*** SEPTIEMBRE 2025 ***

Archivo para 2014

Minientrada

Siempre hay tiempo para cambiar

Reset1

«Reset» (de y dirigida por María Florencia Diácono) es un término muy utilizado en nuestros tiempos y asociado a la tecnología. Cuando se tilda un celular, generalmente, hay que hacer un procedimiento para que vuelva a funcionar; o cuando la computadora pasa por un conflicto similar, también, sabemos que debemos reiniciarla.

Pero, ¿cómo se aplicaría un reseteo al cuerpo humano, al cerebro?

En esta propuesta original y divertida, dos jóvenes (Federico Fedele y Michelle Wiernik) nos llevarán por un recorrido interesante y que dejará boquiabierto al público.

Ellos fueron elegidos para una especie de experimento, el cual los conducirá a la felicidad. Claro. Que la felicidad es Reset2muy relativa y subjetiva, variando demasiado de a una a otra persona. Entonces, ellos serán empujados formalmente a lo que se considera -socialmente- como tal.

El primer beso, el primer noviazgo, el casamiento, la formalidad, el deber ser; irán sorprendiéndonos a lo largo de «Reset», una pieza teatral sin altibajos y con mucha fuerza escénica.

Con el estilo de un videojuego, estereotipando a sus personajes -con looks súper techno y la música contextualizando dichos sketchs-; podremos conocer la verdad del sector más pequeño. Aquel segmento que se suele discriminar por no pensar como la mayoría, ya obsoleta.

La obra puede ser entendida por grandes y chicos. Cada franja etárea comprenderá lo que esté a su alcance visual o moral.

A su vez, la comedia musical con canciones realizadas especialmente por el elenco, harán mucho más amena a Reset, combinando movimientos de baile -no especificos de la danza- con la marcha y un final con guitarra en vivo.

Reset3

Cuando ya no sabés qué rumbo tomar o, definitivamente, deseás un cambio rotundo en tu vida, ¿cómo volvés a cero?

Sería como volver a nacer, lo cual es imposible ya que cargamos con demasiada información en nuestro cerebro, difícil de limpiar.

Muchas canciones famosas suelen hablar de volver a… acaso es tan importante eliminar esa mochila que traemos a cuestas? No sería mejor que nos sirva de experiencia?

Los actores interpretan a dos muñecos, dos muñecos que no son imprescindibles, que se pueden reemplazar con un abrir y cerrar de ojos. Entonces, ¿qué mensaje fundamental nos quiere dejar esta gran obra?

Que mientras sigamos repitiendo modelos, sin cuestionar absolutamente nada, formaremos parte de una puesta en Reset4escena, de un capítulo más de la vida de otros.

Hay quienes consideran que es correcto copiar sin modificar, sin elegir. Pero acá no se trata de lo que está bien o mal, sino de que somos seres capaces de hacer una historia distinta. Que no debemos esforzarnos por diferenciarnos del otro, pero que tenemos que usar la razón para Ser.

Recuerdo a una profesora de literatura que cierta vez dijo: Dios Es. Lo que ella nos quería transmitir es que una persona es en general una profesión, un color, un adjetivo. Dios no precisa tener adjetivos.

Quizás suene muy prepotentes mi parte confirmar que todos tenemos la oportunidad día a día de Ser, de conseguir lo que buscamos, en vez de perdernos en el laberinto. Solamente nos hace falta hacernos amigos de nosotros mismos y confiar.

Mientras los colores de Intervention Company -cita en Butterfly- siga demostrando cuán irreal es la realidad plasmada por los ancestros, seguirá vigente un modelo antiguo y perezoso. Aunque el día que abran sus ojos quienes permanecen en la quietud, se podrá construir un mundo interesantisimo.

Reset de sus impactante y utiliza recursos televisivos, en general, y frases conocidas por todos para describir escenas y momentos tradicionales. Deeste modo, la ironía se convierte en la base del relato, con diálogos sencillos pero profundos.

Reset9

La destreza de los interpretes, desde lo vocal hasta lo actoral nos dejan solo una ventana abierta: la del éxito, unido de la felicidad elegida por cada corazón y no impuesta porque así tiene que suceder.

Los aplausos sonaron durante la función y al finalizar ésta. Desde mi percepción, sentí que tuvieron que ver con el trabajo profesional llevado a las tablas pero, también, a la vida que se escurre entre nuestros dedos si no le damos un reseteo de vez en cuando.

 Mariela Verónica Gagliardi

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

Minientrada

«Hay que esconder al elefante», de Nelly Scarpitto

Con idea y producción general de El Nudo – Compañía Teatral Creadores de «Un tigre en el Gallinero», “Un Hipo Desafinado” y “Un ovillo con pelusa”

Funciones: Sábados y domingos a las 16hs.

En vacaciones de invierno: De martes a domingo a las 16hs.

