*** SEPTIEMBRE 2025 ***

Archivo para 2014

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Agotamiento de ser quien es

Relato íntimo5

La luz blanca se enciende en un pequeño espacio escénico, donde un banco alto alojara a un hombre. Este marido, padre y persona, expondrá su vida, sus pesares, dolores y angustias, utilizando un monólogo exquisito (escrito por Martín Slipak) y protagonizado por Lisandro Rodríguez.

Vestido de traje, formal, con zapatos oscuros, nos narrará un fragmento y desenlace -los cuales conformarán el obstáculo principal, aquél le permitirá descubrir dónde está parado y quién es en verdad-, detallando sus últimas vacaciones de verano junto a su familia.

Como un despertar, en «Relato de un náufrago», él se sentirá a la deriva, desesperándose por reformar sus días con un chasquido de dedos. Un hombre extraño se entrometerá y pasará, junto a ellos, esas tardes y noches soleadas. Ese hombre desconocido intentará suplantar, o mejor dicho suplir, al padre de familia.

La obsesión será el rasgo que más resalte en él irremediablemente, lo enloquecerá hasta dejarlo abandonado, a un costado de la vida que tanto planificó, de esas aguas cristalinas que serán disfrutadas por ellos. Ellos que tanto lo discriminan.

Claro que “Relato íntimo de un hombre nuevo” se compone de realidades ficticias, fantasiosas y, tal vez, justificaciones que tuvo que encontrar a su tan arruinada mortalidad.

El texto expresado tiene su coherencia, su hilo conductor y es muy atrapante -de comienzo a fin-. Considero que puede llegar a desconcertar al público-espectador porque no es un formato que estemos acostumbrados a observar, pero de eso se trata el mundo del teatro: de sorprender con placeres tan novedosos como este.

Además de lo original que resulta el guión, se puede apreciar la temporalidad y actualidad. En este caso es un hombre pero bien podría tratarse de una mujer. El sexo da igual. Lo interesante es que el actor logra empatía con nosotros, transmitiendo ese sinfín de sensaciones que le aparecen en su cabeza -hasta provocarle tanto dolor, sintiéndose acorralado, sin saber para dónde correr-.

Su camisa termina transpirada, su traje no es adecuado para nadar, pero él, opta por sumergirse en el mar para arriesgarse a hacer algo.
En ningún momento considera la posibilidad de callar o de silenciar a su mente. Su cuerpo adopta distintas posiciones y sus ojos -cada vez más abiertos- le muestran escenas que jamás quisiera enfrentar en su vida real.

Su cerebro está a punto de explotar cuando observa a su mujer, feliz, al lado de un sujeto que no es el. Su inseguridad llegó al extremo y, la adrenalina, lo recorre por completo.

Todas las emociones que lo atraviesan son extremas, lo agotan, no lo renuevan e intentan derrotarlo.

Él es el típico humano que vive bajo una estructura rígida, sin tiempos para disfrutar, planeando los famosos quince días de relax, durante los cuales gastara el dinero ahorrado a lo largo de un ano. Su vida así no puede seguir. Quizás, esta alucinación o sueño sea una especie de ventana, a través de la cual pueda verse.

Dicen los profesionales que lo ideal es analizar nuestra vida desde afuera. Esta obra unipersonal, me recordó a esa teoría.

Tal vez, cuando este hombre despierte, lo haga junto a sus seres queridos y los abrace naturalmente.

O, quizás, cuando despierte si es que lo logra, se encuentre  ahogado en la inmensidad de esas aguas tan cálidas.

¿Qué pensarías si un día  despertás y tu entorno no actúa de la misma manera que el día anterior, que fuiste transportado a un lugar precioso y que las condiciones cambiaron?

Existen muchas películas que exponen esta temática y que el mensaje a transmitir es, justamente, el cambio necesario que tiene que tener esa persona para continuar siendo alguien, sin convertirse en un vegetal.

Como la vida misma, en un abrir y cerrar de ojos, todo puede cambiar, alguien puede morir, alguien puede nacer, alguien puede llevarse todo lo que tenés, o ganarse la lotería.

La dignidad, los valores y propósitos, nadie te los puede arrebatar.

Relato íntimo ficha

Mariela Verónica Gagliardi

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Con una sonrisa todo se puede

She smiles5

La cura del mundo es la sonrisa, la felicidad y el placer por cada cosa que hacemos. La cura sobre lo que nos pasa, también, es sonreír, ser feliz y sentir placer por cada cosa que hacemos.

Cómo se puede contemplar el aire sin respirar y de qué manera se puede avanzar cuando no existe alegría en el organismo?

«The smiles» son las sonrisas verdaderas, impostadas e hipócritas que nos piden en la sociedad. La manera de insertarnos en una sociedad tan vulgar como inteligente, tan real como ficticia.

