SABOR A TEATRO

* SEPTIEMBRE 2025 *

Archivo para 2015

Minientrada

«Juegos de fábrica», de Nicolás Manasseri

LA GRAN ÓPERA ROCK

LA OBRA MÁS NOMINADA DEL MUSICAL OFF

¡7 NOMINACIONES A LOS PREMIOS HUGO!

::GRAN REESTRENO::

Viernes 17 de abril 21hs

Teatro Galpón de Guevara

(Guevara 326 – C.A.B.A.)

Entradas desde $120.

¡7 Nominaciones a los PREMIOS HUGO!

MEJOR MUSICAL OFF

MEJOR DIRECCION MUSICAL OFF

MEJOR LIBRO

MEJOR COREOGRAFIA

REVELACION FEMENINA

MEJOR INTERPRETE FEMENINO MUSICAL OFF

MEJOR ESCENOGRAFIA

Sinopsis

Argentina es un país donde la entrada de siglo XX se presenta como un florecer de posibilidades. La combinación de nacionalidades, razas e idiomas se hacen cada vez más frecuentes generando una gran diversidad cultural. Distintas personas que piensan, hablan e imaginan de diferente manera, pero más allá de toda diferencia hay algo que los une.

Una Fábrica abandonada funciona como escondite y refugio perfecto para jugar a lo que sea.

La obra de teatro cuenta la historia de un grupo de chicos que se juntan a jugar en una fábrica abandonada a principios del siglo XX. El juego se transforma implícitamente en un reflejo de sus deseos, de sus conflictos, sus curiosidades y hasta sus perversiones, que comienzan a manifestarse de manera más obsesiva cada vez; generando que, por momentos, sea difícil diferenciar el límite entre el juego y lo real.

Luego de la intensidad del drama, el conflicto se presencia, el silencio se hace ruido y la descarga llega a su punto máximo cuando aparece la música. Con un estilo que varia entre El Rock, el Hevi Metal, el Punk y la música tecno, logrado no solo por una banda en vivo sino también por los mismos actores, quienes por momentos, sonorizan el espectáculo transformándolo en un Recital de Rock con alto contenido dramático.

ELENCO

Uno – Renzo Morelli

Andre – Fernanda Provenzano

Fausto – Nacho Medina

Raúl – Belén Ucar

Segundo – Martina Zapico

Juana -Lu Fernández Méndez

MÚSICOS

Bajo: Iván Mazzieri

Guitarra: Nahuel Tamargo

Batería: Alejandro Roig

NIÑOS DE FÁBRICA

Nicole Benbassat, Rocío Caldez , Juan Manuel Flores

Ayelen Depirro, María Julia Tozzi, Camila Giraud

Tatiana Luna, Nahuel Quimey Villareal, María Victoria Goldtein

Micaela Butnar, Daiana Vecchio

Noelia Depauli, Juan Pablo Burgos

Nicole Anabel Hernández, Denise Depauli, Jair Almar

FICHA TÉCNICA

Libro y Dirección General: Nicolás Mannaseri

Música: Iván Mazzieri – Ignacio Arigos

Dirección musical y Letra de Canciones: Iván Mazzieri

Coreografías: Fer Provenzano

Vestuario: Fer Provenzano

Dirección de Arte: Lu Rojo y Fer Provenzano

Asistente Técnico: Santiago Muños

Prensa y Comunicación: Circular Prensa

Dirección General y Puesta en Escena: Nicolás Mannaseri

Producción Ejecutiva: Iván Mazzieri

Producción General

Iván Mazzieri – Nicolás Manasseri – Fer Provenzano

MIL IDEAS DE ARTE

Escrito

en abril 23, 2015

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Un grito a toda marcha

Año 1951, un año en que uno de los líderes más carismáticos del ámbito político, era derrocado por fuerzas militares. Un año en que Perón era desplazado por intereses de otros sectores empresarios que pretendían llevar al país hacia otro destino.

La Iglesia que tanto apoyo le había otorgado a Juan Domingo, se hacía a un lado. Ahí, en ese momento, un cura muy bonito (Walter Bruno), sube a un tren con destino a Rosario y sus palabras y acciones se convierten en enseñanzas para un pueblo que, predominantemente, era católico, que se confesaba ante una persona vestida de embajador de Dios, y que pretendía limpiar sus culpas con tan solo expresarlas en voz alta.

