*** SEPTIEMBRE 2025 ***

yoAutor: Cristina Escofet // Interprete: Lorena Vega // Músicos: Sebastián Guevara, Agustín Flores Muñoz y Malena Zuelgaray // Música Original y Arreglos Musicales: Sebastián Guevara, Agustín Flores Muñoz y Malena Zuelgaray // Dirección Musical: Agustín Flores Muñoz // Dirección: Andrés Bazzalo // Funciones: Domingos, 18 hs. // Teatro del Pueblo, Av. Roque Saénz Peña 943 // Entrada: $200.- (Estudiantes y Jubilados $170.-) // Tels.- Informes: 4326-3606

Encarnación Ezcurra, la mujer de Rosas, artífice en la sombras de la Revolución de los Restauradores, es una figura maltratada por la historia oficial, pero de una riqueza evidenciada en las intensas cartas que enviaba a su hombre en el desierto. Nos encontramos con ella en los últimos momentos de su corta vida, recluida en sus habitaciones, obsesionada por el pasado: el intenso amor que la unió a Rosas y el poder que ya la ha abandonado. En un rastreo a través de la correspondencia que mantiene con su amante en el desierto, Encarnación se evoca desde sus fortalezas y va comprendiendo que también sus debilidades forman parte de esa vida que eligió experimentar desde la acción para ser la estratega de su hombre; y que finalmente desembocó en ser la sombra callada de ese poderío del cual no formaría parte. Fatal paradoja: ser el cerebro y la palabra de Rosas; despojada de palabra propia. Una política de agallas en un momento en que a las mujeres, el orden de lo político les estaba negado; pero también el olfato de que la ambición del poder que no dialoga con sus contradicciones, lleva en sí, el signo de la derrota

Algo sucede en escena. Una mujer Encarnación Ezcurra nos interpela desde un recorte del pasado que se hace presente. El tiempo se suspende. Todo es presente. La Negra Toribia esta ahí. Nosotros también. Desea escucharse para ser escuchada. El amor y la política en épocas de chuza y bola. Entre la estrategia, la astucia y el silencio. Algo sucede en escena. Un pedazo de historia en la piel de una mujer que entendió como nadie que nacer en estas tierras no implica nacer en una patria. La potencia humana palpable y visceral de Lorena Vega. El marco musical que nos regala ese tiempo de vidalas y refalosas. La luz que cuenta la historia iluminando, dejando entrever. Luces y sombras. La sensibilidad de un director que permite que la escena acontezca y que la cuarta pared desaparezca. Algo sucede en escena. Tanto que se te mete en la piel y sigue sucediendo después de la función”, Cristina Escofet

“La figura de Encarnación Ezcurra es largamente vituperada, a lo sumo ignorada por la historia de la Argentina. Sin embargo ella fue protagonista de un momento histórico tan apasionante como esclarecedor de nuestra constitución como país. Momentos de grandes rivalidades, de enfrentamiento entre Unitarios y Federales, de guerras civiles y antinomias. Momentos históricos que nos permiten reflexionarnos como sujetos de la historia. Su figura es notable, inquietante y supo utilizar su inteligencia y lucidez, para sortear desde las sombras las limitaciones impuestas a una mujer en su contexto social e histórico. Fue pieza esencial de la política, mano derecha de Juan Manuel de Rosas y posibilitó su acceso al poder. Con un texto brillante, poético, audaz y no exento de ferocidad nos permite acercarnos no sólo a ella si no, sobretodo, a aquellos momentos de nuestro país, que parecen, de alguna manera, reeditarse continuamente. Antinomias argentinas pasadas y presentes. Y la semblanza de la pampa bárbara. Hombres indómitos. Lucha de intereses. Momentos fundantes. Y una mirada femenina, para una mujer brava e intensa”, declara Andrés Bazzalo

Este espectáculo cuenta con el Apoyo de Proteatro

Ficha Técnica: Vestuario y Asesoramiento Artístico: Adriana Dicaprio; Diseño de Iluminación: Soledad Ianni; Fotos y Diseño Gráfico: Lucio Bazzalo; Asistencia de Dirección: Pablo Cusenza