Centro Cultural de la Cooperación “Floreal Gorini”, sala R. G. Tuñón

Corrientes 1543 – CABA – Informes: 5077-8077

Localidades 80$ (menores de 2 años sin cargo)

Títeres para niños de 0 a 7 años

Duración del espectáculo: 40 minutos.

Dramaturgia: Laura Monti

Dirección y puesta en escena: Nelly Scarpitto

Idea y producción general: El Nudo Compañía Teatral

Intérpretes: Mariana Trajtenberg, Daniel Scarpitto, Claudia Villalba, Telma Skocznadek

“La vida cotidiana de Felipe, el elefante, se ve sorpresivamente interrumpida por la llegada de dos inexpertos cazadores. Los animales buscan una solución hasta que descubren, después de pasar por una infinidad de situaciones disparatadas, que la mejor salida al problema es enfrentarlo todos juntos”.

Minientrada

El amor encerrado en un potrero

Una zambita cruel8

Un caballo humanizado (Patricio Witis), el cual vive encerrado en un potrero, sin relacionarse demasiado con sus amos.

En medio de los típicos roces familiares -entre una hija (Celeste Sanazi) y su padre (Mariano Muente)-, surge una historia de amor que no llega a desarrollarse.

Los artistas tienen la convicción de cantar y trasladan la trama a las voces campestres y autóctonas.

Las guitarras suenan -marcando el ritmo, compás y sensaciones- desde la escena y desde fuera de ella.

No existen demasiados contratiempos, prevaleciendo el amor que no pudo ser y Una zambita cruel3el encierro emocional de los
personajes como barrera al despertar de sus emociones.

En cuanto al título de la obra, considero que no es necesario justificar, constantemente, el mismo a través de la palabra. Sus cuerpos expresan y la música confirma a éstas.

Tal vez, sea una cuestión estética el modo de narrar y el recurso poético utilizado.

La sala del Teatro Garganta estaba colmada, todas las mesas de madera tenían un aroma especial rural. Ese perfume a antaño que suele ser difícil recrear y transmitir.

De repente, uno de los actores llamado Lucas (Julián Rubino), esboza en su canción: «Voy sin saber a dónde voy, voy despidiendo lo que soy» y, luego, se incorpora a la obra para seguir sorprendiendo con su estilo moderno y popular, al son de la zamba.

Al principio no se sabe quién es quién, pero el relato principal no apunta a descubrirlo, sino a convencerse de cuáles son las cuestiones trascendentes en la vida de un ser vivo y a luchar por los valores que considere importantes.

Una zambita cruel16

La música ambienta, entretiene… los diálogos conforman cada escena pero, si imaginaramos, una zamba bailada de principio a fin; sería el resumen de esta obra.

Por otro lado, el personaje de Soledad (Celeste Sanazi), la prima de Lucas, pretende ser el hilo conductor de las tragedias que se van sucediendo, pero podemos -de algún modo- tomar al caballo como personaje principal o, inclusive, al propio guión.

Eso es lo más interesante en «Desde mis ojos»: la posibilidad de elegir el camino a seguir y el sentirse libre, sin tener que esforzarse por entender. El entendimiento es visible, con diálogos no rebuscados, gracias a lo cual el espectador puede Una zambita cruel15disfrutar y dejarse llevar por los estímulos de la pieza teatral.

Una estancia, un caballo, una familia y una serie de letras musicales que conforman esta propuesta.

Otro punto a resaltar es que cada intérprete puede lucirse, siendo todos protagonistas. También, la manera en que van alternándose los pensamientos del caballo con las escenas familiares, para lograr un par impacto distinto en una historia de amor.

«En la quietud del monte una brisa cambia todo» – dice el animal en cierto momento. El tenia sus pesares y dolor muy ocultos, tan ocultos que cuando quiso expresarlos no supo medir la fuerza. No era un animal salvaje pero sí en cautiverio, totalmente abandonado y despreciado.

La poesía está presente en todo momento, intentando desmarañar los problemas. A su vez, un guitarrista fuera de las tablas, ameniza a lo largo de la narración, otorgándole mayor vida al relato campestre.

Al finalizar la obra, me puse a pensar sobre el maltrato animal. Sobre la eutanasia, sacrificios, veganismo. Y es que, como les decía anteriormente, cada persona establecerá un lazo con aquel aspecto que le signifique más.

Si un caballo pudiese hablar con palabras, ¿qué esbozaría?

Una zambita cruel6

La violencia es violencia. Hacia una persona o animal. Entonces, por qué justificar uno más que el otro? Hasta donde llega el ego del hombre como para considerarse superior a otro ser vivo?

«La muerte es puramente animal», afirma el caballo. Quizás ese sea su argumento para no sentir culpable.

La historia avanza y cada conflicto se resuelve. Mientras tanto la música cobra protagonismo:

«Nunca supe cómo cantar esta zambita cruel».

¿Puede considerarse cruel un animal? Este actúa por instinto. Pero su instinto no siempre le marca lo correcto, solo lo que sus sentidos irracionales le confirman que debe hacer.

ficha artístico-técnica Desde mis ojos

 Mariela Verónica Gagliardi

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

Minientrada

La convicción de ser quien se quiere ser

Pinedas91831 – Granada (España).

