SABOR A TEATRO

Barbro Lindgren es la autora de esta bella y conmovedora historia -adaptada a obra de teatro-, llamada «Historia de un pequeño hombrecito» (Sagan om den lilla farbrorn) que ya está llegando al final de sus funciones en esta nueva temporada de invierno.

Llegamos, descendimos las escaleras y ahí estaba él, tan ansioso como adulto, tan alegre como idílico, tan pequeño como enorme.

Fernando Álvarez es el portador de un esbelto cuerpo que nos abraza y traslada a la niñez -presentando situaciones totalmente reales por las que todos hemos pasado-. Aquel nene que solo, sufre por no tener con quien pasar las tardes, con quien jugar, con quien reír.

Pero, este niño no es malvado ni perverso, sino que no ha tenido la oportunidad de conocer a otros y darles todo el amor que lleva en su corazón. Su humildad y ternura atraerán a un perro, con quien muy pronto se entenderá. Aunque, necesitará a alguien de su especie para comunicarse completamente. Para ello, aparecerá una niña que en un primer momento acaparará la atención del animal, sin darse cuenta de esto.

La particularidad del hombrecito es que duerme sobre un baúl, al parecer en la calle, sufriendo frío -además de tristeza y desamparo-. Es un alma abandonada que, por suerte, encuentra y conserva fielmente como un perro, el cariño que se le va presentando.

Él es capaz de cubrir con su amor todas las necedades del mundo y de dar sin esperar algo a cambio.

Los días, las noches, transcurrirán velozmente y el pequeño entenderá que para conseguir algo que desea, debe pedírselo a la vida, al cielo, al universo. Pero para eso tiene un pizarrón y cada anhelo será escrito allí, para reforzar su convicción.

Su simpatía lo mostrará trasladándose de un lugar a otro -nadando con diferentes estilos- como quien juega sin cesar, respirando como si se tratara de la última partículas de aire.

Esto es lo que se entiende de Historia de un pequeño hombrecito, la valoración del tiempo y, por ende, de la vida.

Claro que el niño no puede descubrir determinadas cuestiones profundas porque su corta edad aún no le ha enseñado. Pero se trata de un pequeño hombrecito que se luce alto y grande. Un pequeño en busca de compañía de cualquier índole. Solo le falta dialogar con las plantas como para que se sienta el vacío que lo invade.

Un hombre no siempre tiene el valor de transmitir lo que siente… un chico sí. La sinceridad entre uno y otro es abismal. Lo que el mundo de los adultos suele resaltar es la transparencia que caracteriza a los infantes, aunque -contradictoriamente- no estén preparados para recibir crudas verdades.

El compañerismo, la solidaridad y el amor son mostrados como nobles; otorgándole a la historia aquellos valores de antaño. Y, a decir verdad, Lindgren escribe este cuento en 1979, año en que ocurre un hito histórico: Suecia deja de considerar una enfermedad a la homosexualidad.

En dicha obra no existe vínculo con la homofobia o inclinaciones sexuales pero, sí, con lo liviana que se siente una persona al mostrarse como es -sin tener que ocultar sus miedos o vergüenzas, detrás de una careta-.

Cada melodía pinta una escena diferente y que conlleva a lo mismo: la amistad y unión entre dispares, de los que se puede aprender, copiar, imitar y enseñar.

Enseñar sin restringir. Aprender sin juzgar. Imitar sin burlar. Copiar, admirando.

Mariela Verónica Gagliardi

Los clásicos de William Shakespeare no aburren ni cansan ni pasan de moda. En todo el mundo se representan y, sin lugar a dudas, Romeo y Julieta es el más querido.

El amor antes y ahora, en el renacimiento y en la contemporaneidad continúa siendo tema de suspiros, angustias y dolencias.

Qué sería de los enamorados sin la pasión?

Julia Gárriz y Emiliano Dionisi llevan a la práctica una versión excelente y súper entretenida de Romeo y Julieta que la suponen de bolsillo. Estos talentosos actores pertenecen a la Compañía Criolla y logran lo que ningún otro elenco en lo que va del festival ha conseguido: que el público se enganche con los códigos establecidos por ellos, conformando un feedback constante.

Esta función fue muy especial y agradable ya que se realizó en el Barrio Guillermo Lehmann, permitiéndoles a los vecinos sumarse a la movida cultural a tan sólo unos pasos de sus casas. Claro que quienes quisieron, también, ingresaron a la sala para disfrutar.