Prensa: Silvina Pizarro

elviaje.jpgSusana Di Geronimo, en:

“… el Viaje de una Lady”

(Versión libre de W. Shakespeare)

«El Viaje a Bahía Blanca»

de Griselda  Gambaro

PUESTA EN ESCENA Y DIRECCIÓN:

Herminia Jensezian

Sobre el espectáculo…

Un viaje que  se torna desopilante

El imprevisto desarticula y hace aparecer lo más profundo de la esencia de una Lady. Como en un juego de cajas que aparecen unas dentro  de otras, el recorrido, del que terminamos formando parte, se torna disparatado  en el aquí y ahora.

En vivo y en directo  espiemos a esta «Gran Actriz» en el mejor momento de su carrera…

Este espectáculo esta signado por el pretexto. Así como Griselda Gambaro se basa libremente en un cuento de Boris Vian como excusa para escribir ¨El viaje a Bahía Blanca¨, donde nos presenta a una encumbrada actriz en su después de escena, de la misma manera  nosotros tomamos Shakespeare para bucear en el viaje de esta Lady que por un hecho inesperado nos va a hacer viajar por su mundo, su esencia…

Ficha Artística – Técnica:

“… el viaje de una Lady”, Versión libre de “Macbeth” –  W. Shakespeare – de Susana Di Geronimo y Herminia Jensezian

“El viaje a Bahia Blanca de Griselda Gambaro

Lady/Actriz: Susana DI GERONIMO

Diseño y Realización de Vestuario: Fernando Crisci Munz

Peinado: Jeansen

Fotografías: Silvina Macri

Diseño Gráfico: Juan Cruz Wenk

Diseño de Espacio e Iluminación: Herminia Jensezian

Producción Ejecutiva y Prensa: Silvina Macri

Puesta en Escena y Dirección General: Herminia JENSEZIAN

Producción General

TADRON Teatro

Niceto Vega 4802 (Esq. Armenia)

Reservas:

4777 – 7976 – tadronteatro@hotmail.com

Por Alternativa Teatral: http://www.alternativateatral.com/obra42633-el-viaje-de-una-lady

Localidades

General: $ 180.-

Estudiantes y Jubilados: $ 150.-

Duración: 50 minutos

https://www.facebook.com/El-viaje-de-una-Lady-1711576589095572/

térojo.jpgLuego de ser interpretada por Meryl Streep en cine y la actriz Karina K en teatro, Florence Foster Jenkins regresa a la escena teatral. 

La compañía Agrupados Teatrales “desdeelpie” presenta una versión que narra el encuentro de las hijas de la excéntrica soprano, en la antigua casa familiar, el día de su venta.
“Te Rojo (o los hijos apócrifos de Florence Foster Jenkins)” es una adaptación de Gricel Figueredo, basada en la obra “Hermanecidos”, de Claudio Pazos.
Esta ceremonia dramática, ofrecer a sus espectadores el mejor humor negro, todos los viernes, a las 20 hs, en Sala La Clac (Av. de Mayo 1158).
Sobre la Obra
Theodora y Dorothea Foster son las hijas de Florencia Foster, reconocida cantante lírica, recientemente fallecida. La antigua casona familiar es puesta en venta, y un grupo de potenciales compradores es invitado a conocerla.  Mientras Theodora les brinda información detallada de la propiedad, la inesperada aparición de Dorothea convierte a los espectadores en testigos involuntarios del encuentro de ambas, y su creciente enfrentamiento por la atención y el amor de la madre ausente.
En un entrecruce de rivalidades, pactos, y traiciones, las hermanas Foster intentan reconstruir el  vínculo que las une, coincidiendo en que, por encima de todo, “no hay lugar como el hogar”…
Una cantante lírica participa con su voz y su presencia ambigua, esfumada en la penumbra.
“Té Rojo (o los hijos apócrifos de Florence Foster Jenkins)” propone una ceremonia teatral, donde personajes y espectadores se involucran en un singular acontecimiento familiar, ofrecido junto a los sabores, aromas y sonidos de un antiguo y señorial caserón en venta.
Claros intertextos enlazan y nutren la dramaturgia de «Té Rojo» con el universo literario de Borges y Cortázar y la dramaturgia de Genet, como también con el mundo fantástico de El mago de Oz, la lírica singular de Florence Foster Jenkins y hasta con la arquitectura, relación establecida a través del plano de la casa.
Asimismo, Té Rojo inicia una trilogía dramática que continuará con Té Verde,que se encuentra en proceso de construcción, y Té Negro, en etapa de diseño y dramaturgia.
Funciones:
Todos los Viernes, a las 20 hs.
 
