*** SEPTIEMBRE 2025 ***

Archivo para 2015

Minientrada

El caribe en Buenos Aires

Timbalaye1

Un martes por la noche me proponen ir a ver una banda de rumba, pero antes tomar una clase de baile. Suena atractivo aunque hace tiempo que no danzo con un partenaire ni en ronda. Tomo la decisión de ir a la Sala Siranush para hacer la experiencia. Timbalaye es el espectáculo que se hará esperar hasta las 23 horas.

Cuando comenzó la clase opte por escabullirme como una alumna mas y vivenciar los tips, códigos y movimientos. Lo que iba a ser una practica para principiantes, termino siendo un intensivo de alrededor de dos horas, motivo por el cual mi cuerpo dijo basta. A lo largo de una hora pude rescatar varias cosas: ninguno de ellos era principiante, el grupo ya se conocía de otros lugares y había quienes llegaban para lucirse al ritmo del son cubano.

La rumba y la salsa como fieles amigas y compañeras se disputaban pasos con tal de sobresalir. A su vez, los nombres de pasos y secuencias coreográficas -que según el profesor pueden variar- continuaban una y otra vez. Pretendían que novatos se empapen de ron hasta descubrir figuras ocultas, llenas de gracia y conexión con los demás.

Cada estilo de baile tiene una vestimenta determinada, motivo por el cual se pudo ver a hombres y mujeres inmersos en la isla, con ropa de verano e inclusive gorras para el sol. El escenario, de repente, pareció fusionarse con la arena y los zapatos de plataforma femeninos lucirse a lo largo del espacio sin caída alguna.

Pudo ser una clase mas, un profesor mas… sin embargo, la perfección de una bailarina rompió, de cierta forma, con la tradicional lección de baile.

Con una sonrisa de punta a punta, sentía la rumba y salsa en su cuerpo. Cada una de sus partes Timbalaye2respondían a las canciones caribeñas. No parecía ser una mas. Su determinación, femineidad, gracia y soltura no eran propias de una aprendiz. Y, efectivamente, no lo era.

Cuando finalizo una de las canciones, la aplaudí y felicité. Casi a modo de orden, le dije que tenia que ir ya mismo a algún casting para comedia musical. Ella también comento que cantaba, motivo por el cual era una candidata a estar en un musical. Su único defecto fue no tomar conciencia de su don y de esa magia que la paseo de un extremo al otro, tocándola con una varita. Lamente no haber sido directora o dramaturga. Solo le prometí poner mi granito de arena para que alguien la descubra y le de esa oportunidad de brillar en las tablas.

Este fue el momento mas lindo de toda la noche. La banda, claro que también, pero esa alegría de una joven llamada Magalí González, con una personalidad humilde y un corazón abierto me brindaron todo lo que se precisa para que la pluma no se agote.

Me están llamando, Padrino, Timba cubana, Ayer, Agua pa yemayá, Quimbara, Ven morena, Rebelión, Vivir lo nuestro, Señor sereno, ¿Y qué tu quieres?, Chera mía, La Luna; fueron las canciones que sonaron a lo largo de la noche, una noche en que los seguidores del grupo bailaron frente al escenario y, quienes aún no lo conocíamos, tuvimos la posibilidad de hacerlo.

Instrumentos de viento, de percusión y de cuerdas supieron conformar una atmósfera para los amantes de estos estilos de música y fanáticos sus hits.

Pasos para un lado y otro, Timbalaye y una manera de acercar a almas solitarias que quieran conocer gente o vincularse a través del baile.

¿Podría un salsero o rumbero escuchar y cantar sin que sus pies dibujen figuras?

Timbalaye ficha

Mariela Verónica Gagliardi

Minientrada

Tamorto, romance de Arlequín y la muerte

GRUPO DE COMEDIA DEL ARTE DE ARGENTINA presenta:

Tamorto

tamorto

(Romance de Arlequin y la Muerte)

Dirección: Jorge Costa y Roberto Sánchez

Obtuvo Premios Teatro del Mundo: Mejor Actriz: Julia Muzio / Trabajo Destacado: Dirección Jorge Costa y Roberto Sanchez / Trabajo Destacado Vestuario Almendras Vestuarios – Seleccionados para el “8vo. Festival internacional Cervantino”

Seleccionado para el Festival HUMORIS CAUSA DEL CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACION – ABRIL 2015

Funciones: Viernes 23 hs

Belisario Club de Cultura: Av. Corrientes 1624 – C.A.B.A.

Localidades: $100 – RESERVAS: ciatamorto@gmail.com/ Facebook: Tamorto

Función especial Festival HUMORIS CAUSA – CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACION: Av. Corrientes 1543 – jueves 9 de abril de las 21:30 en la Sala Tuñón

Actúan: Emiliano Larea (Pierrot), Jorge Costa (Arlequín), Julia Muzio (Doctora y La Muerte), Romina Mónaco (Colombina) y Fernando Perez (Zanne Músico)

Arlequín está enfermo. Una adivinadora del porvenir le predijo que el día que dedicara más tiempo al sueño que a la botella, moriría a las doce de la noche en punto.

