SABOR A TEATRO

Me río de Janeiro

Tres miradas sobre la sociedad argentina

Eduardo Rovner es el autor de tres cuentos que conforman la puesta en escena de «Fotografías de un concierto de ilusiones», una obra que engloba un sentido del humor muy inteligente e irónico.

A lo largo de una hora y media pudimos presenciar tres historias, diferentes entre sí, escritas en distintas décadas pero con factores en común.

Durante ¿»Una foto?», conocimos los conflictos de un matrimonio ante la imposibilidad de lograr que su bebé salga con un gesto bien marcado ante el click de la cámara. Para conseguir la sonrisa harán todo lo que se les cruce por sus cabezas, pero algo insólito les impedirá lograrlo.

Las peripecias y ocurrencias que plasman en sus diálogos y, corporalmente, demuestran la cruda realidad real de una familia tradicional: el deber ser, las metas por cumplir, los logros que debe alcanzar y la máscara que tiene que ponerse frente a situaciones desagradables.

Si bien uno de los fines es la risa en el público, no hay que dejar a un lado el análisis (y sobre todo teniendo en cuenta el año en que fue escrito el cuento original).

Luego, al instante, se sucede «Viejas ilusiones». Esta dramaturgia es la que esboza en el escenario la mayor carga emocional, acompañada por el cuerpo -como un todo orgánico-. En ella logramos angustiarnos con la relación, enfermiza, entre madre e hija. Ambas son viejitas pero siguen viviendo gracias a la retroalimentación que existe entre ellas. Sabemos que este vínculo, de por sí, no es sano pero muchas veces viéndolo representado es que logramos concientizarnos.

Las dos se «usan». Una por ser cobarde y la otra por egoísta. Una combinación tan graciosa como explosiva, en la cual se notará quién tiene el poder y cómo lo ejerce.

Por último, «Concierto de aniversario», nos hizo disfrutar de la música clásica -entendida como rígida, estructurada e insensible-. A lo largo de esta narración, descubrimos los secretos más íntimos de los concertistas y cómo sus ensayos los terminan abstrayendo de lo que más deberían conservar: su sensibilidad.

Las tres piezas conforman mosaicos de nuestra identidad social y cultural. Cada actor, interpreta los textos de Rovner, hasta asimilarlos como parte suya, logrando tomar la esencia.

Con respecto a la iluminación, no ilumina; sino que resalta los momentos en que debemos sí o sí observar detenidamente.

En cuanto a la escenografía, sencilla pero eficazmente, cumplió su cometido: el de ambientar cada situación, centrándose en la teatralización. Podría resumir esto diciéndoles, inclusive, que si ésta no hubiera existido, habríamos comprendido todas las tramas. Ver a tan buenos actores, emociona, reconforta y entusiasma a la hora de tomar el papel y el lápiz.

Más allá del prestigioso dramaturgo que estamos analizando, las actuaciones acompañan las ideas y propósitos de los textos, permitiéndonos reflexionar acerca de los mismos y sacando las conjeturas que consideremos pertinentes.

El humor negro es un estilo que en varias ocasiones le gusta al espectador argentino, pero es difícil de conseguir. En este caso, me agradó mucho el camino que abordaron y los elementos que usaron para transmitirlo oportunamente.

Un matrimonio frustrado, un vínculo desgastado y una esposa moribunda en medio de los ensayos; son los escenarios que se van recorriendo. Cada cuento empieza y termina. No se entrelazan ni los guiones ni los personajes. Pero, quienes logren prestar mucha atención, notarán cómo el factor conflicto va en aumento, cómo la paciencia cumple su ciclo y cómo el amor logra disolverse hasta la llegada de la muerte.

Sin lugar a dudas, el factor sorpresa es lo que provoca risas y un click, en este caso no de un flash, sino de un cambio de rumbo. Un giro rotundo que nos permita respetar y amar lo diferente, contemplar lo bello pero, también, lo desagradable.

