*** Junio 2017 ***

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Latina hasta en el alma

Como tu vida, también la mía

Una actriz llamada Frida León Beraud nos invita a pasar a la sala del Teatro Moscú, como si fuera su casa. Con una sonrisa, nos pregunta si tuvimos que viajar mucho para llegar, qué transporte utilizamos, etcétera.

Como tu vida, también la mía (escrita y protagonizada Frida León Beraud, y dirigida por Francisco Lumerman) es un recorrido por la vida de ella, un unipersonal que necesita serlo para mostrar y dar a conocer quién es Frida, cómo fue su transición hasta convertirse en actriz y cómo encontró su lugar en el mundo de alguna manera.

Su vida intenta ser un reflejo de la nuestro, invitándonos -como al inicio de la obra- a un espacio en el que tiene todo para que nos sintamos identificados.

Ella no habla solamente sino que utiliza música, títeres, videos y dibujos para que entendamos su vida, su universo personal y, la necesidad que tiene por atravesar diferentes lugares llevando su historia.

Un árbol genealógico es representado, imaginariamente, y cada uno de los miembros familiares descriptos. ¿Por qué interesa tanto una vida ajena?

Es el modo en que se representa cada partecita, cada momento importante, cada meta cumplida y cada recuerdo de la niñez guardado en el corazón. Este conjunto de vivencias todos las tenemos. Quizás similares, quizás opuestas, quizás diferentes… pero existen en cada humano y es ello lo que permite que querramos presenciar esta puesta en escena que tiene en su piso un mapa con un trazado, con líneas que envuelven a Frida en su propio mundo -el cual ya no precisa de divisiones geográficas-.

Con sus rulos despeinados, atados, prolijos o desprolijos; está parada, está en movimiento, está. Su presencia alegra y conmueve. No se puede explicar la sonrisa que, a todos, nos surge espontáneamente sin pensarla siquiera.

Un libro en movimiento, me recuerda a mi infancia. Me quedo en las anécdotas y siento que soy egoísta por pensar en mí en vez de en ella. Luego, me doy cuenta de que eso es Como tu vida, también la mía: identificación, proyección, enlaces.

De repente, la tía Doris se hace presente en un títere de mano muy bien confeccionado e interpretado. Los diálogos entre ella y su sobrina van atravesando diferentes momentos cotidianos y sus aventuras, las voces nos ubican en tiempo y espacio, no siendo indispensable nada más.

Frida, como directora de su propia obra, decide en qué momento subir la música, cuando silenciar el espacio, cómo hacer que quede todo improvisado sin ser demasiado así. Esta puesta es responsabilidad de Lumerman que hace que su figura no quede en el centro de acción, que la actriz se luzca, que todo parezca fabricado en el momento y la emoción aflore de nuestros poros. Es que cuando algo es real o lo parece, no existe el pensar cómo recibirá el público la propuesta. La propuesta abraza las butacas, con un manto de arte en el que todo se vuelve sentimiento-.

Suiza y Argentina parecen estar unidas por las diferencias. La prolijidad y la estructura parecen “enfrentarse” a nuestro país que por momentos debería tener un horizonte más fijo. Sin embargo, allá y acá el teatro es un puente por el que atravesar la vida, un modo de comunicación, una aventura, excusa y propósito para contar la niñez, para sonreír por cosas que ya no causan gracia y para intentar recuperar la alegría por lo más pequeño.

Eso es esta dramaturgia: una aventura por la vida, por espacios tapados por el polvo de los años, un intento por recuperar el tiempo perdido y la calidez de una mujer que da ese aliento en que se siente que nada está perdido. Que siempre hay fuerzas para seguir, proyectos por los que soñar y causas por las que luchar.

Como tu vida, también la mía tuvo que adaptarse a todo tipo de público para presentarse en el festival Theatre Shpektakel de Zurich y así quedó este formato adorado por grandes y chicos, por diferentes clases sociales que buscan su lugar en el mundo. En aquel mundo que gira, que Mafalda observa con tanto detenimiento y que todos los que ya fuimos pequeños anhelamos sea parte de nuestro diario de vida.

