*** SEPTIEMBRE 2025 ***

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El arte sana al mundo

O no reparaciones5

¿Cómo se puede modificar el pasado, una situación, una etapa, un momento?…

«O no reparaciones» podría definirse como una muestra de teatro experimental durante la cual se observan diversos cuadros -muy opuestos unos de otros- entre los que puedo mencionar: el desamor entre una pareja; la ceguera de una familia que, por dolor y miedo, oculta su miserable realidad; una maestra de inglés que intenta transferir sus conocimientos a personas que no tienen ni el más mínimo interés.

Hasta acá podríamos comprender la obra de una manera pero, al continuar la trama, vuelve a aparecer el fantasma de la muerte. De esa muerte sanguinaria, de O no reparaciones3la dictadura en el mundo, de las marchas militares que producen escalofríos, de la tragedia más grande del mundo referida al no poder aceptar al diferente, al distinto y a aquellos que no respondan a nuestros ideales caprichos.

La lucha intelectual no da siquiera un suspiro de paz, ni antes ni ahora. Los focos de combate son otros o los mismos, al igual que sus protagonistas que, lamentablemente, dejan herederos.

¿Es capaz una sociedad, de aquí de allá, de curar y reparar los daños que provocaron cadáveres?

¿Qué sucede cuando no se observa el mal y se lo naturaliza?

Esta creación colectiva (dirigida por Florencia Suárez Bignoli), impacta, emociona y produce incomodidad. Quizás para este público no, o para todos los presentes no, pero para otros sí.

Existen temas como la anorexia que, por más que el tiempo transcurra y todos nos volvamos enciclopedias, aún no se puede sanar. Y de eso se trata: de curar O no reparaciones7heridas tan profundas y difíciles de demostrar que el propio cuerpo debe encargarse de somatizar y transmitir, exageradamente, lo que le pasa.

También, hay otras cuestiones como la violencia colocada en la cima. Claro que es agresivo ver ropa tan diminuta como imposible de probarse, claro que es agresivo escuchar y ver publicidades que discriminan a la mujer y hombre que no cumple con estándares sociales impuestos y sacados de una galera que vende, claro que es violento y desgarrador asumir que una sociedad está enferma por culpa de los más poderosos pero, también, defendidos por los que gozan de ignorancia.

¿Cómo dar la vuelta de página cuando no se superó la tragedia individual y social?

¿Y si superáramos el pasado como haríamos para no olvidarlo? Se puede superar sin olvidar como para no volver a cometer tremendos genocidios?

¿Qué peso y arduo trabajo tenemos individual y colectivamente!

Mientras los diálogos van y vienen, los actores se desenvuelven dentro de una sencilla escenografía compuesta por afiches blancos que permiten sorprender con videos en vivo, juegos de luces y un despliegue visual-sonoro impecable.

O no reparaciones8

Finalmente, el amor es el encargado de cerrar la dramaturgia. Un amor noble, inocente, una mitad que se une a otra conformando una unidad. Y esa pieza ejemplifica al mundo, intentando reunir de a poquito a sus integrantes.

Será cuestión de embarcarse y disfrutar…

Disculpen, cómo podría afirmar estas acciones cuando el hombre no para de garronear lo que tiene el de al lado o de envidiar, con ira, cuando no obtiene una tajada.

¿Cómo reparar algo si todavía se puede terminar de arruinarlo?

O no reparaciones2Es mejor no pensar cuán peor podríamos estar y empezar siendo responsables: en principio por nosotros y luego colaborando con quienes perecen bajo un árbol, permitiendo que la sangre se oscurezca.

Tal como dice el título «O no reparaciones». Vivir y dejar vivir. Parece ser una locura el velar por nuestro propio principal derecho.

ficha artístico-técnica O no reparaciones

Mariela Verónica Gagliardi

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Escrito

en abril 17, 2014

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Sensaciones inolvidables

Haya9

En la ciudad de Bolívar se esconde una historia real que María Laura Santos (la directora), se encargó de ficcionar, así como de guionar. Esta narración tiene ese aroma y gusto al interior, a que realmente ocurrió y que sus personajes son netamente intérpretes.

“Haya” es el título de la obra, así como de su protagonista (Paula Baldini), la cual tendrá la valentía de enfrentar momentos angustiantes pero que, sobre todo, aprenderá a acomodarse a diversas situaciones totalmente inesperadas en ese pueblo.