Sala La Clac, Av. de Mayo 1158 – CABA
 
Duración:  1 hora.
Actuación: Martina Diaz Vega * Erika Novljan * Ariel Sánchez
Canto Lírico: Karina Fischer
Locución: Andrés Rojas
Musicalización y Asistencia Técnica: Nicolás García
Vestuario: Leandro Wenzin
Escenografía, Plano y Maqueta: Arq. Paula Canevaro Fisher – Arq. Angélica González
Iluminación: Lisa Benevet
Gráfica: Jezabel Jakob – Celeste Bonzano
Prensa y Difusión: Julián López
Asistencia General: Ariel Sánchez
Coordinación y Producción: Gricel Figueredo

elcasamientoTodos los domingos a las 19 hs, en el teatro Auditorio Ben Ami, Jean Jaures 746, Abasto, C.A.B.A. – Argentina.

Reservas al 4961-0527. Localidades: $150 (Estudiantes y jubilados $120).

Sobre “El casamiento de Gardel”.

En 1935, una chica de la alta sociedad se fuga de su casa para impedir que la casen con alguien que no ama. Y encuentra refugio en el bar de una buena mujer, a la que le confiesa su amor platónico por Carlos Gardel, en el apogeo de su fama. Un porteño vivillo y aprovechador, enterado de su ilusión, encuentra un buen hombre al que convierte en un «Gardel sustituto», pero todo se complica, con el fallecimiento del Zorzal criollo.

 Ficha Técnica.

Autor y director: Leo Duer.

Elenco: Leo Duer, Eduardo Wigutow, Inés Grimland, Paola Dipert, Alberto Levy (Piano), Adrián de Gregorio y Romina Cides.

Escenografía: Pablo Graziano.

Edición de video: Ezequiel Colman.

Iluminación: Nora Roncari.

Sonido: Marina Roncari.

Colaboración: Geo Michele.

Prensa & Difusión: Mariano Casas Di Nardo.

Teatro: Auditorio Ben Ami, Jeán Jaurés 746, Abasto, C.A.B.A. – Argentina.

Funciones: Domingos a las 19 hs.

Reservas: 4961-0527. Localidades: $150 (Estudiantes y jubilados $120)

Estreno: 19 de marzo.
Finalización: 30 de julio.

 

la mansa

Duración:

60 minutos.

Funciones: Viernes 21 hs y sábados 23 hs.
Localidades: $ 200
Mientras ella esté aquí, todo va bien; puedo ir a mirarla a cada rato, pero mañana cuando se la lleven… ¿Cómo haré cuando me quede solo?» A partir de esta pregunta desesperada inicia el relato de «La Mansa». Quien nos cuenta la historia es él, el usurero, el hombre de la casa de empeños que poco antes se había casado con la muchacha mansa y ahora trata de darse una razón sobre su muerte prematura.
Ambos, separados por la muerte, están en escena sin separarse nunca en un diálogo de acciones y palabras. Él trata de entender lo ocurrido, regresa, recuerda, reconstruye, comprende, se confunde, trepa dolorosamente hacia la conciencia de quién él es realmente, de lo que desencadenó y provocó. Ella lo ayuda a reconstruir, describe los hechos, agrega, confirma, se calla. Está muerta, no puede argumentar, razonar o justificar. Ella es la memoria de él, su víctima, su culpa, su amor herido, su silencio.
Director:

