Mariela Verónica Gagliardi | SABOR A TEATRO

* SEPTIEMBRE 2025 *

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El jardín de los cerezos

La nueva versión de “El jardín de los cerezos” (adaptada y dirigida por Helena Tritek), tiene una visión diferente sobre el clásico de Ánton Chéjov.

Es conocida ya la historia así que no me centraré en ella específicamente, sino que tomaré diferentes citas para analizar esta puesta en escena.

Existen varios hilos conductores que son: la lucha de clases, la sabiduría y la venganza.

En la primera notamos cómo Liuba y Gáiev se aferran a una mansión que nada les importa, que quedó en su pasado, pero su capricho de ver florecer los cerezos es más notable.

Por otro lado está el recorrido marcado por Trofímov, en el que justifica cada una de sus palabras, demostrando cuán banales son los otros.

Y, como último punto, se encuentra la venganza.

Me pareció sumamente interesante el personaje de Alejandro Viola interpretando al comerciante Lopajin.

Este hombre no odia, no se odia, no le teme a nada ni a nadie. Él solo desea realizar una estrategia que le permita honrar a sus padres.

Ellos ya no están para celebrar su logro pero el resto de la servidumbre sí.

Y continuando con el remate del jardín de los cerezos, la clase trabajadora y esclava de los ricos más poderosos, se pueden dividir en dos: los que desean rebelarse y obtener un cambio, y los que están acostumbrados a ese sometimiento sintiéndose parte, de alguna manera, de los hogares para los cuales trabajan.

Los esclavos no tienen identidad, ni nombres, pueden ser reemplazados u olvidados como el caso de Firzi.

Mientras la dramaturgia rusa se sucede, el amor circula, intenta surgir, pero las parejas no lo son del todo.

Sí se afirma el vínculo entre Vania y Trofímov, pero no se hace demasiado hincapié en éste.

Lo más importante de esta versión es la mirada social y la semejanza con cualquier sociedad capitalista contemporánea.

Los cerezos son las riquezas acumuladas, los sinsentidos, la pantomima alrededor de una sala de gala y la no inteligencia de ahorrar cuando ya no existe moneda para despilfarrar.

La justicia llega, los que más tienen pierden algo y los que no tenían saben conseguirlo.

¿Justicia divina?

No. Terrenal.

Las escenografías, estéticamente bellas, glamorosas y, en tonos marrones, decoran la obra.

¿Qué decir de los grandes talentosos actores que no se haya dicho?

Todos se lucen, desplazan, bailan, los músicos acompañan y cada escena se desarrolla deliciosamente.

Las dos horas de duración son muy amenas y podríamos continuar junto a ellos, conociéndolos más, sabiendo los por menores de sus vidas u opinando qué les conviene definir.

Como el comienzo de «El jardín de los cerezos», los cuerpos se mezclan, unen, disocian y separan. El baile es la única actividad que los amalgama sin importar quiénes son, qué quieren o a dónde van.

Mariela Verónica Gagliardi

Escrito

en mayo 22, 2014

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Volver al futuro trueque

Nacho Ciatti apuesta su creatividad a una original puesta en escena, la cual escribe y dirige, demostrando cómo dos épocas tan distantes se asemejan en ciertos puntos.

Una empresa de alimentos será el sitio en el cual se desarrollará una comedia con ingredientes del grotesco.

Todos los empleados serán hombres y el machismo reinará por doquier.

Mientras tanto la «Señorita Lucobein» (Gaby Pastor) se dejará someter a todo tipo de chantaje emocional, no pudiendo encontrar una salida más saludable para ella.

La compañía del futuro -que más bien parece del pasado lejano-, en la cual no se cobra con dinero y la explotación es como en nuestra actualidad capitalista.

El Señor M (Iván Moschner) es un jefe tirano, sin escrúpulos y capaz de hacer avergonzar hasta al más inocente.

Haciendo una pausa podemos entender que hay una gran dosis de pesimismo en los diálogos, ya que las cuestiones negativas no evolucionaron, se avivaron y se hicieron más fuertes hasta terminar destrozando cualquier corazón.

Claro que para quien recién lo conoce pueden parecer duras estas apreciaciones.

Así será el caso de Lazio, un campesino entrerriano que con el afán de tener algún rédito económico le venderá su alma al diablo, aunque tendrá una recompensa que ni él se la imaginará.

El amor rondará las oficinas, los rumores de pasillo se exacerbarán y, ante cualquier eventualidad, se le dará rienda suelta al baile.

Si bien la obra es en mayor medida humorística, no hay que dejar de lado la violencia verbal y la coacción reinante en cada escena.

Señorita Lucobein es una metáfora de cuantas agresiones o desvalorizaciones existan en la realidad.