Como una obra de arte «Pinedas tejen lirios» (escrita y dirigida por Susana Hornos y Zaida Rico) refleja la vida de una mujer luchadora que por hacer notar sus valores, fue eliminada violentamente de escena.

Mariana Pineda es aquella luz que muchas personas no se animan a irradiar, por miedos, por prejuicios, por ser juzgadas o abolidas.

Durante la función pude notar el gran desenvolvimiento de baile y coordinación (a cargo de Carmen Mesa), en conjunto con el actoral llevado a cabo por Petra (Laura Lebedinsky) y Pedrosa (Ariel Pérez de María).

En cuanto a la protagonista (Arantza Alonso), ella supo captar la esencia de los ojos de esa mujer soñadora, utópica, valiente y tenaz; que tanto dio sin esperar nada a cambio.

Pinedas11

Como una flor amarilla, con su encanto aromático, también, debemos tener en cuenta que -algún día- marchitará.

Ella murió, sin quererlo. Pero vivió, se desarrolló y sintió, a flor de piel, cada instante.

Uno de los aspectos más interesantes de la obra es el modo de narrar, pudiendo entrelazar pasos de flamenco, excelentemente sincronizados, y permitiendo darle una estética realmente delicada a la obra. Por otro lado, me parece muy buena la elección de mostrar violencia sin ser recurrente, danzando y actuando cada agresividad con un recurso distinto. Sabemos que no tiene el mismo impacto, pegar una cachetada con la mano que hacer un movimiento sutil que lo interprete.

De esto se trata «Pinedas tejen lirios», de buscar y encontrar los detalles, la esencia y Pinedas6fundamento para contar -originalmente- una historia real, ficcionada y que llega a lo más profundo del corazón. Cada recurso escogido se vuelve único, suspicaz, valiente y revelador. Es imposible no sentir la piel de gallina al contemplar esta pieza teatral.

Durante la función no existieron ruidos y distracciones. El tema fue conmovedor y el camino escogido para transitarlo, muy especial.

Celebro cuando los actores interpretan a varios personajes y, sobre todo, cuando son talentosos como para no confundir al espectador. Toda la vida de Mariana estuvo presente, su infancia, su madre, su hermana, su marido y tantas otras escenas que ejemplificaron la esencia y lo más importante de la familia Pineda.

También, considero que no sólo se basa la obra en la vida de Mariana Pineda, sino que es un reflejo, inclusive, de situaciones femicidas que siguen ocurriendo en nuestros días. Así como ella mantuvo sus convicciones en primer lugar, hay mujeres que no se animan siquiera a desvincularse de la maldad ajena que tanto las perjudica.

Pinedas7La protagonista habrá sido vista como una provocadora, sin proponérselo.

Una mujer golpeada, física o psicológicamente, también es vista de la misma manera.

Los ojos de los más miserables producen ceguera, penumbras y delirios.

Muchas veces, lastimosamente, escuché a hombres decir «algo habrá hecho». Sin remitirnos específicamente a la dictadura militar, no existe justificación para azotar a alguien.

Cuán poderosas y polémicas pueden ser las palabras libertad, igualdad y ley. Antes, ahora y mañana. Quizás, antes más que ahora. Posiblemente, mañana en menor medida.

Pinedas engloba a cada una de las mujeres que con amor, perseverancia y firmeza pudieron hacerse valer. Sus vidas estuvieron, están y estarán en juego; pero acaso tiene sentido respirar un aire contaminado si somos capaces de elegirlo?

Con respecto al vestuario, es llamativo y bien característico de la época. Es perfecto el detalle del vestido de ella que marca el presente y pasado, al quitárselo y quedarse con otro atuendo. El vestido antiguo era rígido como esa época, incomodo, haciéndola sentir en prisión, una prisión tan simbólica como real.

«Pinedas, tejen lirios» en vez de calas. Enhebran amor y bondad en vez de odio y rencor.

Tienen una mirada alegre y cantan sus pesares, buscando la arista más entretenida y voraz.

Pinedas5Los versos van y vienen, sirven de contexto y relajan a la vez. Casi al finalizar se escucha «El romance de Mariana Pineda» (una pieza anónima e incluida en la obra de teatro de Gabriel García Lorca). Cabe aclarar que el cantautor español Luis Pastor compuso especialmente esta versión para esta pieza teatral, la cual es sumamente exquisita de escuchar.

Mariela Verónica Gagliardi

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

 

 

 

Minientrada

Cada quien elige cómo morir

12- El buen canario

Las luces se apagaron y el foco fue puesto sobre una mesa de bar. Allí, un matrimonio discutiendo sobre literatura. Luego la luz se atenuó y apareció otra escena -compuesta por un escritorio, un jefe y el marido de la mujer anterior-.