Como una pequeña pero gran historia, el eje central girará entorno a lo emotivo. Las sensaciones serán unas y al
cabo de un rato, otras. Las personas que irá conociendo Haya no serán convencionales sino todo lo contrario. Ni Haya7siquiera tendrán nombres que coincidan con sus géneros y este punto hará reflexionar sobre el sexismo.

Esta pieza teatral nos remite a aquello tan puro como el amor, en todas sus vertientes.

Un espacio recreado con objetos que nos ubican en tiempo y espacio, al mismo tiempo que la iluminación y música, serán los encargados de permitirnos lagrimear, buscar en nuestro interior, en ese rinconcito colmado de recuerdos inolvidables.

“Haya” pertenece al género testimonial y de eso no hay dudas. Pero, Haya no es solamente una mujer en un pueblo. Haya es una mujer en busca de su identidad, de sus ancestros, de la soledad y de la compañía que surge de modo espontáneo.

Es imposible no emocionarse. Todos hemos tenido pérdidas de seres queridos y la muerte en nuestra sociedad continúa siendo una energía tan oscura como la bruma, de lo que no se puede hablar demasiado sin estallar en llanto.

¿Qué significa el término haya?

Puede ser un verbo o sustantivo, según como se utilice. La palabra hace referencia a una acción o árbol. Dos cosas tan diferentes una de otra.
Aunque no es el fin de la obra ninguna de estas dos en particular, sí me atrevo a involucrarlas como parte del relato.

La Paloma es el sitio en el que se desarrolla casi toda la historia, en paralelismo a un hotel llamado Goitías -muy cerca de allí- atendido por un hombre demasiado particular, con un costado melancólico-romántico.

Haya5

Cada momento que transcurra será inolvidable para la protagonista y para nosotros como público. Ella podría ser cualquiera de los espectadores que se sumerge en una aventura impensada, pero que le resultará placentera.

Desde que se ingresa a la sala del teatro, se ve un letrero luminoso, ubicándonos en un lugar determinado. Ese será el punto de partida y, gracias a éste, se desarrollará lo siguiente.

Haya nos cuenta un mito sobre las hermanas caballo. Estas hermanas son de pocas palabras, parecen niñas aunque ya no lo son, parecen haber vivido demasiado tiempo alejadas de la gente y cada palabra escuchada les producirá un estímulo diferente, permitiéndoles bailar, cantar y ser felices nuevamente.

Haya3

¿Qué puede sentir una persona ante una gran pérdida?

Silencio, no saber qué decir, no poder hablar.

Como si la voz fuese la encargada de reproducir tristeza y dolor. Qué acostumbrados estamos a tener que emitir sonido con la boca, dejando de lado al resto del cuerpo que muchas veces se expresa más nitidamente.

Qué sucede con las personas que deciden formar su propia vida lejos de la ciudad, de un mundo simultáneo pero en muchos casos demasiado dañino para ser recorrido?

Ser “anti-social”, ¿está mal? No querer seguir al rebaño de ovejas y tener otros valores, ¿es incorrecto? ¿Por qué la única verdad es la escogida por la mayoría, en varias ocasiones porque ya es lo más cómodo y ya transitado por otros?

La música de los Guns and Roses surge en cierto momento de la dramaturgia con la canción Paradise City y el factor Haya6sorpresa vuelve a apoderarse de nosotros.

¿Quién podría imaginar que un grupo de música internacional formaría parte de tan profunda obra?

Una ciudad paradisíaca con movimientos de caballos, danzando el rock and roll tan mágica como poderosamente podría verse en escena.

Probablemente los actores intenten buscar aquellos niños que fueron, los aromas de la casa de sus abuelos, el olor a pasto recién cortado y cada comida servida en las mesas de los domingos.

Seguramente si pudieron llegar a esa columna vertebral seguirán llenando las butacas como hasta ahora, enterneciendo, provocándo risas y dándonos la oportunidad de volver por un rato a la infancia, esa etapa en que solo existían los juegos.

Ficha técnica Haya

 Mariela Verónica Gagliardi

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Escrito

en abril 16, 2014

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Saber quiénes somos

8) L14

Unas sillas antiguas y rotas colgando del techo junto a telarañas, invaden el espacio que -con una melodías tenebrosa- nos sumergen en la historia de «L 14» (escrita y dirigida por Nicolás Pérez Costa y Nacho Medina).

Al comenzar la obra vivía un paralelismo con algún cuento de terror de la infancia. Una propuesta diferente estaba ante mis ojos y dejé que cada sentido se empapada de ésta. A lo alto de una escalera de madera había una chica que hizo una introducción -la cual creó suspenso e intriga-.