Una madre (Lorena Vega) y su hija (Tamara Garzón Zanca), viajando, tensionadas, desesperadas por un futuro incierto y lleno de oscuridad. Un tren que es detenido, también por la fuerza, por una huelga de trabajadores cansados de pedir lo que les corresponde. Una formación que no continúa su recorrido para hacer pensar al espectador, para inducir al diálogo interior y para replantearse tanto la historia argentina como la vida.

La iluminación tenue que va creando climas de suspenso e íntimos, hasta focalizar en la acción y el drama.

Durante el viaje surgirán temas controversiales entre los tres personajes de “La mala fe” (escrita por Leonel Giacometto y dirigida por Alejandró Ullúa) y, de ahí en más, los años cincuenta nos invadirán, hasta sentir -de algún modo- que el presente y pasado se mezclan en varios aspectos.

Cada quien sacará sus propias conclusiones de acuerdo a su ideología e inclinación política. Pero, lo más
importante es que los protagonistas dan su visión, la cual difiere de por sí bastante entre ellos; permitiendo que el final sea abierto. Por un lado, está clarísima la última acción llevada a cabo por el cura, aunque la moraleja y análisis no.

Como un texto que invita a la reflexión, el peronismo siempre tuvo aliados y fieles como la Iglesia y, otros, que lo repudiaron tanto a su movimiento como a sus ídolos.

El Santo envuelto en un rollo de papel, supuestamente muy valioso a nivel económico y espiritual, será el verdadero protagonista de la dramaturgia -frente al que se tramarán diferentes teorías y planes-. Mientras tanto, el sonido del ferrocarril dará cuenta del transcurso del tiempo, un tiempo que se frenará cuando el paro se despliegue sobre las vías.

Genialmente, la madre dirá que no hay de qué preocuparse ya que Evita pegará unos gritos y, como siempre, resolverá los conflictos.

Un grito o varios gritos serían necesarios para asustar, de algún modo, a quienes intentan obstruir el paso de estos viajeros.

Y, este es uno de los puntos que más resaltan durante la obra. El egoísmo de unos que prima sobre los derechos de otros. Siempre es y será lo mismo porque, la historia, como se dice: es cíclima. No existe nada nuevo, solo otros rostros que repiten versos como aprendices de sus maestros, aquellos que ya no están para atemorizar a quienes solo se esfuerzan por avanzar, por seguir, por continuar y sacar a la luz esos secretos tan bien guardados por quienes con diferentes uniformes esconden de alguna manera.

¿Matar al culpable?, puede llegar a ser una solución aunque no del todo eficaz porque, como recién mencionaba: la historia es cíclica. Podríamos buscar qué es lo que sigue a la desaparición de un líder.

¿Puede haber peronismo sin Perón? ¿Y Evita?

Los sindicatos apoyaron a éste aunque por intereses. Como siempre y como todo.¿O acaso se puede rezar una oración que no convenza?

Tentarse con lo prohibido, tenderle una trampa al más débil y continuar con un negocio fraudulento; son algunas temáticas que surgen en “La mala fe”.

Una mala fe que no solo se relaciona con el catolicismo, sino con el accionar humano. Hacer algo de mala fe, orientado a no tener principios o lealtad. Una lealtad que no siempre se puede sostener, o sí.

Eso es lo que verdaderamente, cada hombre en esta tierra, debería resolver: si continuar un mandato o rebelarse ante el sistema.

Mariela Verónica Gagliardi

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Escrito

en abril 22, 2015

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Se estrena «Milagros del corazón»

JUEVES 23 DE ABRIL

GRAN ESTRENO EN EL TEATRO REGINA

OCHO ÚNICAS SEMANAS

LLEGA A BUENOS AIRES

UNA GRAN OBRA TEATRAL…

UN ESPECTÁCULO POÉTICO Y MÁGICO

UNA COMEDIA ROMÁNTICA

QUE NOS ENSEÑA QUE NUNCA ES TARDE PARA AMAR…

VIRGINIA LAGO Y HÉCTOR GIÓVINE, con la dirección de MANUEL GONZALEZ GIL

presentan

«MILAGROS DEL CORAZÓN»

de Alexei Arbuzovz

TEATRO REGINA

(Avenida Santa Fe 1235 – C.A.B.A.)

El próximo jueves 23 de abril se estrenará en Buenos Aires en el Teatro Regina, ubicado en la Avenida Santa Fe 1235, la obra teatral “Milagros del corazón”, del autor ruso Alexei Arbuzovz, con el protagónico de Virginia Lago y Héctor Gióvine, dirigidos por Manuel González Gil, con producción general de Javier Faroni y destacados nombres del teatro en el equipo creativo como: Martín Bianchedi en la música, Pablo Battaglia en el vestuario y Marcelo Valiente en la escenografía.