Walter Velázquez (director de la obra) recrea una oficina de call center muy particular ya que en  ella se intentará ayudar a las personas, despertando -de a poco- a la conciencia.

De hecho los nombres de las empleadas estarán íntimamente relacionados con el argumento de la comedia musical.

Al estilo que nos tiene acostumbrados Walter, podremos conocer en primer lugar una historia, divertida y She smiles10entretenida, para luego hacernos partícipes de los problemas centrales y políticos del país.

Por otro lado, las canciones serán hits en inglés (pertenecientes al cantautor Stevie Wonder) que permitirán entender el sentido y rumbo de la historia, orientada a un público heterogéneo -ampliamente hablando-.

Desde el inicio se siente un aroma riquísimo que nos permite relajarnos en las butacas, para que nuestros sentidos, cuerpo y alma dispongan de nosotros.

Tal es el dominio que se produce que no es posible sacar conclusiones apresuradas ni juzgar de antemano.

Un espacio físico de oficinas es el puntapié a la intimidad de personaje, a sus dolores, pesares, amarguras y reflexiones.

De repente conocemos los nombres de las empleadas, que denotan adjetivos tan profundos como reales para sus propias realidades.

Así es como cada una de estas mujeres se expone y desnuda -metafóricamente-, produciéndose una ambigüedad entre los cuadros musicales -integrados por pequeñas representaciones con títeres- y la miserable situación que atraviesa cada una, sin demasiada intención por modificar.

She smiles15

¿Dónde desemboca la inercia sin lugar para plantear y replantearse cuán desdichada se es?

¿Qué similitud se puede lograr entre la vida profesional y la laboral cuando se oponen al extremo de contradecirse?

Y en todo caso, ¿qué razón de ser tiene una persona cuando no es coherente y consecuente con sus convicciones y valores?

La puesta en escena -compuesta por escritorios y sillas giratoria, sumada a objetos que surgen en determinados momentos-, sería ideal si se aplicara a un escenario. En primer lugar por la amplitud de las escenas a lo largo y ancho y, además, por la cuestión sonora que podría difundirse en la totalidad de la sala de teatro.

De igual modo, el lugar escogido genera intimidad y nos obliga a estar atentos a lo que sucede. Con respecto a la acústica, se ve desfavorecida, también, por el ambiente pero lo importante es que no se pierde la esencia del relato ya que son una suerte de sketchsShe smiles1 -con música y baile- que representan al estereotipo de cada empleada.

En muchas oportunidades habría que cuestionar si el artista elige el lugar o el lugar lo elige a él.

Sea como fuere, The smiles cumple con su objetivo que es hacer reír y conmover al espectador.

El resto, quedará en un segundo plano a no ser que no convenza la historia y, en ese caso, predomine.

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Una linda excusa para estar juntos

Un paseo por el mundo6

“Un paseo por el mundo con la Camerata Bariloche” (la idea es de Luis Ovsejevich y Héctor Presa, dirigida por éste último) es un viaje por paisajes preciosos junto a la música de estos grandes intérpretes.

Quisiera ponerme por unos instantes del lado de los más chicos que, muchas veces, no son escuchados u oídos. En ciertas ocasiones se los subestima o cree que ellos tienen que participar de determinados espectáculos como para su edad, o consumir melodías modernas de la televisión con simpáticos personajes disfrazados.

Ciertamente, a mi izquierda, tuve la posibilidad de observar a una pequeña de casi dos años que no se cansaba de mover su cuerpito, aplaudiendo y sonriendo un domingo a las 11 de la mañana.

¿Qué decir frente a esto?

Ella no fue la única presente. Muchos niños y bebés disfrutaron junto a sus padres. Quizás para varios fue su primer Un paseo por el mundo11contacto en vivo con este estilo de música clásica, en un teatro tan grande como el Coliseo, oyendo las cuerdas rozadas por los arcos de pernambuco.

La trama de la historia se basa en la familia Camerata compuesta por un matrimonio compuesto por: Carlos (Santiago Burgi) y Mercedes (Andrea Mango); y sus dos hijos: Rafael (Mauricio Vila) y Tamara (Agustina Di Vico) que deciden jugar a partir de la música. Ellos imaginarán que están en diferentes países, conociendo bellos lugares y despertando el entusiasmo de los niños.

Libertango (Astor Piazzolla) es la primera canción que suena en el escenario y ya nos adentramos en este mágico mundo de pentagramas porteños, para ingresar en Las cuatro estaciones (Antonio Vivaldi). Aquí, en Europa optan por quedarse y viajar por Austria, Alemania, Polonia, Rusia, Francia e Inglaterra. En esas tierras, conocen Una pequeña música nocturna (Wolfgang Amadeus Mozart), Sinfonía N° 5 (Ludwing Van Beethoven), Vals del minuto (Frederic Chopin), Serenata para cuerdas (Piotr Ilitch Tchaikovsky), Habanera de la ópera (Georges Bizet) y Yesterday (Paul Mc Cartney), entre otros.