César Brie

Autor:

Fiódor Dostoievsky

Actúan:

Iván Hochman y Abril Piterbarg

Diseño gráfico:

Cachi Bratoz

Vestuario:

Carolina Ferraioulo

Asistencia de dirección:

Florencia Michalewicz

Música:

Pablo Brie

Realización de escenografía:

Duilio Della Pittima

Producción ejecutiva:

Larisa Rivarola y Liza Taylor

Prensa:

Simkin & Franco

Agradecimientos:

El Ojo Verde, Vera Dalla Pascua, Sofía Diambra, Adriana Podzcammer, Mariano Stolkiner y Liza Taylor

Trailer:

Juan Barone

Ilustrador:

Clara Carlon

panamáDirección: Sandra Flomenbaum

Inspirada en el universo poético de la escritora norteamericana Jane Bowles

Desde el domingo 7 de mayo a las 20:00 hs se presenta “Panamá”, por 5 únicas funciones, en Pan y Arte Teatro. Con dirección de Sandra Flomenbaum, la obra propone un acercamiento cinematográfico al universo poético de la escritora Jane Bowles.

¿Encontrar el amor es equivalente a la felicidad? ¿Significa encontrar la verdad o envolverse en una mentira? Con Panamá, la directora se sumerge en estas cuestiones y retrata, con un particular lenguaje cinematográfico, la apasionada búsqueda de una mujer por una felicidad esquiva. La propuesta está inspirada en el onírico mundo de Jane Bowles, considerada por Tennesse Williams como una de las mayores -aunque más subestimadas- influencias de la literatura norteamericana. «Panamá» remite a este enigmático mundo y describe las angustias, preocupaciones, fantasías y sexualidad femeninas en la constante búsqueda del amor y la felicidad.

Sinopsis
Fin de los años cuarenta, Panamá. Un matrimonio norteamericano a punto de recorrer las tierras de su destino. Él es un entusiasta. Ella sólo quiere volver. Una tarde la pareja conoce a una joven nativa de belleza salvaje quien  desencadena -en ella- una serie de sensaciones hasta el momento desconocidas y remitiendola a vivencias muy primarias de su vida. Lo cotidiano atravesado por el alcohol, el calor y el sudor de los cuerpos locales, se transforma. Afiebrada, varada entre dos océanos, será ésta su única oportunidad de encontrar sosiego o de, al menos, vivir su propia película.

AGENDA
Re-estreno: domingo 7 de mayo, 20:00 hs.
Funciones: domingos, 20:00 hs. (hasta el 4 de junio inclusive)
Lugar: Pan y Arte Teatro (Av. Boedo 880, CABA)
Entradas: $200 | Desc. jub. y est.: $180

Reservas: 4957-6702

Duración: 70 min.
Trailer: Panamá

Ficha técnica
Dramaturgia: Sandra Flomenbaum
Elenco:
Sra. Peterson: Gabriela Giusti
Sr. Peterson/ Meyer/ Toby: Guillermo Tassara
Sra. Flores: Celina González Del Solar
Serena: Maiana Vega
Escenografía: Ariel Vaccaro
Vestuario: Lara Sol Gaudini
Diseño de Iluminación: Agnese Lozupone
Sonido: Charli Valerio
Diseño gráfico: Alejandro Grinzpan
Video: Karina Flomenbaum
Prensa: Octavia Comunicación
Producción general: Sandra Flomenbaum
Asistente de dirección: Milena Forster
Dirección: Sandra Flomenbaum