Son las ocho y aún duerme…

Ante la situación de Arlequín, a Pierrot (el mejor amigo de Arlequín) se le ocurre un plan: retrasa el reloj, aunque sea no más que dos horas. Pierrot recurre al Dottora mientras Arlequín se divierte. Colombina, que es la mujer de Pierrot, tiene una cita furtiva con Arlequín. Pierrot, lleno de celos decide vengarse adelantando el reloj.

La muerte llega a las 12:00 de la noche… Las Cartas están echadas.

 

Minientrada

Prisión perpetua

Los hijos de Eva1

Los manicomios son lugares tan fríos y desesperanzadores que, en general, parecen figurar en extremos de un mapa, aislados de cualquier mente capitalista.

Ellos necesitan recibir ayuda para estar mejor, para sentirse mejor; pero los intereses de quienes ocupan puestos políticos parecen girar hacia otros lados, en busca de sus propios bienestares.

Es la tercera temporada de “Los hijos de Eva” (escrita y dirigida por Diego Doello) una obra que indagó sobre esta problemática social, en el terreno de la salud, rescatando aquellas cuestiones tan íntimas de los “enfermos” que pudieron esbozar en diálogos la cotidianidad del Borda, específicamente de un pabellón. La obra eligió al Auditorio Losada como espacio para seguir transmitiendo esta pieza teatral y social tan importante.

Juan (Ulises Puigrós) es el protagonista de esta historia, un joven que dice ser el hijo de Evita. Nadie se anima a cuestionárselo ni a decir lo contrario o su parecer. Él está conforme con su historia, sea esta verdad o mentira. Y de eso se trata estar encerrado, de encontrar el modo de llenar aquellos vacíos y heridas abiertas con recuerdos nuevos -sin importar su procedencia-.

La dramaturgia está llena de códigos vinculados a la comedia y al drama, motivo por el cual podrían convertirla en una u otra. En esta ocasión se entrelazan ambos géneros dada la veracidad de los hechos.

Si se deja de lado, por un momento, la realidad; el espectador puede disfrutar de relatos y diálogos muy entretenidos y originales. Sin embargo, la dosis de realidad es imposible descartar y esto provocará un viaje humanitario en que cada persona sentirá algo relacionado con su identidad.

Personajes que son personas, que están en un cuarto intentando sobrevivir, imaginando un aire puro y renovado, una rutina y un modo de ver la vida muy conformista pero necesario. Seres que buscan sorprenderse a sí mismos con palabras, gestos y conductas; que recrean el mundo externo en una pieza.

¿Pueden imaginar qué siente una persona que jamás ha conocido el afuera?

No por ser mejor un espacio que otro, sino por no poder comparar, por no saber qué ocurre del otro lado, por tener la imposibilidad de ver un noticiero, escuchar la radio, saber. Eso es lo que se le quita a uno, a varios, a todos los internos.

Ellos transmiten, están, cumplen con sus necesidades básicas y duermen temprano para que nada malo les pase. Aunque lo malo es lo que se oculta, lo que se tapa con todas las fuerzas como para no sufrir.

Ellos son tildados de locos para quitárselos de encima, para que no preocupen al resto de los mortales que precisan ver con otros ojos.

Quitados del camino y encerrados, ya no existe perturbación posible al sistema, a un sistema voraz, egoísta y feroz que aniquila a cualquier idealista.

Una caricia, una canción, un sector privilegiado, un abrazo, ese aroma a encanto que se transforma en apego necesario para no perecer en el intento. Lo más noble y cariñoso puede observarse a lo largo de “Los hijos de Eva”.

Evita o Eva. Cualquiera de ellas, la escogida por cada uno de ellos. Una más importante que la otra, más histórica o noble. Más real o imaginaria, como las historias, como las anécdotas, como el plato de sopa sin nutrientes y el mordisco a una manzana que rueda cual pelotita por el piso de una habitación -que día tras día revive, se llena de alegría y muere al apagarse la luz-.

Un sistema sanitario en debacle total, con personal médico totalmente inoperante es lo que se pretende mostrar -traspasando el escenario-. Quien sienta incomodidad al internalizar las escenas de la obra, podrá sentirse satisfecho y humano. La barrera o el límite o fragmentación entre actores y público, desaparece dándole paso a lo solidario.

La complicidad es el factor más importante, aquel que despierta una sonrisa en el que estaba triste y una frase alentadora cuando sea oportuno. Claro que todas las desgracias no pueden evitarse ni todos pueden lidiar con esos fantasmas tan fuertes, aquellos que son capaces de convertir un juego en tortura.

Los hijos de Eva ficha

Mariela Verónica Gagliardi

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

Minientrada

Todas las voces, todas

En la búsqueda23

Cómo observar una obra que no es una obra, conceptualmente, sino un estilo de performance.

Qué decir sobre una historia que parece comenzar y terminar a pesar de que no tener un eje temático tradicional.

«En la búsqueda» (escrita y dirigida por Néstor Romero) se desarrolla durante una audición de teatro en que un importante director pretende escoger una trama para su nuevo proyecto. De ahí en más, todo lo que estos artistas imaginen e interpreten en escena será una especie de construcción en vivo.