Teniendo en cuenta la existencia del bien y del mal, ¿a dónde conduce el poder desmedido del hombre? El arrepentimiento, ¿llega en algún momento o siempre un daño fue y es irreparable?

No podemos dejar de lado al contexto político en tres momentos claves de la historia nacional. Contar y representar suele ser, estéticamente más bello y pacífico que combatir con armas y fuego.

«Fotografías de un concierto de ilusiones» nos identifica culturalmente. No a todos sino a los sucesos llevados a cabo por diferentes oligarquías. ¿Qué otro mensaje podríamos pedir que la justicia social? El arte es la mejor bandera y símbolo para sentirnos orgullosos.

Mariela Verónica Gagliardi

Menos mal que hay una sola

¿Qué representa una «Suegra», quién es tu suegra, por qué son tan difamadas, existirá alguna nuera contenta de tener una, por qué un yerno no pasa por lo mismo?
Pablo Ángeli, sin ningún tipo de pudor se anima a poner en su cuerpo y voz a este ser tan abominable, narrándonos desde distintos personajes, alternativas y padecimientos tan crudos como reales.
Rodete para llevar peso sobre la cabeza es una de las acepciones que figuran en el diccionario de la RAE (Real Academia Española), una definición que contiene la palabra clave: peso.

Desde los antepasados, siempre escuchamos historias referidas a las suegras, de toda índole. Están quienes gozan de una buena relación hasta que se casan y la cuestión cambia.
Pablo logra identificar esas particularidades de las suegras -que llevándolas a su máxima expresión- nos hacen estallar de la risna.

En un principio conocemos la vida de una nuera que desde su embarazo tendrá que soportar a su «segunda mamá». Pero esta pobre joven al igual que tantas suele verse indefensa ante la desaparición en vida de su marido. O sea, el hijo de dicho espécimen.
Pero entonces el unipersonal nos muestra a la madre de esta chica hasta centrarnos en su consuegra, la malvada y entrometida mujer que siempre será odiada por todas.
Sin lugar a dudas, uno de los mejores momentos de la obra es cuando la suegra se viste de muerte e intenta elegir a una víctima -claramente femenina-.

Les puedo confirmar que nunca escuché a un hombre hablar mal de la madre de su novia, lo cual nos hace quedar como quisquillosas -por no decir otra cosa-. ¿Seremos tan «jodidas» como para no poder darnos cuenta de que ellas siempre quieren colaborar, que son las únicas que conocen a sus hijos y que tienen derecho de entrar y salir como más les plazca?
Me sorprendió la cantidad de hombres presentes. ¿Será que fueron en defensa de sus progenitoras?

En cierto momento del relato el actor esboza un fragmento sobre la tradición dominguera de comer las pastas caseras, esos ravioles que le revientan mínimamente el hígado y su lenta recuperación -durante la semana- para poder disfrutar, otra vez, de esa saludable comida.
La dialéctica que utiliza Pablo, su timming en escena y ese don llamado carisma; permiten que la sala permanezca totalmente llena y que los espectadores no paren de reír.

Y si no es con humor, ¿de qué modo se podrían tolerar aquellas circunstancias tan tensas y, a la vez, ridículas? Cuando nos burlamos de nosotros mismos es cuando podemos contagiar esa alegría. De la misma forma, teatralizando segmentos de nuestras vidas podremos sobrellevar esos pesos que mencionaba al principio de la nota.

Es un acierto que un tema tan femenino sea interpretado por un hombre. Él realiza cambios de vestuarios, usa peluca, accesorios, anima su propio show, nos divierte y deja un mensaje importante: que no hay que temerle a ningún monstruo.

Mariela Verónica Gagliardi

Yo sé que volverás

«Un día de verano» es el título de la obra de Jon Fosse -dirigida por Alfredo Staffolani-, la cual desde una historia sencilla (pero bien contada), logra crearnos un espacio para varios cuestionamientos.

A dónde va un hombre cuando deja este mundo? Qué es lo que busca un humano cuando siente que su camino no es el que recorre a menudo?