La primera actriz Virginia Lago vuelve a un escenario de Buenos Aires junto al actor Héctor Gióvine en un espectáculo mágico y poético donde el amor y las palabras son protagonistas además del constante humor e ironía que hace al espectador divertirse y emocionarse.

“Milagros del Corazón” se representará por ocho únicas semanas, de miércoles a domingos.

La obra de Alexei Arbuzovz, “Milagros del Corazón”, narra la historia de un hombre y una mujer, dos solitarios, que se van encontrando en el trato diario de un mes en el que la vida, el destino, la casualidad o el azar los ubicó en un mismo espacio.

Él es un médico, director de un sanatorio, viudo desde hace ya algunos años, situación que no ha podido superar del todo.

Ella es una mujer un tanto exótica en su manera de ser, pintoresca al vestir, y con una carga existencial que se develará a lo largo de la obra al referirse a sus contratiempos amorosos y la pérdida de un hijo de 18 años en un accidente.

Ella es la paciente en ese lugar, y él un hombre que busca la cura de los males.

Ambos con personalidades totalmente distintas que, sin embargo, van construyendo una relación a pesar de ellos mismos, que los unirá en la última etapa de sus vidas.

En “Milagros del corazón” todo transcurre en un clima de enorme ternura, de gran simpatía por estos personajes tan entrañables quienes se conocen por azares del destino y se enamoran, encontrando en el otro un compañero en la vida. La obra hace una reflexión que nunca es demasiado tarde para amar a través de un texto donde el humor y la ironía siempre están de manifiesto más allá de la emoción.

“Milagros del corazón” fue representada a lo largo de los años con gran éxito en diferentes capitales de Europa y sus diferentes puestas siempre fueron elogiadas por la crítica.

Entre muchos otros actores, la interpretaron Dustin Hoffman y Ann Bancroft, Mónica Vitti y Nino Manfredi, Alberto Closas y Amparo Rivelles, y en la Argentina se dio a conocer en 1978 con el nombre de «Viejo Mundo», con Rosa Rosen y Carlos Muñoz, en el teatro Regina, en la misma sala teatral donde a partir del jueves 23 de abril Virginia Lago y Héctor Gióvine darán vida a estos dos entrañables seres, protagonistas de la historia.

SOBRE EL AUTOR:

Alexei Arbuzovz es un autor ruso a quien, en su momento, algunos críticos lo acercaban a Chejov.

Sus historias son muy humanas, con personajes de todos los días que se muestran en su cotidianeidad y ofrecen una visión muy profunda del ser humano a través de las pequeñas cosas.

Arbuzov nació en Moscú, pero su familia se trasladó a Petrogrado en 1914. Huérfano a la edad de once años, encontró la salvación en el teatro, y en catorce años comenzó a trabajar en el Teatro Mariinsky. En 1928 se unió a un grupo de jóvenes actores en el Gremio de Teatro Experimental; después de su disolución comenzó a escribir obras de teatro y es un referente para la dramaturgia rusa del siglo XX.

FICHA TÉCNICA

Vestuario

Pablo Bataglia

Escenografía

Marcelo Valiente

Música

Martín Bianchedi

Producción ejecutiva

Alejandro Bogado

Diseño de luces

Manuel González Gil

Producción general

Javier Faroni

Dirección

Manuel González Gil

Funciones

Miércoles a viernes 20 hs, sábados 21 hs, domingos 19 hs.

Precio de las localidades

Desde $220

Prensa: Alejandro Veroutis

Escrito

en abril 22, 2015

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«Perdoname por ayer», de la compañía Vísperas

La persona menos pensada puede cambiarte la vida, aunque sea por un rato

Estreno viernes 1° de mayo

Una sala de espera de un hospital público. Dos seres solitarios que cruzan sus caminos. Con la proximidad de la muerte, Pedro y Emilia irán construyendo casi sin quererlo un vínculo que los movilizará a salir hacia afuera de sí mismos, encontrarse un poco más ellos y encontrar un poco más a los demás.

Funciones: viernes, 22 hs.

Machado Teatro, Antonio Machado 617, CABA. Entrada: $100.

Palabras del director:

“La obra está atravesada por un debate entre la soledad y la compañía. Esas son las dos fuerzas que chocan y que llevan adelante la historia de Pedro y Emilia. Lo que intentamos fue poner en escena qué pasa cuando alguien intenta proteger su soledad contra viento y marea. Y qué pasa también cuando alguien intenta a toda costa entrar en esa fortaleza. No es que no disfrutemos de nuestras propias soledades, pero vemos que a veces el mismo ser humano elige la soledad y no se da cuenta de que salir de ese lugar depende de sí mismo. O de levantar la cabeza y mirar a los demás.