El Teatro La Mueca, con su espacio oscuro, les permitirá crear todo lo que sus mentes les permitan, dando pie a una historia dramática, cómica, absurda, voraz y con todos los ingredientes necesarios como para que el público disfrute, se conmueva y ría durante la función.

Con toda la frescura de sus personajes, cada uno de ellos justificará sus elecciones y argumentos a partir de un escritor famoso del universo teatral. En cuanto a la escenografía, ésta no tendrá sentido de ser, motivo por el cual su ausencia determinará que los actores se apoderen de las tablas.

Causalmente, cada personaje tiene un sentir que se vincula con su misión en la vida, la misma que le permitirá perseguir su objetivo hasta hacerlo valer en lo más alto de la cumbre. Y el hacerlo valer no tiene que ver con un status económico sino con ser escuchado y validado, con tener un lugar en el que se tenga en cuenta su parecer.

Lo que parece ser un intercambio de ideas, se irrumpe con la llegada de un personaje ajeno a la futura obra de teatro. Este personaje hará titubear a todos los presentes con su discurso anecdótico, haciéndolos inclusive hasta temer por sus vidas. Las palabras de esta persona les demostrarán cuánto camino les falta por recorrer y cuán presos están de sus propias reglas.

Quien imparte las órdenes no tiene muy en claro hacia dónde se orienta su misión. Solo pretende encontrar material, indiscriminadamente, apropiándose de verdades ajenas. Su rol se va desdibujando a medida que los “alumnos” encuentran avanzar con los relatos y actuaciones. Estos relatos se van intercalando unos con otros, ágilmente, permitiendo que cada uno tenga su momento protagónico y, a su vez, permitiendo la identificación con los espectadores.

«En la búsqueda», es una pieza teatral que no se puede criticar negativamente porque se constituye como proceso de creación continuo. Entonces, ¿cómo decir si un actor interpreta mejor un personaje que otro o que tal voz tiene más proyección que otra?

El amor, el deseo, la pasión, la muerte y la violencia son algunos de los temas abordados durante esta dramaturgia colectiva que parece haber sido escrita por todos y, sin embargo, lleva un solo autor. Y acá me detengo para resaltar la escritura de Néstor Romero, quien está dotado de una mente abierta -desde la que surgen voces con matices muy diferentes unas de otras-. La obra se disfruta de comienzo a fin y quienes estamos en las butacas podemos dar fe de ello. Nunca vi tantas cámaras de fotos y filmadoras pretendiendo capturar esos momentos e imágenes únicos.

Cada quien se verá allí arriba, se verá reflejado y querrá ver una y mil veces al actor que interpretó su pensamiento. La libertad parece estar y quedarse para que convivan seres tan diferentes, con estilos de vida, vestuarios, modos de expresión e ideologías antagónicos.

Pero, cuando todo parece acabar, el conflicto vuelve a instaurarse, a sacudir a quienes más aferrados estaban a sus monólogos y a abrirse -de verdad- para conectarse desde lo más profundo con sus compañeros. ¿Cómo interpretar desde la razón y sin el sentimiento? ¿Cómo pretender promover un razonamiento sin creerlo con anterioridad?

Una coordinación de movimientos es convertida en coreografía, hasta que la palabra se instaura para quedarse. Buscar, correr, sorprender, demostrar conocimientos, quedarse quieto, transmitir desde lo corporal, desde una simple mirada. Estas son algunas de las acciones que más se visualizan durante la performance. La propuesta queda abierta y no es rígida, permitiendo tener dos lecturas posibles.

¿Será Samanta una persona peligrosa o, desde su ingenuidad, pretenderá convertirse en estrella?

En la búsqueda ficha

Mariela Verónica Gagliardi

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

Un superhéroe anti caries

Clemente10

La nueva propuesta de Gustavo Salgado invita a los niños -y no tanto- a aprender sobre la higiene bucal, conociendo aquellos detalles necesarios para que las bacterias no encuentren alojamiento.

«Clemente, el diente desobediente» es el título de la obra infantil que narra las travesuras de un niño que optó por no hacerle caso a su mamá. Como consecuencia de ello, tendrá que aprender a corregir su mentalidad, dándole importancia a la palabra de quienes más saben.

La dramaturgia, con un lenguaje cordial y entretenido nos lleva por un camino no abordado, en general, por el mundo artístico.

¿Cómo se le enseña a un pequeño, haciendo que le importe?

Se sabe que no hacer caso o actuar de manera contraria a lo que el adulto pide, es muy frecuente. Entonces, ¿las campañas de salud y preventivas, están cumpliendo con sus propósitos?

Evidentemente, no.

Dientes de leche, dientes definitivos, cepillo de dientes, pasta de dientes, hilo dental, torno y dentista conforman el universo de esta pieza artística. En torno a éstas surgirán canciones y personajes que cumplirán con sus cometidos.

La variedad de colores y el modo en que Clemente aprehende, motivarán a los niños presentes en la sala de NoAvestruz a que aplaudan su evolución y entusiasmo.

¿No podré comer mas cosas dulces? – pregunta el niño en cierto momento de la obra.

