*** Mayo 2020 ***

Archivo para la Categoría "Teatro"

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Teatro x streaming // Lunes 25 de Mayo

Medianoche

La Visita de Monomujer, teatro para un espectador

Relatos macabros

15 hs

Macbeth

The winter´s tale

19 hs

Peer Gynt

20 hs

Desvestida

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Entrevista a Soledad Pérez Tranmar

Soledad Pérez TranmarSoledad Pérez Tranmar es bailarina de danza clásica, contemporánea, con una trayectoria para deleitarse, habiendo estudiado en Alemania y Argentina, entre otros. Es profesora de danza, coreógrafa e intérprete y formó parte de espectáculos como: Línea de tiempo, Redirigida, Esta, El Barco; por citar algunos de sus últimos trabajos.

Actualmente está a cargo de la Gestión, dirección artística y curaduría de la Casa del Bicentenario junto a Jimena García Blaya y Valeria Martínez.

Este gran trío artístico junto un equipo conformado por artistas muy talentosos, se aventuraron en lanzar el FIDE y adaptarlo al formato digital, al menos mientras dure este aislamiento social obligatorio.

Me encantan los festivales porque se respira un aire a familia, a lazos, al compartir con conocidos y desconocidos. En esta oportunidad y por ahora el Festival de Danza Emergente será de manera virtual. 

¿Cuándo comenzaste a gestar el festival y cómo tuviste que adaptarlo a la plataforma on line?

El FIDE (Festival Internacional de Danza Emergente), que se va a realizar en la Ciudad de Buenos Aires, vía internet; en un principio, este festival iba a ser de manera presencial y era el resultado de un proyecto arduo de trabajo, de gestión y (como desde marzo se determinó este aislamiento social necesario) tuvimos que tomar una determinación.

La Productora de este proyecto es Jimena García Olaya (artista y gestora) junto a Valeria Martínez (convocada por Jimena) para que trabajemos juntas las tres en esta nueva edición 2020.

Tuvimos que convocar a los artistas para preguntarles si querían participar igual y ver cómo adaptar a la plataforma on line el festival (que sigue siendo un desafío). La cuestión de presentar una obra que en realidad está hecha para ser vista en vivo eso, obviamente, no podía ser. Es decir, no íbamos a poner el registro de cámara fija que normalmente mandan los artistas a las convocatorias, no es tampoco video-danza, no es cine… entonces, lo que propusimos fue que ellos hablaran de sus propias obras -de una manera casera, de algo que es posible de hacer y que, sobre todo lo pudieran disfrutar sin ningún tipo de exigencia artística-.

Las decisiones fueron tomadas en un tiempo muy acotado, nos acompañamos todos nosotros con los invitados (un acompañamiento importante, desde todo punto de vista). Todos los festivales tienen que ver con el encuentro, con conocer gente. Es algo festivo en que se vinculan los trabajadores de la danza, de la cultura y que eso, pueda seguir sucediendo en el futuro. Crear redes, de contención, en ese sentido. Lo interesante es, también, llevar esto más allá del festival. 

El objeto virtual es un medio interesante (pero nosotros nos resistimos a que sea el único, por más que ahora sí es el único) pero lo nuestro es presencial. Hay acciones del festival que son muy interesantes como, por ejemplo, el encuentro de gestores-artistas del país y, también, del exterior; junto con los creadores para poder crear esos lazos tan importantes y ese conocimiento de lo que está sucediendo del norte del país, sur, este, oeste; y, también, afuera. Compartir eso: cómo es el trabajo, cómo es el entorno donde estás, qué proyectos tenés a futuro (con la pandemia incluida), qué imaginás, qué pensamientos hay. También, es posible, hacer conferencias, encuentros entre artistas (por Instagram, por Youtube). 

Lo que nosotros queríamos era que el festival se hiciera (a través de internet), y que, aunque sea se mostrara que ese festival era el que no pudo ser pero el que es ahora.

¿Cuáles son las áreas y formatos de la danza que podremos disfrutar del 11 al 16 de mayo? 

