*** SEPTIEMBRE 2025 ***

Luego de un exitoso año en público y premios

Nueva temporada en 2013

Solo durante febrero y marzo

Desde el viernes 8 de febrero

Viernes y sábados a las 22:45 hs

Última función 30 de marzo

Greek

Multipremiada y nominada

Premios ACE

Analía Fedra García, ganadora como Directora de Teatro Alternativo

Ingrid Pelicori, ganadora como Actriz de Teatro Alternativo

Martín Urbaneja, nominado como Actor de Teatro Alternativo

Roxana Berco, nominada por ACE como Actriz de Teatro Alternativo

«Greek» nominada por ACE como Espectáculo de Teatro Alternativo

Premios Teatro del Mundo

Martín Urbaneja, nominado como Mejor Actor

Analía Fedra García, nominada como Mejor Directora

A. Fedra García e Ingrid Pelicori, nominadas en Adaptación

Premios María Guerrero

Analía F. García, nominada como Mejor Dirección

Martín Urbaneja, nominado como Actor de Reparto

Horacio Roca, nominado como Actor de Reparto

Ingrid Pelicori, nominada como Actriz de Reparto

En el Centro Cultural de la Cooperación

Greek

de Steven Berkoff
Traducción: Rafael Spregelburd
Con

Ingrid Pelicori
Roxana Berco
Horacio Roca
Martín Urbaneja

Sobre la obra

Steven Berkoff reescribe “Edipo Rey” de Sófocles y sitúa el mito en Londres, en la década del 80. La violencia en el fútbol, los odios raciales, la especulación económica, la pérdida de contacto de unos con otros y la explotación laboral, son algunos elementos que describen a la peste contemporánea. Eddy, un guerrero incansable, pelea para destruir a la peste. Su fuerza vital nace del amor que siente por su esposa. La obra es una historia de amor que nos interroga una y otra vez sobre la esencia del amor, su manifestación y su potencia.

 Diseño de luces Marco Pastorino

Entrenamiento corporal: Florencia Rapan
Escenografía y vestuario: Pía Drugueri
Diseño coral de voces: Miguel Ángel Pesce

Prensa: Duche&Zárate

Fotografía: Néstor Barbitta

Asistente de dirección: Marcio Barceló

Dirección: Analia Fedra Garcia

Los derechos han sido gestionados a traves de la agencia Marion Reizes Weiss.

Este espectaculo cuenta con subsidio del Instituto Nacional del Teatro.

Funciones: Viernes y Sábados a las 22:45 horas – Localidades: $ 80.-

Centro Cultural de la Cooperacion – Sala González Tuñón (Av. Corrientes 1543 – C.A.B.A).

 

 

Las luces se encienden de repente y con ellas podemos ver a “Una”, quien cae de golpe en el suelo. Ella lleva puesta una vestimenta oriunda de Povnia –un lugar cercano a Opa y U.R.Povnia5

Con unas antiparras, un gorro de piel y muy abrigada, nos sorprende por completo.

Pero, ¿cómo llega a la Argentina?

Dulcemente, intenta comunicarle al público, que a raíz de un tsunami en su país natal, fue la única sobreviviente. Sus dos mejores amigos: Vladimir Kochievic y Piotr Popov, probablemente fallecieron al intentar huir, junto a ella, de la catástrofe.

Povnia

Una, a partir de su amor a la vida y del milagro de no haberla perdido, logra salir adelante luchando en todo momento para no sumergirse en la tristeza.

Este personaje clownesco, por momentos se detiene en una pose llena de alegría, de goce por lo más sutil y, en otras ocasiones, nos Povnia4despierta angustia por lo acontecido con sus afectos.

De una forma no lineal, vamos conociendo cada retacito de su historia y de ella misma -dentro de una narración perteneciente al teatro absurdo-. Verla tomar de una petaca al estilo borracha nos hace estallar de carcajadas y, salir con dolor de mandíbulas de la función, es un hecho.

La sala totalmente llena del Teatro Beckett (Guardia Vieja 3556 – C.A.B.A), va iluminando el escenario con sonrisas. En ningún momento se escuchan murmullos ni el mínimo sonido más que el de la propia satisfacción y aprobación.

Por su condición de inmigrante está y se siente sola, ha perdido sus raíces y solo carga con una mochila en la cual tiene desde utensilios de cocina hasta una agenda. Es increíble notar cómo a medida que avanza el unipersonal, ella logra interactuar con los espectadores. Tenerla tan cerca es como una caricia al alma, es como volver a ser niño por unos minutos. Es acordarse qué puede sentir un ser indefenso al perderlo todo pero conservarse a sí mismo intacto.

Povnia es señalado por ella en un mapa, pero como su lengua (mezcla de rusa, francesa y palabras sueltas del inglés y castellano) no es comprendida por nosotros, no le queda otra alternativa que inventar juegos y señas para darse a entender. Una vez logrado su cometido, podemos adentrarnos en la aventura por la que nos lleva.

Povnia3

¿Se imaginan caer, de repente, en un territorio desconocido y tener que crear lazos con personas que no son como ustedes?

Ella, con su ternura, conmueve, inspira y cuando estamos por llorar junto a sus relatos, nos cambia el estado anímico con alguna broma o gesticulización.

El dominio que tiene de su cuerpo, de lo que quiere transmitir y cómo, es admirable. La puesta en escena es una propuesta novedosa, a través de la cual entendemos que una historia sencilla pero bien desarrollada, es más original que un relato retorcido.

El feedback que consigue es excelente y la música que suena de fondo es la misma que interpreta su corazón. Cada parte de la obra está conjugada funcionalmente y es así como al finalizar el espectáculo, se puede escuchar que sus seguidores susurran, comentan…

Otra cuestión fundamental en Povnia es el carisma de su protagonista, sin el cual sería imposible llevar a cabo esta disciplina circense. Dicho carisma lo utiliza para hacerse de amigos en el público y para enamorarse de un espectador, a quien le dice cosas bonitas.

Povnia2

Una es adulta pero su interior aún de pequeña. Así como su personalidad tiene dos vertientes, su relato también. La unión de ambas cosas le da la seguridad para confiar en nosotros y cerrar un duelo.