Claro que sí, le irá respondiendo el superhéroe de esta obra. Y, llama poderosamente la atención que por fin un hombre profesional y que cura, lleve la capa.

Al ritmo del rock, esta campaña dental irá contagiando de sabiduría a los más chiquitos y recordándoles a los adultos su responsabilidad.

La bacteria estará disfrazada de bruja, para intimidar a este niño-diente y darle una lección. Claro que el dentista lo salvará, aunque no sin pasar por alto la importancia de estar sano y tener conciencia de ello.

No solo un dolor de panza hará reaccionar a Clemente, sino la oportunidad de familiarizarse con un mundo de palabras, el cual le otorgará el tesoro del aprendizaje que no abandonará jamás.

Todos los niños-espectadores estuvieron atentos durante toda la función y, al salir de ésta, adquirieron el disco para escuchar en sus hogares.

Tres actuaciones conducen la historia, una historia muy bien narrada, interpretada y colmada de ese ingrediente tan necesario para los infantes llamada: ingenuidad. No existen insultos ya que la única defensa que tiene uno frente a otro es la información. Ésta se torna fundamental e irremplazable.

Clemente, un diente que disfrutaba de comer golosinas tanto como de jugar y que conoció la forma de seguir haciéndolo pero sin dañarse.

Clemente, el diente desobediente ficha

Mariela Verónica Gagliardi

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

Minientrada

Cuando no veo, todo funciona bien

Coprófagos7

Seis escenas son las encargadas de narrar un panorama que, hace mucho tiempo, aqueja a la humanidad: la libertad de expresión. A partir de esta temática, constantemente, se enfrentarán conceptos democráticos con autoritarios. Aunque, también, se hará notar al espectador cómo lo democrático suele ser egoísta para las minorías.

La compañía de teatro “Comedias negras”, estrenó su nueva obra llamada “Coprófagos en su tinta” en el Teatro El Cubo. Esta nueva propuesta del director Claudio Gotbeter muestra y demuestra la difícil tarea de encontrar y hallar aquel lugar tan soñado.

En tono de humor negro y con diez personajes caracterizados deleitosamente, cada uno de éstos tiene su momento para expresarse a sí mismo y al resto lo que siente, lo que busca y lo que pretende de la vida.

Girando sobre un mismo eje, sin darse cuenta que al finalizar la rueda volverán al punto de partida; ellos siguen y siguen.

Tropezar con un mismo obstáculo pareciera ser la fórmula perfecta y antagónica de estas personas que vendrían a reflejar las conductas, estereotipadas, de una sociedad que se fragmenta, que se erige como distinta a otra u otras hasta verse en el ombligo ajeno, presa de tantas palabras que no consiguen formular un nuevo destino.

Juntos, dormidos, como acampando en un sitio diferente, se despiertan creyendo haber encontrado un nuevo rumbo. Es sumamente interesante ver cómo el director encontró la manera de crear una dramaturgia tan real como ácida, tan verosímil como triste.

«La peor opinión es el silencio” – dice uno de los personajes durante la historia. Irónica y absurdamente, es el silencio lo que menos abunda a lo largo de esta pieza teatral humorística. No es fácil hacer reír y, menos aún, pretender que los espectadores indaguen sobre ciertos asuntos cotidianos.

Un grupo de personas en busca de un mejor destino, dentro del que algunas intentarán cambiar al sistema y, otras, resignarse para no enfrentarse con nuevos modelos que podrían fracasar. El temor al cambio, a lo desconocido, a aquello que convierten en fantasma y huyen moviéndose sin un rumbo elegido.

Esta “familia” quiere manejarse mediante la unanimidad, hasta que se da cuenta que es practicamente imposible llevar a cabo este tipo de mecanismo. Se lo replantean una y otra vez, filosofando, intercambiando opiniones y fundamentando sus propias hipótesis; hasta que algunos concuerdan con que la mayoría tiene razón y la mayoría nunca se equivoca. Esbozado esto, surge la democracia como tipo de gobierno, encontrando que existe una minoría a la que no se tiene en cuenta, de la que solo se pretende modificar su pensamiento para acoplar al grupo predominante.

¿Y si la minoría no está de acuerdo?

El término coprófago está asociado con comer materia fecal. Sin lugar a dudas que se lo relaciona más con animales que humanos, aunque en esta obra se deduce su acepción relacionada enteramente con la política, con los políticos y con el egoísmo reinante en el mundo.

Frases populares que pretenden justificar la irracionalidad de quienes pretenden tener la razón, olvidándose o queriendo simularlo al menos, son las que van decorando las escenas, al igual que sus cantos y deducciones.

Después de tanto hablar, la palabra es repudiada por todos, entendiendo que tanto fervor los agobia, llevándolos hasta el hartazgo. Así, descubren que existen otras formas de comunicarse, como el canto. Y si bien la palabra continúa, no se habla, se la acomoda con melodías en que vocales y consonantes se lucen.

Hay cuestiones que no son tan graves como parecen, hay cosas que se agrandan más de lo necesario. Tal es el ejemplo del famoso mosquito llamado dengue, un insecto capaz de tantas cosas y tan incapaz de otras.