Cuando este clan culmina su recorrido por el gran continente, se para a descansar unos instantes, para luego Un paseo por el mundo14continuar por los senderos luminosos. Las valijas están esperándolos a estos tan ansiosos tripulantes, pero nunca toman un avión, ni un tren. La familia tiene el mejor viaje a través de la imaginación. Este don los une, les permite relacionarse, compartir aventuras y ser felices.

Esta segunda parte cambia el rumbo completamente y, si bien lo clásico predomina, los ritmos más infantiles se hacen presentes como el caso de Pata pata (Miriam Makeba), Cielito lindo (Quirino Mendoza y Cortés), Jarabe tapatío (José Leopoldo Enrique Reyes Oliva) y Allá en el rancho (Jorge Negrete), El humahuaqueño (Edmundo Zaldívar) y El quebradeño (Adolfo Ábalos).

Con respecto a los artistas, supieron ser muy anfitriones y compartir el escenario con figuras tan destacables, demostrando que cada uno tiene su lugar y momento. Quisiera destacar las voces de los dos actores principales, quienes con sus voces le rindieron homenaje al Brindis de la ópera, junto a la orquesta.

Siempre se vuelve al mismo punto en que se partió y Argentina, su país, es el que los vuelve a hospedar. Las luces del escenario nos reflejan, nos apuntan y, entre todos, hacemos palmas.

Lamentablemente, ellos decidieron cuándo finalizar y retornar a su hogar. Nosotros pretendíamos continuar pero, en otra función, será posible hacerlo.

Un paseo por el mundo7

Los niños salieron, raudamente, de la sala con el programa en mano. Y es que hay una sección para pedir autógrafos y ninguno se lo quiso perder. Así fue como el hall del teatro se convirtió en una fiesta con los actores sonrientes, poniendo sus firmas.

¿Y los músicos?  ¿Por qué, siempre, se escabullen entre la gente hasta desaparecer?

Ellos, como siempre, con su perfil bajo, decidieron tomar otro rumbo: la vereda, el sol que comenzaba a calentar la ciudad y su rutina por seguir.

Un paseo por el mundo1

ficha artístico-técnica Un paseo por el mundo

Mariela Verónica Gagliardi

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Despertate y reaccioná

Wake up woman2

Como un nuevo despertar, Natalia (Natalia Pascale), una mujer que sufre la violencia doméstica -por parte de su marido Federico (Sebastián García)-, intenta renacer de algún modo. Cambiando su carácter, intentando adaptarse a su pareja, hechándose la culpa y adoptando una postura sumisa.

Make up woman (escrita y dirigida por Jorge Acebo) se basa en esas situaciones vividas en tantos hogares, donde un hombre agresivo avasalla sin estribos, hasta provocar el peor desenlace.

Lo interesante de esta obra dramática es la narrativa. La historia de un matrimonio va transcurriendo por etapas, atravesando momentos típicos de conflictos. Wake up woman9Sumado a ello, la puesta en escena despliega su esplendor proyectando videos que acompañan y apoyan el discurso.

Otro valor agregado de la obra son los recursos utilizados para contar una situación violenta: no solamente está presente el golpe físico sino la danza -la cual transmite, con cada movimiento, un significado determinado y definido-.

¿Qué decir de los actores talentosos que le ponen su cuerpo y alma a la historia, de la mano de un director creativo?

El espacio, estéticamente, parece ser un estudio fotográfico pero, ellos, logran adaptarlo a diversos ambientes; situándonos -perfectamente- y permitiéndonos recorrer su intimidad.

Tal como si se tratara de un ojo de pez, observamos, miramos y nos entrometernos en una casa. En una familia que tiene problemas, como cualquier otra, que atraviesa momentos tensionantes y que, intenta, pedir ayuda externa.

Wake up woman5

Debo asumir que no he visto nunca una pieza artística violenta, donde el desenlace sea feliz o el esperado por el público. Como si la realidad social se trasladara al mundo del teatro, parece no existir oportunidad para que la violencia de género pueda curar a los hombres enfermos.

¿Por qué se continúa naturalizandose cada práctica, palabra, frase o situación agresiva?

¿Por qué el machismo se sigue tomando como normal o como poderoso cuando se sabe, actualmente y hace tiempo, que todo lo que le quita sus derechos a otros sector o grupo, se llama violencia?

¿Por qué la violencia conocida es la que se ve y no la que se siente?

¿Por qué las mujeres tenemos que luchar, a diario, por gritar que somos personas y que merecemos ser tratadas Wake up woman7como tales?

Y, ¿por qué, siguen existiendo mujeres que están a favor del menosprecio y la desigualdad?

Me pareció espectacular que recurran hasta a los más mínimos detalles como ser la limpieza, la cocina y el arreglo de una casa.