Ficha artístico-técnica
Idea, actuación y textos: Frida León Beraud. Dalang Puppencompany (Suiza), Dirección: Francisco Lumerman. Dramaturgia y traducción al alemán: Trix Bühler – Música: Simon Hostettler. Vídeo: Pablo Rodríguez Pandolfi – Folioscópio y dibujos: Basil Vogt – Diseño de luces: Ricardo Sica. Producción en Buenos Aires: Felicitas Luna. Asistencia técnica y de dirección: Ignacio Gracia. Vestuario: Fabiana Berghole. Producción en Suiza: Cristina Achermann

Mariela Verónica Gagliardi

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Mi único muerto… el Che

Mi único muerto El CheDirección: Fabio Tiberi


ESTRENO 7 DE JUNIO

Viernes 23 hs

Teatro del Arte Facto
Sarandí 760 C.A.B.A.

Entrada general $50; Jubilados y Estudiantes $40
Duración de la obra: 80 min.

Actores: Erwin Berzaín, Héctor Díaz, Marcelo Lazarte, María Verónica Arroyo Goyoaga,
Christian Petersen, Héctor Cancino, Lucrecia Carrillo, Fabio Tiberi, Norberto Portal 

Autores: María Verónica Arroyo Goyoaga y 
Fabio Tiberi
Colaboración autoral: Darío Odriozola
Diseño escenotécnico: 
Ricardo Sassone
Realización escenotécnica: 
Darío Odriozola
Música original y efectos de sonido: 
Diego Dzikovski
Vestuario: 
María Verónica Arroyo Goyoaga
Operación audiovisual: 
Israel Izquierdo
Realización audiovisual: 
Sol Ticera
Coordinación de Puesta en escena: Norberto Portal
Asistencia de Dirección: María Verónica Arroyo Goyoaga
Diseño de programa y folletería: Darío Odriozola
Prensa: 
Ayni Comunicación
Idea original: 
Darío Odriozola y Fabio Tiberi
Dirección General: Fabio Tiberi

La pieza gira en torno al soldado boliviano Mario Terán, quien fuera el ejecutor de Ernesto “Che” Guevara, poniendo el foco de atención en su ceguera, y la conflictividad interna que sus actos le generaron a lo largo de los años, jugando con la simultaneidad témporo-espacial mediante paralelismos entre el año ´67 y el momento en que médicos cubanos de Operación Milagro le devuelven la vista en el año 2007 en la ciudad de Santa Cruz, Bolivia.
Su hijo será el principal gestor para que Terán logre dejar atrás ese pasado. Pero comete un error: una carta de agradecimiento enviada al diario local hará que su padre vuelva a estar en el centro del debate.
El público se sitúa dentro de la guerra de guerrillas: la captura del Che y su único acercamiento con la maestra de La Higuera, las decisiones del alto mando militar boliviano, y el momento determinante en la vida de Terán: el fusilamiento a sangre fría de su víctima.

Investigación detrás de la obra:
La CIA. MIXTO viajó a Bolivia, específicamente a La Higuera y Valle Grande, para tomar contacto con la historia y comenzar la pre-producción del proyecto.
Se recabaron testimonios de campesinos que presenciaron la captura y ejecución del líder revolucionario en el ´67.
Los territorios por donde se movieron la guerrilla del Che y el ejército boliviano: Quebrada del Churo y Abra del Picacho; La Escuelita de La Higuera; La lavandería del Hospital Sr. De malta, en Valle Grande; fueron el suelo en el cual tomaron forma las primeras líneas de este espectáculo que hoy les acercamos.
A lo largo del proyecto de investigación hemos consultado y mantenido contacto con diarios locales tanto de Santa Cruz, Bolivia como de La Habana, Cuba. También nos hemos asesorado con el reconocido historiador y escritor argentino Pacho O´Donell y en febrero de 2013 hemos logrado contactar al Coronel Gary Prado Salmón, captor del Che en la Quebrada del Churo, Bolivia, quien accedió a una entrevista vía Skype, durante la cual el equipo de investigación de la CIA. MIXTO pudo acceder a información sobre el tema nunca antes revelada.
La puesta en escena cuenta con recursos visuales, a partir de proyecciones de videos, cuyo contenido remite tanto al “espacio original” (originario) en el que se desarrolla la “historia real”, como a reconfiguraciones de dicho espacio, adaptadas a la configuración del “espacio ficcional”.