Va a haber una grilla con todas las actividades que se va a producir del 11 al 16 de mayo. Son muchas las performances que se van a ver. Si bien el artista habla de su obra, lo hace de una manera performática. Otros han tratado de hacer una experiencia concreta de lo que es su obra (a través de internet). Por ejemplo: un grupo utilizó el Zoom para bailar y mostrar esa coreografía escénica. 

Hay muchos artistas fantásticos, de Bahía Blanca, Mendoza, Buenos Aires, Uruguay, Brasil, España, Colombia. También va a haber un discurso que se va a llamar “Materia crítica” (conformado por investigadoras y teóricas que van a intervenir desde la palabra. Va a haber citas nocturnas, encuentros virtuales con invitados sorpresa (a través de Instagram), etc.

¿Como organizadora del FIDE qué sentís al crear arte en medio de la cuarentena? ¿Podrías decir que es como el yin y yang?

Habría que preguntarle a los artistas que han hecho sobre sus trabajos una nueva mirada, con una restricción grande que es sí o sí a través de internet. 

Te puedo decir que es para mí, en estos momentos, estar en esta situación de organizar, coordinar, acompañar (como están mis compañeras Jimena y Valeria, en distintas áreas) me obliga a pensar que tengo que hacer algo para otros y eso a mí me pone mucha pila; sobre todo para artistas que están aislados como yo y escuchando lo que les pasa (y lo que me pasa a mí) me permite estar en comunicación con otras personas, en vínculos, en saber de las otras vidas, empatizar.

Pensamos en la situación de urgencia en el colectivo de la danza, de la cultura, de los que viven (sobre todo) de dar clases. Vemos acciones muy concretas como, por ejemplo, que están juntando comida para colegas. Y, en general, lo que se visibiliza (porque esta es una situación impensada) es lo frágil que es vivir del arte y de la danza. No tenemos sindicato que nos proteja, también el tema de la jubilación… Son muchas cosas que faltan y está bueno ir trabajando todos juntos con los gobiernos para proyectar esto también. Y, ahora, en la urgencia, es comida ahora, es ahora.

¿Qué podrías transmitirle a la gente sobre esta gran oportunidad de ser parte del Festival desde su casa?

Invito al público a ver otra cosa en internet (si bien está sobresaturado de información, de materiales, de contenidos); a una posibilidad de estar, de ver primero trabajos preciosos, a artistas increíbles. Ver el deseo, ver las ganas, estar con otros que puedan también sensibilizarnos (desde los sentidos), a pesar de la pantalla (cómo se puede materializar algo de esa pantalla). Y, desde el festival, tenemos unos contenidos y propuestas desde lo personal (porque lo que queremos es que se vean personas). No artificio en sí, más que la computadora, el celular. Es un festival personal, de las personas. 

¿Es posible crear un sub-mundo que nos rescate del caos reinante?

Sí. Podría ser sub-mundo, podría ser en realidad visualizar más este mundo. ¿Por qué pasa esto? ¿Por qué estamos en esta situación? ¿Por qué hay tanta desigualdad? O sea, que estas situaciones límites donde la restricción es evidente, obliga (de alguna manera) a mirar otras cosas. Entonces, si esos pueden ser sub-mundos: son sub-mundos. Cómo ampliar esa mirada. Yo creo que es un trabajo, desde muchas áreas, de lo que es el Estado, el Gobierno, los artistas, las personas. Nosotros laburamos muchos y nos hacemos pelota el cuerpo. Es mucho laburo no reconocido. La danza es como la relegada de las artes. Bailás. “¿Y de qué trabajás?”. Todavía esa frase existe. Por eso se dice: “Yo bailo, yo trabajo”. Son frases muy importantes.