Las obsesiones y la paranoia social se apoderan de los discursos de estos humanos en busca de lo que necesitan y no se atreven a descubrir. Como tantos otros, hacen prevalecer la frase: “muerto el perro, muerta la rabia”.

Están quienes pretenden desalentar con malos augurios a aquellos que se ponen metas, están quienes intentan por todos los medios generar mala onda, infectar con pensamientos negativos los proyectos de los soñadores y están los que definen sus vidas están invadidas de mala suerte. La mala suerte es generada por cada uno, más allá de una cuestión azarosa, al igual que la dictadura versus la democracia, al igual que todo lo que un hombre o mujer elija sin tener que echarle la culpa a alguien, haciéndose cargo de sus pensamientos y acciones.

Coprófagos ficha

Mariela Verónica Gagliardi

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

 

Minientrada

Entrevista a Patricio Orozco

Patricio OrozcoCientos de años pasaron desde la muerte de Shakespeare y jamás pasó de moda. ¿A qué factores crees que se deba esto?

La obra de William Shakespeare describe el alma humana como nadie. El alto nivel poético y la precisión con la que llega al nervio del hombre para develar los más secretos sentimientos, es única. Es por esto que sigue vigente y es un clásico universal. 

¿Cómo se originó el Festival Shakespeare en Argentina y por qué motivo decidiste que las entradas sean libres y gratuitas?

Soy un apasionado de la obra de Shakespeare y Beckett. Siempre he tenido una profunda admiración por estos dos autores que han descripto la condición humana y su contexto existencial como nadie.

Desde 2006 dirijo un festival reconocido mundialmente en honor a Beckett, y siempre tuve pendiente la cuenta con Shakespeare. En junio de 2010 comencé a trabajar en la producción de lo que luego sería el 1er. Festival Shakespeare de Buenos Aires. Finalmente, después de muchos meses de trabajo, en febrero de 2011 pude darle forma a la primera edición.

El éxito fue inmediato, con todas las funciones con localidades agotadas y gran repercusión en la prensa. Se gestó así un festival que es único por su temática en Latinoamérica. Así se estableció una cita anual entre el público argentino y artistas e investigadores nacionales y extranjeros apasionados por la obra de este autor.

Quiero agradecer especialmente a las personalidades de ámbito de la cultura que desde un primer momento se acercaron y nos brindarnos su apoyo: Kive Staiff, Duilio Marzio, Carlos Kaspar, Oscar Barney Finn, Beatriz Sarlo, Jorge Dubatti, Salo Pasik, María Comesaña, Mónica Maffía, entre otros.

A las pocas semanas de finalizado el 1er. festival, luego de una reunión en el  Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, se cristaliza la posibilidad de realizarlo en 2012 en la modalidad de co-producción junto a empresas privadas que también deciden apoyarme. El Festival toma una nueva dimensión y se presenta con una amplia oferta de espectáculos, talleres y actividades recreativas que se ofrecen de manera gratuita. Prestigiosas instituciones internacionales suman su apoyo como la Royal Shakespeare Company, La Shakespeare Birthtrust Foundation, LAMDA, Universidad de Florida (USA), y personalidades como Harold Bloom o Stanley Wells, entre otros.

Así, todos los años puedo concretar mi idea de incluir diferentes disciplinas en la programación del Festival, como danza y música renacentista, cine, ópera, bicicleteadas y el recreacionismo medieval; además de los talleres y la master class, que aportarán una mirada más amplia y enriquecedora sobre la obra de William Shakespeare y su contexto histórico.

En 2014 ya tenemos la capacidad de poder producirlo íntegramente desde Próspero Producciones. Sumamos nuevas instituciones que nos brindan un importante apoyo: la Embajada Británica en Buenos Aires y el British Council. El Gobierno de la Ciudad deja de co-producir y pasa a ser auspiciante de este evento y de esta manera sigue garantizando que sea gratuito para todos los vecinos.

Es enorme la emoción y el orgullo que siento al ver cómo mi iniciativa ha tomado vuelo y ahora puede ser disfrutada por  mayor cantidad de vecinos posible. Como porteño, amante de esta ciudad y del teatro, estaré por siempre agradecido a todos los entusiastas que año a año se suman. 

Inglaterra y Argentina, dos mundos muy diferentes y, sin embargo, se pueden adaptar perfectamente los escritos.

Shakespeare nos propone un mundo en sí mismo, más allá de los límites geográficos o políticos que se impongan. Culturalmente, su universo atraviesa a toda la humanidad. 

¿Considerás que a partir de Shakespeare es posible transmitir verdades que de otro modo serían «mal vistas»?

Creo que todos los buenos dramaturgos abren un espacio del alma humana que permite conocernos y reconocernos en el otro. Esas «ventanas» del alma suelen ser grandes transmisoras de verdades.

Existe un público amante de los clásicos en el teatro y otro que los repudia de algún modo. ¿A qué crees que se deba esto más allá de a un gusto personal?

