SABOR A TEATRO

La medida justa para hacer reír

Maku Jarrack, es el nombre de una payasa y acróbata muy creativa. Ella presentó su espectáculo “Metro y medio”, durante el cual nos mantuvo expectantes al darnos a conocer cada una de sus pruebas inventivas.

Su altura, que seguramente responde al título de la obra, es muy entretenida. Por momentos vemos cómo se lleva una espada a su boca, cómo hace girar unos discos en muñecas y tobillos -al mismo tiempo que su cuerpo está invertido y con un detalle realmente cómico-. En otras situaciones, observamos el desenlace de algunos peluches como si fueran animales de verdad.

Maku,  no podía tener un sentido del humor tradicional. Y en eso coinciden ambos artistas, al desplegar su arte en escena. Maku, es niña, es mujer, es chistosa y talentosa.

Su espectáculo podría hacerlo tranquilamente en un teatro, aunque perdería ese gustito a calle, a simpatía, a que cualquiera puede acceder a él. Este factor es realmente importante ya que muchas veces se deja de asistir por no contar con un billete importante.

El público también tendrá su participación, no solo para aprobar cada prueba, sino para intervenir en algunas de ellas. Así fue como pudimos ver a dos hombres que tuvieron que servirle de columnas para que ella escale hasta llegar a la cima. Claro que ellos recibieron su recompensa, disfrazándose de escoceses y, quizás, maldiciendo el haber tenido buena intención en colaborar.

Ella se ríe de sí misma por su altura, pero esto no es un impedimento para mostrar su estatura como mujer. Los centímetros no limitan su creatividad ni imaginación. Ella podría medir dos metros o un metro, que sería exactamente lo mismo.

Casi al final del show nos dice que pasará la gorra y que sepamos que ella podría estar en ese momento en un teatro. O sea, que colaboremos dignamente, como si estuviéramos pagando una entrada. El silencio se hace presente hasta que lo interrumpe afirmando: si no estoy en un teatro es porque no me contratan (pone cara de tristeza).

Y es difícil pensar que esto sea cierto. Cómo pueden perderse de trabajar con una persona que es tan dúctil y espontánea?! Me atrevería a decir que Maku no aceptaría estar en un circuito comercial, discriminando al sector al que más apunta.

Mariela Verónica Gagliardi

Hacer el bien, ¿sin mirar a quién?

Con el tango «Yira yira» (de Discépolo), el payaso interpretado por Walter Velázquez, comienza su unitario. Maquillado en tonos de negro, gris y blanco -al igual que su vestimenta-; ya asumimos que no se va a tratar de un clown gracioso en el sentido humorístico de la palabra.

Él nos cuenta que tiene ochenta y cuatro años, varias enfermedades y operaciones; además de que vive en un geriátrico. En la sala hay pocos niños, los cuales se ríen ante cada acotación y monólogo del artista, lo cual tranquiliza.

Una de las enfermedades del payaso es el alzheimer y, justamente, ésta será la que nos hará reír a carcajadas cada vez que tengamos que decirle que ya repitió ciertas frases.

Don Carlos Calostro Mecoño es su nombre y tiene seis operaciones del corazón. Aunque esto no es suficiente como para que se entristezca, sino para que asuma la realidad de que el tiempo que tiene por vivir lo tendrá que exprimir al máximo. Lo interesante en la elaboración de su personaje es la humanidad que le da. Sabemos que es un rol en escena pero también una verdad fuera de su atuendo y nariz de plástico.

Don Carlos viene a traernos una dosis concentrada de concientización. Como todo viejo cascarrabias, insulta, se indigna y se pone agresivo. También utiliza en todo momento el humor negro y es que éste es el que le permite estar en pie, tomado de su andador y mirándonos a los ojos sin caretas ni tapujos.

Desde que nació, asume que se sucedieron infinidad de guerras y conflictos en todo el mundo. Pero no guarda esta información en un archivo de recuerdos, sino que le sirve para ayudar. Palabra poco frecuente en estos tiempos. Su solidaridad se expande, atraviesa fronteras y está orgulloso de poder hacerlo.

La interacción con el público, lo nutre, lo alegra, lo altera y -aunque no lo diga- se siente orgulloso de ser como es. Su alzheimer podrá hacer que repita frases o palabras, pero no le permiten olvidar el dolor provocado por guerras a la humanidad. Esta humanidad que, a veces, no responde, otras se queda estupefacta y, casi siempre, se venda los ojos.

