Club Brasil presenta MPB en Notorious – Lunes 18 a las 21.30 hs / Entrada $70
DERYCK SANTOS
Con músicos invitados
El guitarrista y productor bahiano Deryck Santos recibe a músicos y cantantes invitados para ofrecer singulares arreglos de grandes temas de la música popular brasileña.
Notorious (Av. Callao 966 – C.A.B.A).
Domingo 17 a las 21.00hs / Entrada $80
AIRES DE ASTOR PIAZZOLLA Y MILES DAVIS
Con el Néstor Astarita Quartet
Dos de los más grandes compositores de la música popular contemporánea reunidos en un sentido homenaje y abarcando temas bisagra como Oblivion, Prepárense, Chiquilín de Bachín, All Blues, So What y Equinox entre otros. Con Nico Bernardelli (trompeta y flugelhorn); Alejandro Kalinowski (piano); Pablo Tozzi (contrabajo) y Néstor Astarita (batería y percusión).
Notorious (Av. Callao 966 – C.A.B.A).
ESTRENO: DOMINGO 3 DE MARZO 19 HORAS
De Pablo Albarello
Dirección: Julia Funari
Elenco: Jessica Becker (premio ACE “Juana de Lorena”) y Franco Luque (Detrás de la forma).
Funciones: Domingos 19 hs.
Teatro Andamio 90: Paraná 660 – C.A.B.A.
Localidades $60 (Estud. y Jub. $40)
“Amarte” es una comedia, un desfiguramiento, una parodia burlona de astronautas, una aventura con poco oxígeno del vínculo amoroso madre – hijo y el mito de Edipo invertido.
Ficha artístico-técnica
Dramaturgia: Pablo Albarello / Escenografía: Julia Moretti y Michelle Rozen / Realización de escenografía: Julia Moretti, Michelle Rozen y Diego Borrello / Diseño de vestuario: Julio Suárez / Diseño de iluminación: Fernanda Balcells / Música: Celeste Arias / Voz en off: Carlos Bisigniano.
Sobre su directora JULIA FUNARI
Entre sus últimos trabajos teatrales podemos destacar : (2003/04) El cuarto del recuerdo dirección Cecilia Ruiz, esta obra participó en distintos Festivales internacionales: Iquique (Chile), Arequipa y Cuzco (Perú), Otoño Azul (Pcia. de Buenos Aires), en este último obtuvo una mención a mejor actriz. En 2010 El Paraíso de Alfredo Martín. En 2011 actuó en En tus últimas noches de Francisco Lumerman en Timbre 4.
Participó también como actriz reemplazo en distintas producciones de calle Corrientes desde 2009 hasta 2011 (entre ellas Agosto con dirección de Claudio Tolcachir. Amor, dolor y qué me pongo dirigida por Mercedes Morán. Y El cuento de la mujer del Alergista con dirección de Alejandra Ciurlant.
Durante el Siglo XII, los reinados de Inglaterra y Francia se ven enfrentados. Una navidad intenta reunir a la familia con un motivo 
especial: elegir al sucesor del Rey. El amor, en este caso, en vez de aunar fuerzas, las enfrenta hasta el punto de desearse la muerte.
Con las garras de un león -salvaje y voraz-, Enrique II (Daniel Fanego), intenta quedarse con todas las riquezas y territorios. Solo tiene instintos, como un animal, pero ningún sentimiento de compasión o cariño para con su familia y personas cercanas.
De esta forma, “El león en invierno” -guión original de James Goldman-, nos presenta una puesta en escena adaptada para la obra especialmente. Con un lenguaje vulgar y cotidiano, se acerca más al público, con quien establece una empatía a partir de frases cómicas que intentan descontracturar a la época de reinas y reyes, a la ambición y a la lucha de poder.
Esta obra tiene varios puntos a resaltar: por un lado, la innovación en cuanto al vocabulario que utilizan los personajes (por momentos refinado, estético y protocolar; y, en otras ocasiones, ordinario, cotidiano y contemporáneo). Otra cuestión a resaltar es la manera en que se va narrando la historia: los personajes no son presentados uno por uno al comienzo, sino de forma anacrónica e inesperada.
Ingresando de lleno en la historia, conocemos por un lado al típico matrimonio por conveniencia -conformado por Enrique II y Leonor de Aquitania-, quienes tienen tres hijos: Ricardo «Corazón de León» (Sergio Surraco), Godofredo (Fabio Di Tomaso) y Juan,
conocido como «Juan Sin Tierra» (Manuel Fanego)-, cada uno con rasgos físicos y temperamentales totalmente opuestos y diferentes entre sí.