Mariela Verónica Gagliardi

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A partir de hoy: Sacco y Vanzetti

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Gacetilla:

Las actas del juicio, los interrogatorios, los alegatos, las cartas de Vanzetti y las de Sacco, e innumerables escritos documentales, periodísticos y de ficción sobre el caso, fueron el punto de partida de Mauricio Kartún: “…Desde allí -explicaba el dramaturgo cuando la obra se estrenó, en octubre de 1992- fue mi propia mirada sobre esos materiales la que reconstruyó el proceso y le dio nueva forma. Con ese envión trabajé la partitura. Iluminado por la novela de Howard Fast, deslumbrado por la lucidez de los pensadores libertarios, y conmovido por la cantidad de notas y estudios que nos aportaron las bibliotecas anarquistas. De esta manera compuse -hice la dramaturgia- de este nuevo Sacco y Vanzetti. Compuse, insisto, ya que fuera del tratamiento argumental de algunas escenas, no hay en la obra ficción propiamente dicha, sino composición dramática de situaciones auténticas, y de textos documentales que descubro más conmovedores y expresivos que cualquier trama al respecto“.

Alentados por el sueño de la prosperidad en América, a principios del siglo XX, Nicola Sacco y Bartolomeo Vanzzetti llegaron a Estados Unidos como tantos otros italianos. Zapatero uno, vendedor de pescado el otro, se conocieron en los alrededores de Boston y vivían humildemente soportando las condiciones laborales que imponía el sistema norteamericano en aquellos tiempos sobre todo a los inmigrantes. Pensando en reivindicaciones se unieron a un grupo anarquista. El 15 de abril de 1920 fueron encarcelados, acusados de asesinato y robo a mano armada.
Durante el juicio no se aportaron pruebas contundentes que los inculpara, sin embargo fueron condenados a morir en la silla eléctrica. La sentencia generó protestas de grandes sectores sociales y el aplazamiento de la ejecución varias veces, pero el 23 de agosto de 1927 se hizo efectiva en Massachusetts. Cincuenta años después, Mitchell S. Dukakis, entonces gobernador de ese Estado, rehabilitó la memoria de los dos italianos y reconoció formalmente que Sacco y Vanzetti eran inocentes.

Con (por orden de aparición):
Fabián Vena, Walter Quiroz, Magela Zanotta, Maia Francia, Ricardo Díaz Mourelle, Jorge D’Elía, Luis Ziembrowski, Cristina Fernández, Daniel Toppino, Gustavo Pardi, Horacio Roca, Agustín Rittano
Reemplazos en gira: Luis Ziembrowski por Alfredo Zenobi y Magela Zanotta por Monina Bonelli

Músicos:
Paula Pomeraniec (cello y voz), Daniel Gilardi (bajo, percusión y voz), Matías Grinberg (guitarra, bajo y flauta), Gaspar Scabuzzo (piano, acordeón, voz y preparación vocal)

Voz en Off: Horacio Peña

Asistencia de dirección: Matías López Stordeur 

Producción TNC: Santiago Carranza
Fotografía: Gustavo Gorrini / Mauricio Caceres
Diseño gráfico: Verónica Duh / Ana Dulce Collados 

Iluminación: Pedro Zambrelli
Vestuario: Mini Zuccheri
Escenografía: Nicolás Nanni

Música original y dirección musical: Gabriel Senanes   

Dirección: Mariano Dossena

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Una brujita con valores

Una brujita
Gacetilla:
“Una brujita con valores”. Comedia Musical infantil que promueve valores como la solidaridad, la bondad, el compañerismo, la humildad, la empatía, el esfuerzo y la creatividad, entre otros.Había una vez una bruja. La del cuento de Hansel y Gretel, que se queda sin empleo. Mediante hechizos maléficos y sin esfuerzo, intenta obtener un nuevo empleo. Esto, por supuesto no le da resultado. Unos buenos muñecos serán los encargados de guiarla y acompañarla para cambiar su forma de ser. Y le ofrecen contratarla para dar u show con la condición que deje de ser una bruja y vanidosa y se convierta en una bruja buena y con buenos modales. ¿Podrán encontrar en el duro corazón de esta bruja valores que enriquezcan su vida para siempre?
Idea: Paula Vázquez
Actúan: Gabriela Cairo, Rocìo Gottfied, Keyra Giselle Marcos, Cesar Ramirez, Brenda Sanchez
Dirección general: Paula Vázquez
Clasificaciones: Musical infantil
Domingo, Lunes, Martes, Miércoles, Jueves, Viernes y Sábado – 16:00 hs – Hasta el 03/05/2020
Transmisión por streaming.
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Desde Chile: varias propuestas de la Corporación Cultural Quilicura´s

Corporacion Cultural Quilicura´s

Gacetilla:

Esta es la historia de un patio contada y cantada por tres niños que ahí juegan mientras descubren la vida y crecen. Tres hermanos aventureros viajando por su jardín, de día y de noche, por encima y por debajo de la tierra. Una expedición que los enfrentará a la magia del ciclo de la vida.