El tema entonces se basó en la pornografía, en la sodomía, en esa práctica sexual que aún en nuestros tiempos sigue siendo tabú.

El tema entonces se basó en un libro escrito, recientemente, en unas hojas que fueron y son demasiado, que podrían llevar a la locura a cualquier cuerdo.

Merceditas Elordi, decide dirigir esta obra (escrita por Zach Helm), la cual se presentó por primera vez en teatro en el año 2007 (París) de la mano del célebre John Malcovich. Esta innovación la dota de incentivo y placer al escoger un área emblemática y, a la vez, muy consumida por el público argentino.

9- El buen canarioLa protagonista que representa a Annie (Lucía Di Carlo), mágicamente deslumbra, demuestra cómo se puede avasallar en las tablas siendo profesional y talentosa. Logra unir varias disciplinas como la dramaturgia y la danza contemporánea, utiliza recursos de diferentes áreas y consigue el desafío más interesante de una puesta en escena que es llevarnos en su bolsillo.

Cuando su nerviosismo se hace presente, es preciso entenderla, saber quién es y a dónde va. En los momentos en que su irracionalidad la desborda, la garganta se hace un nudo y cuando la verdad se hace presente no existe obstáculo que la detenga.

¿Qué se puede opinar sobre esta historia plagada de anfetaminas para adelgazar, para mantener una estética “perfecta” y un corazón roto?

Los cambios no son de afuera hacia dentro sino a la inversa. Pero, ¿cómo puede comprender esto una persona con tanta inteligencia para la escritura y tanto despropósito para su vida?

Es cierto que no queda demasiado bien observar, en plena función, los rostros de los espectadores. Pero se me tornó inevitable y las expresiones de las mujeres que logré observar con un 8- El buen canariofugaz paneo, me demostraron que estaba en lo cierto. Una estática, cual quietud, sin poder llorar, quebrarse ni gritar. Impotencia ante la vida y ante una realidad tan poco ideal como drástica.

Continué fotografiando aquellas imágenes tan bien logradas e intentando que mis lágrimas no hicieran ruido en la sala. Lo conseguí pero, perteneciendo al mundo femenino cómo no romper en llanto desgarrador. Cómo no poder ayudarla ni tenderle una mano a la actriz protagonista que momento a momento seguía hundiéndose como en arenas movedizas.

Su marido, Jack, (Ulises Pafundi) apoya -a su manera- las decisiones de su amada. Aunque no siempre apoyar lo que el otro quiere es sinónimo de brindar sostén. De cualquier manera, quién sabría a ciencia cierta qué es lo mejor para uno y para el otro.

“El buen canario” no habla, está ausente figuradamente pero presente en la vida de este matrimonio. El canario simboliza la prisión que siente esta pareja al no poder avanzar y ser plenamente feliz. La jaula es su propia casa y el muro que construyeron para impedir que penetre el mal exterior. De lo que no fueron capaces de darse cuenta es que sus días no serían infinitos sino tortuosos. Cada vez peores.

Existen varios momentos a destacar durante la dramaturgia que aportaron a que la historia tenga no solo tragedia sino momentos de risas. Si tuviera que elegir un género para caratular a la pieza teatral diría que es una tragicomedia. Durante más de la mitad de la obra el público estalló en risas y complicidad en cuanto a los diálogos humorísticos presentes. Éstos lograr crear un clímax determinado para luego transportarnos a lo más oscuro de la narración.

1- El buen canario

En cierto momento de la obra se puede observar cómo, simultáneamente, todos los personajes mantienen conversaciones por teléfono entre ellos. Es el único momento de la obra en que todos se relacionan, utilizando frases iguales, dialogando con uno a la vez pero sin verse los rostros. A modo coreográfico se logró una escena preciosa. También fueron interesantes las maneras en que se desarrollaron cada uno de los ambientes ya que, por momentos, la iluminación sirvió para marcar el foco y, en otras, podíamos ver, al mismo tiempo, una escena antececida pero, en segunda plano, por lo que sucederá momentos después -decidiendo a qué prestarle más atención-.

A su vez, la música con diferentes estilos logró recrear cada situación permitiendo hacer hincapié en lo más trascendente. Acompañaron a la estética una escenografía de vidrio, la cual iba siendo graficada, en el momento, por uno de los artistas.

Un pájaro que canta hasta morir, que alegra, que disfruta pero que necesita, que depende de unotro, que no encuentra en su alma cómo trascender armoniosamente.

6- El buen canarioUn elenco fantástico integra la obra y si bien este matrimonio es el que se destaca -por su interpretación pero, también, por el guión-, los personajes secundarios desempeñan correctamente sus roles, permitiendo que “Un buen canario” consiga cumplir su mérito.

¿Se han acostado alguna vez con los ojos cerrados para sentir el cantar de un pájaro? Cada especie tiene su propia melodía y, por más que no sepamos su nombre, la reconocemos. Pero cómo se puede encerrar a un ave con alas? Annie las tenía enormes y desplegaba historias por doquier. Sus propios traumas y cada una de sus secuelas fueron volcadas en páginas blancas que llevaron como autor a otra persona. 4- El buen canarioEste acuerdo que un comienzo fue lo mejor para ellos, desembocó en un triste final.