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Oiga Chamigo Aguara el 9 de junio

Oiga chamigo

 

Ficha artístico-técnica

Autoría: Adela Basch / Actúan: Marcia Jardin, Nahuel Alejandro Lozano, Matías Montoya, Gonzalo Robles, Mina Schmidt / Diseño de maquillaje: Jorge Alberto Balestra / Diseño de vestuario: Jorge Alberto Balestra / Diseño de escenografía: Rubén Hernández / Diseño de luces: Rubén Hernández / Diseño sonoro: Rubén Hernández / Realización de escenografia: Jorge Alberto Balestra, Rubén  Hernández / Realización de vestuario: Jorge Alberto Balestra, Fernando Ustia / Edición de sonido: Claudio Sianchia / Fotografía: Romina Ivanoff / Diseño gráfico: Carlos Romero / Asistencia coreográfica: Mina Schmidt / Asistente de producción: Jorge Alberto Balestra, Gabriela Gantus / Asistencia de dirección: Jorge Alberto Balestra, Gabriela Gantus / Coreografía: Rubén Hernández / Puesta en escena: Rubén Hernández / Dirección: Rubén Hernández / Duración: 65 minutos.
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El 19 de abril se estrena “Totoras”, de Raquel Albéniz

TotorasLa pieza teatral describe un instante de ruptura de “acuerdos” en una pareja que articula su relación de varios años en el acatamiento de los mismos. La obra se presentará los viernes a las 23 hs en Teatro Anfitrión, Venezuela 3340.

Sinopsis

Una pareja que decide incursionar con asombro y desaforadamente por las “verdades” tan temidas. Una obra que describe un instante de ruptura de “acuerdos”.

El sexo, la cama, son el universo que los sostiene, pero los nuevos espacios que incursionan con arrojo y deseo de soltura, los recicla y los vuelve a catapultar. Él entra en pánico, ella va por más… No hay entonces, nuevos acuerdos; pero tampoco rupturas definitivas. La relación se sostiene y articula, a pesar de todo. “Es lo que hay” –dicen, y lo sostienen.

Las totoras crecen en los humedales, su flor es hermafrodita, cuando se conservan en maceteros de plástico pierden su condición natural. Se caracterizan por su utilización doméstica en la decoración de interiores.

Ficha artística-técnica

Autoría: Raquel Albéniz / Actúan: María Forni y Carlo Argento / Diseño de escenografía e iluminación: Magalí Acha / Vestuario: Ma.Valeria Tuozzo / Música original: Rolando Vismara y Daniel Romano / Trompeta: Rolando Vismara / Tuba: Daniel Romano / Grabación: Lautaro Cottet / Fotos: Manuela Vilas y Darío Levanavicius / Gráfica: Carolina Marcucci / Prensa: Marisol Cambre / Producción ejecutiva: Daniela Martínez / Asesoramiento actoral: Raquel Albéniz / Dirección y puesta en escena: Paula Etchebehere / Localidades $ 60 | Estudiantes y jubilados $40. (Desde el viernes 19 de abril al viernes 28 de junio).

 

 

Lírica, de Gustavo Ott

Lírica

 

Puesta en escena y dirección Iris Pedrazzoli

ESTRENO DOMINGO 17 DE MARZO

Funciones: domingos 20.30 hs.

Localidades: $60/ Estud. 2×1

Teatro del Abasto – Humahuaca 3549

El próximo domingo 17 de marzo a las 20.30 hs, en el Teatro del Abasto (Humahuaca 3549 – C.A.B.A), se estrena Lírica -obra escrita por el dramaturgo y novelista venezolano Gustavo Ott y dirigida por Iris Pedrazzoli (Los Enfermos, La sonrisa del ganador)-.

En una escuela ubicada en un barrio de escasos recursos, se descubre que en un mismo curso conviven dos niños de 9 años, con un elevado coeficiente intelectual. Comparten, además, una amistad que potencia sus dotes naturales.

Esos chicos son protagonistas de una terrible historia común y poseen la férrea convicción de que esa devastadora historia jamás podrá destruir el vínculo que los une.

Sus madres están tomadas por el dolor, el odio y el resentimiento; atrapadas por la violencia como única estrategia de supervivencia.

La Directora de la escuela será quien descubra -desde el fondo de sus principios olvidados- que la amistad entre esos niños bien puede ser una poderosa voz emergente, con la capacidad de ofrecer una esperanzada posibilidad de transformación.

Con sólidas y muy intensas interpretaciones de Marcela Bea, Marigela Ginard y Silvia Mañá, Lírica parte de una historia real y construye una metáfora, para reflexionar sobre la civilización que estamos construyendo y proyectarnos para salir del círculo de violencia, de desintegración social y de desamparo humano.