Maderas, vasos, bolsas, luces y otros objetos se van transformando en escena en distintos personajes que acompañan ese tránsito.

Tum es la tercera obra que la compañía Teatro de Ocasión estrena para la primera infancia, después de Una mañanita partí… y El viaje redondo. Acá decidieron ampliar los temas que tradicionalmente abordan los montajes para niños de hasta 6 años. “Hablamos de la vida y la muerte y no es lo más usual tratar ese tema en una obra para los más chicos. Hay muchos tabúes alrededor de la muerte y el desafío ha sido abordarlo desde un lado luminoso y universal, de una manera natural, con un poco de misterio y misticismo”, cuenta Tita Iacobelli, directora de la obra.

La compañía suele trabajar con directores invitados, como Tita, para ” experimentar y avanzar hacia lugares que no conocemos y que se nos hacen atractivos”, cuenta Fernanda Carrasco, actriz del grupo, conocida también por haber sido parte de la banda La Mano Ajena.

El montaje fue creado en una residencia de la compañía en GAM.

Intérpretes: María Fernanda Carrasco, César Espinoza, Álvaro Sáez.
Dirección: Tita Iacobelli.
Teatro Infantil.
Viernes – 12:00 hs y 18:00 hs – 24/04/2020
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Entrevista a Maxi Legnani

Maxi Legnani

Mañana domingo estaremos de estreno por Instagram. Sí, así les digo. Por eso entrevisté a Maxi Legnani (uno de los organizadores de Leer en casa) para preguntarle sobre este proyecto, en medio de todo el caos que se está viviendo a nivel mundial.

¿Cómo se ponen de acuerdo con Juan Parodi para generar esta movida de lecturas por streaming?

Esto empezó de una manera inesperada, a partir de una inquietud -un twit en el que yo arrobé, el jueves, a varias personas del mundo artístico, diciéndoles: ya que los músicos están haciendo todo lo que están haciendo, ¿por qué actores y directores no hacen algo? Y ahí nos empezamos a hablar con varios (fundamentalmente con Juan Parodi) y empezamos a armar esto que va a tener una primera edición mañana, va a tener otra el 24 de marzo (súper especial por esa fecha) y otras lecturas por delante. 

¿Hasta hace dos meses atrás podrías haber imaginado una situación como la que se está viviendo?

Obviamente que nadie pudo haber imaginado esto, salvo alguien que estudie en China, pero esto fue subestimado hasta por Europa y Estados Unidos (por eso están como están). Así que tratamos de darle una alternativa a esta ausencia de teatro que es como lo que creemos que es fundamental. 

¿El arte y la cultura realmente sanan y salvan?

Sí. Yo creo que sanan y salvan, absolutamente. Sin arte… y más en estas situaciones, que son de impacto, de ruptura y de llamamiento a la reflexión… el arte nos ilumina, nos impulsa, nos sostiene, nos energiza, nos permite conectarnos con algo de nosotros mismos que es superador, que es inspirador y que, a veces, nos sostiene. Creo que esto para los que lo van a hacer, necesitan seguir expresando, como para el público; puede ser una herramienta desde la gratuidad y desde el casi pleno acceso para todo el mundo (que tenga internet y cuenta de instagram). Una herramienta de encuentro. 

¿Cómo te imaginás el después del virus respecto del mundo artístico? ¿Podés visualizar qué cosas modificarías desde tu lugar?