Povnia nos habla de aquellos sentimientos a flor de piel que como humanos nos cuesta expresar, aceptar y entender. Povnia nos demuestra que los únicos obstáculos que pueden existir en la vida de una persona son creados por ella misma.

Cuando la historia parece finalizar, la misma toma un rumbo diferente, convirtiéndose, de esta manera, en dos narraciones vinculadas pero con su propio eje. Una, que ya salió de su personaje, toma conciencia de la realidad, de que está en un escenario donde hay luces, música y público.

Esta obra endulza y enseña sobre los valores más importantes, que deberíamos tener como terrestres. Siempre se dijo que los payasos sonríen como personajes pero son seres tristes por dentro. Povnia1Este no es el caso. En esta oportunidad convive la alegría y el dolor, como sucede en lo cotidiano. Quien lo ignora, tiene mucho camino por andar.

ficha técnica Povnia

Mariela Verónica Gagliardi

La noche del ángel

El domingo 17 de febrero sube a escena el espectáculo “La noche del ángel”, escrita por el prestigioso y multipremiado dramaturgo italiano Furio Bordon y traducida, adaptada y dirigida por Federico Luppi, quien también protagonizará la obra junto a la actriz, directora y dramaturga española Susana Hornos y el actor Nehuen Zapata. La obra se presentará los domingos a las 18.30 y los lunes a las 21 en el Teatro Picadero -ícono de la memoria de la cultura de la resistencia-, ubicado en Pasaje Discépolo 1857 (ex Pasaje Rauch) – C.A.B.A.

En “La noche del ángel”, un padre, viejo actor que cree que la vida transcurre en un escenario, invade por sorpresa la casa de su hija. Ella, psicóloga, trata de controlar en cada momento las emociones y la turbación que le causa su presencia. La noche se convierte en un duelo intenso pero en sordina, donde ninguno de los dos quiere descubrirse. Sin embargo, la visita inesperada de un joven paciente de ella hará que todo se modifique y que nada en sus vidas vuelva a quedar donde estaba.

La noche del ángel” es una obra donde el auténtico pulso de la trama está en lo que no se cuenta.

El dramaturgo, director y novelista italiano, Furio Bordon, comenzó su carrera como escritor a los 20 años en la RAI. Escribió para teatro, televisión y radio. Entre sus obras se destacan: “Querido Elvis, querida Janis”, con la cual ganó el premio a mejor pieza teatral del año otorgado por el Instituto de Teatro Italiano,“Las últimas lunas” con la cual se despediría de los escenarios Marcello Mastroianni poco antes de fallecer en París,  y “La noche del ángel” con la que conquistó los grandes escenarios europeos. Al respecto, Federico Luppi sostiene: “Hace muchos años que leí esta pieza y decidí que quería hacerla; el autor, Furio Bordon siempre me ha resultado de una sensibilidad y un coraje sincero en sus obras. Decidí que este texto y lo que trae a escena merecían la pena ser contados”.

Cabe destacar que Federico Luppi se encuentra realizando trabajos de traducción y adaptación de otras obras de Furio Bordon a fin de trabajarlos y presentarlos en los próximos meses. Respecto a la actriz Susana Hornos, co autora y co directora junto a Zaida Rico de la renombrada obra teatral “Granos de uva en el paladar”, se encuentra preparando su próxima obra “Pinedas tejen lirios”, a estrenarse en julio de 2013; además de presentar diversos trabajos actorales en España y Argentina y de haber recibido el premio actriz revelación en el Festival de Toulouse (Francia) por la película “Pasos” de su autoría.

Ficha artística-técnica

Dramaturgia: Furio Bordon / Traducción y adaptación: Federico Luppi / Actúan: Federico Luppi, Susana Hornos, Nehuen Zapata / Escenografía y vestuario: Nicolás Nanni / Música: Iván Nilson / Iluminación: Adriana Antonutti / Títere: Gustavo Garabito / Fotografía: Akira Patiño / Maquillaje y peinado: Néstor Burgos / Diseño Gráfico: Sergio Calvo / Prensa: Marisol Cambre / Producción ejecutiva: Pablo Silva y Susana Hornos / Asistencia: Tony Chávez, Eliana Sánchez / Asistencia de Dirección: Milagros Plaza Díaz / Dirección: Federico Luppi / Estreno: Domingo 17 de febrero a las 18.30 hs / Funciones: Domingos 18.30h s. y Lunes 21 hs / Teatro Picadero | Pasaje Discépolo 1857 – CABA / Localidades $100 y $120 / SILVA Producciones teatro.

«EL DIQUE»

  De Connor Mc Pherson
Dirección y adaptación: Leonardo Kreimer 

teatrores
  Donde lo fantasmagórico y lo real se entrecruzan.
Sábado 9 de febrero, 23.15 hs.
TEXTO:
Conor Mc Pherson 
DIRECCIÓN, ADAPTACIÓN Y PUESTA EN ESCENA:
Leonardo Kreimer

Lugar: El Camarín de las Musas (Mario Bravo 960)
Reservas: 4862 0655
Entrada general: $60-.
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Buenos Aires, 2013.

Vuelve a la cartelera la exitosa obra de terror psicológico del premiado autor irlandés Conor McPherson (Premio Lawrence Olivier, Premio Círculo de Críticos y Tony Awards), que por primera vez se presentó en la escena porteña en el 2012. «El Dique» (The Weir) dirigida por Leonardo Kreimerpodrá verse nuevamente en temporada de verano a partir del Sábado 9 de febrero a las 23:15 hs. y durante todos los sábados de febrero y marzo en El Camarín de las musas (Mario Bravo 960). El precio de las localidades será de $ 60.
 

Esta pieza indaga en los fenómenos paranormales y el estado emocional que genera lo extraño, lo fantasmagórico, lo inexplicable.
Situada en un parador de montaña perdido en un pueblo sureño, el clima que genera el encuentro de tres lugareños compartiendo una bebida mientras esperan la llegada del cuarto con una bella desconocida, oscila entre lo onírico, el terror psicológico, y la locura.
Una aproximación teatral al terror de excelente factura, «The Weir» (El Dique) genera extrañamiento, miedo, empatía, y fascinación ante lo siniestro: aquello que la razón no puede explicar y que nos circunda. Lo visible hecho invisible acecha en cada uno de los relatos y leyendas que cuentan los cuatro hombres y la mujer reunidos en un parador de montaña de mala muerte sumergido en la lejanía.