Pero con esa misma determinación, Lírica opone contra nuestra propia barbarie, la fuerza de la belleza, la poesía y la sensibilidad, rescatándonos a todos de la catástrofe.

Ficha técnico-artística

(Abril) Marcela Bea, (Directora Ramírez) Marigela Ginard, (Norway) Silvia Mañá / Voces en Off: Kewen Massarotti (Lennon) y Agustín Amestoy (David) / Diseño de Escenografía y vestuario: Ana Clara Uhrich / Diseño de iluminación:                       Ricardo Sica / Música original y sonido: Gonzalo Morales / Post-producción de audio y voces en off: Lobo Zepol / Asistencia de dirección: Paula Russ / Asistencia de producción: Leandro Fernández / Producción: Héctor Fraind / Prensa: Silvana Zylberberg.

Sobre Iris Pedrazzoli

Se formó en actuación y dirección con el maestro Roberto Villanueva y en seminarios dictados por Agustín Alesso, Augusto Fernándes, Raúl Serrano y de dramaturgia con Luis Sáez, Cecilia Propato, Luis Escalada y Manuel Vilas (España).

Es Directora del Grupo Teatral Pasos, dedicado al estreno en Argentina de obras de dramaturgia iberoamericana contemporánea.

Entre sus trabajos como directora y actriz en teatro se destacan:

Alle donne de Roxana Aramburú (Dirección 2012 –Teatro La Máscara- Salón SUTEBA La Matanza), Un té con el Sr. Wilde (Dramaturgia y Dirección Artística- Sala APAC Belgrano y Foro de las Ciencias y las Artes de Vte. Lopez), La sonrisa del ganador de Gerard Vázquez (Dirección 2011-Espacio Ecléctico), Dotie Lou y Ester (Dirección 2010 Teatro La Tertulia), Los enfermos de Antonio Alamo (Dirección 2008-9 Espacio Ecléctico), Cabaret diabólico de Beth Escudè I Gallès (Dirección y Actuación- 2005-6 Teatro Korinthio y Teatro Terraza Bar Complejo La Plaza-), Fando y Lis de Fernando Arrabal (Dir. M. D’Amico – Teatro la Almohada), Pasos de Antonio Álamo (Dir. Javier Echaniz – 2003-4 Teatro Ana Itelman y La Tertulia; Premio a la Calidad INT 2003), Presente voul dire regalo de Viviana Holz (dir. Roberto Villanueva – Teatro Del Nudo), Las yemas dobles de Luis Cano (Dir. Javier Echaniz – Teatro La Carbonera), Jaculatorio “Por qué el paraguas” ( Autor y Dir. Marcelo Bertuccio – C.C.R.Rojas), La cena de Roberto Perinelli (Dir. Roberto Villanueva – Teatro del Pueblo), Ligados de Eugene O’Neill (Dir. Roberto Villanueva – Teatro Picadilly) entre otros.

 

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La muerte le sienta bien

Delicioso paraíso1

De repente ingresamos a una casa, inmersa en un pueblo alejado de la Capital Federal. En ella podemos ver sogas y más sogas con ropa colgando sobre ellas. La luz bastante tenue sobre la cocina -el ambiente donde se desarrolla toda la obra-; nos presenta de antemano una historia de humor negro: Delicioso paraíso.

Esta puesta en escena, dirigida por Alejandra Rubio, tiene varios condimentos: una historia familiar simple, distintos diálogos gracioso, una dosis de cruda verdad hacia la muerte y la ridiculización de los vaivenes entorno a un fallecido.

El Difunto Padre (Alejandro Álvarez), con su camisa tropical, sus tragos al tono y la cumbia bien fuerte, nos pinta de entrada una obra muy peculiar. Este viejito que nada tiene anciano, salvo los años, es el típico degeneradito (y lo digo en diminutivo porque no se ven demasiadas situaciones en las que se propase con alguna de sus hijas), que desea vivir la vida al máximo sin privarse de ningún placer.

Este padre tiene cuatro hijas: Ana (Meme Mateo), Mirna (Victoria Carambat), Marta (Paula Lemme) y Magdalena (Goly Turilli). Ellas coinciden en algo -además de en su vínculo familiar- y deciden tomar cartas en el asunto.Delicioso paraíso3

Un día como cualquier otro, sucede la tragedia o el nuevo aire de libertad: muere. Esta situación, lejos de provocarles dolor, las hace unir más fraternalmente. Pero primero tendrán que sacar varios trapitos al sol. Una vez que lo logren, recién ahí, sanarán heridas de antaño y se concederán una nueva oportunidad.