He aquí el agradecimiento de un barrio humilde que goza de la cultura. Y no los subestimo en absoluto. Simplemente lo resalto porque llenaron el espacio con su alegría y todas las sillas y piso dejaron de existir para convertirse en comunidad.

Mientras Julia interpretó a una Julieta femenina pero a la vez grosera, simpática pero también odiosa; demostró la humanidad en un cuerpo de mujer y que -de cierto modo- se puede hablar con un léxico actual el cual, en definitiva, consigue un mayor acercamiento con los niños que el distinguido usted.

El escenario dotado de una simple escenografía, la cual incluye un pizarrón y telas negras que simulan paredes, determinan y justifican que desde lo más simple y creativo se puede construir. Que no hace falta ni es necesario un gran despliegue para conmover al público. Y que, Emiliano Dionisi al adaptar y dirigir, además de actuar, cuenta con una inteligencia privilegiada.

Su sensibilidad arrasa, su porte lo convierte en el Romeo de fines del 1500 escrito por Shakespeare pero, desde luego, en un ejemplo de masculinidad, de caballerosidad y de humildad ante su amada.

Todos conocemos la historia que enfrenta a los Montesco y los Capuleto. El terrible desenlace en que se envenena esta pareja cuando su amor es impedido. Las muertes que suceden a sus alrededores y la impotencia que provoca el final infeliz.

Lo acertado es mostrarle al espectador cada segmento trágico, burlándose de él y dándole una alternativa más suspicaz, graciosa y relajante. En definitiva, Dionisi, rompe el paradigma del amor trágico para reemplazarlo por un amor feliz. Deja de centrarse en el qué dirán para trazar su propio camino.

Asombra cómo ambos traen a escena a los personajes de la narración sin precisar de más elenco. Son dos, pero son ellos dos.

Esta historia es la que cualquier niño y adulto quisiera leer y presenciar siempre. Esta versión deliciosa que llega al corazón y nos hace aplaudirlos de pie, rozando una mano con la otra, al unísono.

Es la primera obra del Festival de Rafaela que emociona por completo y no quedan dudas de ello. La evidencia es este hermoso barrio que ingresó con una sonrisa pintada en el rostro y compuso una canción de carcajadas que se escuchó a lo largo de la cuadra. De hecho, al salir, un hombre me hizo hincapié en las risas y solicitó información de la próxima función.

Qué opinar o decir de una dramaturgia tan perfecta a la que ni le falta ni sobra nada.

Se preguntarán para qué existe el pizarrón. Simplemente para dibujar a ciertos personajes o situaciones, explicar escenas y, así, conseguir más complicidad con nosotros.

El baile, las canciones y la actuación la convierten a la obra en una comedia musical. Sus vestuarios la dotan de magia y cada palabra pronunciada deja su huella en las tablas, unas tablas que la recordarán por siempre.

La risa cura, sana. Esta obra también.

Una versión de bolsillo no me agrada porque sería sinónimo de pequeñez.

La gratitud y enseñanza la convierten en una obra dramática, social, vigente y espectacular.

La risa, la cultura y el amor: sanan, nos reúnen y convierten en unidad.

Ficha artístico-técnica:
Autor: Emiliano Dionisi. Por Grupo Compañía Criolla.
Ciudad: Buenos Aires.
Actúan: Julia Garriz y Emiliano Dionisi
Vestuario y Escenografía: Marisol Castañeda
Asesor Técnico: Darío Diaco
Producción y Asesoramiento artístico: Sebastián Ezcurra
Prensa: Simkin&Franco
Director Asistente: Juan José Barocelli
Dirección General: Emiliano Dionisi
Género: Comedia
Duración: 60 minutos
Dirigida: toda la familia

Mariela Verónica Gagliardi

«Yo te vi caer» (de Santiago Loza y dirigida por Maricel Álvarez) es la obra más impactante que he visto hasta ahora en el Festival de Rafaela.

Siempre existe un género o estilo con el que empatizo más y este es el caso. Es como si una dramaturgia fuese escrita especialmente para mí, dedicada a mí así como cuando pedimos con euforia un autógrafo a nuestro artista favorito.