No conozco gente que repudie a los clásicos, quizás algunas personas hayan tenido malas experiencias con algunas puestas. A veces se tiene un poco de prejuicio con los clásicos y se los cataloga como obras «viejas», pero los clásicos son clásicos porque son excelentes no por viejos.

Muchas funciones a sala llena demostraron el éxito del festival que tenés el honor de haber fundado.

Sí, es una alegría enorme ver que año a año acercamos la obra de Shakespeare a cada vez más gente. Ese es el objetivo del festival.

¿Cómo es el proceso de selección de obras y qué parámetros tenés en cuenta, junto al resto del equipo, al momento de elegir aquellas que formarán parte de la nueva edición?

Todos los años contamos con un jurado compuesto por artistas y académicos que selecciona las obras. 

Uruguay también forma parte a partir de este año de la gran movida cultural protagonizada por William Shakespeare.

Sí, desde este año dirijo también el festival en Uruguay. Hemos tenido un gran recibimiento y apoyo del público. Es muy emocionante ver cómo este pequeño sueño va tomando cada vez más impulso en la región.

¿Qué sentimientos van confluyendo en tu ser cada vez que ves una dramaturgia o adaptación del autor?

Me gustan las adaptaciones, me gustan las representaciones más clásicas. Siempre siento alegría cuando veo un nuevo estreno shakesperiano. Incluso las representaciones en las que me aburro mucho, ahí también encuentro algo para aprender. 

¿Por qué Shakespeare y no otro?

Desde el año 2006 dirijo el Festival Beckett de Buenos Aires. Comparto también la pasión por este gran autor irlandés.

Shakespeare es el autor de las palabras y Beckett el de los silencios, así que tengo bien balanceadas mis pasiones.

Mariela Verónica Gagliardi

Minientrada

Entrevista a José Garófalo

Con el correr de los años, el tango fue captando nuevo público aunque conservando el tradicional. ¿Qué repercusión fue teniendo el festival cambalache a lo largo de una década? 

El FC, por ser una propuesta original en el formato de festival de tango y, además, por incorporar la fusión con otras artes absorbió público deseoso de novedades no solo del ámbito tanguero. Por ese motivo también tuvimos mucha prensa desde el comienzo, con críticas muy favorables. Podemos decir que el FC hacia afuera no dejo de crecer pero como todo festival autogestivo fuimos teniendo nuestro desgaste interno y dificultades para conseguir fondos para el crecimiento que se estaba desarrollando y el tipo de propuestas que iban creciendo en complejidad y calidad por lo tanto requerían mayor exigencia de producción.

¿Cómo se fue gestando el Festival?

Éramos un grupo de artistas vinculados al tango que nos interesaba investigar y realizar otro tipo de espectáculos, en otros ámbitos que no fueran la milonga o las casas de tango, al menos no exclusivamente, y mejorar las condiciones técnicas y de producción de los mismos. Con el tiempo y el crecimiento del FC creamos la asociación civil cambalache para la promoción del tango danza teatro, la comisión directiva fue cambiando y oxigenando el festival, los únicos q estamos desde el principio somos Alberto Goldberg y yo.

Siglo XX Cambalache. ¿ Y siglo XXI? 

Y en el 2000 también… ¡¡¡ Más que nunca!!!

¿Qué consideras que significa el tango en nuestra sociedad?

Es una forma de vida que representa parte de nuestra idiosincrasia, es una columna de nuestra cultura popular, eso se nota más cuando se viaja al exterior. Bailar tango es un pasaporte mundial. Lamentablemente las instituciones recién ahora lo empiezan a entender así y hay un apoyo incipiente.

¿Quién no siente el abrazo podría considerarse que aún no comenzó el verdadero viaje por este ritmo?

¡¡¡Qué dirán los músicos q no bailan!!! (risas). Hay muchas maneras de sentir un abrazo, lo fundamental es sentir al otro para que no sea un viaje personal, creo q el verdadero héroe del tango no es la pareja, es un viaje colectivo de todos los q participan, sean dos con el espacio, toda la milonga o los integrantes de una compañía que baila en un escenario.

Desde los suburbios hasta la élite. ¿El tango es uno de los estilos musicales que une a las antagónicas clases sociales?

Y a las razas, religiones, culturas, idiomas, países…no hables con extraños: baila con ellos. Al menos por una tanda…

Los extranjeros al venir a la Argentina, ¿consiguen sentir la esencia del baile?

No hay extranjeros en baile, el tango se formo con el aporte de todos los inmigrantes en mayor o menor medida y ahora lo devuelve al mundo y en el mundo hay seres humanos con diferentes sensibilidades y poder de expresión. Como dice Manu Chao: “nadie es clandestino”. Por lo tanto, nadie es extranjero de una cultura que se toma como propia, si comprendes el código y lo respetas, no hay fronteras. Hay argentinos que no entienden eso y personas de otras regiones que tampoco.

¿Qué lugar ocupa la política actualmente y cómo influye en el lenguaje arrabalero?