El elenco se encuentra integrado por Monina Bonelli, Mariano Caligaris, Fernando Margenet, Nicolas Martini y Mario Mahler.

Sobre el Autor:

«El Dique» (The Weir) es una obra escrita por el autor irlandés Conor McPherson en 1997. Fue producida por primera vez en el Royal Court Theatre de Londres el 4 de julio de 1997, más tarde estrenada en el West End y posteriormente en Broadway, donde tuvo un enorme éxito. A partir de allí comenzó su itinerario internacional, fue representada en diferentes ciudades del mundo y traducida en más de 15 idiomas.

En una encuesta realizada por el Royal National Theatre, «The Weir» fue votada como una de las obras de teatro en inglés más importantes del siglo XX. En 1999 ganó el Laurence Olivier Award a la mejor obra de teatro.

Conor McPherson como autor ha sido equiparado a Eugene O’Neill, Samuel Beckett y Arthur Miller, según una encuesta realizada por el Royal National Theatre de Londres.

Nacido en Dublín en 1971, ganador de múltiples premios (entre los cuales se destacan el Lawrence Olivier, el Premio del Círculo de Críticos y varios Tony Awards), McPherson es considerado el autor en lengua inglesa más importante de su generación, y uno de los más innovadores dramaturgos contemporáneos. Entre sus obras mas importantes podemos nombrar a: Port Authority, Gate Theatre Dublin and Atlantic Theatre New York, en 2001, Shining City, Royal Court Theatre 2004.  En 2006 hizo su debut como autor y director en el National Theatre de Londres con The Seafarer, que en 2007 pudo verse en Broadway.  La obra ganó varios Olivier y Tony Awards y el crítico del New York Yimes, Ben Brantley, escribó «Posiblemente, McPherson, es el mejor dramaturgo de su generación».  

Dice el director sobre la puesta:

Tiene un potencial dramático notable. Su historia es fresca y conmovedora, profunda, intensa y divertida a la vez, y permite un juego entre realidad y ficción altamente estimulante para el director y los actores, y seguramente lo será también para los espectadores.

La obra nos propone un juego de entramado entre la realidad y el relato sobrenatural, trasladando la acción desde la Irlanda Rural hasta el sur de la Argentina.

Este tipo de relato produce el clima y la tensión necesaria, nos deja expectantes de un desenlace que sabemos será espantoso, establece entre aquel que relata y los que escuchan una densidad tan potente como la misma realidad que los circunda.

La idea de la puesta es crear esa tensión, ese entramado entre realidad y relato, y hacer participar al espectador en el juego. Las potencialidades dramáticas se multiplican, como en un diagrama de Venn, y entonces ya no podremos diferenciar cuánto de nuestras percepciones pertenecen a uno u otro mundo.

Sinopsis:

En un parador de montaña de algún remoto pueblo del sur argentino, el Tano, Jaime y Brendan  discuten sobre una hermosa joven de Buenos Aires, Valeria, que acaba de alquilar una casa antigua en la zona.
Finbar, un hombre de negocios, llega con Valeria, y los hombres empiezan a hacer bromas y a contar historias sobre eventos sobrenaturales sucedidos en la zona, historias de  fantasmas  y apariciones misteriosas. Parece que quieren asustar a la joven y, entre chistes y comentarios supersticiosos, sostienen que las historias son verdaderas.
Finalmente será Valeria quien cuente su historia, la verdadera razón por la que dejó Buenos Aires, una historia terrible donde los hechos reales y los fantasmagóricos son una misma cosa. Un final electrizante del cual nadie podrá salir indemne.
“Es impresionante lo que McPherson logra decir con esta simple historia de aparecidos en una ventosa noche de invierno. The Weir es pura poesía teatral”.

Sobre Leonardo Kreimer:

Nacido en 1972 en Buenos Aires, y formado como actor principalmente en las escuelas de Raúl Serrano y Ricardo Bartis. Su experiencia de veinte años en la actuación incluye cine, televisión, teatro y radio. En el campo del cine ha trabajado con directores de la talla de Juan José Jusid, Alejandro Doria y más recientemente, en 2008, participó en la Opera Prima de Ana Halabe, próxima a estrenarse.
En televisión vuelve a ser convocado por Alejandro Doria para el ciclo “Los especiales de Doria”, y participa de numerosos programas de ficción televisiva como “El gordo y el flaco” (junto a Juan Carlos Mesa y Gianni Lunadei),  “Grande pa”,“La cueva del chancho”, “Enséñame a vivir”, “Casi angeles”, entre otros.
Entre sus trabajos en el teatro, además de una vasta experiencia en el circuito off, se destacan  “Período Villa Villa”, de la compañía De la Guarda, dirigido por Pichón Baldinú y Dicky James, con el cual estuvo de gira internacional durante tres años. En 2007 es Pichón Baldinú quien lo vuelve a convocar como asistente de dirección y como actor protagonista de su nuevo espectáculo, “Hombre Vertiente”, cuyo estreno mundial se produce en España en 2008.
También trabaja en Italia, donde se integra en 2005 en la Asociación Creative, dentro de la cual funda, junto con Elisabetta Riva, RES TEATRO, con la cual escribe, dirige y protagoniza el espectáculo “Lobos expiatorios”, inspirado en el célebre libro de Martín Caparrós, “Amor y anarquía”, estrenado en Milán en 2006 y reestrenado en 2008 en el Teatro Real de Córdoba. También en Italia escribe y dirige una versión moderna de “Julio César” de Shakespeare, que se representa en la Sala Umberto, en pleno centro histórico de Roma. Siempre con la compañía Res Teatro, en agosto 2009 estrena, en el Teatro del Artefacto de Buenos Aires,  el espectáculo “Enemigos”, en el cual participa como creador, dramaturgo, actor y director.
En julio 2009 estrena como actor, junto a Carla Peterson y Griselda Siciliani, el espectáculo “Corazón idiota”, de los directores Ana Frenkel, Carlos Casella y Daniel Cuparo, en la sala Pablo Neruda del Complejo La Plaza. El espectáculo se reestrenó en septiembre de 2010.
A partir del agosto 2010 Leonardo es convocado nuevamente a trabajar como asistente de dirección y dramaturgia de Pichón Baldinu en el desarrollo de la versión que el espectáculo “Hombre Vertiente” acaba de estrenar en la sala Villa Villa del Centro Cultural Recoleta.Recientemente, además de protagonizar Hombre Vertiente, participó de la tira Los Únicos, producida por Pol- Ka,  en el personaje de El Zurdo.