Un hombre loro que durante gran parte de su vida trabaja en ese sitio tan despreciable, intentando serle útil al lugar y a su jefe, pero que no es absolutamente nada, sino un ave sucia y vieja a punto de morir.

Lo que sucede es que sus alas se fueron marchitando y desea salir cuanto antes del encierro para respirar su último aliento.

Justamente, el fragmento en que ocurre el pedido da escalofríos. Lo interesante es que habrá quien se tome con gracia este acontecimiento y quien intente vincularlo con la inequidad social y la desdicha de un ser que es humillado -provocando un paréntesis para sentir que la solidaridad no tiene que ver con una u otra época sino que debería ser inherente al hombre-.

Y, por último, un Botón (Nicolás Barsoff) que podría ser menospreciado por su rol pero, sin embargo, es el único que está al tanto de todo y el único capaz de conocer a todos los empleados.

Su papel será el que revele determinada información y a su vez toque el piso indicado para elegir uno u otro destino.

Es interesantísima la trama de la pieza teatral, la cual no se torna monótona en ningún momento, logrando tener matices dramáticos, humorísticos y musicales; compartiendo con los espectadores esta mirada al estilo cómic donde habrá antihéroes que tendrán la oportunidad de rebelarse y ser importantes al menos para sí mismos.

¿Qué podría suceder si quisieran salir del encierro de un momento para otro?

¿El Señor M los dejaría, los entendería y podría arremeter contra ellos?

Son tiempos de cambio y deberán ser muy cuidadosos si no quieren levantar sospechas.

Mariela Verónica Gagliardi

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Escrito

en mayo 21, 2014

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Rejuvenecer a través de otro

Todos, absolutamente todos, tenemos algún temor, alguna fobia o algo que no podemos atravesar tan a la ligera. Algunos exponen, fácilmente, lo que les pasa y, otros tantos, lo evitan.

“Todos mis miedos” (de Esteban Bieda y Nahuel Cano, dirigida por éste último), se basa en un profesor de literatura (Pablo Seijo) que tiene conflictos existenciales y de amor. Él perdió su rumbo entre tantos libros acumulados y juntando polvo por doquier.

Sus saberes le son transmitidos a una alumna (María Abadi) que se enreda con sus pantalones y, también, pierde el foco de sus objetivos. Ella es joven, intenta crear una historia, aunque, va a parar a manos de este docente tan retorcido y paranoico.

Lo interesante de la narración y sus diálogos no es el contenido de Todos mis miedos, sino la exploración que hacen en cada personaje, en cómo ubicar el texto en escena y cada uno de los recursos que permiten entretejer tan interesante pieza teatral.

Una historia no tiene que ser extraordinaria en sí misma sino en el cómo. Este grupo de artistas, en su conjunto, lo logra. Nos mantienen en vilo, no pierden su concentración y nos deleitan con sus interpretaciones. Ellos encarnan a personas no a personajes. Son auténticos con sus movimientos y sentimientos. No sobre exageran ninguna situación, solo las que a drede pretenden subrayar.

De repente vemos cómo un único espacio escénico aloja a estos cuatro actores, que deberán relacionarse en un extremo u otro, sin cambiar sus vestuarios y sin desorientar al público. Como si fuera un cuadrado, con espectadores a su alrededor, tendremos que observar, como a veces ocurre, lo que nuestra vista pretenda. Una situación en primer plano -por establecer una conversación- es destacada y, llevada a segundo plano, otra actuación.

Como si se sucediera un diálogo con el siguiente, integrando uno con el otro o, simplemente, dando pie una escena a la próxima, presenciaremos una comedia dramática sin altibajos y con un sello diferente, no convencional.

Por otro lado, la esposa sufrida y depresiva (Anabella Bacigalupo) de este profesor no tendrá sentido como mujer de él sino como persona que tropieza, constantemente, con la misma piedra sin ayudarse a sí misma ni a darse una oportunidad de desvincularse del mal conocido.

Un aspecto interesante es el escogido para describir las voces interiores de este tan contradictorio y abrumado hombre. De esta manera, Diego Echegoyen, emite reflexiones y planteamientos que cualquier humano se haría o, al menos, tendría en cuenta.

Podría hacer una comparación entre lo viejo y lo nuevo. Él escoge a su alumna, como símbolo de crecimiento, de superación de sus traumas y de su ex matrimonio; pero no se da cuenta ni asume que las historias de los libros que lee, frecuentemente, pueden repetirse en la suya realmente. En su caso no existe un director que le diga que dé un giro y continúe por otro sendero más próspero.

Él es el árbitro de su propia vida y decadencia. Su motor sin combustible para la evolución.

Sus trabas emocionales lo desplazaron de su rutina, de su familia y, la locura, lo invadió por completo.

Mariela Verónica Gagliardi

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Escrito

en mayo 18, 2014

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Los desaparecidos, ¿tienen identidad?