Pero, de repente, el clímax de la dramaturgia se modificó por completo para dar 1) L14lugar a sus personajes que, unidos por algún motivo, decidieron interpretar un libro. Así fue como repartieron al azar cada rol, se vistieron para la ocasión e intentaron jugar.

Qué complicado puede resultar ponerse en la piel de un otro y olvidarse de quien es uno mismo. Cuál es la identidad de cada ser y cómo se opta por hacerse cargo de quién se es?

A partir de esa búsqueda, posiblemente impensada para llevar a cabo, se desarrolla una temática entretenida e inteligente, surgiendo canciones y coreografías muy impactantes.

Con respecto a la narración, Luis XIV es el Rey protagonista y a partir del cual girará cada una de las situaciones y conflictos de la obra.

Un punto interesante es que son dos historias -una desprendida de la otra- y que, de a poco, se van complementando, 27) L14así como sus personajes. El anacronismo es el factor que posible esto y los diálogos generan tensión, goce, complicidad con el espectador y un aire turbio en otros aspectos.

Si bien L 14 pertenece al género de comedia musical, dentro del suspenso. Existen tintes cómicos que permiten relajarnos y sentir esa bruma pesada -específica del relato-.

Cuando finalizó la pieza teatral, Nicolás Pérez Costa, comentó que escribió la obra a sus 17 años. No sorprende que así fuera ya que nos tiene acostumbrados a pura creatividad y talento. Aunque sí parece escrita por un joven, por ese aire novedoso y pantomímico en ciertos fragmentos de la obra.

Así es como, mágicamente, viajamos por un mundo de ficción, a partir del cual, la aristocracia se enfrenta a su pueblo, a la miseria económica, a un reinado sin rumbo y a su propia esposa que, casualmente, no interpreta ese papel en el juego.

«L 14» es una ubicación, un piso con un número de departamento, un espacio para crear, divagar y encontrarse. Un itinerario para seguir por convicción o miedo, un camino ocioso y religioso, alegre y triste. Un itinerario para elegir el propio final. El marcado por la narración que se persigue y el aceptado o rechazado por nuestros valores.

6) L14

Nadie podrá escapar a su propia esencia y ese será el puntapié para comprender la profundidad de la obra.

«L 14» es una alternativa a la vida actual y la posibilidad de intercalar dos mundos paralelos. Lo peligroso es olvidarse de quién es cada uno y confundir ambos universos.

Mariela Verónica Gagliardi

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Escrito

en abril 15, 2014

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Siempre hay tiempo para cambiar

Reset1

«Reset» (de y dirigida por María Florencia Diácono) es un término muy utilizado en nuestros tiempos y asociado a la tecnología. Cuando se tilda un celular, generalmente, hay que hacer un procedimiento para que vuelva a funcionar; o cuando la computadora pasa por un conflicto similar, también, sabemos que debemos reiniciarla.

Pero, ¿cómo se aplicaría un reseteo al cuerpo humano, al cerebro?

En esta propuesta original y divertida, dos jóvenes (Federico Fedele y Michelle Wiernik) nos llevarán por un recorrido interesante y que dejará boquiabierto al público.

Ellos fueron elegidos para una especie de experimento, el cual los conducirá a la felicidad. Claro. Que la felicidad es Reset2muy relativa y subjetiva, variando demasiado de a una a otra persona. Entonces, ellos serán empujados formalmente a lo que se considera -socialmente- como tal.

El primer beso, el primer noviazgo, el casamiento, la formalidad, el deber ser; irán sorprendiéndonos a lo largo de «Reset», una pieza teatral sin altibajos y con mucha fuerza escénica.

Con el estilo de un videojuego, estereotipando a sus personajes -con looks súper techno y la música contextualizando dichos sketchs-; podremos conocer la verdad del sector más pequeño. Aquel segmento que se suele discriminar por no pensar como la mayoría, ya obsoleta.

La obra puede ser entendida por grandes y chicos. Cada franja etárea comprenderá lo que esté a su alcance visual o moral.

A su vez, la comedia musical con canciones realizadas especialmente por el elenco, harán mucho más amena a Reset, combinando movimientos de baile -no especificos de la danza- con la marcha y un final con guitarra en vivo.

Reset3

Cuando ya no sabés qué rumbo tomar o, definitivamente, deseás un cambio rotundo en tu vida, ¿cómo volvés a cero?

Sería como volver a nacer, lo cual es imposible ya que cargamos con demasiada información en nuestro cerebro, difícil de limpiar.

Muchas canciones famosas suelen hablar de volver a… acaso es tan importante eliminar esa mochila que traemos a cuestas? No sería mejor que nos sirva de experiencia?