Pero, ¿cómo es el desarrollo de esta tragicomedia?

Podemos disfrutar de las conversaciones cotidianas entre Mirta y Marta, mientras Ana con cara de susto –durante toda la obra-, no hace más que escaparse físicamente, como para tapar tanto dolor ante la muerte de su papá. Pero se ha quedado sin habla, probablemente por el shock del difunto o por sentir libertad en su alma y aún no poder creerlo.

¿Y de qué charlan tanto?

Mirna de su dieta, que aún no puede cumplir por la supuesta angustia que le provocó la muerte de su progenitor. La famosa dieta de la manzana, que se basa en comer solamente esa fruta. Pero ella, consume esa fruta, pan con dulce y mate; provocando la risa de los espectadores -al ver cómo lleva a su boca cada bocado-.

Marta, por otro lado, vestida como Doña Florinda (Chavo del 8), representa a una mujer avejentada, maestra de colegio sin paciencia y que pretende que los alumnos sepan por arte de magia.

Las conversaciones desatadas entre ellas dos, nos irán sumergiendo en la historia negra para que conozcamos los pormenores de la misma. Marta intenta encaminar a su hermana Mirna, sin darse cuenta de que ella tampoco tiene los pies sobre la tierra.

Pero, cuando llega Magdalena de la ciudad, todo parece cambiar el rumbo. Delicioso paraíso2Ella, vestida con un rojo descampanante, feliz de ser
diseñadora y de viajar a distintos países; termina siendo una farsante. Aunque, de a poco, se le irá cayendo la máscara.

Y Magdalena, será la que también destape una verdad mucho más importante que la oculta en su ser: la muerte de su padre, tan repentina.

La historia recreada que le contarán sus hermanas, no es la que ella esperaba pero no hay culpa que valga ni rencor que sobreviva en Delicioso paraíso.

Una bebida con granadina y vodka es la encargada de endulzar y tranquilizar -por momentos- a estas mujeres tan alteradas. La misma bebida que tomaba su padre y que lo elevaba a un mundo ideal.

Y un último personaje que se suma es el de la Tía Dina (Maitina De Marco), con unas características extravegantes -tanto en su forma de vestir como de desenvolverse ante los demás-. La mayor parte del tiempo la tienen encerrada en la habitación, no incluyéndola en lo cotidiano. Pero ella, además de ser mayor, está un poco ida. Cada intervención que realice en la obra, hará que el público estalle en carcajadas.

Vale destacar que cada actor tiene su momento de lucirse en el escenario, permitiendo esto un equilibrio. Dicho equilibrio solo pasará por este punto ya que esta familia dará mucho que hablar.Delicioso paraíso

Pero, ¿qué pasó con el Difunto?

“Murió en su salsa” – acota Magdalena al conocer que su padre falleció mientras comía los ravioles de todos los domingos.

¿La muerte provocada, sería deliciosa?

¿El paraíso o edén, lo amparará al Ñato -tal como lo llamaban cariñosamente-, a pesar de no haber sido una buena persona?

Claro que esta obra no es para planteos profundos ni sentimentales, sino para entender que cuando llega la parca lo único que hay que hacer no es llorar sino actuar, decidir, innovar, no lamentarse.

Para eso tendrán que conseguir un cajón, para poder darle una digna sepultura. Aunque se trata de un pueblo pequeño en el que han muerto muchas personas últimamente. Entonces los cajones de frutas serán la salvación para poder improvisar un reposo al Ñato.

Pero cuando la muerte es provocada, ¿qué camino hay que tomar?

Ficha técnica Delicioso paraíso

Mariela Verónica Gagliardi

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El Dique de Connor Mc Pherson

“EL DIQUE”

  De Connor Mc Pherson
Dirección y adaptación: Leonardo Kreimer 

teatrores
  Donde lo fantasmagórico y lo real se entrecruzan.
Sábado 9 de febrero, 23.15 hs.
TEXTO:
Conor Mc Pherson 
DIRECCIÓN, ADAPTACIÓN Y PUESTA EN ESCENA:
Leonardo Kreimer

Lugar: El Camarín de las Musas (Mario Bravo 960)
Reservas: 4862 0655
Entrada general: $60-.
…………………………………………………………………………………………….
Buenos Aires, 2013.