Palabras de la directora sobre «Panamá»
«Panamá» propone indagar a través del universo poético de Jane Bowls los parámetros de femineidad y masculinidad, recordar lo que desde tiempos lejanos arrastramos como miembros del sistema mundo, lo que aún cuestionado, sigue ejerciéndose sutilmente, lo que no es medible. Por eso «Panamá» es una obra que transcurre siempre entre dos. Entre dualidades o desdoblamientos. Estar entre el océano Atlántico y el Pacífico. Entre Panamá y Nueva York. Ser colonizador o colonizado. Amar a un hombre o a una mujer. Estar entre un lado y otro implica estar en el pasaje, o en el canal de tránsito hacia, que es donde transcurre la obra, en la zona del canal de Panamá. El espacio geográfico metaforiza así el tema. Ya que la premisa exige que para viajar sea necesario estar dispuesto a transformarse, «Panamá» es el viaje iniciático de una mujer que, sin saberlo, acude al llamado de lo que le es esencial, aún cuando intuya que eso no la hará feliz. ¿Encontrar el amor es equivalente a la felicidad? ¿Encontrar el amor es encontrar la verdad, o es envolverse en una mentira?  Escapar a los mandatos es siempre positivo? ¿Nuestra protagonista está aburrida o su búsqueda es auténtica?

«Panamá» indaga en el concepto de vacío existencial. En la angustia que genera abismarse a esa zona, la de preguntarse por el sentido de vivir. Nuestra protagonista tiene sus necesidades básicas más que satisfechas, sin embargo eso no le alcanza. Serena, en cambio, su antagonista y amor idílico, es una prostituta humilde, que parece tomarse todo con sencillez y menos angustia. El vínculo entre el dinero y la felicidad se ponen aquí en juego y en cuestionamiento. Intentamos colmar nuestra vida de un sentido, dotarla de una verdad que nos “permita estar”, como dice nuestra protagonista. «Aquel que tiene un porqué para vivir se puede enfrentar a todos los cómos”, escribe Nietzche.
Pero a veces encontrar esa intensidad implica necesariamente un precio muy alto. «Panamá» transita esta contradiccion: ”Vivir el propio sueño puede significar en algunos casos vivir en una pesadilla.” La obra pone en escena el cuestionamiento en torno al costo que a veces tiene seguir nuestro latido íntimo más allá de las consecuencias, y se permite la pregunta: ¿Se trata de encontrar el sosiego ó de vivir la propia película a cualquier precio?

Sobre la directora
Sandra Flomenbaum (1975) se desempeña en el ámbito audiovisual combinando sus estudios en fotografía, teatro y danza. Inició sus estudios teatrales con Román Podolsky y Héctor Bidonde. Luego, continuó su formación profesional con Ricardo Bartis, Pompeyo Audivert y Mónica Vianu. También pasó por el taller de dramaturgia de Sol Rodríguez Seoane. Sumó a estos estudios entrenamiento en danza con Viviana Iasparra y danza contemporánea con Daniel Boulez. Paralelamente, completó sus estudios como fotógrafa profesional en la escuela de Andy Goldstein y estudió Dirección de Cine en la Fundación Universidad del Cine (FUC).
Como actriz participó de varios cortometrajes independientes y del largometraje «Furtivo», estrenado comercialmente en el 2008. Su primer trabajo en dirección teatral fue la creación colectiva «La Fotito» estrenada en el Festival del Rojas 5 (2002) y luego en el Centro Cultural Recoleta.
En el área audiovisual, fundó junto a dos socias la productora ENELTENDER CINE con quienes filmó los cortometrajes «Muñeca» (2017 a estrenarse en el BAFICI) y «BAKLAVA» desempeñándose como asistente de dirección, casting y dirección de arte. Como directora filmó «Sentimental», su primer cortometraje estrenado en diversos festivales en el 2016 y premiado en el Festival Internacional de Cine de Huesca.
«PANAMÁ» surge como fruto del cruce de las múltiples disciplinas en las que se desempeñó. Es una propuesta teatral con una impronta cinematográfica y atisbos de estética fotográfica en la composición de los espacios.

losderechosdelasaludCon versión y dirección de Alfredo Martín // Interpretada por: Mercedes Fraile, Marcelo Bucossi, Daniel Goglino, Lorena Szekely, Élida Schinocca y Rosana Lopez, con la participación de Cristina Bizjak (en violín) // Funciones: Domingos, 19 hs // En el Teatro La Revuelta, Av. Boedo 1014 (+ Info: www.larevueltateatro.com.ar) Tel. – Informes: (+5411) 2076 2974 // Entrada $200.- (Est. y Jub. $160).