Los actores interpretan a dos muñecos, dos muñecos que no son imprescindibles, que se pueden reemplazar con un abrir y cerrar de ojos. Entonces, ¿qué mensaje fundamental nos quiere dejar esta gran obra?

Que mientras sigamos repitiendo modelos, sin cuestionar absolutamente nada, formaremos parte de una puesta en Reset4escena, de un capítulo más de la vida de otros.

Hay quienes consideran que es correcto copiar sin modificar, sin elegir. Pero acá no se trata de lo que está bien o mal, sino de que somos seres capaces de hacer una historia distinta. Que no debemos esforzarnos por diferenciarnos del otro, pero que tenemos que usar la razón para Ser.

Recuerdo a una profesora de literatura que cierta vez dijo: Dios Es. Lo que ella nos quería transmitir es que una persona es en general una profesión, un color, un adjetivo. Dios no precisa tener adjetivos.

Quizás suene muy prepotentes mi parte confirmar que todos tenemos la oportunidad día a día de Ser, de conseguir lo que buscamos, en vez de perdernos en el laberinto. Solamente nos hace falta hacernos amigos de nosotros mismos y confiar.

Mientras los colores de Intervention Company -cita en Butterfly- siga demostrando cuán irreal es la realidad plasmada por los ancestros, seguirá vigente un modelo antiguo y perezoso. Aunque el día que abran sus ojos quienes permanecen en la quietud, se podrá construir un mundo interesantisimo.

Reset de sus impactante y utiliza recursos televisivos, en general, y frases conocidas por todos para describir escenas y momentos tradicionales. Deeste modo, la ironía se convierte en la base del relato, con diálogos sencillos pero profundos.

Reset9

La destreza de los interpretes, desde lo vocal hasta lo actoral nos dejan solo una ventana abierta: la del éxito, unido de la felicidad elegida por cada corazón y no impuesta porque así tiene que suceder.

Los aplausos sonaron durante la función y al finalizar ésta. Desde mi percepción, sentí que tuvieron que ver con el trabajo profesional llevado a las tablas pero, también, a la vida que se escurre entre nuestros dedos si no le damos un reseteo de vez en cuando.

 Mariela Verónica Gagliardi

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Escrito

en abril 14, 2014

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El amor encerrado en un potrero

Una zambita cruel8

Un caballo humanizado (Patricio Witis), el cual vive encerrado en un potrero, sin relacionarse demasiado con sus amos.

En medio de los típicos roces familiares -entre una hija (Celeste Sanazi) y su padre (Mariano Muente)-, surge una historia de amor que no llega a desarrollarse.

Los artistas tienen la convicción de cantar y trasladan la trama a las voces campestres y autóctonas.

Las guitarras suenan -marcando el ritmo, compás y sensaciones- desde la escena y desde fuera de ella.

No existen demasiados contratiempos, prevaleciendo el amor que no pudo ser y Una zambita cruel3el encierro emocional de los
personajes como barrera al despertar de sus emociones.

En cuanto al título de la obra, considero que no es necesario justificar, constantemente, el mismo a través de la palabra. Sus cuerpos expresan y la música confirma a éstas.

Tal vez, sea una cuestión estética el modo de narrar y el recurso poético utilizado.

La sala del Teatro Garganta estaba colmada, todas las mesas de madera tenían un aroma especial rural. Ese perfume a antaño que suele ser difícil recrear y transmitir.

De repente, uno de los actores llamado Lucas (Julián Rubino), esboza en su canción: «Voy sin saber a dónde voy, voy despidiendo lo que soy» y, luego, se incorpora a la obra para seguir sorprendiendo con su estilo moderno y popular, al son de la zamba.

Al principio no se sabe quién es quién, pero el relato principal no apunta a descubrirlo, sino a convencerse de cuáles son las cuestiones trascendentes en la vida de un ser vivo y a luchar por los valores que considere importantes.

Una zambita cruel16

La música ambienta, entretiene… los diálogos conforman cada escena pero, si imaginaramos, una zamba bailada de principio a fin; sería el resumen de esta obra.

Por otro lado, el personaje de Soledad (Celeste Sanazi), la prima de Lucas, pretende ser el hilo conductor de las tragedias que se van sucediendo, pero podemos -de algún modo- tomar al caballo como personaje principal o, inclusive, al propio guión.