Me gusta contar y escuchar historias porque creo que me ayudan a entenderme a mí mismo y entender a los demás. Es como cuando alguien vuelve de viaje y todos nos reunimos a escuchar sus anécdotas. Queremos vivir un poco su viaje. Algo parecido creo que sucede con el teatro: es la posibilidad de acompañar a unos personajes en su propio viaje y, al regreso, entenderlos y entendernos un poco más.” Lucas Palacios.

Ficha técnica:

Actuación: Luis Lusardi y Mariana Mayoraz / Música: Agustina Crespo / Escenografía y vestuario: Celina Silveyra / Diseño gráfico: Sofía Noceti / Iluminación: Yamil Chapa y Joaquín Boerr / Producción: Ángeles Shaw de Estrada / Prensa: Hernán Salcedo / Dirección: Lucas Palacios

Duración de la obra: 65 minutos

En las redes:

facebook.com/Perdonameporayer

Evento en Facebook

twitter.com/perdonamexayer

Escrito

en abril 21, 2015

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La oscuridad de la razón, dirigida por Virginia Innocenti

Vuelve luego de 20 años una pieza teatral de Ricardo Monti, ahora bajo la dirección de la actriz Virginia Innocenti, quien interpretará uno de los roles en su puesta original.

LA OSCURIDAD DE LA RAZÓN

De Ricardo Monti

CONCEPCION Y DIRECCION: Virginia Innocenti

DESDE EL SABADO 11 DE ABRIL

Todos los SABADOS y DOMINGOS a las 19:15hs.

CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACION

Mariano, el joven poeta, regresa desde Francia al corazón de Sudamérica.

A causa de la muerte de su padre vuelve a la tierra de la infancia.

La tragedia acecha.

La oscuridad de la razón habla de la matriz y el destino de los pueblos, exhibiendo poéticamente de qué manera su rumbo depende de las pasiones y las intimas pulseadas de quienes ejercen el poder. Pero también propone nadar aguas más profundas, ¿Es posible pelear contra la esencia? ¿Renegar de nuestra naturaleza? ¿Es necesario morir para nacer?

La oscuridad de la razón nace como un proyecto personal de Virginia Innocenti quien protagonizó la primera puesta en escena del texto de Monti en 1993 a las ordenes de Jaime Kogan. Esta es su primera obra como directora y se estrenará en la sala Solidaridad del CCC el 11 de abril de 2015.

Actúan: Ana Yovino, Luciano Suardi, Pablo Mariuzzi, Lorena Szekely, Maia Mónaco, Daniela Salerno y Juan Luppi.

Concepción y dirección: VIRGINIA INNOCENTI Asistencia de dirección: LUCIANO PERCARA Escenografía y vestuario: JULIO SUAREZ Iluminación: LEANDRA RODRIGUEZ Música original y en vivo: MAIA MONACO Imagen Jironadas: ADOLFO NIGRO Diseño grafico: SILVIA H GONZALEZ Prensa: DUCHEZARATE Producción ejecutiva: SILVIA BARONA

Funciones: Sábados y Domingos a las 19:15hs.

Localidades: $130 y $160.-

Centro Cultural de la Cooperación

Av. Corrientes 1543 – CABA

Marcos Mutuverria

Prensa y Comunicación / DucheZarate

Escrito

en abril 21, 2015

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Un castigo que no vale la pena

Un mundo de plástico, artificial, confeccionado para unas pocas y sobresalientes mujeres que nacieron con el don de la belleza, de una belleza que se supone y erige como tal o que tienen los medios como para lograrlo en la sala de operaciones.

La belleza seguida del éxito es lo que marca la tendencia de llevarse el mundo por delante. Mientras tanto, las no agraciadas deben ser simpáticas, cordiales y esforzarse más de la cuenta por caer bien al resto y por intentar demostrar que, también, tienen un don especial para compartir.

«Vivan las feas» (escrita y dirigida por Mariela Asensio), es una obra que pretende no serlo. Es un conjunto de testimonios que se gritan sin piedad ni miedos. “Vivan las feas”, tiene la particularidad de contar con Mariela en escena para coordinar todo desde allí. A la vez que pedalea durante toda la función, notamos como su cansancio no la extenúa y su palpitar no la abandona.