La sala del teatro La Máscara, por suerte, estaba llenísima y tuve que ir al piso. Digo por suerte porque me pone feliz que una obra sea presenciada por tanta gente y, además, porque tuve el privilegio de estar a pasos de ella (Diana Szeinblum) y él (Santiago Loza).

Como si el cuerpo le pesara, esta hermosa mujer busca salidas, movimientos que la liberen y hagan sentir bien. Para esto, recorrerá y adoptará diversas formas y figuras en su propia anatomía. «Aquí no hay opción», esboza una vez que cae, que siente el golpe -aquel golpe que lastima, que hiere, que nos deja atónitos, sin reflejos, con la mirada en un punto o en la nada misma-.

Cuando explica el modo en que tiene el accidente, mi garganta parece retorcerse, anudarse, llegar a su máxima intolerancia. Igualmente, disfruto de los textos de este gran dramaturgo e intento no indagar demasiado en mi propia historia, la cual, evidentemente, me remite a mi niñez.

Entre unas proyecciones, el cuerpo danzante de Diana Szeinblum y dos pantallas repitiendo la misma secuencia en blanco y negro -desde el comienzo de la obra hasta su final-, componen una historia excelente y colmada de vértigo. Y no me refiero al vértigo de mareo o de miedo a caer físicamente, sino a la situación de inestabilidad emocional que puede atravesar nuestra alma.

Y, de repente, esta dolida mujer dice: «No cierres los ojos, no hagas silencio. Todo pasa».

Esta frase no es una mera expresión referida al dolor de su cuerpo que se desvaneció, sin querer, por torpeza; sino que apunta a la soledad y a la necesidad de contar con un ser amado en ese momento.

Ella, lo llama en silencio, ya que su boca no puede expresar palabras y, él, aparece, la acompaña y la rodea como precisa.

Lo interesante es que no vemos ninguna de estas situaciones sino que, indefectiblemente, las graficamos en nuestra mente -al mismo tiempo que contamos con la oratoria de los dos actores-, quienes se encargan de ejemplificar caídas, soledades y vacíos.

Seguramente, el espectador, pierda en algún momento el hilo conductor de la historia, lo cual me parece lógico. Pero hay que aprender a separar las situaciones, los momentos y unir solo cuando es necesario.

«Yo te vi caer» es una exposición e indagación a nuestro interior. Ella fue quien tuvo el golpe y él quien estuvo allí, en ese momento; pero esta no es la única situación presente en la obra. Ese momento es una suerte de desenlace.

Lo que verdaderamente importa es el sentido que los artistas le quisieron dar -junto a su directora- y en torno a quién gira la pieza teatral.

Según palabras de Maricel Álvarez, la obra esta dedicada al artista Bas Jan Ader (1942- 1975 desaparecido en el mar) y una celebración a su trayectoria. Para «Yo te vi caer», toman la esencia de su material teatral y lo interpretan en escena.

Cuando uno cae no hay opción alguna, puede esbozarse. No existe la posibilidad de remontar lo ocurrido, sino esperar a que el tiempo cure la herida. Y, con respecto a esto, actualmente también se deduce que hay dolor cuando este se ve, cuando la piel demuestra cicatrices. Pero, el otro dolor, el dolor del corazón de las ausencias, de los desarraigos?

Mientras la vida le da otra oportunidad, ella deja golpear su cuerpo contra el piso de la manera más real posible. Lo logra, lo consigue. El dominio de cada una de sus partecitas, es total. Considero que hasta su pelo debe poder mover a su antojo.

«Estoy, no estoy, dejo de estar». Acaso no es así la vida? Acaso cuando dormimos no estamos de alguna manera muertos, con los estímulos necesarios para sobrevivir pero no para pensar estratégicamente?

Loza describe pequeñas historias y retoma la principal para darle la posibilidad de intercalar sus representaciones físicas con, también, la lectura de textos relacionados a la temática.

En cuanto los truenos suenan, su cuerpo se desvanece nuevamente. Ella no ha caído mil veces, sino las necesarias para experimentar cual fue la correcta y de qué modo convenía colocarse para salir menos dañada.

Una niña aparece en el último video del teatro, moviéndose armoniosamente, sanamente, felizmente.

Ella probablemente, aún, no ha tenido que atravesar el camino del dolor, de ese dolor que te derrama lágrimas, quemándote por completo, hasta conseguir secarte para luego mojarte incansablemente.