Como en una serie de la televisión, en horario de la tarde, podemos apreciar la actuación de Romina Pinto e Iván Steinhardt en “Siguiente por favor” (de Ana Maugeri y Belén Wedeltoft) –una comedia entretenida y con varios aspectos, profundos, para reflexionar-.

Ellos están haciendo una cola para realizar trámites personales pero, la demora hace salir a la luz varios conflictos íntimos hasta revelar una verdad, trascendente, y que cambiará el cauce de la obra por completo.

Mientras una voz en off (Gina Said), solamente, se remite a decir el nombre de la dramaturgia, los personajes avanzan, se quedan quietos, discuten, se conocen y los acompañan unas esculturas blancas.

Estos fueron los objetos que más llamaron mi atención e intenté analizarlos de derecho y de revés, otorgándoles diferentes alternativas y significados posibles.

Haciendo una lectura simplista, éstos muestran que tienen a alguien delante de cada uno y lo mueven al mismo tiempo que la fila lo hace. Esta interpretación, no tendría demasiado sentido a mi parecer.

Pero haciendo un análisis más profundo, ellos intentan esconderse detrás de algún objeto que les de seguridad. En esta oportunidad pudieron haber escogido maniquíes porque no tienen sentimientos, ni movimientos pero sí alegorías respecto al texto de “Siguiente por favor”.

Unos cuerpos rígidos que nada expresan y que le dan la oportunidad, a ellos, de abrirse y mostrar quiénes son.

Es, realmente, historia conocida la que muestra a dos extraños en un lugar público y que, además, se atraen. Por eso es que esta nueva propuesta pretende romper esquemas utilizando la ironía, la inteligencia -dentro del mundo de la sitcom-.

Cada vez son más las obras que se suman a este género olvidado en nuestro país y, en este caso, el guión no es una banalidad sino un ingreso al saber y a la exploración de distintos matices delicados de nuestra sociedad.

Se dice que los problemas son más fáciles vistos de afuera y que, otra persona, los puede interpretar mejor que uno mismo. Este es un ejemplo. Una exposición y una manera de poder desatar nudos que impedían avanzar.

En esta teoría me baso: en la de seguir avanzando como el título de la obra. ¿Quién es el siguiente, a quien le toca? ¿Cuánto dura un trámite? ¿Existe tal trámite o es una excusa para vendar nuestros ojos y seguir posponiendo sentir lo que sentimos?

El sistema se puede caer como en cualquier oficina pública o privada. Nuestra ceguera puede continuar o hacerse la luz. Cada quien escogerá lo más conveniente, sin olvidar que cada decisión tiene causas y consecuencias.

La felicidad, ¿qué lugar ocupa? ¿Se puede vivir sin ella? ¿Se puede ser sin ella?

¿Cómo se puede parar una persona cuando sabe lo que quiere pero no cómo conseguirlo?

¿En qué se puede convertir una persona cuando deja de lado sus inquietudes y deseos?

Quizás en una escultura con formas, curvas y expresiones inventadas o pintadas.

Un rostro es el único que revela el interior, cuando estamos contentos y tristes, cuando logramos nuestro objetivo o lo abandonamos antes de tiempo…

Y los desaparecidos en nuestra querida Argentina, ¿sienten, deambulan, sueñan o están muertos?

¿Quién es alguien sin identidad? ¿Quién es alguien borrado?

Los maniquíes no tienen ojos, ni boca, ni nariz, ni ropa. Solo contornos y relieves. Se pueden parar por sí solos pero precisan de alguien que los mueva. Ellos se han quedado tiesos de tanto esperar.

Ellos no pretendían esperar sino luchar por sus derechos.

Quizás quien no haya visto aún esta puesta escena crea que estoy planteando dos mundos paralelos que no convergen en ningún punto. Esta es la conclusión a la que llegan mis sentidos, los que nunca dejan de guardar experiencias únicas.

Un hombre tiene la posibilidad de vivir de acuerdo a sus propósitos. Un desaparecido ya no.

El mundo de los vivos permite conseguir. El de los muertos y relegados ya no.

Nosotros somos los responsables de que se haga justicia en nuestra vida y en la de los que no tienen ya armas para defenderse.

Mariela Verónica Gagliardi

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Escrito

en mayo 17, 2014

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Sentir y amar como un caballo

Cuando la palabra deja de ser necesaria y pasa a ser un recurso obsoleto, surgen propuesta tan impactantes como esta, donde dos hombres se desdoblan hasta convertirse en caballos. Pero, estos animales, tampoco precisan de sonidos que los evidencie como tales.

“Los cuerpos” (interpretada y dirigida por Ramiro Cortez y Federico Fontán) es un llamado urgente a los tiempos fugaces en que vivimos. Esa soledad que se siente hasta en lo más profundo del corazón, a pesar de estar acompañado.