Tal vez la muerte no sea una mala palabra sino una elección certera. Quizás una amenaza sea un pedido de ayuda a despedirse en paz.

Quizás un canario pueda escoger cómo morir y cuándo, sin entender el dolor de los demás mortales.

Mariela Verónica Gagliardi

 

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

Minientrada

El mal como único camino

9.Caligula

Un hombre que cree poderlo todo. Un hombre que, sin piedad: mata, ama, se erige por sobre todos y siente lo que su instinto le provee.

Su nombre es Calígula y -desde la muerte de su amada hermana- demostrará que su poder es innato y avasallante. No existe cometido que le sea un imposible ni meta inalcanzable.

Lo único que lamenta, minuto a minuto, es la perdida de dicho familiar y son muy interesantes las asociaciones que realiza 11.Caligulaentre la vida y la muerte, entre ésta y cada acontecimiento que se avecina.

Todas sus debilidades, caprichos y antojos estarán presentes en las butacas que forman la escenografía de la obra al estilo de un contemporáneo Coliseo Romano. Esta obra se inmiscuye en la intimidad de Calígula, un hombre que tuvo y perdió todo: hasta su bondad.

Lo atrapante de la historia (basada en los relatos de Albert Camus) es la inmensa cantidad de personajes estereotipados y ridículos que se suceden unos de otros, haciéndonos reír a carcajadas para -luego- emocionarnos.

Durante la ópera se pudieron apreciar la calidad humana y profesionalidad de cada uno de los artistas. Esto se aspira, se siente, se huele. Es imposible lograr un producto tan bien diseñado y llevado a las tablas, sin amor. Tanto los cantantes 2.Caligulaprincipales, como el gran coro y la orquesta estable del Colón; pudieron lucirse y transmitir lo que mejor saben hacer.

Desde el Palco vibré cada momento de la historia que produjo bronca, amor, odio y pasión. Las voces sonaron reales y no precisaron de micrófonos, los instrumentos acompañaron, ambientaron, contextualizaron y nos permitieron vivir una tarde de domingo única.

Los ostentosos y antiguos telones del teatro más prestigioso del país se abrieron para presentarnos una narración exquisita, con diálogos netamente sentidos y correctamente expresados por sus rostros y voces.

1.Caligula

La perversión de este Emperador Romano, que fue asesinado a una edad muy temprana, odiado y maldecido por un pueblo entero y venerado por unos pocos; demuestra cuán cruel y perversa puede ser una persona sin siquiera arrepentirse en algún momento de su vida.

En cierto momento del relato dice que el mundo de los vivos no alcanza para poblar al mundo de los muertos. Igualmente, 3.Caligulael mundo que más frecuenta Calígula es este último. Se pasea entre cadáveres pasados, nuevos y almas deambulando en el aire; invadiéndolo de una pesadez tan tenebrosa como real.

Quizás, pensar en Calígula como en teatro absurdo, permita por un momento evadir su locura y maldad -tan aberrante y sanguinaria-.

Ni siquiera se lo podría caracterizar como a un déspota ya que se comportó de manera tirana durante todos los años en que estuvo al poder del Imperio Romano, intentando gobernar a un pueblo que lo aborrecía y el cual no podía ver a un héroe, sino todo lo contrario.

En todo caso, podría tomar a este personaje como a un anti-héroe que -desbordado de tanto dolor y melancolía- decide 4.Caligulaimplantar sus peores sentimientos en cada uno de los mortales para que, incluso, sientan la obligación de dar su sangre para la continuidad del Emperador.

El barítono australiano, Peter Coleman Wright, interpreta impecablemente a este feroz hombre quien, junto a Caesonia, su mujer, (Yvonne Howard, la excelente mezzo-soprano) intentará demostrar que es un ser más suave (después de haber caído enfermo), pero, al instante, saldrá a la luz el peor asesinato que pudiera cometer un hombre.

El Teatro Colón comienza su temporada 2014 con esta excelente propuesta. Se presentará desde el martes 1 hasta el 8 de abril inclusive.

Mariela Verónica Gagliardi

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

Minientrada

Espejito espejito, de Emyliano Santa Cruz

Blancanieves 2Lo que pasó después del “felices para siempre”…

*SENSACIONAL ESTRENO*

JUEVES 27 DE MARZO

21 hs

 FUNCIONES

Jueves 21hs

 Teatro Bambalinas

Av. Corrientes 1743 – C.A.B.A.