Como todo relato en que existe una familia real -la cual, a pesar de poseer tierras y riquezas por doquier-, siempre encontramos conflictos. En este caso, dichosenfrentamientos son amorosos y, además, de ambición. Sucede que Enrique está embelesado con Alix (María Alché) –una mujer joven y hermosa, hermana de Felipe II -el Rey de Francia- (Ignacio Rogers). Dicha relación entre ellos puede existir gracias a que hay una sometida que, en un comienzo parece ser ingenua, pero luego demuestra lo contrario. Además, este hombre tan “poderoso” tiene encerrada hace 10 años a su esposa, en un castillo. Ésta, totalmente desalineada, llena de odio, bronca, rencor y resentimiento; intenta hacerle frente a la Alix para que deje a su marido. El triángulo conformado no hace más que fracasar en todo momento ya que no existe amor de ninguno hacia ninguno de los miembros. El único sentimiento que reflota es el de aniquilación.
Por otro lado, nos encontramos con tres hermanos que solo desean ser coronados. Por momentos, Godofredo, es quien demuestra que quiere parte de las riquezas pero no tenerlo todo, aunando sus fuerzas junto a sus pares para lograr vencer a su padre. Aquí vemos reflejado nuevamente al poder. De una forma más sutil, o de simulación o de falsedad, cada uno pretende ser el sucesor de su padre. Pero su padre no tiene demasiadas intenciones de tener un heredero ya que siente que vivirá para siempre. Como dice aquella frase tan conocida: “yerba mala nunca muere”.
Y, por último, otro personaje importante es el del Rey de Francia, quien fue y es el amante de Enrique -el preferido de Leonor, hasta que descubre el romance entre ambos-.
Hasta aquí todo parece un enredo, en el cual no se encuentra la punta del ovillo. Pero dicha punta es Alix ya que -a modo de objeto- pretende ser la Reina de Inglaterra y esposa de su amor. Aunque Enrique solo juega con sus sentimientos y pretende casarla con alguno de sus hijos, dándole por momentos lo mismo con uno que con otro.
Podríamos interrogar, ¿cómo lograría esta joven muchacha su propósito?
Durante el desarrollo de la historia, Alix dice “no tengo nada que perder y eso me convierte en un ser peligroso”. Es ella quien duerme en el lecho con Enrique pero aún no son más que amantes con sed de pasión. Intentando demostrar que su vínculo es más de lo que verdaderamente es. El objetivo de él es muy claro como les mencionaba anteriormente y el de ella también lo es. La única diferencia es que Enrique cree que podrá manejar a su antojo a Alix, sin cruzársele por la cabeza que es una mujer inteligente en cierto punto.
La estrategia que ella piensa usar es la de, a partir del romance, 
manipular a su amado; pidiéndole que deje todo por ella. Claro que no será tarea fácil si lo lograra, porque los hijos jamás aprobarían su amor. Pero un anzuelo es ser la hermana de Felipe. Quizás Enrique por ese lado pueda pretender avanzar hasta llegar a su meta.
También, es importante tener en cuenta, que Enrique -de manera débil- imagina que su esposa firmará un tratado, a partir del cual poseería Quitania y, a cambio, casaría a Alix con su hijo Ricardo. Sí, con él le conviene más que con Juan –a quien podría manejar más a su antojo pero que por alguna razón no le convendría totalmente-.
Y, se cuestionarán el papel de la Reina, quien está encerrada hace tanto tiempo, privada de su libertad. Una posible solución para recuperar dicha libertad sería divorciarse de su marido, pero, ¿realmente lo desearía? Sería libre físicamente pero tal vez no a nivel sentimental, aunque dice no amarlo sino todo lo contrario.
Los personajes tienen un punto en común que es la ambición de poder. No son felices ni pretenden serlo, por lo visto. No tienen un mínimo gesto de bondad o grandeza, salvo Felipe quien demuestra en todo momento que es un hombre bueno, que no le desea la muerte a sus semejantes y que tiene el reinado de su país -no solo por haberlo heredado sino por haber estudiado todo lo pertinente al trono-. Igualmente, rodeado de tanta miseria humana, todo lo bello que él podría tener se ve opacado por sus compañías y vínculos que lo intentan contaminar de a poco.