Los tiempos en que el hombre trabajaba y la mujer se quedaba a cuidar de los hijos, culminó hace mucho y desde la modernidad que, por cuestiones legales, económicas y sociales, la mujer puede y quiere valerse por sí misma.

Aunque, en varios hogares, la propia mujer por comodidad, entre otras cosas, sigue viviendo en épocas pasadas, permitiéndole a su marido que la esclavice y someta a sus maltratos.

Por suerte, existen muchos hombres que incentivan a sus amadas a que tracen su propio camino y ellos son los que entienden que la evolución va por otro lado, que la hombría o masculinidad poco tienen que ver con los golpes o los insultos.

Un sábado a la noche hubiera deseado reírme con un Stand Up, pero, la militancia femenina debe ser una práctica constante, comprometida y transmitida.

Wake up woman1

Salí de la sala con un nudo en la garganta, angustiada y corrí tras una copa de vino tinto. Ese sabor suavizó mi dolor. Un dolor necesario para crecer y ayudar a quienes más lo necesitan.

Make up woman debe existir para tenderle una mano a quienes perecen o sienten morir sin encontrar una salida a su alcance. Debe y tiene que ser vista por mujeres y hombres.

Mientras la danza contemporánea demuestra un conflicto, la tortura se hace presente y la sangre se escapa de su cuerpo. Un cuerpo desgastado, cansado de sufrir, de intentar y de fracasar.

Sus pasos de baile no fueron suficientes para correr infinitamente y escapar a su presente y futuro.

Se me viene a la mente el nombre de un programa religioso de la televisión que menciona al sufrimiento y si bien no Wake up woman10tiene relación el contenido, puedo ver llantos desgarradores de muchos rostros que apañan y justifican por no asumir que valen y merecen ser felices. ¿Quién puede dormir plenamente sabiendo que le hace daño a otra persona y que, inclusive, dice querer?

¡Qué acto caprichoso es -en muchos casos- el amor, como acto de posesión y la utilización de un discurso colmado de prepotencia y maldad!

¿Cómo amar a un otro cuando no entendemos siquiera el significado de la palabra?

ficha artístico-técnica Wake up woman

Mariela Verónica Gagliardi

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Obras ganadoras de la Bienal de Arte Joven 2013

flyer bienal 2013

7 propuestas escénicas ganadoras de la Bienal Arte Joven Buenos Aires

7 prestigiosos tutores

7 salas del circuito independiente

De Marzo a Mayo

Luego de la exitosa edición 2013 de la que participaron más de 700 artistas jóvenes con una convocatoria de 150.000 personas, la Bienal Arte Joven Buenos Aires presenta la temporada de estrenos de los proyectos ganadores en Artes Escénicas. Siete originales propuestas de jóvenes creadores realizarán 12 únicas funciones en diversas salas del circuito independiente a partir de marzo.

Así, el actor Martín Slipak hará su debut como autor y director con Relato íntimo de un hombre nuevo interpretado por Lisandro Rodríguez, en tanto Ramiro Cortez y Federico Fontán estrenarán Los cuerpos su primera obra conjunta como coreógrafos e intérpretes. Por su parte, Nahuel Cano presentará Todos mis miedos, un espectáculo que protagonizan María Abadi y Pablo Seijo; Sofía Wilhelmi llevará a escena una original puesta de su comedia  Baby Call y Juan Coulasso estrenará Cinthia interminable, una indagación sobre la violencia familiar a partir de mecanismos escénicos. La temporada de estrenos se completa con Moralamoralinmoral una propuesta de danza-teatro creada por Brenda Carlini, Agustina Fitzsimons, Milva Leonardi y Marta Salinas, y Reset, un espectáculo de teatro musical con dirección de María Florencia Diácono.

Las 7 obras, seleccionadas a partir de una convocatoria abierta a la que se presentaron más de 150 proyectos, fueron producidas por la Bienal y contaron con la tutoría de referentes como Valeria Ambrosio, Maruja Bustamante, Alejandro Casavalle, Carlos Casella, Marcelo Savignone, Ciro Zorzoli y el colectivo artístico Random Creativos.

Siete son las obras que ganaron la Bienal de Arte Joven 2013. Acá podrán leer las notas referidas a cada una de ellas. Hay variedad de estilos, de disciplinas y mucho talento.

Baby Call

Moralamoralinmoral

Cinthia Interminable

Todos mis miedos

Reset

Los cuerpos

Relato íntimo de un hombre nuevo

 Prensa y difusión del Festival: Luciana Zylberberg.

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La Iglesia debería dar el ejemplo

Moralamoralinmoral2

Somos contemporáneos, cool, pos-modernos, re cancheros, superadores de épocas pasadas pero, sin embargo, seguimos llevando en nuestra mente ciertas frases referidas a lo que está bien y a lo que está mal.

Existen muchos estilos de filosofías, aunque la más importante es la que contiene cierta coherencia entre lo que pensamos y hacemos en la práctica.