Ambos artistas-bailarines, se desplazan por todo el espacio escénico, permitiendo que disfrutemos de la danza contemporánea en todo su esplendor. Casi todos sus movimientos son a ras del piso y con tan solo miradas ya dicen todo lo que pretenden.

Existen las sutilezas así como la brutalidad, demostrando que un hombre-animal convive en ellos. Que son dos seres en un mismo cuerpo y que, inclusive, los dos participantes se amalgaman hasta complementarse como uno solo. Por momentos son caballos -con unas cabezas de animales perfectamente confeccionadas- hasta que se observan, detenidamente, y ya no tienen miedo de gritar, sin gritos, quiénes son.

Pasé por todo tipo de sensaciones durante la función de Los cuerpos, teniendo una presión en el pecho al borde del nerviosismo, enamorándome luego, sintiendo pasión por tales movimientos tan complejos de reproducir e intentando decirles que paren, que ya es suficiente lo desarrollado en escena.

Sucede que sus vientres se contraen y expanden hasta conformarse ya no como humanos, sino como animales feroces, transpirando, uniéndose y generando varias emociones. No es sencillo que una dupla masculina pueda con tan poco dar tanto. Son solamente dos con sus máscaras, un suelo negro y nada más. Las luces se encargan de remarcar dónde hay que prestar atención y en penumbras, también, ocurriría lo mismo, aún sin ser conducidos.

Conocerse es el puntapié inicial para crear un baile que no lleva giros ni desplazamientos clásicos, sino puramente conceptuales y enérgicos. De repente, notamos cómo un talón es absorbido por la boca de su compañero y, de ahí en más, se mueven sin que exista separación entre ellos. Transcurren los segundos, los minutos y la desesperación me invade. No comprendo cómo pueden respirar y es que la racionalidad, en este punto, ya no ayuda a develar ni este misterio ni otro. Se convirtieron en esos caballos salvajes tan tiernos como pasionales. Se buscaron tanto hasta enamorarse y fundirse en un solo cuerpo.

Los torsos desnudos, diferentes pero complementarios, con distinta musculatura y agradables a la vista humana; se convirtieron en energía. Lograron desplegarse de la superficie terrestre y, permitirnos, volar, crear con la imaginación, sentir sin miedo, amar y odiar a la vez, atraer y rechazar, creer y descreer.

No vi jamás en mi vida un despliegue de esta índole, con pocos objetos y exprimiendo, al máximo, el potencial artístico. Ellos ponen todo en juego, se desnudan con el alma y solo quieren un reconocimiento, una aceptación. Esto está en sus caras de jóvenes soñadores que intentan para conseguir, que dan para lograr.

Mientras sus manos intentan unirse, la emoción del público se siente. Es imposible no alegrarse y sufrir con Los cuerpos.

Mariela Verónica Gagliardi

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en mayo 17, 2014

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Hay que erradicar este color

“Amarillo” es el color de la envidia, el color del oro y el oro es la cloaca… ¿cuántos sabrán estos datos?

La obra de teatro (escrita por Carlos Somigliana y dirigida por Andrés Bazzalo), protagonizada por Sergio Surraco (Cayo Graco), nos presenta a los antiguos romanos luchando por sus derechos, a una clase baja pidiendo algún rédito económico y algo que los favorezca.

Cayo Graco y su hermano Tiberio son las voces y héroes de los más desfavorecidos. De los que siempre se dejan para lo último, para lo que sobre o quede.

Es muy interesante e impactante como el autor real y Bazzalo, quien adapta los relatos a una nueva versión, pueden situar un hecho histórico en un lugar determinado pero, sin embargo, saber que está íntimamente relacionado con la reforma agraria en Argentina y los diversos factores que estuvieron en puja durante una época de la historia en que estaba muy marcada la línea entre hacendados y campesinos.

Mientras los opuestos actores políticos se hacen presenten, las miserias humanas surgen e implantan en cada acto en que un sector u otro informa sus ideas e intenciones.

Una moneda, que en ese momento era de oro, vale más que la vida de cualquier terrestre y aún más de quien es opuesto en ideología.

Todos los protagonistas caminan, se cruzan, ignoran, unen, miran, esquivan, hasta encontrarse con sus pares, semejantes u opuestos. Los diálogos y oratorias se representan, escuchan, evaden o combaten.

Como en un relato épico, está muy bien caracterizado cada personaje, el vestuario y escenografía. Esta última, bastante sencilla y permitiendo que la vista observe lo relevante sin adentrarse en detalles cargados.

Así es como se desarrolla una historia que sirve para concientizar un poco más. Que no se queda en relatos pasados sino que, a pesar del paso de los años, continua siendo una problemática actual de Argentina y de muchos de los países con características similares al nuestro.