Localidades $80 y $100

ELENCO

EMYLIANO SANTA CRUZ

Lucrecia Aguirre
Jazmín García Haymes
Voz del espejo: Martín Rechimuzzi

SINOPSIS

Un espejo que devuelve realidades que no quieren ser asumidas, 4 princesas que le devuelven al espejo sus quejas y la reivindicación de la femineidad a la orden del día. Quien dijo que las princesas eran bellas felices y exitosas?
Un espectáculo de humor que recorre las historias de fantasía a contrapelo. El revisionismo llegó a los cuentos de princesas para desenmascarar a los presuntos finales felices.
¿Actualidad? Si!, tenemos una invitada famosa cada semana que nos contará su experiencia después del “y fueron felices para siempre…”

Él es Emyliano Santa Cruz

Actor, Cantante, Escritor y director.  Proviene de una familia de destacados Artistas, entre ellos se cuentan su Madre Liliana Benard, Su tío Leonardo Favio, y su tío y padrino Abel Santa Cruz, entre otros. Con una prolífica carrera de más de veinte años, Emyliano comenzó a trabajar en Televisión a la temprana edad de ocho años; desde entonces ha trabajado ininterrumpidamente en Cine, teatro y Televisión. Hasta el día de hoy  ha escrito, dirigido y protagonizado más de diez comedias musicales en Buenos Aires, Nueva York, Miami, y México, y ha protagonizado innumerables obras de teatro. En la TV Argentina a  participado como humorista en SHOWMATCH, “El Casting de la Tele”, “Sin codificar”, etc. En TELEVISA (México) fue parte del elenco estable de la famosa Sit-Com “La Familia Peluche” y “Que tarde tan padre!”. Emyliano ha recibido varios premios y reconocimientos, tanto en su país natal, como en el extranjero:

Ha ganado numerosos premios en Argentina y el exterior

Premio ACE (Asociación de Cronistas del Espectáculo, Nueva York) 2006 Como mejor comediante del año «El Quijote» – Premio HOLA (Hispanic Organization of Latin Actors, Nueva York) 2006 Como mejor actor de comedia «Madre» – Premio ACE (NEW YORK) 2005  Como la Personalidad del año – Premio HOLA (Nueva York) 2003 Como mejor actor de reparto «El Enfermo Imaginario» – Premio ACE (Nueva York) 2003 como mejor actor de Comedia «El Enfermo Imaginario» – Premio ESTRELLA CONCERT (Buenos Aires, Argentina) 1996 mejor musical infantil «La Sirenita» – Premio CARLOS  (Córdoba, Argentina) 1996 al mejor musical «Aladino» – Premio CARLOS  1996 al mejor vestuario «Aladino» – Premio CARLOS 1996 Como revelación del año «Aladino» – Premio BAMBA (Córdoba, Argentina) 1995 mejor comedia musical «Aladino»

EQUIPO CREATIVO

Música: Marcelo Andino

Coreografía: Federico Wagner

Escenografía: Nicole Treuel

Vestuario: Core Puetto

Realización de pelucas: Jorge Balestra

Fotos: Charli Love

Prensa y difusión: Circular prensa

Dirección: Martín Rechimuzzi

Producción general: Emyliano Santa Cruz

Prensa y Comunicación

Guido Zaffora – Mercedes Giobio

 

Minientrada

«Cachafaz», en Escenarios de Verano – Mar del Sur

Cachafaz1

En el Teatro del Pueblo tuve la posibilidad de ver tremendo musical y, en el Festival vigente, repetí mi asistencia.

Dos escenarios completamente diferentes, públicos bastante similares en cuanto a edades y una vibra muy especial, acompañó a “Cachafaz”.

¿Qué agregar, qué comentar y qué decirles en cuanto a la comedia musical de Copi? La historia es la misma, los actores, bailarines y músicos, también. Sin embargo, el marco de un festival modifica, indefectiblemente, el foco y las sensaciones que recorren nuestros cuerpos.

La emoción al hacer la fila en el teatro, las charlas espontáneas que se dan en un lugar del Interior de Bs.As -donde las oportunidades son otras, donde cualquier Cachafaz4suceso importante es acompañado, donde una sonrisa es contagiada al instante y cada mirada significa algo diferente-.

Para quienes no conocen la dramaturgia, se basa en el bien y el mal básicamente. En una pareja que decide afrontar las adversidades que se les van presentando y que -ciegamente- avanzan sin retroceder.

La Raulito y el Cachafaz conforman la dupla amorosa de esta historia y ella, más enamorada que él, da todo por su hombre -a quien considera honrado-. Los conflictos comienzan a sucederse en cuanto las mujeres del conventillo, vecinas de ellos, cantan sobre las tragedias que no tienen descanso alguno. En definitiva, hacen visibles las atrocidades cometidas por el más carismático de la historia, a quien nadie logra frenar y quien tiene un final tal cual se merece.

Analizando la trama, por un lado contamos con la justicia que cumple un rol primordial y, por otro lado, a la transgresión. El Cachafaz es quien transgrede y La Raulito quien lo acompaña y le presta su hombro para descargarse.

Esta obra, además de ser excelente, cuenta con tres músicos -que acompañan toda la pieza artística- y un elenco de bailarinas y bailarines impecables -que se convierten en el personaje que interpretan de una manera admirable-.