Un león en invierno nos demuestra cómo una familia no tiene códigos entre sus 
vínculos y cómo se traicionan unos a otros sin importarles en lo más mínimo. Esta obra nos presenta diálogos entretenidos y una manera no lineal de narración. El principio puede ser el final, aunque el desenlace también podría ser el comienzo. Todo depende de cuán atento se esté a cada detalle mostrado.
Otro de los aspectos que marcan la diferencia -entre esta pieza teatral y otras épicas- es la conjugación entre ficción y realidad. Por momentos sabemos que estamos presenciando una obra de teatro pero, de repente, el relato lineal es interrumpido por frases que nos demuestran lo contrario.
Los actores intentan jugar con esas dos herramientas, muy interesantes y complejas a la vez de llevar a cabo, para que no creamos en ningún final palpable, para que no saquemos conclusiones apresuradas ni hipótesis inconclusas. Es la Reina Leonor quien en un momento esboza “mi vida es una sucesión de escenas, solo me puedo encontrar con ellos (sus hijos) teatralmente”.
Todos los integrantes le tienen bronca a Enrique por un motivo específico, hasta el pobre Felipe que recuerda con dolor la estafa que le hizo a su padre cuando éste vivía.
El Rey Enrique no es ninguna víctima y, para consagrase como malvado, termina encerrando a sus hijos en la bodega para que no pudieran intervenir en nada. Su madre tendrá la posibilidad de salvarlos pero, ¿lo hará?
¿Vivirán sin ver la luz del día por el resto de sus días o podrán imponerse al ser que los trajo al mundo?
¿Triunfará el odio o el amor?
¿Existirá alguna unión entre los dos?
Muchas veces se dice: “dime con quién andas y te diré quién eres”. ¿Se aplicará esta frase a esa época de la historia?
¿Enrique intentará regresar a los brazos de Leonor, a quien alguna vez “amó”?
La ironía, la complicidad, el humor, la fatalidad y la tragedia están presentes durante toda la trama de El león en invierno. Lo más lógico no siempre es lo que ocurre y lo más descabellado es lo que podría suceder.
Las fotografías pertenecen a la autoría de Martín Wullich.
SILVINA OROZCO
En la Biblioteca Café los miércoles de marzo a las 21 hs.
Música del mundo con sabor a tango y adelantando temas de su disco Sola primero, próximo a salir.
Silvina Orozco, la cantante del ex grupo Carpe, reúne en este primer trabajo como solista versiones de tangos clásicos e inéditos donde conjuga su espontaneidad y calidez para una personal interpretación en un repertorio ecléctico. En estos shows íntimos hará también algunos temas de folklore mundial con aire rioplatense, temas de España, Francia, Grecia y Turquía por donde anduvo recorriendo con su música.
En este primer ciclo de los miércoles de marzo en la Biblioteca Café estará acompañada por Juanjo Bravo en percusión, Juampy Moyano en guitarra, Pablo Citarella en piano y con invitados de lujo. Músicos y actores harán en cada fecha un entramado entre la música, la poesía, la actuación y la danza.
Invitados confirmados hasta ahora, por fecha, existen otros por confirmar:
6/3 – Patricia Piojo Zappia – Raúl Carnota – Kevin Carrell
13/3 – Lorena Astudillo – Julio Coviello
27/3 – María Volonté – Carlos Medina
LA BIBLIOTECA CAFE
(M. T. de Alvear 1155 – C.A.B.A)
Entradas: $ 50 y $ 140 (cena y show)
Silvina Orozco
Con una fuerte formación artística que hizo base en la danza clásica y contemporánea, pasando por diferentes ramas del teatro (clásico, antropológico, improvisación) y la música, desde la percusión, incursionó en el canto hace aproximadamente 20 años. Desde entonces se ha paseado cómodamente por los más variados estilos con diferentes formaciones e instrumentos, por escenarios del país y del mundo.
Como cantante brilló en el trio de jazz de Carlos Campos, bailando con el cuarteto vocal Gaia, formó parte de bandas de covers como Dr K, MP3 y Slogan; grabó jingles para T-light y Disney Channel; desplegó su voz por el Hyatt, Marriot, Acquamarine Sunflower y resorts como Taba Heights, en Egipto; colaboró como invitada en shows de tango en Coconut Grove, en Miami, USA y Myliroldarling, en Bogotá, Colombia y también en shows de folklore del maestro Raúl Carnota, en el Festival de Montauban, en Francia, y en el Complejo Tango, tanguearía internacional porteña y grabó con Ciro Acuña, en el sello EMI.