Vuelve a la cartelera la exitosa obra de terror psicológico del premiado autor irlandés Conor McPherson (Premio Lawrence Olivier, Premio Círculo de Críticos y Tony Awards), que por primera vez se presentó en la escena porteña en el 2012. “El Dique” (The Weir) dirigida por Leonardo Kreimerpodrá verse nuevamente en temporada de verano a partir del Sábado 9 de febrero a las 23:15 hs. y durante todos los sábados de febrero y marzo en El Camarín de las musas (Mario Bravo 960). El precio de las localidades será de $ 60.
 

Esta pieza indaga en los fenómenos paranormales y el estado emocional que genera lo extraño, lo fantasmagórico, lo inexplicable.
Situada en un parador de montaña perdido en un pueblo sureño, el clima que genera el encuentro de tres lugareños compartiendo una bebida mientras esperan la llegada del cuarto con una bella desconocida, oscila entre lo onírico, el terror psicológico, y la locura.
Una aproximación teatral al terror de excelente factura, “The Weir” (El Dique) genera extrañamiento, miedo, empatía, y fascinación ante lo siniestro: aquello que la razón no puede explicar y que nos circunda. Lo visible hecho invisible acecha en cada uno de los relatos y leyendas que cuentan los cuatro hombres y la mujer reunidos en un parador de montaña de mala muerte sumergido en la lejanía.


El elenco se encuentra integrado por Monina Bonelli, Mariano Caligaris, Fernando Margenet, Nicolas Martini y Mario Mahler.

Sobre el Autor:

“El Dique” (The Weir) es una obra escrita por el autor irlandés Conor McPherson en 1997. Fue producida por primera vez en el Royal Court Theatre de Londres el 4 de julio de 1997, más tarde estrenada en el West End y posteriormente en Broadway, donde tuvo un enorme éxito. A partir de allí comenzó su itinerario internacional, fue representada en diferentes ciudades del mundo y traducida en más de 15 idiomas.

En una encuesta realizada por el Royal National Theatre, “The Weir” fue votada como una de las obras de teatro en inglés más importantes del siglo XX. En 1999 ganó el Laurence Olivier Award a la mejor obra de teatro.

Conor McPherson como autor ha sido equiparado a Eugene O’Neill, Samuel Beckett y Arthur Miller, según una encuesta realizada por el Royal National Theatre de Londres.

Nacido en Dublín en 1971, ganador de múltiples premios (entre los cuales se destacan el Lawrence Olivier, el Premio del Círculo de Críticos y varios Tony Awards), McPherson es considerado el autor en lengua inglesa más importante de su generación, y uno de los más innovadores dramaturgos contemporáneos. Entre sus obras mas importantes podemos nombrar a: Port Authority, Gate Theatre Dublin and Atlantic Theatre New York, en 2001, Shining City, Royal Court Theatre 2004.  En 2006 hizo su debut como autor y director en el National Theatre de Londres con The Seafarer, que en 2007 pudo verse en Broadway.  La obra ganó varios Olivier y Tony Awards y el crítico del New York Yimes, Ben Brantley, escribó “Posiblemente, McPherson, es el mejor dramaturgo de su generación”.  

Dice el director sobre la puesta:

Tiene un potencial dramático notable. Su historia es fresca y conmovedora, profunda, intensa y divertida a la vez, y permite un juego entre realidad y ficción altamente estimulante para el director y los actores, y seguramente lo será también para los espectadores.

La obra nos propone un juego de entramado entre la realidad y el relato sobrenatural, trasladando la acción desde la Irlanda Rural hasta el sur de la Argentina.

Este tipo de relato produce el clima y la tensión necesaria, nos deja expectantes de un desenlace que sabemos será espantoso, establece entre aquel que relata y los que escuchan una densidad tan potente como la misma realidad que los circunda.

La idea de la puesta es crear esa tensión, ese entramado entre realidad y relato, y hacer participar al espectador en el juego. Las potencialidades dramáticas se multiplican, como en un diagrama de Venn, y entonces ya no podremos diferenciar cuánto de nuestras percepciones pertenecen a uno u otro mundo.