Los cuerpos de los bailarines parecen flotar, conformándose en gacelas y luciendo estéticamente perfectos. Cada uno logra un movimiento similar pero diferente y eso es lo que más emociona.

Con respecto a Claudio Pazos, ya sabemos de su destreza para la danza y en “Cachafaz” se luce idealmente, al lado del protagonista Emilio Bardi -quien por momentos Cachafaz3tiene que bailar una milonga-.

Las vecinas se quejan o muestran a favor, cantando. Los vecinos, de igual modo. La Raulito entona diferentes versos, conformando -entre todos- un musical agradable a nivel sonoro.

Mientras esperábamos para ingresar a la sala, no faltó quien hiciera referencia a Bardi, diciendo que lo conocían de la tele. Esa es la magia del teatro: la de poder reconocer a un grande en pantalla pero saber, a ciencia cierta, que su lugar es el del verdadero arte.

En cuanto al infierno, ¿qué se puede añadir? Que allí, supuestamente, van quienes cometen errores en esta vida… y, ¿quién lo dispone?

¿Quiénes juzgan? ¿Dios, la gente, los vecinos, la vida?

El Cachafaz es un hombre más pero, su principal error, se centra en comportarse por su instinto. Sin pensar en las consecuencias, esas consecuencias que se suelen condenar o considerar inapropiadas.

Así transcurrieron sus días: intentando zafar hasta que la parca lo fue a buscar.

Cachafaz2

Lo importante de esta historia es que tiene una doble lectura, mínimamente: la de reírse sobre el mal – haciéndole burla- y, la más profunda, basada en el buen humor sobre la tragedia.

Para pasar un buen rato, pueden asistir, llevándose canciones, coreografías y sonrisas. Pero, si desean reflexionar, les recomiendo tomar nota escrita y en sus corazones.

Cada letra los hará pensar, asociar con algo determinado y unir a algún momento de sus vidas. Tal vez puedan modificar algo o, quizás, seguir por el mismo camino que hasta ahora. Pero, lo más importante, es darse la oportunidad de cambio.

En toda sociedad, en todo grupo, en todo clan o familia existe un Cachafaz. Es interesante identificarlo para, luego, decidir si seguimos o no a su lado. Puede ser que seamos una Raulito o puede ser que -si tenemos convicciones y confianza en nosotros mismos- tomemos otro rumbo.

El conventillo del barrio se convirtió en el depósito de todos los secretos de esta pareja que, a su modo, pudo y supo ser feliz. Eso no podría juzgarse demasiado ya que, cada quien, hace lo que está a su alcance.

Ficha artístico-técnica Cachafaz

Mariela Verónica Gagliardi

Minientrada

«¡A la obra!», en Escenarios de Verano – Mar del Sur

A la obra2

Las formas, los colores y aromas son característicos en Pipetuá, -un grupo de payasos que se dedica a producir piezas artístico-infantiles-.

“¡A la obra!” es su nuevo espectáculo (dirigido por Osqui Guzmán), el cual plantea el armado de una casa -con sus correspondientes instalaciones-.

Durante la construcción de la misma, irán apareciendo obstáculos en las cañerías, en la iluminación… pero ellos (Sebastián Amor, Diego Lejtman, Maxi Miranda y A la obra1Feto Sellés) le encontrarán la vuelta a cada uno de éstos y la imaginación emprenderá su curso.

Caños con movilidad, pinturas esbozadas en proyecciones multimedia, escaleras plagadas de acrobacias aéreas y un despliegue digno de destacar.

La sala se llenó y rebalsó, la magia no tardó en aparecer en los rostros de los artistas y espectadores. No faltaron las rutinas tradicionales para niños como el juego con burbujas que siempre les hace abrir los ojos gigantemente, como si fuera una sorpresa inesperada.

No es fácil entretener al público infante y no es fácil hacer reír -como muchas veces se cree-. Grandes y chicos aplaudimos y, me incluyo, porque realmente me sentí parte de tremenda creación.

A la obra5

Cada paso que intentaron avanzar con su construcción fue distraído por un truco diferente, dotado de diversión y buena onda. Ese es uno de los factores que predominaron en la función: la buena relación entre ellos, transportada al público.

Tampoco faltaron los momentos de “maltrato” entre ellos, como verdaderos amigos que se burlan entre sí –A la obra4pintándose las caras con colores llamativos y riéndose de algún aspecto del otro- y uniéndose para pasarla bien, originando cuadros como el tan venerado por la mayoría de unos muñecos negros, delineados con colores en flúor.

También estuvieron presentes los instrumentos y canciones celebradas por el equipo, conformando una obra en la que se destacaron distintos puntos, brindando una opción muy completa a la hora de escoger un infantil.

Los adultos, no se quedaron atrás, admirando “¡A la obra!”, con risas, aplausos, gritos de felicidad y una gran euforia.