Fue la voz y la percusión del grupo Carpe, de música sudamericana, donde participó asimismo de la composición y los arreglos. Compartió grabaciones con Mono Fontana, César y Alejandro Franov, Daniel Maza, Pablo Fraguela, Gabriel Santecchia y Horacio ‘El Negro’ Hernández. Subió al escenario del Luna Park con Liliana Herrero y Jaime Ros.
Actualmente es la voz femenina en el proyecto de Raúl Carnota con Pablo Fraguela, Rubén “Mono” Izaurralde y Juancho Perone, con quienes recorre los más prestigiosos escenarios del país y de Latinoamérica.
Canta en el Complejo Tango y es la voz del nuevo espectáculo de Carlos Borquez que fue presentado en La Catedral del Tango, en Buenos Aires.
Está terminando de grabar sus dos primeros discos solistas, uno de tangos y otro de distintas composiciones folklóricas del mundo, con prestigiosos músicos como invitados.
En 2013 participará de un magazine semanal en Radio Nacional AM 870, desde Buenos Aires para el país.
Prensa: Carolina Alfonso
IMÁGENES DE UNA NOVELA
Nada de lágrimas, por favor.
Tres mujeres. Tres espejos donde se reflejan deformadas estas imágenes de una novela. Rituales de la memoria. La enumeración del recuerdo. Las ganas de volver a la infancia como refugio frente al dolor, frente a los muertos que la habitan, pero nada de lágrimas, por favor.
Textos: Luis Cano
Dramaturgia y dirección: Pablo Iglesias
Actrices: Valeria Actis, Camila Palacios y Clara Virasoro.
Asistente de dirección: Martín Rey.
Colaboración artística: Christian Lange.
Concepto y realización plástica: Gabriela Delmastro.
Realización dispositivo lumínico: Mauricio Minetti.
Concepto de espacio: Pablo Iglesias en colaboración con el grupo.
Diseño Gráfico: Estudio Papier.
Prensa: Carolina Alfonso.
Funciones: Sábados 21hs desde el 2 de marzo
Duración del espectáculo: 50 minutos.
BUENAVÍA TEATRO
Av. Córdoba 4773. Palermo. C.A.B.A.
Capacidad limitada.
Entradas: $ 40 y $ 30 (descuentos a estudiantes y jubilados).
Prensa: Carolina Alfonso
Sinopsis
Ellas están allí, ¿niñas? La neblina se disipa y las vemos, sus cuerpos están cansados, agotados y llega el momento de un reencuentro inesperado. Rituales de la memoria. Pegar la memoria que se descascara. La enumeración del recuerdo. Frasear y frasear a través del tiempo. Juegos necesarios e inofensivos. Las ganas de volver a la infancia como refugio frente al dolor, frente a los muertos que la habitan, pero nada de lágrimas, por favor. El juego tiene fisuras: se quiebra para abrirse a contar otra cosa. A veces tenemos que aceptar que falten palabras y sobren ruidos, que los lugares y las cosas estén confusos.
Dice Luis Cano:
Quiero citar una frase de Ricardo Monti que dice: Una obra de teatro podría definirse como una condensación expresiva, con reglas propias, del mundo de las imágenes de una novela. Creo que las imágenes son una fuente de conocimiento, una suerte de lógica espontánea. ¿De dónde vienen esas visiones? En este espectáculo provienen de lo que no está, son encuentros con personas del pasado que se presentan como sueños y parecen hablar. Se fueron imponiendo a mi voluntad, distrayendo mi atención del mundo de todos los días. ¿Sensaciones de la memoria? Puede ser. Repertorio de luces, porque no son sombras. Recuerdos que tomaron la forma de una metáfora para que los podamos ver. Se fueron alineando en el museo confuso de mi memoria, como granos de arena. Cuando los escribí no me planteaba lo que digo ahora. Y sigo sin poder expresar qué significan. Sé que son imágenes nítidas, como fotos que llevan sus historias adentro. También sé que se mueven… Alrededor de algunos textos se agruparon otros textos. La organización de estos materiales ya no es mía. No tuve la tarea de ordenar ni de dar sentido, sólo di opciones de palabras escritas y nada más. Las actrices y el director se adueñaron de ellas y las impostaron en este espectáculo felizmente llamado Imágenes de una novela.
Dice Pablo Iglesias:
Las piezas encajan a su modo. Un recorrido con sentido, una estructura, una composición deliberada. Que no haya impedimento para el goce. La emoción sin lágrimas, la poesía, las imágenes de la novela, sus textos cortados, pegados, ensamblados y llenados de cuerpo y de imagen en el espacio hasta transmutarlos en este espectáculo ni fácil ni complaciente. Ni críptico ni hermético. Una atención que quiere ser capturada. Golpes que van tanto a la cabeza, al corazón y a las tripas. Algo se quiebra y una fuerza quiere volver a controlarlo y otra fuerza quiere que el dique se desborde de una buena vez.