Ficha Técnica:
Título original: The Weir / Título traducido: El Dique / Autor:  Conor McPherson (Irlanda) / Traducción: RES TEATRO / Dirección: Leonardo Kreimer / Elenco: Mariano Caligaris (El Tano), Fernando Margenet (Jaime), Nicolas Martini (Brendan), Mario Mahler (Finbar) y Monina Bonelli (Valeria) / Escenografía: Ana Calara San Giorgio / Illuminación:  David Seldes / Producción:   RES TEATRO / Productor General: Pier Paolo Olcese / Productora Ejecutiva:  Elisabetta Riva / Asistente de Dirección:  Arturo Alonso / Género: comedia dramática / Duración: 1 hora 10 min / Prensa: Octavia Comunicación

Por los años 90, cuando el rock y pop argentinos llegaron a una cima muy interesante, sonaban en la radio melodías llenas de alegría y celebridad.Hilda Lizarazu5

Uno de los grupos que más éxito tuvo fue Man Ray, con Hilda Lizarazu a la cabeza. El estilo tanto de ella como de su música, se encargó de traer felicidad a los hogares, a cada una de las fiestas y cumpleaños que se hiciera.

Como solista, apuntó más al rock, alcanzando también muchos Hilda Lizarazu3reconocimientos. Jamás perdió su impronta, su soltura, su sello tan particular y que logra distinguirla de las demás cantantes de aquella época y de esta, por supuesto, que también.

¿Quién no bailó con el disco Perro de playa (1991), al son de “Caribe sur”, “Olvídate de mí” y “Extraño ser” (Man Ray, 1988)?

En el Caribe Sur, soñando en el Caribe Sur
en el Caribe Sur, con vos en el Caribe Sur

¡Olvídate de mí! No me busques más
¡Olvídate de mí! No me encontraras
¡Olvídate de mí! Llévate a tu mamá
y no vuelvas más…

Extraño ser
No puedo hablarte
Adorable ser

Es increíble cómo tres estribillos, basadas en el amor, reflejan momentos tan diferentes uno de otro. El sentimiento de la protagonista cambia de acuerdo a la situación que le toca y elige vivir.

Hilda Lizarazu4

Cada canción tenía una magia muy especial. Por eso es que tuvimos la suerte de estar en el recital que terminó hace un rato en Sala Siranush (Armenia 1353 – C.A.B.A), durante el cual interpretó -junto a su banda- estos temas pertenecientes a Man Ray y otros más actuales.

Desde lo lejos se veía su vestido negro con tonos plateados, muy lindo. Al acercarme de a poco al escenario, noté que las aplicaciones de color grises, al igual que otras de colores, correspondían a la tan conocida virulana. Hilda LizarazuCreo que cualquier mujer que lo vio, seguramente querrá tener uno para ella. Aunque a Hilda, le queda bien esa vestimenta y la que desee ponerse. Porque ella no se anda fijando qué está a la moda… ella dirige su propia moda, de la mano de su amiga quien le diseñó esta ropa.

Durante la previa al show, pudimos notar cómo el público era totalmente heterogéneo. Había niños y adultos, todos disfrutando a la par y homenajeando a esta estrella nacional.

En estos tiempos en que al mirar un noticiero solo se conocen tristes acontecimientos, es un lujo asistir a un recital con músicos tan concentrados en lograr un buen espectáculo, en mantener la unión como agrupación y celebrar, por qué no, la vida.

La artista, junto a su banda -conformada por: Federico Melioli (bajo y coros), Amilcar Vázquez (guitarra y coros), Lito Castro (teclados) y Claudio Salas (batería)-, nos hicieron un recorrido desde el año 1988 hasta el 2010. Entre el potpurrí de temas, tuvimos el placer de escuchar “Amapola” (Gabinete de curiosidades, 2004). También, del LP Hormonal (2007), tocaron “La lluvia”, “La calma”, “D1os”, “Hace frío ya” y “Buscando un símbolo de paz (de Charly García). Las restantes canciones, pertenecen a su último disco Futuro perfecto (2010): “Futuro perfecto”, “Contradicción”, “Caracoles”, “Entre la gente” y “Compromiso”. Como yapa y en los últimos minutos del show, interpretaron el tema de Spinetta, “Cheques”.

Hilda Lizarazu1

El escenario parecía moverse, por la energía presente en toda la Sala. El espíritu de la adolescencia invadió a grades y chicos, a hombres y mujeres; por igual. Todos fuimos uno y esto es, simplemente, un fiel reflejo de que como sociedad no somos diferentes ni opuestos. Somos humanos con ganas de estar bien y pasarla bien, aunque sea unas horas por día.

Por eso es tan importante, un lugar de encuentro, de reunión, donde convocarse o auto convocarse.

Los colores, los brillos, los distintos sonidos y melodías, se apoderaron de su público seguidor. Hilda Lizarazu2Y digo esto porque no todos los presentes eran fanáticos. Por eso resalto que los que apenas conocían algo del material de Hilda Lizarazu, se contagiaron la sonrisa de su entorno, saltaron, bailaron y cuando terminó el show aplaudieron pidiendo que siga el show. Si hubiera habido una pista, les confirmo que se habría armado el típico trencito. Eso es lo único que le faltó a esta noche donde predominó el talento, la buena onda, la simpatía y felicidad.

Cuál fue la sorpresa que nos dio Hilda?

Que muy pronto volverá Man Ray…

 

Mariela Verónica Gagliardi

Cony Uriarte new

 RAICES DEL ALMA: SINOPSIS

En junio del 2012, RAICES DEL ALMA inaugura, con gran éxito el espacio teatral, «La Casa de Moreira». Así salió a la luz, este espectáculo que rápidamente supo avanzar en el circuito de jazz de Buenos Aires, con su fuerte paso por «La Biblioteca Café» y «La Dama de Bollini», hasta su presentación en el «Espacio Artístico Colette» -mítico teatro del Paseo La Plaza-, y actualmente trasciende fronteras en el interior así como en el exterior del país.