Sinopsis:

En un parador de montaña de algún remoto pueblo del sur argentino, el Tano, Jaime y Brendan  discuten sobre una hermosa joven de Buenos Aires, Valeria, que acaba de alquilar una casa antigua en la zona.
Finbar, un hombre de negocios, llega con Valeria, y los hombres empiezan a hacer bromas y a contar historias sobre eventos sobrenaturales sucedidos en la zona, historias de  fantasmas  y apariciones misteriosas. Parece que quieren asustar a la joven y, entre chistes y comentarios supersticiosos, sostienen que las historias son verdaderas.
Finalmente será Valeria quien cuente su historia, la verdadera razón por la que dejó Buenos Aires, una historia terrible donde los hechos reales y los fantasmagóricos son una misma cosa. Un final electrizante del cual nadie podrá salir indemne.
“Es impresionante lo que McPherson logra decir con esta simple historia de aparecidos en una ventosa noche de invierno. The Weir es pura poesía teatral”.

Sobre Leonardo Kreimer:

Nacido en 1972 en Buenos Aires, y formado como actor principalmente en las escuelas de Raúl Serrano y Ricardo Bartis. Su experiencia de veinte años en la actuación incluye cine, televisión, teatro y radio. En el campo del cine ha trabajado con directores de la talla de Juan José Jusid, Alejandro Doria y más recientemente, en 2008, participó en la Opera Prima de Ana Halabe, próxima a estrenarse.
En televisión vuelve a ser convocado por Alejandro Doria para el ciclo “Los especiales de Doria”, y participa de numerosos programas de ficción televisiva como “El gordo y el flaco” (junto a Juan Carlos Mesa y Gianni Lunadei),  “Grande pa”,“La cueva del chancho”, “Enséñame a vivir”, “Casi angeles”, entre otros.
Entre sus trabajos en el teatro, además de una vasta experiencia en el circuito off, se destacan  “Período Villa Villa”, de la compañía De la Guarda, dirigido por Pichón Baldinú y Dicky James, con el cual estuvo de gira internacional durante tres años. En 2007 es Pichón Baldinú quien lo vuelve a convocar como asistente de dirección y como actor protagonista de su nuevo espectáculo, “Hombre Vertiente”, cuyo estreno mundial se produce en España en 2008.
También trabaja en Italia, donde se integra en 2005 en la Asociación Creative, dentro de la cual funda, junto con Elisabetta Riva, RES TEATRO, con la cual escribe, dirige y protagoniza el espectáculo “Lobos expiatorios”, inspirado en el célebre libro de Martín Caparrós, “Amor y anarquía”, estrenado en Milán en 2006 y reestrenado en 2008 en el Teatro Real de Córdoba. También en Italia escribe y dirige una versión moderna de “Julio César” de Shakespeare, que se representa en la Sala Umberto, en pleno centro histórico de Roma. Siempre con la compañía Res Teatro, en agosto 2009 estrena, en el Teatro del Artefacto de Buenos Aires,  el espectáculo “Enemigos”, en el cual participa como creador, dramaturgo, actor y director.
En julio 2009 estrena como actor, junto a Carla Peterson y Griselda Siciliani, el espectáculo “Corazón idiota”, de los directores Ana Frenkel, Carlos Casella y Daniel Cuparo, en la sala Pablo Neruda del Complejo La Plaza. El espectáculo se reestrenó en septiembre de 2010.
A partir del agosto 2010 Leonardo es convocado nuevamente a trabajar como asistente de dirección y dramaturgia de Pichón Baldinu en el desarrollo de la versión que el espectáculo “Hombre Vertiente” acaba de estrenar en la sala Villa Villa del Centro Cultural Recoleta.Recientemente, además de protagonizar Hombre Vertiente, participó de la tira Los Únicos, producida por Pol- Ka,  en el personaje de El Zurdo.

Ficha Técnica:
Título original: The Weir / Título traducido: El Dique / Autor:  Conor McPherson (Irlanda) / Traducción: RES TEATRO / Dirección: Leonardo Kreimer / Elenco: Mariano Caligaris (El Tano), Fernando Margenet (Jaime), Nicolas Martini (Brendan), Mario Mahler (Finbar) y Monina Bonelli (Valeria) / Escenografía: Ana Calara San Giorgio / Illuminación:  David Seldes / Producción:   RES TEATRO / Productor General: Pier Paolo Olcese / Productora Ejecutiva:  Elisabetta Riva / Asistente de Dirección:  Arturo Alonso / Género: comedia dramática / Duración: 1 hora 10 min / Prensa: Octavia Comunicación

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