Este es el lugar, sí, acá. Se trata de cómo son las cosas. En definitiva, es una escena cotidiana.
Pablo Iglesias
Es dramaturgo, director, actor y docente. Es licenciado en medios audiovisuales y técnico en redacción de guiones. Se formó como artista con los maestros más importantes de la Argentina. Entre ellos se destaca el curso de dramaturgia con Mauricio Kartun, el curso de puesta en escena dictado por Rubén Szuchmacher y es egresado de la carrera de dramaturgia de la Escuela Municipal de Arte Dramático. También realizó cursos y seminarios de actuación y dirección con Berta Goldenberg, Juan Carlos Gené, Vivi Tellas, y Ricardo Bartís, entre otros.
Tiene estrenadas más de diez de sus piezas teatrales entre las que se destacan: Cajas chinas, Punto muerto,Sereno sin calma – dentro del ciclo txi 2004-, El baile del pollito, La patria submarina, Bestiario Grimm, La muerte de Brian, Cascarita. No luce ni cierra y La constancia del viento, entre otras.
Recibió los siguientes premios y distinciones: Segundo premio de dramaturgia, concurso micromonólogos teatrales con la obra Un día antes de la muerte de Olmedo, organizado por Facultad de Artes de UNICE; Segundo premio de dramaturgia del concurso Mujeres con valor con la obra Volver con el mar, organizado por la Secretaria de Cultura de la Nación; Segundo Premio del IV Concurso de Nueva Dramaturgia Germán Rozenmacher con la obra El baile del pollito, organizado por el Festival Internacional de Buenos Aires; Mención especial concurso de obras de teatro Armando Discépolo con la obra La patria submarina, organizado por el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires, a través de la Dirección de Bibliotecas y Promoción de la Lectura; Trabajo destacado en dramaturgia con la obraBestiario Grimm (Las hermanas impías) por los Premios Teatro del Mundo, organizado por el Centro Cultural Ricardo Rojas; Trabajo destacado en concepto de espacio y escenografía con la obra El baile del pollito por los Premios Teatro del Mundo con la obra Bestiario Grimm, organizado por la UBA y el C.C.R.Rojas.
Algunas de sus obras fueron traducidas al idioma francés e inglés.
Valeria Actis
Se formó en la Escuela de Teatro de Buenos Aires, con Raúl Serrano, Carlos Weber y Débora Astrosky. También tomó clases con Laura Oliva, Cecilia Gispert y entrenamiento actoral con Pablo Iglesias y Alejandro Catalán, tomó clases de dramaturgia con Pablo Iglesias.
En teatro actuó en: Tortita de manteca, Brillosa, Brillosa 2010, desesperadas por actuar, de Martín Marcou y Velocirraptus, dirigida por Pablo Iglesias. Actuó además en los infantiles Irupé, la bella durmiente e Y comieron perdices de Andrés Goeni. Y se desenvolvió como asistente general en Quiero pasar una tarde con Franco, de Martín Marcou.
Actualmente dirige, escribe y actúa junto con Camila Palacios la serie web titulada Las malas.
Camila Palacios
Es egresada de la Escuela Municipal de formación actoral de Morón, formándose con Adrián Canale en actuación, Karina Antonelli en técnicas de la voz, Silvia Tavcar en técnica corporal, Luis Cano en análisis de texto y José Cáceres en Historia del Arte y de la Cultura. Realizó seminarios de entrenamiento actoral con Andrea Garrote, Ricardo Bartis, Ciro Zorzoli, Andrea Chacon, Alejandro Catalán, Pablo Iglesias y Martín Paladino. Se formó en dramaturgia con Pablo Iglesias.
Participó como actriz en: Velocirraptus, dirigida por Pablo Iglesias; Sirena en el desierto, de Marcelo Subiotto dirigida por Adrián Canale; Ausencia (una versión de la Orestiada), dirigida por Adrián Canale; La condesa sangrienta, de Alejandra Pizarnik, dirigida por Natalia Gatabria; Tres Hermanas adaptación de Un Hombre que se ahoga, de Daniel Veronese, dirigida por Adrián Canale; Trescientos millones, de Roberto Arlt, dirigida por Lorenzo Quinteros yBurgueses, una adaptación de El burgués gentilhombre de Moliere, dirigida por Adrián Canale. Actualmente dirige, escribe y actúa junto con Valeria Actis la serie web titulada Las malas. Es asistente de dirección del Grupo Teatral Piel de Lava.