En este caso un joven, perteneciente a una familia rica, se esfuerza hasta las últimas consecuencias por conseguir la justicia. En esta oportunidad un amigo que lo traiciona, por el simple hecho de sentirse alguien y un Senado que decide chantajear al más ignorante para “triunfar”.

“Amarillo” es una suma de ideales, de convicciones y modos de ver una misma situación de diferentes maneras: colaborando o siendo egoísta.

Como suele ocurrir, quienes tienen la vara del poder, manipulan a quienes apenas tienen un pedazo de pan duro -cuando lo tienen- para llevar a sus bocas. Pero un Senado, conformado por Patricios sanguinarios y latifundistas, no dejará llevar adelante el plan de equidad social, desatándose una verdadera lucha.

Con respecto al origen de esta pieza teatral, cabe resaltar que fue un año después de la destitución del presidente brasilero Joao Goulart, quien se refugió en la provincia de San Luis de nuestro país y, recién en este tiempo, se vuelve a investigar quiénes estuvieron involucrados en su muerte. Se supone que la amistad que mantenía con el presidente Juan Domingo Perón, lo habría perjudicado, habiendo sido envenenado.

Partiendo de ese acontecimiento y de cualquier semejanza con otro hecho en América Latina, podemos ver reflejada la misma problemática, la reiteración de la misma y el sufrimiento de los sin tierra, de los que cuando logran tener un representante honrado y valiente, este dura poco tiempo o mucho, hasta eliminárselo por completo.

Esta obra dramática, merece ser vista por todos los sectores sociales como para lograr su cometido: polemizar e intercambiar opiniones, abrir corazones y cerrar otros.

A la vez que un líder pone su alma para que los más pobres tengan lo que se merecen, es perseguido por los Patricios y cuando todo parece terminar con el asesinato de este gran hombre, la historia sorprende.

El muere como un héroe y eligiendo. De la misma forma que se hizo cargo de cada una de sus palabras y actos, escogió al autor del crimen y como terminar su vida.

Se viene a mi mente una canción de Carlos Gardel (compuesta en 1935) que en cierta estrofa dice: “Por una cabeza, todas las locuras. Su boca que besa, borra la tristeza, calma la amargura”. Si bien la letra está vinculada al amor, a los desengaños y a la melancolía; perfectamente se puede relacionar con ciertos sucesos de esta obra. Por una cabeza, trazando un paralelismo entre la pasión y la muerte. La pasión hacia su mujer decidió volcarla por completo en la política y hacer realidad su sueño, el sueño de los relegados.

El amor de su vida, siempre estuvo presente. Los besos de Licinia, lo contenían. Aunque en ningún caso lograron aislarlo del desenlace escogido por su valeroso sentir.

Mariela Verónica Gagliardi

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Escrito

en mayo 16, 2014

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Uno más uno, dos

Palabras superpuestas, al unísono, comienzan a ambientarnos en una obra de teatro-danza, singularmente inteligente.

Los actores se desplazarán por todo el espacio escénico, con movimientos entrelazados, narrando una historia en la que predominará la inclusión social. Una inclusión que nos habla de la religión judía como contracara de la católica. Una inclusión del diferente como modelo y modo de aprendizaje, de conocimiento y de observación.

La danza contemporánea une a cinco mujeres que se relacionan mediante sus cuerpos, la palabra en menor medida y las miradas. Sus mundos son similares y particulares, hasta que llega una sexta mujer diferente, con una vestimenta llamativa y que logra imponerse sin violencia.

Esta última las deleita con su luz, con una delicadeza extrema y la magia de quien aparece como en un cuento de hadas.

Podría trazar dos tipos de relatos: el visual y el oral. El primero fue el más placentero y, el segundo, el más desafiante.

El libro de Alicia Steimberg, escrito en que se basa la obra, es completamente un tesoro. No porque lo diga yo, sino porque basta con observar ciertos fragmentos de «El otro» (de y dirigida por Gustavo Friedenberg) para saber de qué tratará su argumento.

No es tarea simple lograr un acercamiento entre la autora y el guión logrado. El hecho de que se trate de religión no lo hace más obvio ni factible de conectar.

Al comienzo de la obra oímos palabras y frases que, más adelante, podremos vincular. Pero, al leer a Steimberg, las aclamaciones al mundo terrenal son recurrentes y es imposible sentirse excluido.

«Que Dios te ayude, Que Dios te ilumine, Que Dios te bendiga», menciona la escritora. Estas expresiones suelen ser dichas por el cristianismo pero, también, por los judíos. Acá no existe separación entre un protector u otro. Por un momento Dios es uno, aunque el discurso se encarga de marcar las diferencias y de ubicarnos en tiempo y espacio.

A su vez, ciertas costumbres y tradiciones de la colectividad se resaltan -de una manera cordial y simpática-, confirmando que el judaísmo no excluye sino que comparte con sus semejantes una historia en común.