Son cinco artistas, de distintas generaciones, que esbozan monólogos y diálogos entre ellas. Parece desaparecer aquella división entre público y actrices. Todo se convierte en unidad, como si se tratara de una performance -no para admirar sino para concientizar-.

No hay cifras vigentes que determinen cuántas personas mueren como causa de la bulimia y anorexia, pero en los últimos años la ONU determinó que Argentina era el segundo país en este ranking, después de Brasil. Actualmente, nuestra sociedad sigue haciendo apología al consumismo, a los talles diminutos, a alcanzar liderazgos gracias a una imagen determinada o a triunfar por unas piernas esbeltas.

¿Quién determina que una mujer sea linda o fea?

Existen muchas leyes de talles grandes en el país pero, lo cierto, es que la minoría de los negocios de indumentaria cumplen con las reglamentaciones.

A su vez, vale considerar que el 85% de profesionales de la salud son mujeres. Sí, psicólogas y, este dato, no debe ser pasado por alto; como tampoco que muchas a los cuarenta deciden estar sin un hombre o no les queda otra alternativa.

Nuestra sociedad sigue fijándose qué mujer está sin un hombre, analizando los motivos y cuestionando por qué no quiere tener un hijo. Estos mandatos añejos, inciden en todas nosotras. Pero, de lo que podemos estar seguras es que las “feas” suelen estar casadas y con varios niños; mientras muchas de las “lindas” están desamparadas y sin procrear.

Es hora de que nos apoyemos, al menos, ente nosotras, que no naturalicemos la violencia contra nuestro género y que quienes tienen el “poder” lo usen para fijarse en lo profesional e intelectual en vez de ver cómo luce lo que no se puede cambiar sin operación.

La historia continúa con su trayecto, escuchando las vivencias y recuerdos de Ana María Castel y anhelando no tener que esperarlo con la comida recién salida del horno, con la ropa limpia y planchada, con la casa en orden. Puede ser que los hombres vean esto como una rebelión pero tuvimos tantas décadas de esclavitud que recobrar la libertad no solo nos une sino que nos reconforta.

Nadie sentiría antes, que prepararle la comida a diario era un acto de servidumbre. ¿Pero, por qué él no lo hacía? Claro, antes los hombres salían a trabajar y las mujeres quedaban al cuidado de los niños y de los quehaceres domésticos. Pero, esas mujeres de antes, ¿eligieron ese puesto?

Nadie les preguntó si preferían una u otra cosa. Los tiempos, por suerte, han cambiado y existen muchos hijos que, por diferentes circunstancias, viven con los padres.

El mundo se ha dado vuelta, sí. Y por suerte. Por un camino recorrido por muchas mujeres emblemáticas, cojonudas, inteligentes y capaces de enfrentarse a aquello que no les parecía.

Más que nunca, hoy y siempre, las mujeres debemos estar unidas, escucharnos, darle una mano a aquellas que se consumen con ejercicios físicos para gustarles a otros, a las que no pueden más por hacer una dieta que a nada las conduce.

A pesar de todo esto, los hombres se suicidan más y con cifras realmente escalofriantes, lo que indica que algo en el interior femenino indica que no quieren tirarse al vacío sino ser aceptadas.

La del cuerpo privilegiado habla, la ama de casa habla, la desafortunada habla, la que prepara los tragos (con frutas y sin alcohol para no engordar) habla y la que hace ejercicio calla.

Mariela Verónica Gagliardi

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Escrito

en abril 13, 2015

No consigo olvidarte

Generalmente, cuando pasa mucho tiempo en que no vemos a alguien, sentimos la imperiosa necesidad de decir algún cumplido o comentario al respecto. No haber cambiado, en ningún aspecto, a lo largo de diez años mínimamente resuena en el aire.

“Estás igual” (escrita, protagonizada y dirigida por Gabriela Izcovich) demuestra esta hipótesis al igual que el deseo que tenemos todos por anhelar cambios en los demás. Junto a Fabián Arenillas, llevan adelante esta comedia dramática que tiene lugar en No Avestruz.

Estás igual, en esta dramaturgia, es como decir: los años, lamentablemente, no te hicieron cambiar. Pretendiendo, buscando, indagando sobre las conductas humanas; es como la pieza teatral, a modo de pequeñas escenas, argumenta sobre éstas al igual que sobre la violencia psicológica.

No solamente podemos observar a una pareja con problemas comunes de convivencia, del paso del tiempo, de acostumbramiento y del recuerdo de viejos amores; sino que estos dos grandes actores interpretarán -a lo largo de la historia- a otras parejas, a otras personas y establecerán diferentes vínculos que permitirán completar una serie de ejemplificaciones sobre un tema central que es el amor.