Al frente, Cony Uriarte le canta al amor desde lo más profundo de su alma femenina, como puede hacerlo quien goza de la inocencia y calidez de un niño, como la ardua pasión y el cruel desamor capaz de sufrir una mujer madura.

Su nueva versión, RAICES DEL ALMA Entre Cuerdas, de la mano del multifacético guitarrista, Dani Mormandi, marca un profundo recorrido musical y sentimental como si fuese una fotografía que plasma la vida entera de esta joven artista.

De Ariel Ramírez a Enrique Cadícamo, pasando por Ibrahim Ferrer y Javier Limón, Miguel Matamoros y Horacio Sanguinetti, hasta Consuelo Velázquez, Chico Novarro e Idea Vilariño. Compositores que fueron musa de la inolvidable voz de Mercedes Sosa, Concha Buika, Ada Falcón, Diego El Cigala, María Rita, Celia Cruz hasta Carlos Gardel.

RAICES DEL ALMA Entre Cuerdas anticipa lo que será su primer disco, trascendiendo todo género musical y reflejando el talento de una gran promesa del ámbito local.

Dani Mormandi (guitarra, percusión, coros) Cony Uriarte (voz)

INVITADO ESPECIAL (Mar del Plata): Fabián Spampinato (bajo)

Agradecimiento especial a quienes hacen posible que RAICES DEL ALMA crezca día a día: Luis Lugo, Dani Mormandi, Fher Giani (Fotografía) Jek-Films Argentina (Video filmación) Nuevo Club Buenos Aires (Hair Style), Gisela Ferro (Make Up) y amigos como Vero Sieiro, entre tantos otros!

PROXIMAS PRESENTACIONES
08/03/13 21 Hs Maquiavelo Paseo La Plaza, CABA
15/03/13 21 Hs Dickens, Mar del Plata
22/03/13 21 Hs Rondo, Mar del Plata
29/03/13 21 Hs La Dama de Bollini, CABA
26/04/13 21 Hs La Casa del Arbol, CABA
30/05/13 21 Hs Ramada Buenos Aires Hotel, CABA

CONY URIARTE

Nacida en la argentina del ‘78. Desde los 10 años, tuvo una marcada inclinación hacia lo artístico a través de la escritura de diversos géneros literarios, siendo en la actualidad una mujer versátil e interesante.

Estudió y trabajó en marketing hasta centrarse finalmente en su carrera de cantante y actriz.

Escribió poemas, cuentos y canciones, hasta llegar a componer el himno de su colegio secundario. Obtuvo premios como intérprete y autora en varios concursos.

Cuenta con un vasto recorrido como mezzo-soprano en agrupaciones corales, como el Coro Kennedy, gracias al cual tuvo el placer de compartir el escenario con artistas como Valeria Lynch, Alejandro Lerner, Juan Rodó y Patricia Sosa.

Estudió en el Conservatorio Nacional de Música “Carlos López Buchardo” con Ágata Chisari en su entrenamiento de canto lírico.

En canto popular se formó con la cantante Luciana Lerner, quien le marcó una fuerte escuela del Jazz y el Bolero durante 4 años. Tiempo después, conoció a la coach vocal Ana Carfi, quien pulió su estilo y la llevó a avanzar en Operación Triunfo I y II, Escalera a la Fama y La Oportunidad de tu Vida.

Estudió danza en el “Estudio Coelho Olguín”, con la bailarina de Modern Jazz, Sonia Rubba.

Participó en el programa televisivo “El Show Creativo”, especializado en jingles publicitarios.

En el 2000, grabó el primero de sus tres demos, el que sería puntapié para lanzar 8 años después su material de difusión FEEL MIX producido por Leonetti Estudio.

A mediados del 2005, junto a Pedro Cecchi en guitarra, empezó a definir su estilo acústico, desde los estándar de Jazz hasta lograr sus propias versiones de clásicos de la Bossa, Funk, Soul, Pop y Rock. Estilo que años más tarde profundizaría en el Jazz, la Bossa y el Bolero.

Cony Uriarte obtuvo con su material de difusión FEEL MIX, una importante difusión radial y televisiva, fue así su paso por FM Signos 92.3, FM Radio Palermo 94.7, FM La Isla 89.90, AM 1450 Radio el Sol, Radio Online Túnel 57 y Metro TV Canal 13.

Paralela a su creciente difusión, que alcanza el ámbito internacional, entre ellos Colombia, es su presencia en shows públicos y privados.

Como actriz transitó en el 2012 su tercer año de formación actoral con Soledad Villamil, actriz y cantante, y el director, Federico Olivera; estudios que inició de la mano de Cristina Banegas y Valentina Fernández de Rosa en “El Excéntrico”. En lo teatral, formó parte durante 2 años, del grupo LOS DEL BAJO, coordinado por el actor Martín Urbaneja.

Si bien en los últimos años se enfocó especialmente en su formación teatral, siempre dejó espacio a nuevos proyectos musicales; lanzando en el 2011 el formato electrónico RICOFREAK para un circuito de bares selectos y eventos privados, junto a Rivas.

En lo vocal, actualmente se perfecciona con Carlos Demartino, complementando el teatro con la técnica del reconocido coach de actores, entrenamiento que le abrió las puertas para sus primeras participaciones como actriz, y en menor medida, como modelo publicitaria.

Como escritora, colaboró durante el 2011 y 2012, en el portal de cultura y opinión “La Voz Joven” para la sección de Teatro y Música, gozando de una importante repercusión.

Como docente, continúa dictando clases de canto para niños y adultos así como de coaching vocal y talleres grupales.