“Moral amoral inmoral” (de Brenda Lucia Carlini, Agustina Fitzsimons, Milva Leonardi y Marta Salinas), logra reunir las ideas más convencionales, esa mirada anticuada, para llevarla a escena.

Ellas son cuatro mujeres jóvenes, talentosas y osadas que se permiten jugar con la libertad en su máxima expresión; demostrando que el cuerpo es un conjunto de partes, que no nos debemos avergonzar por mostrarlo y que el humano siempre juzgará.

Llevando adelante esta premisa, podremos observar lo ridículos que somos a la hora de señalar con el dedo al diferente, al distinto, al que piensa y actúa de otra manera.

Por otro lado, en varias oportunidades, se suele hablar de moral queriendo referirse a lo ético. Distan mucho un concepto del otro y el diccionario ayudaría a quitar dudas relevantes.

Esta pieza teatral es muy enérgica -valiéndose de la danza-, entretenida y reflexiva. No existe un hilo conductor, sino varias, múltiples y la cantidad que nuestros ojos puedan observar por completo.

Actualmente, el tema de violencia de género y trata de blanca, abundan, dan temor, miedo, mas y mas tabúes. A las mujeres como receptoras de esos castigos (en general), nos tiene que pre-ocupar el mensaje que emitimos a una sociedad -que de a poco- se continúa destruyendo a sí misma, entre todos.

¿Por qué considerar que los pechos exhibidos son acto de provocación en lugar de apreciarlos porque ellos darán, en algún momento, el alimento a sus hijos?

¿Por qué considerar que la belleza de un cuerpo femenino tiene que ser asociado a un objeto sexual en vez de verlo como brillantez, como sostén de una familia, como contenedoras y dignas de dar y recibir amor?

¿Por qué el cuerpo de una mujer debe encajar con el de un hombre? Si desde los tiempos más remotos existió la homosexualidad pero no tanta discriminación como ahora.

¿Por qué una mujer que está con varios hombres es tildada de puta cuando ni siquiera está bien aplicado el término? Y en todo caso, ¿una prostituta no trabaja? Es más aceptado un político que roba, un delincuente que mata que una mujer que elige de que manera llenar sus bolsillos con dinero.

Según nuestro querido diccionario de la Real Academia Española, los significados que se corresponde al título de la obra expresan lo siguiente:

Moral: perteneciente o relativo a las acciones o caracteres de las personas, desde el punto de vista de la bondad o malicia.

Están aquellos que se sentirán avalados por una acepción semejante, pero, ¿de qué sirve quitar el contexto socio-político-cultural? Así como una constitución nacional no se sobrescribe y sigue conservando términos del siglo XIX, la RAE se apoya en la misma teoría de statu-quo.

¿Para qué modificar?

Dejemos que todos sigan discutiendo, imponiéndose, luchando e intentando que prevalezca el pasado en vez de construir sobre el presente.

Amoral: desprovista de sentido moral.

La desnudez, la elección sexual, de género, de pareja, de sentires, de aromas… elegir nos hace libres realmente.

Inmoral: que se opone a la moral o a las buenas costumbres.

La Iglesia es lo primero que se me viene a la cabeza. Esa institución que se separa tanto de la religión, que pide sacrificios, oraciones, rezos, divisiones, xenofobia, muerte, sangre, dolor.

¿Cuáles son las buenas costumbres? Las que generaciones antiguas llevaban a cabo porque tenían que ver con sus realidades?

La Iglesia que, frecuentemente, tuvo que ver con las desapariciones en nuestro país, con las torturas, con los malos estragos…

¿La moral a cuáles de sus integrantes pertenece? ¿A la que más le prometa a Dios? ¿Un Dios que se supone que perdona o no juzga al que comete los peores pecados en su vida?

No es mi intención discriminar a la religión ni a un edificio bañado en oro, pero sí la incoherencia de sus prácticas.

¿Por qué el Vaticano no da el ejemplo combatiendo la pobreza y desnutrición?

Apoyándome en mi filosofía de vida totalmente convencida de lo que ayuda a una sociedad y lo que es tradición, actúo en consecuencia, colaboro sin poner mi nombre y celebro que “Moralamoralinmoral” haya ganado en la Bienal de arte porque significa que estamos avanzando y rompiendo barreras oxidadas. Quizás se tarde, quizás intenten demorarnos, pero la juventud siempre se dijo que es la que logra llevar adelante sus convicciones.

moralamoralinmoral ficha

Mariela Verónica Gagliardi

Mariela Verónica Gagliardi

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Inseguridad controlada

Baby call2

La relación entre una mucama y su ama es muy conocida. Siempre fue y será vista de diversas maneras. Podrá buscarse su lado humorístico, trágico, despreciable o humillante.

“Baby call” (de y dirigida por Sofía Wilhelmi) decide basarse en el típico vinculo, marcando las diferencias de clases económico-sociales y mostrando cómo, ante una adversidad, dicha relación puede revertirse.