El amor como fuente de energía, como padecimiento, como única opción a estar con alguien, como transición a un lugar desconocido, como encuentro con un ser especial que reconforta, como excusa para recordar el pasado, como sanación a viejas heridas.

Estás igual, demuestra y confirma el talento de Gabriela, su modo de narrar lo cotidiano de una manera tan natural que se convierte en el famoso cuentito que tiene o debería tener toda expresión artística en un escenario.

Mientras tanto, Fabián se convierte en marido, ex, psicólogo, médico y persona que intenta hallarse a sí mismo. Todas sus interpretaciones lo erigirán como ser con debilidades, y por eso será útil mostrarlo con cierta autoridad, aquella que lo escudará como para que pueda manipular a sus diferentes mujeres.

Distintos hombres que encajan o no con otros estereotipos de mujeres. Variedades para definir estilos de vida y, en la mayoría de los casos, el deseo dormido o mutilado.

Una terapia que saca a la luz lo que no pudo ser, la inoperancia de un médico para tomar determinadas decisiones, el pasado que vuelve y perturba el presente desestabilizando lo que se suponía estable -y no por ello feliz- son algunas de las problemáticas que se desarrollan. La coincidencia que hay entre todas es la parte sensible del ser humano. Inclusive hasta el más fuerte, tiene su costado melancólico, motivo por el cual es posible emocionarse durante la risa y el trauma.

La acidez de una naranja es esbozada como anzuelo para recuperar aquello que se desea idílicamente. Esa acidez que no permite un amor dulce, suave y comprometido.

Junto a la práctica escenografía que se utiliza de una y otra forma, es posible que los propios actores construyan sus lugares, guardando hasta el mínimo detalle que retrata una u otra situación.

La calidez de sus miradas, retratan vidas de unos y de otros, de vos, de mí, de todos; uniendo sinsabores con música de un charango y de una guitarra -trayendo lo autóctono como cable a tierra a estas personas que se asemejan en procederes- evitando el dolor con atragantamientos y alegrías con esperanzas.

Mariela Verónica Gagliardi

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Eventos, Teatro

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Encuentro de dos mundos

Superstición: Creencia extraña a la fe religiosa y contraria a la razón. Esta acepción figura en el diccionario de la Real Academia Española, sin embargo, también existen pruebas que demuestran cómo el no darle lugar a dicha creencia puede perjudicar el común desarrollo de la vida.

Ser supersticioso no es un pecado pero sí una barrera que impide ver la realidad real. Dicho esto, ¿quién no teme pasar por debajo de una escalera, rezar porque un gato negro no se cruce por delante, evitar viajar o casarse un día 13 o pedirle a quien sea que por romper un espejo no se tengan siete años de mala suerte?

«Lunes abierto» (escrita y dirigida por Ignacio Sánchez Mestre) protagonizada por Leo (Martín Piroyansky), es una obra que oscila entre el realismo mágico y la superstición. Desde un principio, la escenografía nos invita a adentrarnos en una peluquería común y corriente aunque, en breves momentos, sabremos que no es común nada de lo que pase allí dentro ni entre ellos.

Tiempo y espacio se fusionan, se entrelazan, se mezclan y pretenden confundir al espectador, no dándole certezas de lo que está ocurriendo ni de lo que vendrá. De este modo, la dramaturgia se convierte en un camino sinuoso en que la ciencia ficción se destaca.

Llevando a cabo un experimento que consiste en hacer crecer el pelo, se desatarán unas escenas muy delirantes en que se podrán disfrutar de las grandes actuaciones de estos talentosos artistas.

Verlo a Leo con pelo cada vez más largo, ya de por sí provoca la carcajada, una risa que desborda desde el público hasta el escenario. Y en cuanto este personaje comienza a elucubrar su teoría, todo se vuelve más absurdo.

Carmen, la dueña del negocio, continúa sufriendo por el abandono de su marido y Elvira parece solo comunicarse a través de acciones sin sonidos.

Todo parece tener una claridad que los convierte en investigadores, unos investigadores que indagan sobre el pasado y presente en enciclopedias antiguas. Sin lugar a dudas, la dramaturgia es de una excelencia suprema en que las palabras se conectan entre sí de un modo descabellante y, a su vez, justificado.

Un hombre que fue otro y que, ahora, debe recordar lo que nunca vivió. O tal vez sí, solo que su alma sería diferente y su cuerpo el mismo. Podría mencionar a la reencarnación como prueba para argumentar la vida de éste, pero no es algo que tenga un valor durante la historia.