No sé a que política te réferis, la política lo ocupa todo pero es diferente la política del macrismo que arrasa los teatros y espacios alternativos, no contesta los llamados, emails, solicitadas de mas de 500 artistas vinculados al Festival, a la del Ministerio de Cultura de la Nación que se preocupo porque el FC no se hizo el año pasado, nos llamo y a partir de ahí comenzamos a ver la manera de coproducirlo, como finalmente ocurrió. Con respecto al lenguaje arrabalero creo que sería bueno que ocurriese al revés, o sea, que influya en la política.

¿Por qué los tangos y milongas tradicionales siguen formando parte de la identidad colectiva y social?

En gran parte porque hablan del ser humano y sus necesidades esenciales o sea que como cualquier expresión artística verdadera atraviesan los tiempos y las distancias socioculturales. Por eso sigue siendo popular y no por la cantidad de gente q lo escucha o baila.

¿Qué balance podes hacer del festival en estos diez años?

Hoy creo que es sumamente positivo, nos queda seguir tejiendo el trabajo en redes con otras asociaciones e instituciones culturales, sumando gente a la asociación que trabaja todo el año para el festival y producciones artísticas sin fines de lucro y obviamente mucho trabajo para mejorar las condiciones de los artistas que se presentan y ofrecer un panorama cada vez más amplio a todos aquellos tangueros aventureros que se internan por caminos desconocidos con el hilo de Ariadna, atado a la esencia del tango, pero hemos logrado todos los objetivos en esta 10° edición -con el aporte del Ministerio de Cultura- en el año Gardeliano y Tango de mis Amores en coproducción con la Asociación Civil Cambalache: mayor difusión, todas las actividades con entrada gratuita, salas colmadas y como si esto fuera poco que los artistas participantes e integrantes de la organización cobren por primera vez en la historia del festival, era una deuda pendiente que acabamos de cumplir, la calidad de las obras presentadas ha superado el nivel de otros años, lo que demuestra una profundización de las búsquedas y una maduración de los artistas. ¡El balance da 10!

Mariela Verónica Gagliardi

Minientrada

Creando al que quisiera ser

Daliniana1

Cuatro musas (Luz Despósito, Eleonora De Souza, Laura Montini y Georgina Reynaldi) inspiran al artista Salvador Dalí (Diego Bros), quien aparece en escena para contar momentos conmovedores de su vida. La quinta musa es Gala (Flavia De Luca), aquella que fue durante muchísimos años su gran amor. Estas cinco mujeres, mencionadas como «Dalinianas» (escrita y dirigida por Mariano Taccagni) van paseándose por el escenario, interpretando cuadros surrealistas del autor.

Llama la atención de todos los presentes, el gran acierto de narrar la vida de un pintor a partir del género de comedia musical. Y es que las tres artes se desempeñan a la perfección, por parte de todo el elenco. Hay una figura principal, desde ya, que es Dalí, sin embargo, el grupo deja toda su pasión a lo largo de la historia que va ilando una escena con otra sin titubear, erigiéndose como verdadero protagonista.

Una vida llena de tormentos, de desolación, de injurias, de falsas hipótesis y de fama; solo puede ser transitada con amor y con verdadero amor. Ese es el lugar que ocupa y soporta Gala, quien hace homenaje a su modo de vestir y de desfilar. Claro que no merece otro galardón ya que oculta un pasado realmente triste y perverso.

Daliniana es toda mujer que giró en torno al artista, a su mundo surrealista y cubista, quien además inventó su propio movimiento pictórico. Él fue lo que pudo, cuando supo que jamás podría haber asumido quien era. Intentó sobrevivir de la manera que encontró, descubriendo cada día un motivo diferente, una idea que propulsara una composición determinada, ocurrente, significativa y con la oportunidad de ser descubierta por quien la mire.

Otra de las mujeres importantísimas en su vida fue su hermana, su cable a tierra en medio de tanto vuelo despegado de la tierra.

Un Dalí que captura la esencia del artista, sus tradicionales bigotes, sus pinceladas, sus atuendos glamorosos, su simpleza para transmitir y su complejidad para conformar un universo inteligente y distinguido.

Relojes derretidos, reemplazados en esta puesta en escena por mujeres que expresan quietud sobre la mesa, queriendo significar la esencia del tiempo. Del paso del tiempo y de su precisión en cada uno de estos objetos femeninos.

Los cuerpos con la posibilidad de componer animales, cosas y simbolismos que permiten transitar la intimidad de Salvador, un español que vivió gran parte de su vida en Francia, adquiriendo de ambas culturas lo necesario para conformar una propia.

Todo lo que pintaba lo hacía para reinventarse y no para llamar la atención de sus aduladores. Él era su principal adulador, quien tenía ese narcisismo tan elevado como para atravesar el espacio y el tiempo con destrezas físicas y mentales.

Mariposas posadas en un lugar determinados, mostradas en la unidad de una simple mosca que vuela con pasos de danza, que se convierte luego en Mickey Mouse, demostrando cómo la bandera estadounidense no significó absolutamente nada para él ni para su movimiento. Sino, en todo caso, cómo lo capitalista intentaba destruir lo artesanal, independiente y conmovedor. Lo masivo frente a lo particular, el producto frente al concepto.