Clara Virasoro
Actriz, docente y licenciada en artes, especialidad Combinadas de la U.B.A. En actuación se formó con Cora Roca, Berta Goldenberg, Pablo Ruiz y Rubén Szuchmacher.
Entre sus trabajados realizados en teatro como actriz se destacan: Ondina, de Jean Giraudoux y Fotos de infancias, de Jorge Goldenberg y Final de partida, de Samuel Beckett, todas bajo la dirección de Berta Goldenberg; Las hermanas impías, de Pablo Iglesias, dentro del ciclo Bestiario Grimm bajo la coordinación de Alejandro Tantanian y La patria submarina y La constancia del viento, del grupo Libertad 18 dirigida por Pablo Iglesias.
Trabajó como asistente de dirección en Punto muerto y en Hijo con mochila de viaje, ambas de Pablo Iglesias.
Dicta clases de actuación para niños y de historia del cine. Además organiza el ciclo La película favorita de…en Buenavia estudio espacio que coordina desde 2010.
Dramaturgias de la acción
Obras para teatro, intervenciones y performances
Colihue Teatro, 2012
Prólogo de Horacio González
Compilado y estudio crítico de Lorena Verzero
Edición al cuidado de Jorge Dubatti
Fernando Rubio es uno de los más originales renovadores del teatro argentino, con amplio reconocimiento internacional. Dramaturgo, performer, director y creador de instalaciones; Rubio viene desarrollando en los últimos quince años una intensa tarea de búsqueda y experimentación. Dramaturgias de la acción permite al lector adentrarse en la auténtica revolución que se ha producido en las formas de hacer y pensar la dramaturgia en la Argentina de la Postdictadura. La edición reúne seis textos representativos dentro de la rica producción del autor: las obras para teatro Todo cerca, Pompeya atrás y Los últimos años de Petra, y las intervenciones y performances Un niño ha muerto, Donde comienza el día y Todo lo que está a mi lado. En palabras de Horacio González, «el teatro de Fernando Rubio se basa en el desbaratamiento del diálogo, el barrunto de lo siniestro y el cariz metafísico que surge de cualquier situación cotidiana».
El estudio crítico que completa esta edición, al igual que la entrevista al autor, han estado a cargo de Lorena Verzero, investigadora y codirectora de la revista Afuera. En ella, Rubio afirma: «Cualquier forma artística vinculada a lo político debe estar sostenida en la coherencia de acción de su creador. No entiendo que algo de eso pueda separarse. Quién es y qué hace todos los días de su vida esa persona que intenta vincular a su obra con lo político son cosas inseparables».
Fernando Rubio nació el 4 de octubre de 1975 en Buenos Aires, Argentina, donde actualmente reside y trabaja.
Director, dramaturgo, actor y artista visual. Realiza desde el año 1998 diversos proyectos en busca de la reformulación del espacio y el vínculo con los espectadores.
Ha presentado sus obras en distintos festivales internacionales teatrales, cinematográficos, museos, centros de arte, teatros y espacios públicos de Alemania, Argentina, Austria, Bolivia, Brasil, Chile, Cuba, Egipto, España, Francia, Holanda, Hungría, Irlanda, Italia, México, Portugal y Rusia. Sus textos han sido traducidos al inglés, alemán, portugués, holandés, italiano y francés. Tiene publicadas las obras: Cuentos para un invierno largo, Todo cerca y Un barco de cemento en un mundo paralítico para niños abstractos, más el libro de fotografías y relatos Hablar. La Memoria del Mundo, y otros textos en periódicos y en publicaciones colectivas de la Argentina y el exterior. Participó en numerosas puestas en escena y protagonizó tres largometrajes. En 1999 funda Brazo Largo junto a Norman Briski. En 2001 funda INTIMOTEATROITINERANTE. En 2005 recibió una mención del premio de dramaturgia Germán Rozenmacher del V Festival Internacional de Buenos Aires, por su obra Todo cerca y una mención especial del Premio Teatro del mundo por Hablar. La Memoria del Mundo. Entre algunos de sus últimos trabajos se encuentran la Regie de la ópera Colastiné, de Miguel Galperin. La dramaturgia y dirección de Donde comienza el día y la puesta en escena del Proyecto Generación Bicentenario en el Centro de Experimentación del Teatro Colón y en la sala principal del mismo teatro, donde además realizó en colaboración la pieza Bios, junto al compositor Matías Giuliani. Su última obra Pueden dejar lo que quieran fue terminada durante una residencia en la 31 edición de Fira Tàrrega, en Catalunya, España y posteriormente, estrenada en la VIII Edición del Festival Internacional de Buenos Aires, la obra resultó ganadora del Primer Concurso de Proyectos Teatrales del FIBA.