Quien más calla y es tomada como muda, sorprende cuando se anima a hablar. Y no es poco lo que tiene para decir sino que, a partir de sus frases, todo podrá descubrirse al mismo tiempo que jugar con diferentes planos tridimensionales y artesanales.

Esta pieza teatral brinda el placer tradicional de una narración en que no es necesario desplegar tecnología. Ésta puede imaginarse y disfrutar de todo el potencial dejado en escena.

Viajar a un lugar en que supuestamente estará el ser amado o permanecer en el mismo sitio esperando que algo pase como para cambiar la rutina.

Un lunes abierto es extraño para el sector de peluquería. Primando lo raro, no es eventual que todo continúe como a diario sino que un conflicto se avecine.

El pasado retorna y una foto es una de las maneras de entender quién es quién o, al menos, quién quisiera ser cada uno.

¿Cómo superar los malos estragos, las decepciones y alcanzar los deseos más queridos?

Tres almas totalmente diferentes pero, evidentemente, unidas por la irracionalidad. Una irracionalidad que no los vuelve locos sino soñadores.

Un metalenguaje y una originalidad por conectar cada vocablo y conformar un universo nuevo e ideal para ellos mismos, aquel que los elevará por sobre la rutina y la incomprensión del resto de la humanidad.

Mirarse en un espejo y no gustarse, mirarse en otro espejo y observar fenómenos diferentes. Unir ideas y significados hasta encontrar la fórmula para aceptar lo que les toca.

Mariela Verónica Gagliardi

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Escrito

en abril 11, 2015

Lo no perdonado

«Tamorto» (está basada en la obra Arlequín de pies ligeros, Quito – Ecuador) originada en el teatro de comedia del arte italiano del siglo XVIII, con tintes tradicionales y otros vanguardistas, los cuales consiguen romper con lo estéticamente correcto y darle al público un tirón de orejas.

Detrás de las máscaras se ocultan rostros humanos incapaces de expresarse sin éstas. Los humanos estamos acostumbrados a omitir por diferentes cuestiones. Esta historia demuestra que es posible hablar y cantar todo aquello que nuestra alma precisa.

Arlequín (Jorge Costa) es el personaje principal y el eje central de esta historia que consigue llevarnos a un universo musical en que se conjugan canciones originales con mensajes ideológicos, sin anestesia.

Este personaje tan querido por el mundo artístico, está enfermo y solamente puede ser salvado por su amigo y, a la vez, contrincante Pierrot (Emiliano Larea). La fidelidad es uno de los aspectos que más resaltan a lo largo de la obra, demostrando que los sinsabores amorosos pueden ser dejados a un lado en ciertos momentos de la vida.

«Tamorto», suena antes de la función para impregnar sus melodías y versos en nuestros seres. Tamorto, continúa una y otra vez hasta que las luces se atenúan para dar paso a lo que está por acontecer sobre las tablas.

Está muerto, como tantas personas, como tantas ideologías y placeres. Arlequín es un niño que disfruta al máximo cada instante, deseando no perecer. Así es como goza al máximo de su desfachatez consiguiendo el corazón de Colombina (Romina Mónaco). Aunque no sucede todo de manera tan libre. Una doctora (Julia Muzio) es la encargada de revisar al enfermo, de diagnosticarlo y de decirle cuánto tiempo le queda. No hay lugar para el llanto así que lo que podría ser un mar de lágrimas, es desplazado para que lo verdaderamente importante sea comunicado: la política vigente.

Esta dramaturgia entrelaza discursos y mensajes de casi todos los que pasaron por el poder, jugándose de lleno a tomar partido por la coherencia.

Mientras Colombina sonríe tras su máscara, Arlequín se debate entre la vida y la muerte y Pierrot descubre todo el amorío detrás de sus espaldas. A la vez que Zanne Músico (Fernando Pérez) consigue desplegar melodías diferentes durante todas las escenas y deleitarnos con cada sonido; llega ella.

El destino no puede cambiarse en esta historia que oscila entre la comedia, el drama y la aventura desenfrenada. En cuanto las piruetas de Arlequín consiguen conmover a sus pares, las agujas del reloj son atrasadas, para luego adelantarse y darle la despedida.

Nadie se «salva» en esta obra, que vendría a ser una suerte de murga argentina. Una murga que no quiere callar y que no le teme a la verdad.

Burlarse de la muerte (Julia Muzio) y no temerle es la propuesta de la trama y, posiblemente, el deseo que todos tenemos al pensar en ella. Hacerle pito catalán a esa parca negra que, en esta ocasión, no es tan así.