Las cosas que yo creo que habría que modificar son las que tienen que ver con las desigualdades. Este virus es un virus igualitario -decía bien hoy Eduardo Aliverti en su editorial-; y creo que lo que propone es que hay que hacer un mundo más igualitario donde nos podamos encontrar con las cosas fundamentales y no con las distractoras. Es decir, que el arte tenga más preeminencia a la que tiene el consumo, por ejemplo. El encuentro y el poder estar con el otro, más que los likes y los seguidores, etc. 

¿Tener la oportunidad de crear te permite estar en este momento un poco más abstraído y a salvo? 

Sentir a salvo, sentirnos vivos (yo soy poeta además de periodista). Por más que yo trabajo todos los días en radio y televisión (que ahora a la tele estoy yendo alternativamente, un día sí y un día no), esto me dio una alegría, una energía y entusiasmo que les pasa a todos los que van a participar. 

Ya quiero que sea domingo para disfrutar de tantos talentos. ¿Ya tienen algún cronograma sobre futuras lecturas?

El 24 de marzo van a leer artistas impresionantes como: Osmar Nuñez, Claudio Tolcachir, Mirta Busnelli, Joaquín Furriel; así que se prepara algo maravilloso. Y nos gusta, también, que esta edición tenga una gran presencia femenina (casi absoluta, casi un 90 por ciento); y toda la gente que va a leer es gente que merece que uno la escuche durante horas y horas. 

Me gustaría agradecer a cada uno de los artistas (además de a Juan Parodi, que es compañero de trabajo, a Analía Sánchez que trabaja con la prensa, y a Pablo Shiff que colabora con cosas técnicas) por el compromiso y la generosidad. Les quiero agradecer porque es un gesto humano y ciudadano hermoso. 

Mariela Verónica Gagliardi

 

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Mi primer amor fue una cereza

miprimeramorfueunacereza

Autoría: Cristina Merelli

Actúan: Gerardo Schwartzman

Dirección: Cristina Merelli

Duración: 60 minutos

Clasificaciones: Teatro, Adultos

CASA DE LA HISTORIA Y LA CULTURA DEL BICENTENARIO EVA DUARTE DE PERÓN

General Roca 644 – El Bolsón – Río Negro

Argentina

Entrada: $ 250,00 – Miércoles – 22:00 hs – Hasta el 26/02/2020

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Aeroplanos, dirigida por Héctor Calori

aeroplanos

Autoría: Carlos Gorostiza

Actúan: Héctor Calori, Guillermo Marcos

Dirección: Héctor Calori

Duración: 75 minutos

Clasificaciones: Teatro, Adultos

MULTIESCENA CPM

Av. Corrientes 1764 – CABA

Argentina

29/01/2020

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Relax

Llegué para irme

Es cierto que vivimos en una sociedad enferma pero, ¿de quién es la culpa?

No tendría mucho sentido hablar de porcentajes personas psicoanalizadas porque, por lo general, los estudios se aplican a un sector de la población, motivo por el cual ya sería discriminativo.

Pero, se puede hacer el ejercicio de preguntarle a los propios vecinos si son felices, sin tienen algún trauma o padecimiento y, notarán, cómo se llevan la ingrata sorpresa… la felicidad no estaría existiendo en nuestro país. 

Por lo pronto, Llegué para irme (del histriónico, ejemplar, talentoso, comediante, director y clown, Gabriel Chamé Buendia) es un álbum de fotografías. ¿Por qué digo esto? Porque el artista logra capturar extractos necesarios y sorprendentes de lo cotidiano.

Relax es lo que clama para sí mismo y, cuando no lo consigue, nos pide que le tiremos la energía tranquilizante. 

Una puesta entretenida, gratamente movilizante (no solo por el sinfín de rutinas físicas desarrolladas a lo largo de la obra de teatro, sino por el gran sacudón que nos da) y a simple vista superflua. Me quedo con esto último para explayar.

Gabriel supo trazar una delgada línea entre lo que dice y el cómo lo dice, entonces el público realmente puede ser diverso completamente. No hay que pensar de una determinada manera y votar a o sentir cómo. Al menos al principio del espectáculo. Porque una vez que se transita esta aventura, ya no es posible salir corriendo en busca de piedad.