Sholem aleijem (la paz sea con nosotros) es una forma de bendecir, de dar serenidad a una persona, así como otros cultos tendrán sus propios códigos.

«Ser judío es una mezcla de muchas cosas: recuerdos de infancia, una manera especial de llorar y de quejarse, un idioma que no se quiere entender, una necesidad de estar recordando todo el tiempo que Einstein y Freud y Marx y Chaplin eran judíos, una sensación de que uno es muy antiguo, más antiguo que los católicos».

¿Existe una manera de ensamblar un pueblo con otro por más distantes que parezcan?

«El otro», el desconocido, el diferente, ¿merece indiferencia o una oportunidad?

No pensar como la mayoría, no vestir como ésta y tener una ideología propia y/o compartida con una minoría, ¿es condición sine qua non para ser marginado?

¿Todos los iguales debemos unirnos y los otros ser relegados a un espacio oscuro y tildados de sectarios?

«El otro» es nuestro propio espejo, nuestra imagen distorsionada, lo que no queremos ver y toda enajenación simbólica
que nos propicie ese objeto de vidrio.

Qué sería de cada humano sin la fe, pero no la fe como sinónimo de religión sino como apoyo a nuestras ideas, desesperaciones y angustias que no tienen solución en lo racional.

«El otro», se une, se distancia, se ubica en el centro y logra una energía simbiótica espectacular.

Los artistas expresan, sienten, se amalgaman y retroalimentación.

Uno más uno, dos.

Mariela Verónica Gagliardi

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Escrito

en mayo 15, 2014

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Hernán Piquín estrena «Signum»

EN UNA NUEVA Y SORPRENDENTE PRODUCCIÓN

CON TALENTOS NACIONALES Y EXTRANJEROS

UN ESPECTÁCULO CON MÁS DE 40 ARTISTAS EN ESCENA

«SIGNUM”

Idea Original

Sean Mac Mckeown

El mítico y centenario teatro “El Nacional”, que albergó a grandes musicales nacionales e internacionales, a partir del viernes 16 de mayo, presentará en carácter de estreno mundial y por 8 únicas semanas, «Signum».

Una mágica experiencia que une diferentes géneros como la danza, la acrobacia, la música, la canción, el teatro y el circo.

Un espectáculo internacional sobre una idea original de Sean Mac Mckeown, reconocido en la Argentina y en el mundo por haber sido director artístico de “Cirque du Soleil”, con una trayectoria de más de una década dentrode la prestigiosa compañía canadiense.

A lo largo de una hora y media de show, el público se deslumbrará con todo tipo de disciplinas artísticas como: Trampo Wall, acrobacia aérea, mano a mano, contorsionismo, acrobacias en aros y telas, cintas aéreas, trampolines, roue cyr, malabares.

Su principal figura no es otro que el reconocido artista Hernán Piquín, primera figura de la danza argentina, aclamado por la crítica y el público en sus espectáculos y estrella del certamen más popular de la televisión Argentina: “Bailando por un sueño”.

Hernán Piquín es reconocido en el ámbito de la danza desde hace años y posee un historial impresionante como primer bailarín de grandes compañías, tanto del país como del exterior. Esta figura de la danza nacional que bailó en el Teatro Colón, engalanó el espectáculo nacional SIGNUM, que cuenta con 45 artistas multidisciplinarios, que llevarán al espectador a vivir una historia de amor, en una viaje que se irá desarrollando a través de la aparición de diferentes Signos.

La protagonista femenina es atraída por un hombre joven y fuerte que proviene de la oscuridad, quien intentará seducirla a su manera, él es la demostración de la fuerza, es invencible e inmortal, todo sucede en distintas transiciones en el Universo, en una jungla, un templo, siempre en busca de la Paz, hasta encontrar el verdadero amor.

Artistas nacionales trabajan y se fusionan con acróbatas extranjeros y cantantes líricos, que han llegado especialmente a nuestro país para formar parte de una compañía de talentos que deslumbrará a la avenida Corrientes.

También forma parte del equipo un entrenador español, Alejandro Cuenca, (Entrenador del Cirque du Soleil), quien vino especialmente a la Argentina para formar parte de este espectáculo entrenando a nuestros acróbatas que participan en el número del «trampolín de pared», logrando con ellos un acto espectacular y de gran dificultad, a más de cinco metros de altura donde se tiran a los trampolines, rebotan y prácticamente caminan por la pared.

La coreografía está a cargo de Andrea Candela, Graduada del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón como bailarina clásica profesional, Ballet clásico de París, asistente de Dirección del Ballet Argentino de Julio Bocca y coreógrafa, entre otros, de Ad desiderata y Septiembre.

La composición y Dirección musical original corresponde al Maestro Gerardo Gardelín, referente musical del teatro tanto nacional como extranjero.