Ficha artístico-técnica:
Autor: Santiago Loza. Por Grupo Acido Carmín
Ciudad: Buenos Aires
Un proyecto de Maricel Álvarez, Santiago Loza y Diana Szeinblum
Texto: Santiago Loza
Puesta en escena y dirección: Maricel Álvarez
Interpretación: Diana Szeinblum y Santiago Loza.
Música y dispositivo sonoro: Marcelo Martínez
Video y Fotografías: Nora Lezano
Coreografía: Diana Szeinblum
Luces: Lautaro Graciosi
Edición de video: Vasko Films
Diseño gráfico: Leandro Ibarra
Diseño de mobiliario escénico: Analía Espiga
Responsable de montaje escenográfico: Martín Gross
Operación de video y Asistente de dirección: Amalia Tercelan
Asistente de dirección: Felicitas Luna
Puesta en escena y dirección: Maricel Álvarez.
Se proyectan fragmentos de las siguientes obras de Bas Jan Ader: Fall I, Fall II, Broken Fall (organic) y Broken Fall (geometric).
Género: Performance
Duración: 50 minutos
Dirigida: público adulto

Mariela Verónica Gagliardi

Mientras un acordeón, un violín, un cello, una trompeta y la percusión, entre algunos de los instrumentos; empezaron a interpretar melodías circenses, él, hizo su aparición.

Como salido de un cuento para niños, el típico personaje encantador y lleno de energía, amenizó e hizo de presentador durante la obra «Sanos y salvos» (de y dirigida por Gerardo Hochman) -convirtiéndose en su personaje principal-. Pero, irrumpe de repente, un grupo de acróbatas que deleitarán con sus movimientos al público presente.

Lo que más llama la atención es el dominio que tiene cada uno de su cuerpo, dotándolo de gracia y espontaneidad. La Compañía Arena está conformada por diez artistas que, secuencialmente, simulan volar y convertirse en aves, reptiles y cualquier otro tipo de animales que deseen copiar. Un conjunto de músculos giran, se contornean, saltan, bailan, sorprenden y caen. De hecho, no se trata de cualquier espectáculo de acrobacia humorístico; sino de un grupo dirigido por Hochman que se arriesga y juega, constantemente, con el equilibrio, el vértigo y la alegría.

Cuando una performance comienza, el joven que se siente pájaro vuelve a aparecer, intentando imitar movimientos o destrezas sin lograrás en absoluto. No es que no tenga las condiciones de hacerlo, sino que en toda puesta circense siempre tienen que existir personajes antagónicos y él oficia de tonto. Un tonto que demuestra ni serlo y que se muestra, de a poco, como el más soñador de todos.

Además de las acrobacias y de la pequeña orquesta presente, van desenvolviendo una serie de sonidos con aros gigantes, entre otros objetos escogidos. Sanos y salvos trata de los sueños y esperanzas, de lo imposible, de todo aquello que intentamos y no nos animamos perseguir. Por otro lado, se valoriza el cuerpo femenino, tratándolo -artísticamente- como belleza, como símbolo de libertad y de añoranza. Dos de las acróbatas muestran sus senos, acompañados por tatuajes en sus pieles que marcan un sello distintivo, podría decirse de revelación y autoestima. Ellas son lo que muestran: arte.

Y como si fuera poco todo lo representado, uno de los artistas aparece con una rueda enorme, sobre la que se ata los pies y gira de una y otra manera, de muchas maneras, rompiendo con todas las leyes de la física.

Si bien este espectáculo dura alrededor de una hora, hay un sinfín de pruebas que le permiten al espectador, observar la que prefiera sin por eso perder el hilo de la historia. Una historia que como base argumental intenta reflejar las trabas que cualquier humano se pone, antes de sin siquiera intentarlo. Como símbolo de esto vemos una jaula en el escenario, vacía pero llena de imaginación.

El niño-ave hará lo posible para ingresar en ella, aunque deberán ocurrir determinadas situaciones como para que se aprende y quepa en ella. Una vez metido en ésta, se irá desplazando sin parar hasta que su adrenalina baje y el telón se cierre.