Todo transcurre en una tarde fría y lluviosa. Los sonidos de mar y pájaros son los encargados de ambientarnos en esta curiosa narración.

Una pareja (María Duplaá y Fabián Carrasco) consigue la casa de sus sueños a orillas del mar. Una vez logrado esto, sus vidas parecen estancarse, abandonarse y las desgracias se avecinarán.

El marido no quiere estar en la casa con ella sino en el mar al lado de un fiordo, como cuando era pequeño. Su niñez se apodera de él, sus reacciones también. Él no está cómodo con su relación ni con su presente. No llegamos a saber si tiene otra mujer o si, simplemente, no la ama lo suficiente. Su matrimonio es una pantalla y ni siquiera les sirve actuar frente a los demás ya que éstos no existen.

Él se va siempre. Su ansiedad, su desapego con la casa y para con ella, avanzan a pasos agigantados. Hasta que un día decide irse. No sabemos a dónde, no sabemos cómo. Solo desaparece.

Ella (una vez que él se va) recibe a una amiga. La típica amiga envidiosa que disfruta con la angustia de su par, aprovechando todo lo malo que le pasa para aguantar -de cierto modo- la miserable vida que vive, ella también, junto a su esposo.

La envidia es uno de los factores más predominantes en la obra. A partir de ella, se forjan cada una de las apariencias de los personajes. Estos personajes que simulan tener un propósito, cuando en verdad están muertos en vida. Cuando de lo único que gozan es de la crítica hacia el otro y la bronca por no conseguir lo que dicho semejante consiguió.

La historia es un espejo a la realidad de todos los tiempos, a aquellos sentimientos que juntan polvo, encerrados en un baúl repleto de recuerdos. Pero no son esos recuerdos que ayudan, sino aquellos que estancan la evolución, la superación y el hallazgo interior.

Como toda persona que desaparece físicamente, se suele acudir a la justicia. Para ello, su mujer y amigos se encargan de hacer la denuncia en la policía, aunque no lo pueden encontrar. Quizás porque nunca estuvo. Tal vez porque jamás existió en esta tierra.

Mientras pasaban los minutos, se representó en mi menté la canción de Maná «El muelle de San Blas». Me pareció casi un ritual la comparación y por más que intenté no hallar semejanzas entre ambos, se me hizo imposible.

Vi, como un espejismo, a aquella señora mayor (María Ibarreta), esperando a su amado. Siempre con el mismo atuendo como para que él la reconozca.

Ella entra en estado de shock y todos los días hace la misma rutina: habla de él, se queda parada frente a la ventana. Se pregunta por qué la dejó, que fue de él. No entiende su ausencia ni tampoco si siquiera está vivo.

Lo único que encuentran es su bote de madera -mar adentro-, pero el cuerpo no lo localizan.

Esta historia es contada a partir de los recuerdos de ella -ya de anciana-, y desde el presente. Como quien rememora lo que fue y ya no volverá.

Cada uno tiene su momento de monólogo y reflexión. De esta manera conocemos detalles contados desde su propio ser y cada situación importante e íntima.

«¿Es así como es la vida, es así como debemos vivir, es así como la vida es?», menciona la mujer desde su sabiduría.

Así culmina la obra, con más interrogantes que certezas.

Como una puerta abierta, nos permite auto descubrirnos, auto evaluarnos y aceptar cada uno de los aciertos y errores que cometamos.

Somos humanos. Ellos también. Staffolani no pretende darnos una mesa llena de respuestas, ni una enseñanza o moraleja. Sólo exhibir una pieza artística que cuente con un escenario en tonos blancos (como símbolo de pureza), y un vestuario al tono, que convierten a la obra más relajada a nivel visual. Las actuaciones son muy buenas y es, a raíz de ellas, que logramos identificar en nuestros corazones cada momento trágico y saber que este extracto de una familia es la mirada de un universo que -muchas veces- no deja lugar a la espontaneidad, a lo que es, a lo que no se puede modificar porque ya pasó.

Mariela Verónica Gagliardi