Trabajó con músicos como: en guitarra (Deryck Santos, Dani Mormandi, Charly Arana, Renato Dos Santos, Juanja Bustos, Jesús Escobar, Pedro Cecchi); bajo (Fabián Spampinato, Pablo Uccellatore, Hernán Rivas, Federico Rey); contrabajo (Alfredo Remus, Emiliano Lorenzo); batería (Fabián Pérez, Sergio Gustavo Salvatore, Ruy Alonso, Guillermo Harriague, Luis Tripicchio, Ariel Pacheco); chelo (Natalia Calzetta); flauta (Pepe Campos Galindo); percusión (Renato Dos Santos, Ruy Alonso, Ariel Perez, Fabián Perez); piano (Luis Lugo, Sergio Pilipec, Fernando Casas, Juan Rivero, Chungo Roy, Pablo Sanguinetti, Leandro Kalén); cantantes (Josi Dias, Macarena Robledo).

Se presentó en: Velma Café Teatro, Espacio Artístico Colette Teatro Paseo La Plaza, Notorious, Biblioteca Nacional, Centro Cultural Jorge Luis Borges, Clásica y Moderna, La Dama de Bollini, La Biblioteca Café, Rotary Club, Ramada Buenos Aires Ciclo Jazz Ladies 2012, Dazzler Tower Hotel, Gallery Nights 2009, Maquiavelo Paseo La Plaza, Unico San Isidro, La Cuadrada, Troya Restobar, El Vesuvio Teatro Concert, Abasto Plaza Hotel, y demás.

Cony Uriarte, es una joven artista que atrae al jazzista y a quienes eligen lo singular. Dueña de una voz sutil e impactante y de matices variados, para un público simple y ecléctico a la vez.

 

Mario Parmisano

Quien sufre de esquizofrenia atraviesa por una distorsión de los pensamientos y los sentimientos. Una característica es que afecta a quien la sufre de forma total. Esto hace que esa persona comience a sentir, pensar y hablar de forma distinta a como antes lo hacía. Zurdo siniestroNo sabemos hace cuánto el Zurdo está encerrado en una pieza de hospital, ni desde cuándo lo aquejan los fantasmas de la mente,  porque él,  tampoco se acuerda.

Zurdo Siniestro es una obra que se adentra en el mundo sensible y único por el que atraviesa este personaje particular, que cada tanto vuelve al pasado y a ese que parece ser el motivo que lo estigmatiza, dejándonos leer entre líneas, quién fue este demente devenido en actor, devenido en coherente.

La escenografía, gris, una cama, una ventana y un mundo de ilusiones creadas -producto del encierro, el aburrimiento, las pastillas, el inconsciente y el deseo irrefrenable de salir-; pero el miedo paraliza y, además, afuera, te devora el mundo inmundo donde los que caminan al lado parecen impenetrables islas que acusan con el dedo y cuchichean por lo bajo lo pirado que estás.

Zurdo siniestro2

Este unipersonal, muy bien interpretado y escrito por Diego García Lorente, toca además, un tema del cual se ha hablado en reiteradas ocasiones, tema que fue discutido, militado por pocos, investigado por algunos, defendido por casi nadie. Este tema es el estado del hospital Borda que políticos han descuidado a lo largo del tiempo, desinteresándose por la salud de los internos. Zurdo siniestro1Deja por lo tanto la obra, un claro mensaje de respeto y solidaridad con lo que es una violación a los derechos humanos y a la salud mental.

En esta habitación, donde el Zurdo pide por yerba y cigarrillos y mira continuamente lo que pasa en el mundo exterior a través de la ventana, se divulgan los tesoros y miserias que un hombre puede esconder bajo la cama, en el tiempo que tiene un día en una sala de teatro donde los espectadores nos sentimos un poco como los “otros yo” del personaje.

Zurdo Siniestro (postales desde la esquizofrenia) es una obra fuerte, que atraviesa una temática tal vez común en teatro, como lo es la locura, pero desde la visión propia de un enfermo mental, que no cae en lugares transitados ni muy vistos, que sorprende desde la puesta en escena hasta en las locas y también tiernas vivencias que a este muchacho le han tocado vivir.

Texto y actuación: Diego García Lorente / Dirección actoral: Enrique Baigol  / Fotografía: Claudia García Lorente – Luciana Guitierrez / Operación Técnica: Iván Mesías Gaete / Zurdo Siniestro se presenta todos los martes a las 21hs en Liberart, Moreno 2742 (Mar del Plata).

Melisa Morini

 

Una casa, en medio de las montañas, en un pueblo chico pero con varios secretos silenciados y callados. “Juan”, es una obra de teatro (de Miguel Tabarovsky y dirigida por Rubén Hernández Miranda) que da escalofríos, de principio a fin. Es una historia llena de conflictos familiares y de reproches incesantes.

La narración comienza cuando el matrimonio compuesto por Ana (María Marta Viladesau) y Jaime (Eduardo Ezon), mantienen un diálogo cotidiano en la cocina -el único ambiente visible de la gran casa-, durante el cual ella le pide a él que cuele un jugo de naranja para Juan ya que no le gusta con semillas.Juan3

Lo sorprendente es que el tan mencionado Juan, no aparece en ningún momento en escena, no vemos su cuerpo, no lo escuchamos, no sabemos qué es lo que ocurre. ¿Este matrimonio alucina, está loco o nosotros estamos omitiendo algún dato relevante?

A esta escena le sucede una de las más importantes que es el retorno de Alberto (Rubén Hernández Miranda) -después de 35 años- al país y a la casa de sus padres.

Pero lo primero que cabe cuestionar es, ¿por qué regresa después de tanto tiempo, qué es lo que busca, que quiere?

Claro está que el vínculo con sus parientes, está roto por completo, no lo quieren, no sienten amor por él y si pudieran lo echarían de la casa. Solo es una visita incomprensible para todos menos para su madre que, a pesar de todo, sigue manteniéndole una especie de cariño.

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Desde ese instante en que ingresa por la puerta, los resentimientos, reproches y peores situaciones se van encarnando en el ambiente, en los corazones de cada uno y hasta -inclusive- en cada una de las paredes del hogar.

Las actuaciones son magníficas y cada rol está perfectamente desarrollado. Cada artista logra encarnar a su personaje tan realmente que el relato es creíble, sin ningún tipo de exageración que nos distraiga de la historia.

La escenografía, la música e iluminación, conforman una obra de arte digna de ser vista más de una vez.

Para quienes creen en las energías, las malas y buenas vibraciones son las encargadas de crear y recrear un sitio en ese “algo” tan especial.

¿Qué aire se respira en esta casa colmada de recuerdos y secretos? ¿Se puede realmente respirar sin sofocarse?