Todos seguramente conozcan ese aparatito llamado como el título de la obra, que sirve para escuchar cuando un bebé llora. En esta obra no hay presencia de pequeños pero sí la necesidad imperiosa de la dueña de casa por controlar y no perderse de ningún paso.

Otra vez notamos, cómo lo que parece seguro puede verse afectado por factores y situaciones externas que no han sido contempladas.

Un asalto a mano armada es el conflicto en “Baby call”. Dos mujeres que viven juntas, por fuerza mayor, y que deben Baby call6sortear obstáculos, uniéndose para combatir a los enemigos que lograr ingresar en la vivienda.

La mucama conoce ese mundo perverso, inseguro, lleno de delincuencia… pero su jefa no. Ésta no entiende lo que sucede, hasta el punto que no toma como amenaza al atraco. Ella tiene su propio problema por solucionar que es la separación de su marido.

Paralelamente, los ladrones serán espectadores de las ridículas exposiciones de la dueña de casa y su empleada -que no podrá entender el modo de proceder-.

Como una comedia negra, esta pieza teatral, nos deleitará con las actuaciones, con los diálogos y, sobre todo, con los efectos sonoros que serán realizados en vivo por los propios artistas.

Quisiera decirles que en mi experiencia durante la función, pude sentir y vibrar Baby call. Los sonidos llevados a cabo con ollas y diferentes objetos simples hogareños, dieron una magia especial, que jamás se podría haber logrado con música o efectos especiales.

Un radioteatro puede contemplarse y quienes están privados de la vista, seguramente serían espectadores de lujo.

¡Qué buen logro el no tener que apoyarse solo en la palabra! La coordinación es impecable a lo largo de toda la obra Baby call1pero las voces se escuchan diferentes, nos logran habituar en un espacio determinado, en una distancia amplia o corta.

No es necesario un espacio gigante para que los actores se desenvuelvan ya que ellos encontraron la manera, excelente, de contar una historia utilizando recursos económicos.

Con respecto a la escenografía, vale destacar la creatividad de convertir un dormitorio con cajones de maderas, dándole un lugar lleno de espacios para guardar todos sus objetos personales y los de limpieza de la casa.

A su vez, existe otro punto importante a resaltar que es el de los dos espacios paralelos. Mientras una escena se desarrolla en la habitación de la mucama, otra se sitúa en algún sitio que no vemos con los ojos pero sí podemos imaginar gracias a los diálogos.

Es original esta modalidad de narrar dos situaciones al mismo tiempo, permitiendo que el espectador ponga en primer plano una u otra, mas allá de lo que la iluminación y texto deciden resaltarnos.

Lo maravilloso del teatro es que nuestra mirada puede posicionarse en un lugar u otro, en un personaje u otro. No existe un paneo ni plano que nos obligue a contemplar lo que no nos interesa. No existe el capricho del director sino la decisión personal.

La unión hace la fuerza, supera obstáculos impensados y nos obliga a cambiar. Todo cambio asusta, pero de eso se trata.

Baby call3

“Baby call” demuestra que los estereotipos son tan sólo eso. Que no todo lo que parece ser de una manera termina siendo así. Y que el factor sorpresa está presente, de principio a fin.

 ficha artístico-técnica Baby call

Mariela Verónica Gagliardi

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El arte sana al mundo

O no reparaciones5

¿Cómo se puede modificar el pasado, una situación, una etapa, un momento?…

«O no reparaciones» podría definirse como una muestra de teatro experimental durante la cual se observan diversos cuadros -muy opuestos unos de otros- entre los que puedo mencionar: el desamor entre una pareja; la ceguera de una familia que, por dolor y miedo, oculta su miserable realidad; una maestra de inglés que intenta transferir sus conocimientos a personas que no tienen ni el más mínimo interés.

Hasta acá podríamos comprender la obra de una manera pero, al continuar la trama, vuelve a aparecer el fantasma de la muerte. De esa muerte sanguinaria, de O no reparaciones3la dictadura en el mundo, de las marchas militares que producen escalofríos, de la tragedia más grande del mundo referida al no poder aceptar al diferente, al distinto y a aquellos que no respondan a nuestros ideales caprichos.

La lucha intelectual no da siquiera un suspiro de paz, ni antes ni ahora. Los focos de combate son otros o los mismos, al igual que sus protagonistas que, lamentablemente, dejan herederos.

¿Es capaz una sociedad, de aquí de allá, de curar y reparar los daños que provocaron cadáveres?

¿Qué sucede cuando no se observa el mal y se lo naturaliza?

Esta creación colectiva (dirigida por Florencia Suárez Bignoli), impacta, emociona y produce incomodidad. Quizás para este público no, o para todos los presentes no, pero para otros sí.

