivo específico, hasta el pobre Felipe que recuerda con dolor la estafa que le hizo a su padre cuando éste vivía.

El Rey Enrique no es ninguna víctima y, para consagrase como malvado, termina encerrando a sus hijos en la bodega para que no pudieran intervenir en nada. Su madre tendrá la posibilidad de salvarlos pero, ¿lo hará?

¿Vivirán sin ver la luz del día por el resto de sus días o podrán imponerse al ser que los trajo al mundo?

¿Triunfará el odio o el amor?

¿Existirá alguna unión entre los dos?

Muchas veces se dice: “dime con quién andas y te diré quién eres”. ¿Se aplicará esta frase a esa época de la historia?

¿Enrique intentará regresar a los brazos de Leonor, a quien alguna vez “amó”?

La ironía, la complicidad, el humor, la fatalidad y la tragedia están presentes durante toda la trama de El león en invierno. Lo más lógico no siempre es lo que ocurre y lo más descabellado es lo que podría suceder.

ficha técnica el león en invierno

 

Las fotografías pertenecen a la autoría de Martín Wullich.

Mariela Verónica Gagliardi

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El león en invierno de James Goldman

Leonor                 Daniel

  Manso                  Fanego

en

 ELeón

 en Invierno

El leon en invierno_IMG_1905elenco completo

de James Goldman

Versión: F. Masllorens

                          F. Gónzalez del Pino

Dirección Pompeyo Audivert

El León en invierno

Es la Navidad de 1183, el Rey Enrique II de Inglaterra reúne a su esposa, la reina Leonor de Aquitania, sus tres hijos, a su amante Alix y al hermanastro de ésta, Felipe II de Francia, para elegir cuál de ellos lo sucederá en el trono.

Tanto Leonor como sus hijos, -Ricardo “Corazón de León”, Godofredo y Juan conocido como “Juan Sin Tierra”-, habían organizado años antes una rebelión, sin éxito, contra el monarca.

En esta versión teatral, James Goldman, nos propone ingresar al siniestro juego de una familia, sin pretensiones de comportarse como tal y en donde las luchas de poder son inescrupulosas y tanto más importantes que los lazos sanguíneos.

Cada uno de los personajes asumen características propias y posturas individuales e indivisibles. Ninguno es lo que parece.

Goldman enarbola una intrincada trama  de poder, amores, odios, celos y recelos que, más allá de la referencia al hecho histórico en sí y a sus protagonistas, pretende ser una amarga reflexión sobre la ambición, el poder, el paso del tiempo y el choque de distintas generaciones.

Elenco

Sergio Surraco, Fabio Di Tomaso, María Alché, Manuel Fanego, Ignacio Rogers.

Ficha Técnica:

Escenografía: Ana Audivert / Vestuario: Julio Suárez / Luces: Leandra Rodríguez / Música Original: Carmen Baliero / Fotografía : Gianni Mestichelli / Diseño Gráfico: Diego “Kangú” Ibañez / Asistente de Dirección: Marina C. Smith /Funciones: Miercoles a sábados 21 hs / Domingos 20 hs. Entradas desde $130.

Teatro Regina Tsu – Av.Santa Fe 1235.

GRUS Producciones.

 

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