Qué es lo que jamás debe faltar en un show integrado por tantos números? La complicidad con cada uno de nosotros. Para ello, podremos seguir la aventura por dos pantallas gigantes o convertirnos, también, en contorsionistas siguiendo con mirada y cuerpo todo el recorrido realizado por el pájaro. No crean que opaca al resto de los intérpretes porque cada uno tiene su momento para lucirse. Él vendría a ser una suerte de bufón, súper simpático y agradable, con quien quisiéramos pasar horas riendo.

Qué lindo es reír! Sobre todo cuando sabemos que estamos sanos y salvos.

Ficha artístico-técnica: Autor: Gerardo Hochman por Grupo La Arena
Ciudad: Buenos Aires
Acróbatas: Mariano Carneiro, Florencia Valeri, Rodrigo Oses, Cecilia «Mane» Stancato, Javier Davis, Camille Bastos, Clara Parada, Florencia Michalewicz, Marco Ingaramo y Esteban Trinda.
Músicos: Luis Díaz Muñiz, Nicolás Porley, Manuel Katz, Sebastián Parada y Lucrecia Ortiz.
Idea y Dirección: Gerardo Hochman
Composición y Dirección musical: Omar Giammarco
Diseño de Vestuario: Laura Molina
Diseño de Iluminación: Gonzalo Córdova
Director técnico: Duilio Della Pittima
Asistente de Dirección: Hernán Paulos / Florencia Gonzales
Asistente de vestuario: Carolina Ferraiuolo
Fotografía: Hernán Paulos
Producción Ejecutiva: Mariana Markowiecki
Producción General: Mininafund S.A.
Gnero: Nuevo circo
Duración: 75 minutos
Dirigida: toda la familia

Mariela Verónica Gagliardi

Greta (María Laura Dayer) es la encargada de llevar a cabo un proyecto que consiste en hacer una bandera, la cual será muy importante para la creación de Landia. Dicha bandera tardará en realizarse ya que tendrán que consultarle a gráficos, sociólogos y hasta a politólogos.

Lo que ella y su grupo -escogido especialmente para este misión- no se da cuenta es lo complicado que resulta hacerse cargo de un país -sobre todo cuando éste se desea que tenga reglas totalmente diferentes a las del resto-.

Ni bien comienza la obra «Proyecto Landia» (escrita por Ariel Dávila y dirigida por Gonzalo Marull), un Sacerdote (Gustavo Mondino) nos da la bienvenida, contándonos que estaremos en presencia de un Triunvirato y toda la labor que tendrán que desarrollar en conjunto.

La escenografía nos marca que estamos dentro de una iglesia y las ventanas características de convento alojarán a estos seres tan dispares, extravagantes y exagerados, los cuales no descansarán hasta intentar todo lo posible por fundar su nación. Aquella que tanto soñaron.

Todos los datos, hasta el más simple, son chequeados con el celular vía internet; dotando a la historia de un condicionamiento atroz hacia la tecnología. Haciendo que cada cuestión deba ser consultada con el buscador google.

En Landia no hay desigualdad porque dicen sus futuros habitantes que no existen los errores.

También, deben considerar la creación de un idioma y dicho Cura confirma que todos son asuntos semánticos, lo cual resulta cierto.

La historia se divide en tres escenas: el origen de una bandera, luego de la Nación y, por último, una explicación acerca de google.

Pero, volvamos a la bandera. Ésta por el momento es transparente y con un algoritmo. Dicha fórmula no es un dibujo sino la posibilidad de resolverlo. Igualmente, la resolución del mismo, no los convertirá en héroes sino en más ambiciosos.

Así como los efectos sonoros marcan la evolución de la obra, existen ciertos imprevistos relacionados a grupos opositores acerca del origen y conformación de Landia. Pero, también, Greta se revelará contra el sistema intentando ganar protagonismo. En fin, la locura los que envolverá, enfrentará y hasta habrá muertos y heridos, cuya sangre será simbolizada con pétalos de rosas.

«En Landia no hay lugar para los débiles», confirma el Sacerdote. Pero está obviando que se trata de seres humanos adictos a Internet -más específicamente a google-.

Entre tantos disturbios, la misión es dejada de lado y proceden a un Programa de pacificación mental.

Aunque sus mentes, en realidad sus cerebros, hicieron tal corto circuito que no lograrán cumplir con sus propósitos del todo.