Espectáculo ganador del Premio Luisa Vehil en “Mejor Dirección” (Alfredo Martín) y una Nominación para el mismo galardón en “Mejor Escenografía” (Marcelo Jaureguiberry)

Clásico del enorme dramaturgo uruguayo, quien escribió la mayor parte de su obra en Argentina. Un melodrama intenso que aborda la temática de la enfermedad terminal y sus diferentes modos de discriminación y segregación en una familia y su entorno. Aquella dualidad del hombre en su búsqueda por domeñar los sentimientos, contra sus más bajos instintos, apelando a su fuerza moral.

En esta nueva versión, se desafían los parámetros propios del lenguaje teatral: actores y espectadores comparten el espacio escénico. El teatro clásico y su verdad universal, en un nuevo contexto. Se transgreden las normas dadas y el público circula libremente como protagonista, con una invitación a potenciar la intensidad senso/perceptiva del acontecimiento artístico. Será el público, en una recepción activa e intimista, el que decida en qué lugar de los hechos posicionarse.

Ficha Técnica: Escenografía: Marcelo Jaureguiberry; Vestuario: Mercedes Piñero; Iluminación: Marcelo Jaureguiberry y Fernando Diaz; Diseño Gráfico: Gustavo Reverdito; Fotografía: Sol Atta y Gabriel Oscar Pérez/ La Cazuela Cultural; Asistente de Dirección: Gabriel Gomez. Prensa: Silvina Pizarro

facundoponce.jpg

Luego de lanzar su primer álbum “Desde Abajo” en 2015, el cantante se encuentra trabajando en su nuevo material “Semblanza Tanguera”, mientras lleva adelante esta novedosa iniciativa en distintos espacios de Buenos Aires.

Se trata de reversiones de los grandes clásicos del tango en donde el artista combina su formación vocal con su talento actoral. En este sentido, el público disfruta de un espectáculo integral donde la voz, la actuación y las melodías arrabaleras se funden en un espacio en común.

Su próxima presentación será el viernes 2 de junio en Celta Bar a las 22hs, uno de los reconocidos bares de notables de la Ciudad. En el espectáculo lo acompañarán el maestro Guillermo Martel en dirección musical, guitarras y arreglos musicales; Rubén Slonimsky en bandoneón y Amalia Escobar en piano. La puesta en escena y la dirección actoral estará a cargo del actor y director Pedro Risi.

Durante el verano, Ponce llevó a cabo esta propuesta de teatro tango en el Teatro Auditorium de Mar del Pata, donde interpretó el repertorio de su primer álbum y realizó la puesta Semblanza Tanguera junto al actor Germán Moldovan y la dirección musical de Damián Villalba. Esta presentación le valió la invitación de la  premiada actriz y cantante Ana Fontán para participar en su espectáculo  Fontango en el Espacio Clarín de aquella ciudad balnearia.

Facundo Ponce cuenta con innumerables presentaciones en distintos escenarios tangueros de Buenos Aires, como el teatro Verbena, La trama, Gaspar Café, y en los notables bares porteños Los 36 Billares y Celta bar. Además, ha realizado giras por Mendoza y Córdoba, provincia en la que fue destacado por la Dirección de Cultura.

También participó del ciclo «Música Porque Sí» organizado por la Secretaría de Políticas Universitarias de la Nación durante 2013 y 2016. A su vez, en el 2015, con la edición reciente de su trabajo “Desde Abajo”, fue presentado  a los Premios Gardel en la categoría de Mejor Álbum Artista Nuevo de Tango.

www.Facebook.com/facuponceartista

Youtube: https://goo.gl/zrgMfo

https://www.youtube.com/watch?v=3K4ucydqvfw

La piel de Elisa1

Ficha La piel de ElisaCarole Fréchette es la autora canadiense del libro La peau d´Elisa, 1998 (La piel de Elisa), una recopilación de historias de amor que ya se ha montado como obra en diferentes países desde entonces. Sus líneas irradian luz por donde se las mire. Porque a quién no le gusta que le cuenten historias (verdaderas o ficticias).