En 2012 presentó las siguientes obras de su autoría y dirección: la intervención urbana Todo lo que está a mi lado, fue invitada a participar del Festival Cielos del Infinito, en Chile, en febrero; Donde comienza el día, participó del Festival Mayo Teatral, en La Habana, Cuba; Pueden dejar lo que quieran, participó del Festival de Sao Pablo, en septiembre, y del Festival de Berlín en octubre; Todo cerca, fue estrenada a nivel mundial en el Festival de Cádiz en octubre y Nadie me dijo que había venido a este mundo para olvidarme de aquello que alguna vez soñé, fue estrenada en el CETC en diciembre.
La palabra de los espectros
El teatro de Fernando Rubio se basa en el desbaratamiento del diálogo, el barrunto de lo siniestro y el cariz metafísico que surge de cualquier situación cotidiana. Lo que se representa en esta dramaturgia es un plano anterior a la propia representación: la condición real de las relaciones, antes que se haga presente el vínculo social dándole sentido a lo que inicialmente no lo tiene. Las obras y performances de Rubio tienen el inmenso atractivo de lo irrepresentable que se vuelve representable, o que lucha por volverse representable. Por lo tanto, son un estudio sobre lo doloroso del teatro, el afán temible y casi siempre frustrado de ejercer la voluntad de representación.
En las obras de Rubio este afán es sostenido por espectros sin nombre, que solo tienen una voz que a su vez solo habla de situaciones fijas, absortas en su rutina, y que solo admiten variaciones en torno a la podredumbre y a la exaltación. Todas las situaciones aparecen como restos de algo que se ha perdido, los nexos entre los diálogos entre sí y los diálogos con los contextos. En la inmensidad de ese extravío, sitúa su intransigente obra Fernando Rubio, sin la pretensión de reestablecer aquella unidad extraviada, sino de mostrar las partes deshechas de una conversación ya ocurrida, que ahora solo escuchamos ofrecida por fantasmas incorpóreos. Pues es el mismo cuerpo que se ha convertido en frase despedazada. En ese descuartizamiento –aunque hay golpes y sangre en estas obras-, estos textos se convierten en una gran investigación respecto a cómo procede el lenguaje cotidiano.
Una frase trivial es seguida por una reflexión enigmática sobre las relaciones familiares, la muerte o la ausencia. El resultado es un extrañamiento –sin duda, basado en las técnicas del absurdo y del surrealismo-, en el que los momentos más insubstanciales se intercambian con los fragmentos de rememoraciones esenciales. En ese intercambio, ya no se sabe qué es lo importante en el lenguaje. De este modo, el teatro de Rubio se hace absurdamente naturalista, naturalismo por el reverso, pues en verdad nunca sabemos la verdadera importancia de las frases que pronunciamos.
Espejos, fotos y actos deformes, horrorosos, están presentes en esta “dramaturgia de la acción”. ¿A qué acción se refiere? En principio, a una acción de naturaleza sacrificial. Es la propia representación teatral la que aquí está siendo juzgada. Cuando se habla de bidones con nafta o de una pecera en la que tres pescados se ahogan, no es posible saber si son las marcaciones escénicas las que hacen necesaria esta mención, o imposibilidades de la realidad, incluso de la realidad representada. Todas las obras de Rubio son metafóricas o alegóricas. Solo que en un extremo estiramiento de una de las puntas de la realidad, parecen ligarse tan solo a la manera efectiva en que proceden los discursos humanos en su cotidianeidad. Fracturados, con territorios implícitos inenarrables, con silencios sobrecogedores o con saltos temáticos linderos al horror. Exigente dramaturgia que se sitúa en un borde creativo, en esa representación que pone a prueba la propia representación, a ver si ella misma y por sus propios medios, puede desfallecer. Fernando Rubio trata de captar e interpretar precisamente ese momento ritual de pasaje en el que el relato humano es devorado por el silencio o por el espanto, desapareciendo de la memoria o del lenguaje.