Un mundo que incluso en crisis fue saboteado por sus principales detractores-oportunistas y salvado por este artista, entre otros, que causalmente tiene un nombre relacionado. Su larga vida le permitió ser y respirar fragancias de rosas -posadas en bellas mujeres-, manjares en una mesa distinguida y subirse a unos rollers que le daban más impulsos que su caminar.

A su vez, vale aclarar que participó en cine junto a Alfred Hitchcock, Walt Disney y Luis Buñuel, y de ello cuenta su universo superficial montado en ciertos fragmentos de la obra, los cuales no se relacionan con la pureza de su trayectoria.

Manzanas, mariposas, sabores unidos a modos de pensar, de ver, de recrear con colores lo belicoso del mundo, un mundo que era inoportunado por tiroteos y desvanecimientos. Frente a esos años, muchos años de dolor, el arte como herramienta sanadora lo mantuvo cerca y lejos del dolor, para sufrir cuando no le quedara otra posibilidad, cuando perecer sea la muerte.

Daliniana ficha

Mariela Verónica Gagliardi

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

 

 

Prioridades eternas

Tiempo muerto1

Estamos en la era de las comunicaciones, en la era de resolver todo en una inmediatez, a vez imposible, en la era de pretender manejar los sentimientos con un control remoto y cada emoción con una acción diferente.

«Tiempo muerto» (escrita y dirigida por Javier Zaín) no es más que una muestra de todo esto. De la forma ideal en que tres personas deciden vivir su vida después de la muerte. Del modo en que una cuarta está muerta en vida, intentando estar con una del otro mundo.

Tiempo muerto es aquello que sobra, que queda sin poder aprovechar, haciéndonos entender lo imprescindible que resulta programar cada actividad oportunamente.

Dos mujeres y un hombre, junto a una lápida gris, conversan de la vida -sin lograr asumir que ya la perdieron y de una forma un tanto incoherente-. Una de ellas, interpreta a la soledad, a aquel vacío enorme, a la debilidad que se vuelve piedra en cuanto asume su significado.

Un hombre queriendo resolver problemas laborales, llenando cada centímetro con tareas prescindible y un correr del tiempo que jamás retrocederá. Una mujer que se le acerca, importunándolo, y presentándole a la frivolidad sin intentar enmascarar su esencia brutal.

¿Quién es quién? ¿Existe esa división entre el mundo de los muertos y de los vivos?

En esta dramaturgia tan bien construida e interpretada se puede concebir la ilusión de unir ambos mundos, retroalimentándolos y soñando con no despertar dentro de un ataúd.

Ellos no deambulan como zombies, siguen siendo personas que expresan. Aún no entendieron el verdadero significado de la vida y, menos aún, de la muerte. No lograron tener su propio control. Las excusas los siguen invadiendo a pesar de todo.

Pero, cuando el personaje más retraído parece morir, el amor se le presenta. A partir de ese momento su muerte cambia por completo, debiendo elegir qué rumbo tomar: el que se supone o el que desea.

Con respecto a la escenografía, todos los objetos que están presentes cumplen una función específica y se desplazan al igual que los diálogos y movimientos corporales. Teatro El Piccolino es el sitio elegido para que el arte negro cobre vuelvo y haga temer al más temerario.

Nunca se deja de oír el pulso del reloj. El tiempo pasa, es una transición entre ambos universos. El tiempo transcurre sin avisarles. El tiempo como tesoro más preciado y no solo por una inmediatez sino por el valor que significa perderlo.

Todo ser humano debería elegir con quién pasarlo, qué hacer, cómo, por qué. Responder a estas preguntas y a tantas otras. Sin embargo, cuántas veces se acepta una realidad sin planteársela y, peor aún, una realidad que es opuesta a lo que se quiere.

«Tiempo muerto» es un interrogante, un espacio para reflexionar sin presiones, sin antagonismos, sin miserias y sin reproches. Apagando los celulares, silenciando esos chip en ue viene de fábrica una información. Solo así la vida y la muerte tendrán un sentido.

Mientras tanto, las luces enfocarán a quienes tengan la palabra, oscureciéndose para permitir transformar el ambiente en otra escena. Y eso significa la obra: una sucesión de escenas que, en este caso, tienen ilación unas con otras pero podrían no tenerla.

Cuatro personajes bien caracterizados y que, desde un lugar muy diferente, le gritan a la vida quiénes son. Esa ferocidad los convierte en lo que deberían haber sido antes. No es tarde, jamás lo es.

Como un engranaje, ellos no encajan perfecto, solo avanzan. ¿Qué tienen para perder ahora? ¿Quién puede juzgarlos? De hecho, ya fueron llorados, sepultados y olvidados. De a uno tendrán la palabra, dándose cuenta de lo importante que es hablar y escuchar. Como plastilina, ahora son flexibles y le cantan al aire sus convicciones. Las preocupaciones cambiaron y tendrán que buscar compañía.

Lo estricto se disuelve para darle paso a lo espontáneo. Esa quizás sea la gran diferencia entre estar solo en la muerte y poder elegir con quién pasar esa difusa eternidad.

Tiempo muerto ficha

Mariela Verónica Gagliardi

El pase de diapositivas requiere JavaScript.