El Maestro Gardelín, Director musical, compositor, arreglador y pianista, ha llevado adelante esta pieza musical original fusionando diferentes estilos logrando una composición única, junto a su Orquesta en vivo engalanarán este maravilloso espectáculo.

La Producción técnica y el diseño escenográfico están a cargo de Gustavo Pérez Lindo.

Completan la Producción de realizaciones, en el diseño y realización de vestuario el talentoso Marcelo Péndola, diseños de fotografías Estudio Machado – Cicala.

Ficha Técnica

Música Original: Gerardo Gardelín

Dirección Técnica: Gustavo Perezlindo

Escenografía: Lili Diez

Coreografía: Andrea Candela

Vestuario: Marcelo Péndola

Idea y Dirección: Sean Mc Kewon

Funciones

Miércoles a Domingos 21.00 horas.

Localidades desde 200 Pesos

Teatro El Nacional

Av. Corrientes 960 – C.A.B.A.

Alejandro Veroutis

Prensa & Comunicación

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en mayo 10, 2014

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La humanización romana

Siempre hemos escuchado hablar sobre el complejo de Edipo y, en menor medida, del de Electra. Llegada cierta edad o, prolongada la misma, un hombre se enamora de su madre y una mujer de su padre. Tan enfermizamente como puedas imaginarte.

“El luto le sienta a Electra” (escrita por Eugene O´ Neill y dirigida por Robert Sturua) junta ambos complejos -traumas-, los naturaliza y explota al máximo produciendo una tragicomedia con tintes de ironía y extravagancia.

Paola Krum es aquella muchacha que siente tanto amor por su padre, defendiéndolo hasta de lo indefendible. Ella es dulce, tierna pero con un alma un tanto venenosa. No solo es afín a su progenitor, sino que odia a su madre Clitemnestra (Leonor Manso). La detesta y todo lo que ella piensa, sienta o haga será condenado por su hija.

El personaje de Paola es, realmente, atípico y forma parte de una historia contemporánea, saliendo un poco del clasicismo -el cual tantas veces resulta monótono-.

Pero, ¿de qué se trata esta dramaturgia?

Justamente de muertes, venganzas, odios, problemas sin resolver y conflictos que quedarán como tales hasta que la parca se haga presente.

Electra no es una mujer ingenua sino todo lo contrario. Está ciega por el amor incondicional que siente y éste le hará cometer un crimen que si tuviera conciencia, no se lo perdonaría a ella misma.

Toda la historia gira entorno a esta situación, a su nulidad como persona y al bloqueo que tiene su mente para avanzar y procurar ser feliz o salir, al menos, al exterior.

A su vez, amenizan la narrativa unos coros personificados que -de a poco- se inmiscuyen en la obra de teatro, interviniendo de modo espontáneo.

Los diálogos mezclan un lenguaje épico y a la vez vulgar, mostrando un paralelismo entre dos épocas tan diferentes
como similares.

Por un lado los tabúes al estilo Freud, siguen hasta la actualidad y la implantación de verdades absolutas que en cierto momento se afirmaron y de allí en más se repiten como intocables.

Con respecto a otro punto importante, en cualquier familia, las traiciones no suelen ser perdonadas y las venganzas llevadas a la práctica. Ambas cosas, antes y ahora operan de la misma forma y podrá cambiar alguna sutileza pero no su esencia.

Electra es la heroína, la que defenderá los valores de su destruido clan y su sonrisa resplandecerá -malvadamente- dándonos el mensaje de que es feliz así. Ella eliminará lo que no sea de su agrado y tomará lo poco que le quede como éxtasis para seguir viviendo.

Su hermano Orestes (Diego Velázquez), quien interpretará a un devastado Edipo, tendrá un retorno atroz de la guerra junto al padre (Héctor Bidonde). Esta unión como soldados despertará los celos de la hermana y la libertad de su madre -quien aprovechará para divertirse junto a otro hombre-.

Es una buena elección la de modificar y adaptar la Guerra de Troya a un formato más cotidiano, fresco y de telenovela.

La guerra no tiene demasiada repercusión, solo la de traer al padre como triunfador, sano y salvo, demostrando cuán ridícula pueda ser la vida y en qué poco tiempo se puede ser velado.

También, esta adaptación le dará más humanidad y sentimientos a los personajes quienes no tendrán vergüenza de ser cobardes, de mostrarse como tales y de que lo que se supone de una forma termine llevándose a la práctica de otra.

Toda la trama es muy llevadera y un presentador -que interviene también en la historia- tiene un rol realmente para destacar ya que da el pié para cada fragmento como para que nadie se pierda ningún detalle importante.

El elenco es fantástico porque existe mucha heterogeneidad de edades, estilos y formaciones, lo cual hace que esta pieza teatral sea una puesta diferente y atractiva, combinando una escenografía lúgubre y conservando objetos que serán utilizados para hacer entretenida la obra.