Horacio González
Colección: Colihue Teatro
Formato: 140mm x 220mm
Páginas: 128
Editorial: Ediciones Colihue
Año de edición: 2012
ISBN: 978-950-563-523-8
Precio: $ 50
Pueden dejar lo que quieran, la obra de Fernando Rubio, director, dramaturgo, actor y artista visual, de gira por Holanda del 2 al 16 de febrero.
2 de febrero en Ámsterdam, 5 y 6 de febrero en Heerlen, 7 de febrero en Groningen, 8 de febrero en Enschede, 11 y 12 de febrero en Rotterdam, 14 de febrero en Utrecht y 15 de febrero en Tilburg.
Y estreno en Buenos Aires en marzo en Timbre 4
(luego del estreno mundial en Catalunya y de participar en el FIBA 2011)
Lunes a las 21 hs. desde el 4 de marzo al 8 de abril. México 3554. 4932-4395. Entrada: $ 60, $ 40 (jubilados o estudiantes) y $ 30 (menores de 28 años).
PUEDEN DEJAR LO QUE QUIERAN
Con Julián Calviño/Marcelo Subiotto, Juliana Muras/Natalia Salmoral, Pablo Gasloli, Andrea Nussembaum, Lourdes Pingeon, Jorge Prado y Martín Urruty.
Un hombre pierde a su familia en un accidente y decide reconstruirla a partir de las historias que escribirá sobre sus ropas. Silenciosa y extrañamente, encontrará esta forma como la posibilidad de volver a vincularse con el mundo, con las ropas e historias de los otros, con la posibilidad de juntar gente que no se conoce entre sí pero que por alguna razón él elige para que ingresen en esta historia, transmitiéndoles su singular modo de construir el tiempo, y así, modificar sus vidas.
Pueden dejar lo que quieran -del autor y director Fernando Rubio-, ganadora del Primer Concurso de Proyectos Teatrales del VIII Festival Internacional de Buenos Aires y declarada de interés Cultural por la Secretaria de Cultura de la Nación Argentina, recala sobre el pensamiento y la reconstrucción de la memoria, a través del vínculo entre la persona y el objeto y la transcendencia de los mismos a partir de ese espacio de relación. El dispositivo escenográfico está concebido con ropas acompañadas por sus respectivas historias, acopiadas a través de una amplia convocatoria. La ropa utilizada para la construcción escenográfica, adquirirá así el carácter de objeto artístico, elemento condensador de memoria. Posteriormente, al término de las presentaciones, toda la ropa utilizada retornará a su destino de uso habitual, siendo donada a entidades benéficas.
El público ingresa en un espacio cubierto de ropas: hay prendas en el suelo, en los asientos, en las paredes. El diseño espacial no convencional propone una experiencia sensorial, pues además de ver se podrá tocar, pisar, percibir texturas y olores. El cuadrilátero escénico se irá transformando y, con sólo correr un cortinado, un pequeño grupo de espectadores quedará cercado en una zona íntima, para vivir la obra de manera única y personal. Lo que Fernando Rubio ha propuesto es una obra-instalación, que permite construir diferentes espacios-acontecimientos. Cada prenda que conforma ese cuadrilátero escenográfico lleva consigo un cartel que cuenta la historia de quienes la usaron: un nombre, una fecha, un lugar de origen. Es la indumentaria de familiares, de amigos del grupo y también de desconocidos que se acercaron para participar con sus vestimentas y sus anécdotas. Quien allí ingrese podrá deambular, detenerse en un detalle o seguir a los personajes. En medio de esta estructura visual e interactiva, una historia será contada por un cuerpo de actores: la de un hombre que, tras perder a su familia, sólo puede reconstruirla escribiendo, silenciosamente, relatos sobre sus ropas.
Diseño de escenografía: Fernando Rubio / Realización de escenografía: Santiago Rey / Realización de video: Gabriel Lichtman / Música: Pablo Dacal / Producción: Ramón Barranco, Marion Ecalle, Niko Vasiliadis / Asistencia de dirección y fotografía: Santiago Pianca / Autoría y dirección: Fernando Rubio
Pueden dejar lo que quieran es una creación de Fernando Rubio para INTIMOTEATROITINERANTE, en coproducción con Kiblos SARL (Francia – España), Fira Tàrrega (Catalunya – España), Festival Internacional de Buenos Aires – FIBA, Centro Cultural de España en Buenos Aires – CCEBA, con el apoyo de AECID (Agencia Española de Cooperación Internacional) y del Ministerio de Relaciones Exteriores Comercio Internacional y Culto.
SABOR A TEATRO 
Escrito
en febrero 14, 2013