“Soy un payaso de mierda”, se dice a sí mismo en cuanto le comentamos que ya nos contó cierta historia. La ironía, por supuesto, está presente a lo largo de su exposición; tal como el hombre del geriátrico “Peras al olmo”. Cuántas veces, mencionamos este dicho y cuántas otras volvimos a tropezar con la misma piedra.

Y, a diferencia del payaso tradicional, a él le dan “miedo los niños”. Claro que, hablar de ellos es el puntapié para tocar temas como la desnutrición infantil, entre otras cosas.

“Rescate emotivo” es un viaje por encontrar lo sensible y ocuparse de los asuntos importantes; dejando de lado las sonrisas falsas y las puestas en escena impresionantes a nivel visual.

Vos, ¿crees que aún tenés posibilidades de ser rescatado de las miserias del mundo actual? ¿Qué granito de arena aportás a diario para hacer eso posible?

Mariela Verónica Gagliardi

La libertad se consigue volando

Las Pérez Correa, presentaron dos obras, muy diferentes entre sí pero a la vez similares en cuanto a la carga emotiva.

Por un lado, “Paloma sin vacilo”, interpretada por Laura Ortiz y acompañada por Julieta Daga (en guitarra); nos narran las vicisitudes de una mujer soltera que intenta encontrar al hombre indicado para ella. A su gran amor y compañero. Ese hombre lo hallará en el público y las explosiones de risas, surgirán durante toda la obra.

Las ocurrencias de Bocha (Laura Ortiz) se verán reflejadas en sus canciones -con su voz, adrede, desafinada-, ironizando lo cursie que puede ser el enamoramiento.

En cierta parte de la puesta en escena, vemos cómo se desenvuelve una historia que trata sobre la libertad y su similitud con un ave. El paralelo entre ella y su animal escogido nos lleva por un recorrido muy interesante, gracioso, divertido y profundo.

Sus ganas de ser madre se comparan con el momento de empollar un huevo -el cual sufre algunos accidentes-; su dulzura se expande en los brazos de su amado, quien tendrá que aunarse a la ridiculez planteada por la artista, espontáneamente.

Ella baila, canta, quiere, se expresa, recorre el escenario como su propio hábitat y nos demuestra cómo es el mundo desde el lado verdadero y transparente.

Esta payasa no tiene vergüenza de pasar un papelón, sino temor a no sentirse protegida. Ella necesita lo que todos necesitamos, pero la diferencia es que la protagonista se anima a exclamar sus deseos y a luchar por lo que precisa.

Su corazón se abre y en cuanto creemos que hará algún sketch subido de tono, nos sorprende ya que el humor cordobés es sencillamente fabuloso, contagioso y picante. Sugerir es sugerir. A no confundirse. Es como quien se desnuda, creyendo ser sexy, en lugar de lucir una transparencia.

La nariz de payasa le da el toque preciso para que podamos entender el sentido de la pieza teatral. Su “tragedia” exagerada, nos sirve de manifiesto a las mujeres presentes para entender, de una vez por todas, que nada merece nuestras lágrimas ni sufrimiento.

Hay cosas realmente más importantes como: perder plumas, excitarse ante alguien, o aceptar que un huevo de paloma es de ella y no del ave. Ah y alimentar al pichoncito, por mas que se confunda qué debe consumir por su especie avícola.

Por otro lado, “Suena tremendo”, tiene como eje central la partida, el despegue de su casa. Dejar ese sitio no es solo armar su valija y ropa. Ella está dejando atrás un pasado, una relación que la hirió, las muñecas con las que jugó de pequeña.

Lita (Julieta Daga), intentará cambiar su imagen, luciendo un gorro mexicano y una guitarra chiquita. Así entonará su dolor y desesperanzas. Nos hablará de cada recuerdo y sacará -a cada ratito- una hoja escrita, la cual dirá una frase poco alentadora. Casi siempre la misma.

“Suena tremendo” es como se sintetizaría el momento que tenemos que atravesar. Siempre, ante lo desconocido, una persona se angustia. Ella también, pero acepta que es su única posibilidad. Al menos, la que nos cuenta.

Su valija, llena de cosas que se escapan, como sus lágrimas y el deseo de que la entendamos. Que la acompañemos en ese proceso doloroso.