Otro de los personajes que aparece en la historia es Dora (Gloria de Luca), la hermana de Alberto, quien no hace más que ahogar sus penas y deseos en el alcohol. Todo el piso está decorado con las botellas que se van terminando, al igual que su propia vida. Ella es joven, tiene 42 años, pero lo único que intenta es sobrevivir con la familia que le tocó, con una tristeza que aflora en sus ojos y cuerpo. Juan4La llegada de su hermano, a quien apenas conoce y de quien guarda un vago recuerdo; le permite sacar a la luz varias situaciones conmovedoras de su pasado.

Dora, es soltera y solamente ha tenido aventuras pasajeras, pero sí quedó embarazada dos veces -y tuvo que abortar en ambas situaciones-. Este dato nos permite conocer un poco más su historia. Ella no es una persona fría sino todo lo contrario y en un momento específico de la obra le cuenta a Alberto que el Dr. Gottes le practicó las operaciones, que no podían permitir que ella tuviera hijos. El por qué no se sabe con exactitud pero de lo que sí estamos seguros es que ella es una vergüenza para su familia. Dora no nació borracha, pero las circunstancias de la vida hicieron que elija la vida o la muerte. Por su tipo de personalidad no se pudo decidir por ninguno de los dos extremos.

“Juan” sigue su curso y cada personaje es una ventana que se abre para Alberto, quien aún no sabemos a ciencia cierta cuál es la verdad que tanto persigue.

También podemos conocer a Carlos (Marcelo Castiglioni), su hermano menor, de unos 40 años, con quien jugaba antes al ajedrez pero a quien tampoco conoce demasiado. Carlos es un “ejemplo” para la familia, muy bueno, trabajador y pacífico. Él no hace nada que incomode a sus padres ni a nadie, e intenta mantener el statu quo reinante.

Mientras tanto, las luces oscuras por momentos y tenues por otros, nos van relatando si lo que está por venir es algo tenebroso o esperado.

Como se suele decir que en “pueblo chico hay infierno grande”, certificamos que es así. Pero para conocer la verdad y cada uno de los secretos ocultos por esta familia, tenemos que presentar a Pablo (Juan Carlos Muñoz) y el ya mencionado Dr. Gottes. Pueden preguntarse qué importancia tiene un médico en esta historia. Y les respondo que tanto éste como Pablo, un empleado de Jaime -bruto, memorioso y buena persona-, son fundamentales.

Por un lado el Dr. es quien le practicó ambos abortos a Dora. Puede ser que haya sido el único médico de la zona pero, también, es un miembro más de la familia por más que no tenga lazo sanguíneo con la misma. Su presencia nos da la sensación de peso fuerte, de jefe y de manipular cada una de las relaciones de su entorno.Juan

Y Pablo, un empleado medio retardado que, en su mundo de fantasías, intenta también sobrevivir a la locura reinante. No crean que su aporte pasa desapercibido. Él menciona unas palabras que hacen que Alberto llegue a descubrir algo muy importante. Quizás no lo que buscaba pero sí lo ayuda a cerrar un capítulo en su vida.

Hasta acá pueden darse un panorama de la situación que se vive a diario en ese pueblo, aislado del resto del progreso. Y ya que menciono esta palabra debo decirles que Alberto fue el único que al irse a vivir a Europa, estudió psicología y logró ser alguien, además de un humano. Él escapó hace 35 años y no sabemos bien el por qué. Pudo haber sido una guerra, alguna batalla real o mismo una disputa familiar. Su madre le dice en una ocasión que ella intentó salvar al más débil pero terminó salvándose él, el más fuerte. Entonces Alberto le contesta que el más débil (su hermano Adrián), no lo era y él tampoco es el más fuerte.

Esta encrucijada no logra resolverse con lo cual podemos suponer que Ana tiene poderes como para decidir la supervivencia de uno o de otro. También conocemos, por parte de Alberto, quien huyó en un tren para no morir, que está nadando en culpas que -quizás- de nada le sirvan.

Y al mencionar a su hermano Adrián, sigue la aparición de Laura. Ambos personajes no aparecen en escena pero sí son nombrados en varias oportunidades. Por un lado Adrián, que como les decía, murió –según palabras de Ana- por culpa de Alberto; y, por otro lado, Laura quien fue novia de Alberto y también falleció. Por la poca información que hay al respecto, se entiende que Laura podría haber sido salvada por Alberto pero él, con su afán de egoísta decidió asegurarse su propia existencia.

Retomando la llegada de nuestro personaje al pueblo, él solamente pretendía entender ciertas cosas y algo más. Ese algo más viene más adelante.

Al correr los días -Alberto solo se quedaría un mes en la casa-, la incomodidad aumenta a pasos agigantados. Lo primero que nota es cómo toda su familia se comunica con un ser imaginario a quien llama Juan. Él llegó al hogar hace 20 años, es escritor y publica sus notas en diarios y revistas. Pero, ¿quién es realmente y qué rol cumple en esta historia?

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Juan es una creación por parte de todos los integrantes de la casa -sumado el Dr. Gottes-, alguien en quien depositan su confianza, con quien entablan conversaciones, de quien están pendientes y a quien le pueden dar su corazón sin sentirse lastimados.

Juan es un ser simbólico que les dice lo que quieren oír, que lo llaman cuando lo necesitan, que nunca los abandonaría -como Alberto- y quien jamás los traicionaría.

Juan vendría a ser una especie de Dios para ellos y por ese motivo no lo podemos ver ni tocar.

Pero Alberto, por su racionalidad, no se logra comunicar con él y se desespera desde el principio. Por eso, sus padres estallan de ira, de incomprensión hacia su hijo y deciden que interceda el Dr.

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Al aparecer este médico tan “correcto”, lo seda y le promete que luego entenderá todo. Aunque una vez pasado el efecto anestésico, sigue con la misma nebulosa y no entiende qué pasa a su alrededor. Su hermana Dora le certifica que todos en el pueblo están locos. Pero, ¿cómo creerle a una persona que no está en sí en ningún momento?

Lo que también saca de las casillas a Alberto es el constante reproche que le hace el Dr. Gottes. Lo instiga preguntándole por qué no regresó antes a la casa, por qué tardó tanto. Y parece ser que no hay una respuesta concisa, solo silencios.