De esta manera, la sala Casacuberta del Teatro San Martín, estrenó un clásico totalmente renovado y apostando a captar gustosamente a quien desee abrir su mente y corazón.

¿Te animás a viajar sin juzgar, solo observando y conociendo una nueva óptica?

Mariela Verónica Gagliardi

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Escrito

en mayo 8, 2014

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La nueva era extraordinaria

El circo existe hace más de dos mil años y, según el país de que se trate se desarrolló de una manera distinta. Lo que sí puede confirmarse es que las prácticas de acrobacias, entre otras, son anteriores al mismo y que los guerreros las llevaban a cabo. De hecho, los romanos denominaban con esta palabra a los espectáculos públicos, sin quedarse atrás los griegos quienes también realizaban disciplinas de malabares.

Recién en 1768, Philip Astley, fundó en Inglaterra el primer circo tradicional, con animales, dentro de la típica carpa de colores. Actualmente, este tipo de espectáculo se modificó para dar lugar a otras representaciones donde no exista maltrato y pueda transmitirse puramente arte.

Cuando una puerta se cierra, se dice que, otra está por abrirse…

«La nueva era extraordinaria» es un espectáculo que muestra esplendor, simpatía y amor por el prójimo. No tiene que ver con el new age, sino con rescatar valores perdidos, esenciales y profundos de un grupo o sociedad -más ampliamente-.

Esta obra musical rescata a quienes son discriminados, abandonados o relegados a un segundo lugar. La nueva era comprende la historia de un circo que tuvo que cerrar sus puertas y, a partir de allí, recrea una función solicitada por un hombre que confía en el proyecto de estos artistas.

Para ello, la Compañía Codanz, a cargo de Juan Cruz Argento, demuestra cómo es posible hacer lo que cada uno ama de un modo diferente: siendo profesionales, pero cariñosos.

En un mundo que avanza cada vez más hacia el egoísmo personal, La nueva era se planta firmemente para dar a conocer que el amor es lo único que cura, sana y permite avanzar hacia un objetivo.

Así es como podrán verse diversas performances de acrobacia, danza, canto y actuación, haciendo sentir al público partícipe de tan hermoso show. Un show emblemático, con letras compuestas especialmente para la función y entrelazadas con el argumento de la obra de teatro.

Un punto a destacar es la oportunidad que se le brinda al elenco, el cual es totalmente heterogéneo -estrictamente hablando-. Se puede apreciar la inclusión como eje principal que permite la armonía entre niños y adultos, altos y bajos, delgados y no tanto, lindos y feos (según lo que se entiende como tal socialmente), logrando emocionar y sentirnos identificados con un personaje o fragmento de la historia.

La gracia y sutileza de los cuadros en el escenario nos remiten a momentos pasados, a situaciones en las que era simple comunicarse con otra persona, ponerse de acuerdo y tener un proyecto afín. El hombre evoluciono y la palabra comenzó a desvalorizarse, a no comprometerse. La nueva era también hace hincapié en los códigos y valores perdidos en gran parte.

¿Estamos a tiempo de construir un mundo mejor?

Si tomáramos como base las similitudes y diferencias como parte de la vida, seguramente si seria aun posible. Si dejáramos de lado los caprichos y maldades, seguramente el mundo seria extraordinario.

¿Por qué no tomar en serio esta palabra, incluirla en nuestra mente y hacer hasta lo imposible para que cada acción sea responsable y bella?

¿Por qué no vernos en un espejo diferente pero similar?

Cada artista, desde su lugar, construye y se desenvuelve con mucha destreza física. El que no estaba de acuerdo con algo, lo evalúa e intenta ser flexible. El amor resurge, los abrazos y besos también. El sueño de formar una familia no tradicional es otro agregado que permite romper con esquemas estáticos del presente.

De esta manera, la puesta en escena logra su objetivo y la dramaturgia conmueve a su público, un público también diferente pero con ánimos de celebrar la vida.

Si el teatro puede transmitir enseñanzas, ¿cómo el hombre no aprende más del arte y se inmiscuye hasta en el más mínimo rinconcito para aprender a ser, sin querer modificar lo diferente?

Quisiera afirmar sin que suene a prepotencia que «La nueva era extraordinaria» es el reflejo de una mínima parte de esta nación que se erige en otra estratósfera, observando lo negativo y repudiando, constantemente, en vez de lograr cambios interiores y profundos que servirían, realmente, a cada ser inquieto, pensante y sensible.

Estos personajes vienen a salvar el mundo, desde su postura. Quizás quede exagerada esta frase pero es el camino que transitan en las tablas, en sus canciones, pasos de baile y actuaciones. Dicho y sea de paso, no actúan sino que interpretan a personas con ganas de crecer y aportar su granito de arena.