Los egos y protagonismos siempre existieron y existirán. La tiranía de quien conduce la misión -que no es nada nada más ni nada menos que un emisor de dios-, demostrará que no está dispuesto a compartir el poder ciudadano con nadie ni a cooperar para que la paz sea la principal meta.

La moraleja o enseñanza de esta pieza teatral es, justamente, la falta de solidaridad que existe desde que el hombre fue dotado del sello de ciudadano, permitiéndoles subordinar a los más desposeídos.

Landia no será excepción de nada. El utopismo quedará suspendido en el aire y las banderas flamearán pidiendo participación, igualdad y fraternidad. Por algo están finamente pintados los colores rojo y azul tan invisiblemente como la transparencia que los contiene. Una transparencia que, por el momento, no está presente en este lugar.

Ficha artístico-técnica:
Autor: De Ariel Dávila por Grupo Plan Federal
Ciudad: Rafaela
Elenco: Gustavo Mondino, Silvit Yori, Marcelo Gieco, Marcela Bailetti, Laura Dayer, Alejandro Adrián Barbero y Gerardo Gerez.
Música: Jerónimo Rubino / Facundo Rubino
Asesoramiento en iluminación: Leandra Rodríguez
Escenografía: Carlos Araneda
Realización de escenografía: Daniel Stoffel
Vestuario: Carlos Araneda / Gustavo Mondino
Realización de vestuario: Eva Manatini
Producción Ejecutiva por el T.N.C.: Dora Milea
Asistente de dirección: María Acosta
Dirección: Gonzalo Marull
Género: Comedia dramática
Duración: 70 minutos
Dirigida: público adulto

Mariela Verónica Gagliardi 

El acto de apertura del Festival de Teatro de Rafaela se hizo desear mientras la cola del kiosco aumentaba sin parar. Es que las actividades no dejan un respiro y son continuadas, motivo por el cual hay que hacerse de las provisiones necesarias como para no tener antojos.

Después de que el presentador del acto hiciera una introducción y racconto de ediciones anteriores, la sala llena del teatro aplaudió y se emocionó muchísimo. No sólo se cumplen diez años de uno de los eventos culturales más importantes del país, sino que hace poco partió uno de los organizadores, Sebastián Zoppi, y el corazón de cada uno de nosotros se partió en mil pedazos. Con él quedaron enseñanzas, amor y todo el talento. Imposible no llorar y recordarlo.

Para homenajearlo se mostró un video con imágenes y escenas seleccionadas durante toda su carrera como actor. Aplausos y más lágrimas se conjugaron en ese momento.

Tuvieron la palabra: el Vice gobernador de Santa Fe, Jorge Henn; el Secretario de Cultura, Marcelo Allasino, el Intendente de la Ciudad, Luis Castellano y el Director ejecutivo del Instituto Nacional del Teatro. Los cuatro portavoces, hicieron discursos breves y plagados de empatía. Ellos, supieron humanizar lo que, en general, el oficialismo no logra.

«La actividad teatral es una actividad colectiva», mencionó Parodi, haciendo alusión a la unión para conseguir un fin determinado. Luego, continuó afirmando que «tenemos que seguir trabajando para que el espectador deje de espectar y pase a la acción». 

A estas palabras se sumó el Vice gobernador, mencionando que «donde hay teatro hay solidaridad». 

Mientras que Castellano dejó que hable su corazón: «siento un enorme orgullo al ver la sala de arriba y abajo llenas». Y, no hay dudas de su gestión ya que tan sólo verlo caminar por la calle y saludar a todos sus vecinos, lo demuestra.

El secretario de Cultura abordó temáticas comprometidas con la sociedad, comprometiéndose a dar resultados. «Nos une desde los distintos modos de ver la cultura» y, también, justifica que existe algo muy importante como para que él y su equipo puedan desarrollar políticas: «Hay aquí pasión rafaelina». «Trabajamos desde la racionalidad», continúa diciendo el Secretario. «Puede resultar rara la relación entre política y amor». «Este festival es una muestra palpable, concreta. No es la única». En cuanto a gestionar cultura, Allasino, explica a qué apunta y que esta acción dista mucho de organizar tan sólo una agenda con actividades. Se trata de accionar y funcionar como motor de ideas palpables.

Luego de la exposición de cada uno de los políticos, se dio pie a la segunda obra de teatro titulada «Sanos y salvos».

Mariela Verónica Gagliardi