Cómo no desperdiciar la vida durmiendo, sobre todo cuando los minutos están contados y no podrán recuperarse al día siguiente. Una forma de hallar y hallarse, de efectivizar aquello que se merece nuestro tiempo y aquello que tiene que deshecharse por completo.

¿Un amorío, quién no lo ha tenido o, al menos, pensado?

Tamorto refleja las conductas humanas, haciéndose cargo de todas las elecciones. Estos personajes tan adorables, permiten que la crudeza de sus palabras resuenen en el ambiente hasta aceptar que lo espontáneo es más aceptable que las frases armadas.

Arlequín tiene pies ligeros, es ágil y sagaz. No le teme a nada ni a nadie, solo que desearía quedarse con su amada y continuar con sus andanzas.

Mariela Verónica Gagliardi

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Rumba pa tí

Un martes por la noche me proponen ir a ver una banda de rumba, pero antes tomar una clase de baile. Suena atractivo aunque hace tiempo que no danzo con un partenaire ni en ronda. Tomo la decisión de ir a la Sala Siranush para hacer la experiencia. Timbalaye es el espectáculo que se hará esperar hasta las 23 horas.

Cuando comenzó la clase opté por escabullirme como una alumna más y vivenciar los tips, códigos y movimientos. Lo que iba a ser una práctica para principiantes, terminó siendo un intensivo de alrededor de dos horas, motivo por el cual mi cuerpo dijo basta. A lo largo de una hora pude rescatar varias cosas: ninguno de ellos era principiante, el grupo ya se conocía de otros lugares y había quienes llegaban para lucirse al ritmo del son cubano.

La rumba y la salsa como fieles amigas y compañeras se disputaban pasos con tal de sobresalir. A su vez, los nombres de pasos y secuencias coreográficas -que según el profesor pueden variar- continuaban una y otra vez. Pretendían que novatos se empapen de ron hasta descubrir figuras ocultas, llenas de gracia y conexión con los demás.

Cada estilo de baile tiene una vestimenta determinada, motivo por el cual se pudo ver a hombres y mujeres inmersos en la isla, con ropa de verano e inclusive gorras para el sol. El escenario, de repente, pareció fusionarse con la arena y los zapatos de plataforma femeninos lucirse a lo largo del espacio sin caída alguna.

Pudo ser una clase más, un profesor más… sin embargo, la perfección de una bailarina rompió, de cierta forma, con la tradicional lección de baile.

Con una sonrisa de punta a punta, sentía la rumba y salsa en su cuerpo. Cada una de sus partes respondían a las canciones caribeñas. No parecía ser una más. Su determinación, femineidad, gracia y soltura no eran propias de una aprendiz. Y, efectivamente, no lo era.

Cuando finalizó una de las canciones, la aplaudí y felicité. Casi a modo de orden, le dije que tenía que ir ya mismo a algún casting para comedia musical. Ella también comento que cantaba, motivo por el cual era una candidata a estar en un musical. Su único defecto fue no tomar conciencia de su don y de esa magia que la paseó de un extremo al otro, tocándola con una varita. Lamenté no haber sido directora o dramaturga. Solo le prometí poner mi granito de arena para que alguien la descubra y le de esa oportunidad de brillar en las tablas.

Este fue el momento más lindo de toda la noche. La banda, claro que también, pero esa alegría de una joven llamada Magalí González, con una personalidad humilde y un corazón abierto me brindaron todo lo que se precisa para que la pluma no se agote.

“Me están llamando”, “Padrino”, “Timba cubana”, “Ayer”, “Agua pa yemayá”, “Quimbara”, “Ven morena”, “Rebelión”, “Vivir lo nuestro”, “Señor sereno”, “¿Y qué tu quieres?”, “Chera mía”, “La Luna”; fueron las canciones que sonaron a lo largo de la noche, una noche en que los seguidores del grupo bailaron frente al escenario y, quienes aún no lo conocíamos, tuvimos la posibilidad de hacerlo.

Instrumentos de viento, de percusión y de cuerdas supieron conformar una atmósfera para los amantes de estos estilos de música y fanáticos de sus hits.

Pasos para un lado y otro, Timbalaye y una manera de acercar a almas solitarias que quieran conocer gente o vincularse a través del baile.

¿Podría un salsero o rumbero escuchar y cantar sin que sus pies dibujen figuras?

Mariela Verónica Gagliardi

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Escrito

en abril 8, 2015

* SEPTIEMBRE 2025 *

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