“Piola”, el personaje interpretado necesita descansar, dormir. Pero nunca fue tan difícil lograrlo. A partir de su insomnio, provocado por una cama que no funciona como tal, se irán desplegando muchísimas situaciones cómicas. Claro que no todo es risas, sino también (como todo comediante) sabe cómo interpelar a la angustia, al quiebre necesario para que Llegué para irme no sea un simple reír incesante.

Dicho título marca un estado de ansiedad patológica que padecemos todos los que respiramos en la Ciudad. Ya no es posible hablar de tranquilidad, armonía y paz. Al menos no certeramente. Quienes más relajados se ven, posiblemente estén consumiendo alguna pastillita que los ayude.

El estado de tensión, el ajetreo constante, el nivel de estrés y los nervios contagiados (justamente por la vorágine citadina) hacen que lo disfrutable no llegue a ser óptimo. 

¿Cómo se puede romper con lo enfermizo entonces?

Creo que suelto al aire la fórmula casi perfecta: haciendo teatro, yendo al teatro, participando de todo lo referido al teatro. 

Todo lo referido al arte y cultura nos rescate del sistema capitalista, de todo lo nocivo y nos abre una ventana infinita de oportunidades.

Viendo este espectáculo, apto para toda la familia, podrán comprender muchas cosas e incluso llevarse la sonrisa pintada en el corazón.

Música, saltos, brincos, rutinas vertiginosas, saltos y saltos que agotan, ejercitan y permiten volver a la búsqueda de algún documento, correspondencia y enlazar todo hasta estallar en carcajadas salvajes.

Los estados de ánimo varían de un segundo a otro, su cuerpo no para de sorprenderse y toda la “normalidad” se mantiene en stand by.

Resulta increíble cómo durante una noche pueden pasar tantos acontecimientos imposibles de sortear. No le queda otra que hacerles frente, abrazarlos y seguir adelante como sea.

Todos llegamos para irnos pero no con la intención de irnos sino de permanecer, ¿no?

El género clownesco tiene la particularidad de volver a la infancia y, desde allí, sentir como niño aún en cuerpo de adulto. Por eso puede contarnos sus pesares sin generar tabúes; y, ya que está, hacer terapia de grupo aún sin conocernos. Si tuviera un psicólogo en escena posiblemente le diría que todo fue culpa de su padre o de la sobreprotección de su madre. Ahondaría en su bienestar, el cual estaría sujeto al contexto, a su trabajo, a los desencuentros con su enamorada, a su necesidad por tener todo bajo control y perderlo al instante, a realmente todo lo que ocurre porque tiene que ocurrir.

Gabriel Chamé Buendia es un artista ilustrado que logra su cometido: conmover no desde las lágrimas sino desde la razón, porque el llanto cesa en algún momento pero el pensamiento reflexivo continúa como un motor encendido.

Eso es: chispas que brotan incesantemente, pidiendo auxilio para salir ileso. ¿Una horca? No, al menos por ahora no. Tocar un instrumento, calmar a la fiera, serenarse y “relax”, que un hombre no puede frenar al mundo pero sí correrse a un lado y seguir a su propio ritmo.

Llegué para irme foto SAT

Dramaturgia: Gabriel Chamé Buendia y Alain Grautre
Última función: domingo 17 de Noviembre, 18 hs
Sala Caras y Caretas 2037 (Sarmiento 2037 - CABA)

Mariela Verónica Gagliardi

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Hasta que la sombra se proyecte

Aceite de mariposa1

Hay obras que pasan al lado nuestro mostrándonos determinadas realidades y, otras, que nos atraviesan transversalmente para generar un cambio de pensar y ver las cosas (al menos desde la óptica de la dramaturgia).

Aceite de mariposa (escrita por Thelma Demarchi y Ricardo Lago Oliveira, dirigida por este último y protagonizada por Thelma Demarchi) es una de esas historias del segundo tipo, porque de manera íntima y cercana nos narra algo tan real como certero, algo que cobra vuelo y nos moviliza tanto que conseguimos sentir lo que el personaje siente, pensar lo que dice, callar lo que su boca silencia y terminar soñando con un futuro en el que no se imponga una verdad sino muchas. Permitiendo la existencia no de una voz sino todas.