Parece ser que Alberto no necesitaba de sus raíces, sino todo lo contrario. Los interrogantes siguen con signos de preguntas así que él opta por convocar una reunión familiar. En dicho momento, el Dr. se sienta en el único sillón de la casa, marcando la diferencia de mando y le sorprende a Alberto cómo nada lo inmuta.

Pero Pablo, el que parecía tan tontito, menciona que hace unos 42 años, vino un señor a la casa… En ese momento, Dora se le aproxima pidiéndole que se calle y que deje de decir pavadas. Todas las palabras coherentes y verdaderas son matadas con gritos y violencia. Pero lo dicho por él ya no se pudo borrar. El Dr., probablemente, sea el padre de los hijos de Ana y su amante durante mucho tiempo. Claro que esto avergüenza a Ana y por eso es que aclara que no era lo que ella creía. Aunque lo hecho, hecho está y tampoco se puede volver el tiempo atrás.

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Con respecto a Laura, también Alberto necesita saber datos de ella y para eso se comunica con Alicia, con quien tuvo una relación hacía tiempo. Ella aparece con un diario que supuestamente le robó a Laura pero el mismo no está escrito. Alberto intenta convencerse que sí y cree las palabras esbozadas por su ex amante. Y, ¿qué le reprocha Alicia a Alberto? Justamente haber terminado con ella y, en cambio, haber estado con Laura sin jugarse por ella. Aquí notamos cómo el último personaje, también, nos convence de la mala persona que es y del amor propio -si se puede llamar así- que siempre se tuvo. Dicho amor o egocentrismo, de nada le sirvió ya que, solo, no podía seguir viviendo.

Seguramente retornó con su familia para quedarse con la casa, con su parte -ya que sus padres eran ancianos-, pero Jaime le confirma que todo es suyo y que no va a venir a llevarse nada. Esto es simplemente una especulación ya que no se puede 100% confirmar que sea así. Por su perfil, no sorprendería que el retorno esté ligado a lo económico.

Aunque la historia no es lineal en ningún momento y hay que ir uniendo escena con escena, lo cual no es sencillo en absoluto.

Pero “Juan”, nos permite conocer en los últimos minutos que la casa no es una casa cualquiera. Es un lugar que fueron creando entre todos y también arruinando entre todos. Tal es así que al culminar la obra no hay sobreviviente en la misma y, Alberto, que se logra despedir de su familia, nunca llega a tomar el avión.

¿Será que la existencia de él ya estaba definida? ¿Será que al conocer todos los misterios ocultos, su vida ya no tenía un camino que seguir más que el de la muerte o desaparición?

Dora también tiene un final triste pero consecuente con sus actos, aunque «impulsada» por Alberto, quien en vez de ayudarla la termina hundiendo.

La propia casa absorbe a sus integrantes como si fuesen fantasmas, aunque podríamos decir que si hay un espíritu ese es Juan.

Alberto pudo haber imaginado cada diálogo con su familia para darle un cierre a su vida -siendo que todos estaban muertos hacía tiempo- como menciona la locución de Juan al cierre de la historia o, quizás, Juan es un simple invento, como les decía anteriormente.

Al no ser una historia con principio y fin, convencional; se puede dejar volar la imaginación y sacar conjeturas con lógica.

Hay dos frases que nos sintetizan el sentido que el autor le quiso dar a la obra. Una es la esbozada por Alberto: “convivimos con la verdad de los otros”. Y la dicha por Dora: “No vemos lo que queremos y lo que queremos no lo vemos, está ahí”.

Esta historia es muy fuerte y, en lo personal, les recomendaría no sacar conclusiones apresuradas.

ficha técnica Juan

Mariela Verónica Gagliardi

 Una obra que retrata la relación entre Anna Magnani y Tennessee Williams

 Noches romanas

De Franco D’Alessandro

 Desde el jueves 7 de febrero

Con

Virginia Innocenti y Osmar Núñez

Dirigida por

Oscar Barney Finn

La obra del  dramaturgo Franco D’ Alessandro recrea la relación entre la actriz y Tenessee Williams, una gran amistad donde los dos compartían el arte y la pasión por el teatro.

Anna Magnani interpretó en el cine un rol  protagónico en La Rosa tatuada de Tenessee Williams, y, también, trabajó en Piel de serpiente, de Williams, con Marlon Brando. Los avatares del cine y el teatro, de Hollywood, de Broadway, lo que significaba para Tenessee  Williams la creación dramática y luego el choque con el mundo del  espectáculo, su adicción al alcohol, el amor y la confianza incondicional  que entre ambos hubo, están presentes en la obra.

La gran actriz del  neorrealismo se convierte en Roma en la madre, la amiga, la hermana del dramaturgo. La relación entre los dos personajes  crece en  intensidad, y pocos son los secretos que  quedan entre ambos.

Franco D`Alessandro (New York 1967) es uno de los jóvenes autores teatrales contemporáneos, y con “Noches romanas”, estrenada en el Off Broadway en 2002, logró muy buenas críticas en su estreno, y también en el acontecido en Londres en 2004. Luego hubo una seguidilla de estrenos de la obra en diferentes ciudades como Praga, Moscú y Roma, entre muchas otras. Actualmente está en pre-producción la película sobre este texto. Entre otros de sus éxitos teatrales se encuentra “The Shattering”, que fue protagonizado por Olympia Dukakis. En 2012 presentó en Los Angeles “Solo Anna”, un unipersonal sobre Anna Magnani protagonizado por Lidia Vitale y dirigido por Eva Minemar.

Ficha Técnica:

Escenografía: Alejandro Mateo / Vestuario: Mini Zuccheri / Luces: Eli Sirlin / Música: Diego Vila / Producción: Martín García – Georgina Rey / Asistencia de producción: Javier Huaro / Fotografía: Estudio Heinrich Sanguinetti / Asistencia de dirección: Mónica Benavidez / Prensa: Duche&Zarate.

Funciones: Jueves, Viernes y Sábados a las 20hs.

Entradas: $ 130.
Centro Cultural de la Cooperación – Sala Solidaridad
Av. Corrientes 1543 Ciudad Autónoma de Buenos Aires