Existen temas como la anorexia que, por más que el tiempo transcurra y todos nos volvamos enciclopedias, aún no se puede sanar. Y de eso se trata: de curar O no reparaciones7heridas tan profundas y difíciles de demostrar que el propio cuerpo debe encargarse de somatizar y transmitir, exageradamente, lo que le pasa.

También, hay otras cuestiones como la violencia colocada en la cima. Claro que es agresivo ver ropa tan diminuta como imposible de probarse, claro que es agresivo escuchar y ver publicidades que discriminan a la mujer y hombre que no cumple con estándares sociales impuestos y sacados de una galera que vende, claro que es violento y desgarrador asumir que una sociedad está enferma por culpa de los más poderosos pero, también, defendidos por los que gozan de ignorancia.

¿Cómo dar la vuelta de página cuando no se superó la tragedia individual y social?

¿Y si superáramos el pasado como haríamos para no olvidarlo? Se puede superar sin olvidar como para no volver a cometer tremendos genocidios?

¿Qué peso y arduo trabajo tenemos individual y colectivamente!

Mientras los diálogos van y vienen, los actores se desenvuelven dentro de una sencilla escenografía compuesta por afiches blancos que permiten sorprender con videos en vivo, juegos de luces y un despliegue visual-sonoro impecable.

O no reparaciones8

Finalmente, el amor es el encargado de cerrar la dramaturgia. Un amor noble, inocente, una mitad que se une a otra conformando una unidad. Y esa pieza ejemplifica al mundo, intentando reunir de a poquito a sus integrantes.

Será cuestión de embarcarse y disfrutar…

Disculpen, cómo podría afirmar estas acciones cuando el hombre no para de garronear lo que tiene el de al lado o de envidiar, con ira, cuando no obtiene una tajada.

¿Cómo reparar algo si todavía se puede terminar de arruinarlo?

O no reparaciones2Es mejor no pensar cuán peor podríamos estar y empezar siendo responsables: en principio por nosotros y luego colaborando con quienes perecen bajo un árbol, permitiendo que la sangre se oscurezca.

Tal como dice el título «O no reparaciones». Vivir y dejar vivir. Parece ser una locura el velar por nuestro propio principal derecho.

ficha artístico-técnica O no reparaciones

Mariela Verónica Gagliardi

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Sensaciones inolvidables

Haya9

En la ciudad de Bolívar se esconde una historia real que María Laura Santos (la directora), se encargó de ficcionar, así como de guionar. Esta narración tiene ese aroma y gusto al interior, a que realmente ocurrió y que sus personajes son netamente intérpretes.

“Haya” es el título de la obra, así como de su protagonista (Paula Baldini), la cual tendrá la valentía de enfrentar momentos angustiantes pero que, sobre todo, aprenderá a acomodarse a diversas situaciones totalmente inesperadas en ese pueblo.

Como una pequeña pero gran historia, el eje central girará entorno a lo emotivo. Las sensaciones serán unas y al
cabo de un rato, otras. Las personas que irá conociendo Haya no serán convencionales sino todo lo contrario. Ni Haya7siquiera tendrán nombres que coincidan con sus géneros y este punto hará reflexionar sobre el sexismo.

Esta pieza teatral nos remite a aquello tan puro como el amor, en todas sus vertientes.

Un espacio recreado con objetos que nos ubican en tiempo y espacio, al mismo tiempo que la iluminación y música, serán los encargados de permitirnos lagrimear, buscar en nuestro interior, en ese rinconcito colmado de recuerdos inolvidables.

“Haya” pertenece al género testimonial y de eso no hay dudas. Pero, Haya no es solamente una mujer en un pueblo. Haya es una mujer en busca de su identidad, de sus ancestros, de la soledad y de la compañía que surge de modo espontáneo.

Es imposible no emocionarse. Todos hemos tenido pérdidas de seres queridos y la muerte en nuestra sociedad continúa siendo una energía tan oscura como la bruma, de lo que no se puede hablar demasiado sin estallar en llanto.

¿Qué significa el término haya?

Puede ser un verbo o sustantivo, según como se utilice. La palabra hace referencia a una acción o árbol. Dos cosas tan diferentes una de otra.
Aunque no es el fin de la obra ninguna de estas dos en particular, sí me atrevo a involucrarlas como parte del relato.

La Paloma es el sitio en el que se desarrolla casi toda la historia, en paralelismo a un hotel llamado Goitías -muy cerca de allí- atendido por un hombre demasiado particular, con un costado melancólico-romántico.

Haya5

Cada momento que transcurra será inolvidable para la protagonista y para nosotros como público. Ella podría ser cualquiera de los espectadores que se sumerge en una aventura impensada, pero que le resultará placentera.

Desde que se ingresa a la sala del teatro, se ve un letrero luminoso, ubicándonos en un lugar determinado. Ese será el punto de partida y, gracias a éste, se desarrollará lo siguiente.