Desde que nacemos somos oyentes y, tantas veces, al crecer vamos perdiendo la magia de sorprendernos hasta con un aroma determinado.

La piel de Elisa (protagonizada por Dana Basso y Lisandro Penelas, dirigida por Silvina Katz) me sedujo de entrada y me sentí cautivada por completo. La obra se desarrolla en el bar del Espacio Callejón y esto es un acierto. Porque qué mejor escenografía que la real y algunos detalles preciosos que acompañarán a cada una de las mesas en que reposarán los espectadores durante la tardecita. Porque este horario de las 19 hs también otorga una calidez oportuna ya que el tránsito en la calle es distinto, el transeúnte no corre sino camina, el acelere de la ciudad se modifica y es el momento de dejarnos llevar.

Elisa todo lo siente, todo lo cuestiona, todo lo abraza y escoge. Porque ella es una mujer que vive apasionadamente y que tiene algunas preocupaciones (como el paso del tiempo). Podríamos preguntarle por qué le preocupa tanto este factor si es tan hermosa. Ella ha llegado a la adultez con la sabiduría innata del sentir. Su piel es su primer sentido y por eso pretende que permanezca intacta, joven, sin arrugas, suave. Por eso cuestiona cómo está y se queda más tranquila cuando las respuestas del público son positivas. Porque Elisa vive atormentada pero también ilusionada con todo lo que puede narrar.

Un caudal enorme de historias que no parecen extinguirse jamás, que son contadas en primera persona y, con ello, se acercan aún más al espectador (el cual interviene desde la mirada hasta la escritura).

Parece, por momentos, ser un cuento ficticio hasta que la realidad real se apodera de los diálogos y la verosimilitud nos abraza.

Realmente es una puesta en escena romántica, tierna y poderosa, en la que el amor recupera su primer lugar ya sea narrando en la voz de un hombre o de una mujer. Porque a ella la acompaña un caballero muy atento y expectante, fascinado en el silencio por su manera de ser. Hasta que habla y con ello sus palabras se entrecruzan con las de Elisa, o las de Sigfried, o las de Jan, o las de Edmond, entre otras.

De repente, sentí que no estaba ni en un bar ni en un bar dentro de un teatro ni en la mismísima Capital, sino en un film de otro país. Como extra, al igual que todos los demás espectadores que -fascinados- aguardaban más información sobre cada uno de los personajes y relatos que citaban los actores encarnados en piel. Porque el principal estímulo para entrar en el código de esta obra es abrirse y no juzgar ni interpretar: escuchar con los sentidos y relajarse desde el ingreso a la sala decorada con esa luz tenue que permite inmiscuirse en los microrrelatos que se van sucediendo espontáneamente.

Es una digna puesta donde queda demostrado que la madurez no es sinónimo de vejez sino de sabiduría, de engrandecimiento, de riqueza sentimental y de un grito desesperado hacia el amor.

A la vez que un violoncello (a cargo de Miguel Gomiz) musicaliza toda la función, el romanticismo surge para quedarse y las cuerdas del instrumento se mimetizan con las vocales, con los movimientos corporales y con todos los desplazamientos, por el lugar, que plantean las mini obras.

Para poder seguir viajando junto a ellos, descubriendo paisajes, hombres, mujeres, soledades, vacíos y la eficaz herramienta de poder crecer bebiendo nuevas anécdotas para no quedarse sediento de un mañana anti rutinario. Para vivir otras vidas a pesar de contar solo con una.

Porque la Piel de Elisa es una cita obligada para los amantes del arte de narrar y porque cuando se encuentra un elenco tan comprometido y talentoso no queda más alternativa que recomendarlo.

Mariela Verónica Gagliardi

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Lucro cesante1

Ficha Lucro cesanteLucro Cesante (escrita por Ana Katz y dirigida por Lucía Baya Casal) no es una clase de economía ni mucho menos. Es la historia de tres amigas que demuestra cómo es posible ganar o perder en cuestión de segundos, de una decisión errónea o de un capricho innecesario.