¿Quién es esta mujer que permanece sentada hablando de su pasado?

Esta respuesta podría obtener múltiples respuestas ya que todas las espectadoras somos diferentes, tenemos vivencias distintas y, por ende, nuestros recuerdos no son idénticos. Hablo en femenino no porque el unipersonal no pueda ser visto por hombres, todo lo contrario. Sino porque una de las temáticas de la pieza artística tiene que ver con nosotras, con la maternidad, con el hacerse cargo, con el no poder siempre, con el desbordar-se. 

Un hombre que se retrata como el abandono mismo, una madre que acapara, absorbe, condena y, quizás, a su manera ayude o perjudique. Una joven que busca el amor por donde sea y como sea. Que aguanta con tal de sentir cariño. Que se conforma con instantes, los cuales, posiblemente, la hundan más. 

Esta mujer que está rígidamente sentada, habla, cuenta… nos busca como testigos de su gran padecimiento que se centra, básicamente, en soportar estar viva. 

¿Cómo tolerar la existencia cuando no se hace un recorrido de auto conocimiento?

A veces los humanos pretendemos sacudir a alguien con nuestro dolor, pero este no es el caso. Ella no quiere llamar la atención, sino relatar una gran cantidad de años que la hicieron atravesar una montaña rusa tan digna como escalofriante. A quienes no sobreviven, pero ella sí. Y acá me detengo para comentarles que siempre que estemos ante la disyuntiva de tomar un camino fácil o difícil, tenemos la mayor herramienta llamada valor para hacerlo. Porque es simple tirar todo por el aire y hacer que explota, pero ella no pretende eso sino renacer como el famoso Ave Fénix, y no desde sus cenizas sino desde el dolor, el abandono, la tristeza, la creación y utilizar la razón para pegar cada partecita de su pasado… como un collage en el que todas las piezas son importantes. 

Algo muy estético y que suma es el tema de la iluminación, la cual va cambiando sus tonalidades de acuerdo a la escena que se desarrolle. Este detalle integra a la obra, uniendo la suma de las partes y manteniendo al público absorto.

Mientras tanto, la mariposa vive al máximo sus horas porque su permanencia en este mundo es breve. O, tal vez, la necesaria para exprimirla al máximo. 

Porque hay quien respira sin saber por qué ni para qué. Como si los días tuvieran que transcurrir delante suyo, como espectador de su propia vida. Pero, hay quien toma las riendas de su vida y cabalga junto a ella, sumergiéndose tanto como sus fuerzas se lo permitan.

¿Quién tiene la verdad? ¿Existe acaso?

Cuando el aceite se consuma, la oscuridad será plena y absoluta. Para ese entonces, la mujer deberá decidir si lamentarse o seguir adelante con un propósito. Por suerte, ella aprehende, se manifiesta, cobra valor y esperanza de un futuro en el que las cosas no sucederán simplemente por azar sino por un fin determinado.

Con un llanto desgarrador, seria, sonriente y tan cambiante como quien se busca; todo llega a su fin. Su recorrido también. Por suerte, el aceite de mariposa no se apaga como una vela. Permanece hasta que todo está dicho. Solo así víctimas o victimarios surgen. Cada quien juzgará u observará. Señalará con el dedo índice o guardará respecto porque aquel que no pudo y ahora puede; por quien siempre puede pero ahora decide correrse a un lado, por quien jamás se desplazará a menos que se lo ordenemos.

Aceite de mariposa es un drama que se vive a flor de piel, maravilloso, muy bien interpretado y con todo lo que una puesta en escena tiene que tener para atravesar la cuarta pared.

Mariela Verónica Gagliardi

Dramaturgia: Thelma Demarchi y Ricardo Lago Oliveira
Actúa: Thelma Demarchi
Dirección: Ricardo Lago Oliveira
Funciones: Domingos, 17 hs. Hasta el 24/11
Espacio Tole Tole (Pasteur 683 - CABA)

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