Haya nos cuenta un mito sobre las hermanas caballo. Estas hermanas son de pocas palabras, parecen niñas aunque ya no lo son, parecen haber vivido demasiado tiempo alejadas de la gente y cada palabra escuchada les producirá un estímulo diferente, permitiéndoles bailar, cantar y ser felices nuevamente.

Haya3

¿Qué puede sentir una persona ante una gran pérdida?

Silencio, no saber qué decir, no poder hablar.

Como si la voz fuese la encargada de reproducir tristeza y dolor. Qué acostumbrados estamos a tener que emitir sonido con la boca, dejando de lado al resto del cuerpo que muchas veces se expresa más nitidamente.

Qué sucede con las personas que deciden formar su propia vida lejos de la ciudad, de un mundo simultáneo pero en muchos casos demasiado dañino para ser recorrido?

Ser “anti-social”, ¿está mal? No querer seguir al rebaño de ovejas y tener otros valores, ¿es incorrecto? ¿Por qué la única verdad es la escogida por la mayoría, en varias ocasiones porque ya es lo más cómodo y ya transitado por otros?

La música de los Guns and Roses surge en cierto momento de la dramaturgia con la canción Paradise City y el factor Haya6sorpresa vuelve a apoderarse de nosotros.

¿Quién podría imaginar que un grupo de música internacional formaría parte de tan profunda obra?

Una ciudad paradisíaca con movimientos de caballos, danzando el rock and roll tan mágica como poderosamente podría verse en escena.

Probablemente los actores intenten buscar aquellos niños que fueron, los aromas de la casa de sus abuelos, el olor a pasto recién cortado y cada comida servida en las mesas de los domingos.

Seguramente si pudieron llegar a esa columna vertebral seguirán llenando las butacas como hasta ahora, enterneciendo, provocándo risas y dándonos la oportunidad de volver por un rato a la infancia, esa etapa en que solo existían los juegos.

Ficha técnica Haya

 Mariela Verónica Gagliardi

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Saber quiénes somos

8) L14

Unas sillas antiguas y rotas colgando del techo junto a telarañas, invaden el espacio que -con una melodías tenebrosa- nos sumergen en la historia de «L 14» (escrita y dirigida por Nicolás Pérez Costa y Nacho Medina).

Al comenzar la obra vivía un paralelismo con algún cuento de terror de la infancia. Una propuesta diferente estaba ante mis ojos y dejé que cada sentido se empapada de ésta. A lo alto de una escalera de madera había una chica que hizo una introducción -la cual creó suspenso e intriga-.

Pero, de repente, el clímax de la dramaturgia se modificó por completo para dar 1) L14lugar a sus personajes que, unidos por algún motivo, decidieron interpretar un libro. Así fue como repartieron al azar cada rol, se vistieron para la ocasión e intentaron jugar.

Qué complicado puede resultar ponerse en la piel de un otro y olvidarse de quien es uno mismo. Cuál es la identidad de cada ser y cómo se opta por hacerse cargo de quién se es?

A partir de esa búsqueda, posiblemente impensada para llevar a cabo, se desarrolla una temática entretenida e inteligente, surgiendo canciones y coreografías muy impactantes.

Con respecto a la narración, Luis XIV es el Rey protagonista y a partir del cual girará cada una de las situaciones y conflictos de la obra.

Un punto interesante es que son dos historias -una desprendida de la otra- y que, de a poco, se van complementando, 27) L14así como sus personajes. El anacronismo es el factor que posible esto y los diálogos generan tensión, goce, complicidad con el espectador y un aire turbio en otros aspectos.

Si bien L 14 pertenece al género de comedia musical, dentro del suspenso. Existen tintes cómicos que permiten relajarnos y sentir esa bruma pesada -específica del relato-.

Cuando finalizó la pieza teatral, Nicolás Pérez Costa, comentó que escribió la obra a sus 17 años. No sorprende que así fuera ya que nos tiene acostumbrados a pura creatividad y talento. Aunque sí parece escrita por un joven, por ese aire novedoso y pantomímico en ciertos fragmentos de la obra.

Así es como, mágicamente, viajamos por un mundo de ficción, a partir del cual, la aristocracia se enfrenta a su pueblo, a la miseria económica, a un reinado sin rumbo y a su propia esposa que, casualmente, no interpreta ese papel en el juego.

«L 14» es una ubicación, un piso con un número de departamento, un espacio para crear, divagar y encontrarse. Un itinerario para seguir por convicción o miedo, un camino ocioso y religioso, alegre y triste. Un itinerario para elegir el propio final. El marcado por la narración que se persigue y el aceptado o rechazado por nuestros valores.

6) L14

Nadie podrá escapar a su propia esencia y ese será el puntapié para comprender la profundidad de la obra.

«L 14» es una alternativa a la vida actual y la posibilidad de intercalar dos mundos paralelos. Lo peligroso es olvidarse de quién es cada uno y confundir ambos universos.

Mariela Verónica Gagliardi

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