A partir de esta comedia humorística, podremos presenciar unas vacaciones a la Costa, terminan siendo mucho más que diversión (la cual casi nunca alcanzan a sentir), que unas olas saltadas o que una zambullida tomadas de las manos. Estos días alejadas de su familia las harán crecer y saber qué es lo que en verdad quieren, que objetivos persiguen y cómo podrán revertir su presente por el más profundo deseo.

Un pozo en común que no resulta, un pasaje en colectivo no devuelto, unas ollas lavadas con mucho detergente hasta conseguir ese pastiche pegajoso difícil de enjuagar -como sus rostros por las mañanas y esos días rutinarios que se reiteran apesadumbradamente sin creer en un cambio-.

Ellas llegan a la casa alquilada pero nadie las recibe, nadie les abre la puerta y los artilugios que tramarán a lo largo de las horas les harán descubrir que todo es más fácil de lo que suponen. Una llave que puede darles acceso a buenos momentos compartidos pero que no son capaces de afrontar. Las tripas que crujen de hambre pero que, sin embargo, logran engañar con charlas estiradas y un mar no visitado. Mientras tanto, el humor las salvará como un guardavidas y les entregará la poción necesaria de valentía para que asuman el control de sus vidas y disfruten como se merecen.

Lo más increíble de la obra es que me sentí identificada con tantas situaciones, conversaciones e incluso con el vestuario que parecía estar incluida en la propuesta. De hecho, a supongo que a casi todos los espectadores les habrá ocurrido lo mismo. Los años 80´ y 90´ estaban plasmados en escena, con esos remerones gastados, los bronceadores naranja, el off siempre presente y los turrones que cuando no te arrancaban una muela te saciaban el apetito por un rato. El equipo de música con cassette de cinta, una diversidad de canciones que les devolvían el aliento cuando la tensión se avecinaba y las reposaras de caño que nunca fueron cómodas pero que, sin embargo, decoraban cada verano.

Me llamó la atención que no fueran al mar, que no lo tocaran, que se resistieran a sentirlo en sus cuerpos. Pero, claro, necesitaban tiempo, conexión con ellas mismas y con el grupo.

Con respecto a los personajes, cada personaje es único, entretenido y colmado de ocurrencias que no solo despertarán la curiosidad nuestra sino de ellas mismas. La tradicional e impoluta que necesita dar explicaciones de todos sus actos, la transgresora y la culposa.

Pedir perdón no siempre será necesario pero así lo considerarán. Criticar será imperdonable por un minuto y, al siguiente, lo más común. Porque son humanas, jóvenes y llenas de vitalidad.

Se decepcionarán ante un beso o un no beso, se ilusionarán con un recuerdo caluroso y planearán su próximo viaje, el cual, seguramente, será un nuevo aprendizaje, un nuevo sinceramiento y un olvido de la hipocresía. Porque lo festivo de las vacaciones donde se supone que hay que reír, montar una casa en la playa y chapotear sin parar; no se verá en Lucro cesante. Por mucho que cueste creer, estas amigas le darán un vuelco abrupto a sus vidas, donde el día se volverá noche en un abrir y cerrar de ojos… mientras las aguas abiertas aguardan su llegada.

Tres actuaciones impecables de la que sobresale la excelencia de Carolina Saade; con un texto atrapante y una dirección fina y precisa. Con los detalles necesarios para que las luces y ritmo se conjugue a la perfección y cada escena sea única. Así da gusto pasar un domingo de otoño, rememorando nuestro interior, sintiendo con el corazón y descubriendo junto a éste nuestro futuro. No el que los demás pretenden sino el que nosotros anhelamos.

Lucro cesante es más ganancia que pérdida, es un cúmulo de recuerdos que se nos avecinarán de golpe como una ola gigante difícil de frenar o esquivar.

Funciones: Domingos, 19 hs. No Avestruz

Mariela Verónica Gagliardi

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