Con respecto a los artistas, lo positivo es que cada uno tiene su propio sello que lo diferencia del otro, tanto estética como creativamente hablando. Cuentan con el personaje más adulto que se ofende fácilmente, el acróbata y los animadores -que también desarrollan otros papeles-.

Cada uno tiene su lugar y espacio sin opacar a ninguno de sus compañeros.

A la obra3

“¡A la obra!” es una propuesta original, mágica y llena de creatividad que otorga energía. Muy entretenida y con ganas de más, podemos quedarnos con aquella partecita que más nos haya impactado.

Los malabares, están presentes en las alturas, dándole una dimensión diferente al espectáculo. ¿Quién dijo que sería difícil poner en orden una casa e instalando todo lo básico de la misma?

Si tienen alguna duda, llamen a estos emprendedores que con sus travesuras -de a poco- irán lográndolo.

Ficha artístico-técnica A la obra!

Mariela Verónica Gagliardi

Minientrada

«Don Quijote de Las Pampas», en Escenarios de Verano – Mar del Sur

Don Quijote de Las Pampas1

“Don Quijote de Las Pampas” es una obra dirigida al público infantil pero con gran caudal de aplausos entre los adultos, como suele ocurrir.

Esta pieza teatral humorística (actuada y dirigida por Martín Salazar), nos presenta las andanzas de Don Adolfo -quien aburrido de celebrar solo su cumpleaños- decide emprender otros rumbos. Su vida es aburrida, silenciosa y se dedica a leer, constantemente, para adentrarse en las aventuras de otros seres, Don Quijote de Las Pampas5sin caer en cuenta de que, aún, está a tiempo de cambiar la suya.

De esta manera, para uno de sus cumpleaños, recibe una torta hermosa llamada Dulcinea. Él, confunde la marca de la repostería con su amor idílico por la mujer -que lleva el mismo nombre-. Así es como empieza la historia y durante toda la trama podremos conocer diferentes paisajes de la Argentina, sus habitantes, el modo de comunicarse entre ellos y el entendimiento al que deciden llegar -burdamente- en cuanto a la ocupación de las tierras por sus pueblos originarios.

Don Alfonso será convertido, entonces, en caballero y su compañero-caballo Rocín (Gabriel Wolf), -con un acento difícil de entender y unos gestos totalmente grotescos y exagerados- irán atravesando diferentes poblaciones hasta hacernos acordar de un tema no gracioso como fue la conquista de América. En el camino se unirán a Sancho Panza (Gustavo Monje), quien nos hará vivir momentos inolvidables.

Por la hora en que se realizó la función, no hubieron demasiados niños, pero los que estuvieron presentes prestaron atención, rieron y aplaudieron. Claro que los Don Quijote de Las Pampas3mayores, también, acompañaron a los actores con palmas y risas.

En cuanto a la narración, muy entretenida, y para reflexionar a la vez; pudo llegar al corazón de los espectadores de manera eficaz.

Qué difícil es contar historia que aprendimos en el colegio, en general, aburridamente, donde los aborígenes eran tratados como los salvajes, hasta que llegó un pueblo más evolucionado e hizo con ellos lo que quiso.

El guión de Martín Salazar es muy interesante ya que tiene el tinte de su estilo Macoco y, además, lo hace atrapante la participación de los otros intérpretes -tan talentosos y originales- (Laura Silva, Gustavo Monje, Lucas Ferrara y Rocío Sanjurjo Ábalos).

Esta sátira pampera se plantea y nos plantea quién está errado: si los habitantes de una tierra o los que la invaden. Llega a la conclusión de que será mejor crear buenas migas para que no haya sangre derramada. Dicho mensaje no es para pasar por alto sino una moraleja muy importante. Si los niños, desde que aprenden, pudieran saber que con amor no existe posibilidad de guerras, este mundo sería capaz de aspirar a ser mejor y con más paz.

Don Quijote de Las Pampas2

La música en vivo, tocada por los mismos actores, es un valor agregado para el espectáculo y modo de involucrarse con el producto creado por ellos. Escuchamos instrumentos bien autóctonos, entre los que puedo mencionar la guitarra criolla, el bombo, la melódica, xilofón, etc.

Con respecto a la escenografía, los paisajes que son ilustrados con telas pintadas, van cambiándose a medida que avanza la historia. Los vestuarios están bien caracterizados y complementan, perfectamente, lo acontecido.Don Quijote de Las Pampas4

Mientras ellos recorren, conocen y viaja; pasa un año. El tiempo les pasó demasiado rápido y Don Alfonso ya no es como antes. Ahora cumplió los tres deseos que tanto anhelaba se le hicieran realidad, dentro de los cuales se encontraba el de tener amigos.

Una platea llena, lo abrazó con aplausos y él pudo continuar soñando.

Como final de la historia, una copla en guaraní, será entonada por Gustavo Monje; dándole a la obra una sensación de buenos augurios.

Ficha artístico-técnica Don Quijote de Las Pampas

Mariela Verónica Gagliardi