Nosotros reímos, nos enternecemos y sabemos que algo tendrá que pasar en algún momento de la obra, más que lo que vemos con nuestros ojos. Su partida será la aceptación de su realidad y presente, la posibilidad de tomar vuelo y recorrer otros lugares, de conocer. Aunque, quizás, podamos sentir su desesperación, su necesidad de hacer hincapié en no podar llevarse todo consigo -ya que no lo necesitará-; al culminar el relato. Dicho final podrá ser interpretado de dos maneras posibles: como la muerte específica o como el comienzo de otra vida.

Gracias a la comicidad de la obra, el guión no nos transmite tristeza en todo momento, sino una sonrisa.

Claro que si no fuera un espectáculo clownesco, se podría convertir con unos simples retoques en un drama.

La libertad es lo que une a ambas obras. Muchas veces podemos cuestionar, ¿qué es? Y las respuestas serán realmente amplias. Pero estoy convencida de que el vuelo más importante es el que le permitimos a nuestra mente y corazón. La libertad no solo es lo opuesto a la esclavitud. ¿Quién se siente esclavo de sí mismo? ¿Quién se anima a demostrar sus sueños con el afán de hacerlos realidad? ¿Quién sueña despierto, paso a paso?

Laura Ortiz y Julieta Daga, son dos actrices que vale la pena conocer y aplaudir. Dos talentosas en escena que dan todo por convencernos de sus propósitos, de sus intencionalidades, de que aún queda amor en el mundo y que, mientras ellas estén, esto será cumplido. No fueron sus palabras, pero mi valija me la llevo con esa moraleja.

Mariela Verónica Gagliardi

La virtualidad presente en el transformismo

Un show de transformismo es asociado con la comunidad gay y con los homosexuales, pero también se puede descubrir que dentro del ambiente hay heterosexuales y lo que predomina no es el gusto por hombres o mujeres sino la alegría, el glamour, la excentricidad, la felicidad y las ganas de cumplir sueños.

“El Show de Mariquena del Prado”, es todo eso y, además, la energía, el talento de bailar, cantar y actuar en el escenario.

Todos los intérpretes de la obra son hombres disfrazados de mujeres, pero también está presente la ganadora de talento argentino (el programa de televisión) y un coro de góspel alucinante.

La puesta en escena integra diferentes sketchs que se diferencian en vestuario y contenido, unos de otros. Las temáticas son muy originales y vistosas, así como los monólogos desarrollados durante la función.

Por citar uno de los ejemplos masivos, está presente la caracterización del juego Candy Crush y lo desarrollado en las tablas es gracioso e imponente. Al igual que los diálogos, subidos de tono, y la participación del público en algunos juegos cómicos, que surgen espontáneamente y sobre los que se dan situaciones únicas.

Todos aplaudimos, reímos y nos sentimos parte del show. Porque eso es: un verdadero show. Los actores bailan, demuestran sus destrezas y recrean momentos de la vida real, ficcionados.

Mientras Mariquena tiene su camarín a un costado de la escena, el musical continúa y luego ella retoma su personaje, con diferente peluca y vestuario.

También, tenemos la posibilidad de ver una coreografía realizada por dos bailarines, que realzan aún más el espectáculo.

Lo sorprendente es que el título tiene como figura protagónica a Horacio Sansivero pero, sin embargo, todos tienen su momento de esplendor y despliegue durante la función. El show es de Mariquena, pero los demás actores son igual de importantes que ella. Todos forman un conjunto excepcional.

El Maipo Kabaret, nos agasaja con unos ricos pancitos y tragos libres, para que nos sintamos como en casa. Mimados y contentos. Eso se logra, al igual que la fantástica noche en que muchos conocidos a estos artistas en persona y que -de ahora en más- conformarán nuestra lista de preferidos.

Sin risas en un espectáculo cómico, qué sería? El objetivo principal seguramente no sea una carcajada, pero sí la consecuencia de un producto tan bien logrado.

En cuanto se acerca el final, ella nos lee unos agradecimientos bastante extensos, demostrando su humildad y entereza como persona. Da las gracias a todo y todos, recordando las décadas que lleva en su historial.

Las letras de las canciones y sus coreografías, conforman una magia enorme y la profesionalidad se ve plasmada en cada uno de los fragmentos musicales. ¿Cómo no destacar un evento de este nivel donde no falta nada, donde está presente cada segmento que quisiéramos tener en un espectáculo de café concert?

Mariela Verónica Gagliardi