Eso es lo más interesante en «Desde mis ojos»: la posibilidad de elegir el camino a seguir y el sentirse libre, sin tener que esforzarse por entender. El entendimiento es visible, con diálogos no rebuscados, gracias a lo cual el espectador puede Una zambita cruel15disfrutar y dejarse llevar por los estímulos de la pieza teatral.

Una estancia, un caballo, una familia y una serie de letras musicales que conforman esta propuesta.

Otro punto a resaltar es que cada intérprete puede lucirse, siendo todos protagonistas. También, la manera en que van alternándose los pensamientos del caballo con las escenas familiares, para lograr un par impacto distinto en una historia de amor.

«En la quietud del monte una brisa cambia todo» – dice el animal en cierto momento. El tenia sus pesares y dolor muy ocultos, tan ocultos que cuando quiso expresarlos no supo medir la fuerza. No era un animal salvaje pero sí en cautiverio, totalmente abandonado y despreciado.

La poesía está presente en todo momento, intentando desmarañar los problemas. A su vez, un guitarrista fuera de las tablas, ameniza a lo largo de la narración, otorgándole mayor vida al relato campestre.

Al finalizar la obra, me puse a pensar sobre el maltrato animal. Sobre la eutanasia, sacrificios, veganismo. Y es que, como les decía anteriormente, cada persona establecerá un lazo con aquel aspecto que le signifique más.

Si un caballo pudiese hablar con palabras, ¿qué esbozaría?

Una zambita cruel6

La violencia es violencia. Hacia una persona o animal. Entonces, por qué justificar uno más que el otro? Hasta donde llega el ego del hombre como para considerarse superior a otro ser vivo?

«La muerte es puramente animal», afirma el caballo. Quizás ese sea su argumento para no sentir culpable.

La historia avanza y cada conflicto se resuelve. Mientras tanto la música cobra protagonismo:

«Nunca supe cómo cantar esta zambita cruel».

¿Puede considerarse cruel un animal? Este actúa por instinto. Pero su instinto no siempre le marca lo correcto, solo lo que sus sentidos irracionales le confirman que debe hacer.

ficha artístico-técnica Desde mis ojos

 Mariela Verónica Gagliardi

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Escrito

en abril 7, 2014

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La convicción de ser quien se quiere ser

Pinedas91831 – Granada (España).

Como una obra de arte «Pinedas tejen lirios» (escrita y dirigida por Susana Hornos y Zaida Rico) refleja la vida de una mujer luchadora que por hacer notar sus valores, fue eliminada violentamente de escena.

Mariana Pineda es aquella luz que muchas personas no se animan a irradiar, por miedos, por prejuicios, por ser juzgadas o abolidas.

Durante la función pude notar el gran desenvolvimiento de baile y coordinación (a cargo de Carmen Mesa), en conjunto con el actoral llevado a cabo por Petra (Laura Lebedinsky) y Pedrosa (Ariel Pérez de María).

En cuanto a la protagonista (Arantza Alonso), ella supo captar la esencia de los ojos de esa mujer soñadora, utópica, valiente y tenaz; que tanto dio sin esperar nada a cambio.

Pinedas11

Como una flor amarilla, con su encanto aromático, también, debemos tener en cuenta que -algún día- marchitará.

Ella murió, sin quererlo. Pero vivió, se desarrolló y sintió, a flor de piel, cada instante.

Uno de los aspectos más interesantes de la obra es el modo de narrar, pudiendo entrelazar pasos de flamenco, excelentemente sincronizados, y permitiendo darle una estética realmente delicada a la obra. Por otro lado, me parece muy buena la elección de mostrar violencia sin ser recurrente, danzando y actuando cada agresividad con un recurso distinto. Sabemos que no tiene el mismo impacto, pegar una cachetada con la mano que hacer un movimiento sutil que lo interprete.

De esto se trata «Pinedas tejen lirios», de buscar y encontrar los detalles, la esencia y Pinedas6fundamento para contar -originalmente- una historia real, ficcionada y que llega a lo más profundo del corazón. Cada recurso escogido se vuelve único, suspicaz, valiente y revelador. Es imposible no sentir la piel de gallina al contemplar esta pieza teatral.

Durante la función no existieron ruidos y distracciones. El tema fue conmovedor y el camino escogido para transitarlo, muy especial.

Celebro cuando los actores interpretan a varios personajes y, sobre todo, cuando son talentosos como para no confundir al espectador. Toda la vida de Mariana estuvo presente, su infancia, su madre, su hermana, su marido y tantas otras escenas que ejemplificaron la esencia y lo más importante de la familia Pineda.

También, considero que no sólo se basa la obra en la vida de Mariana Pineda, sino que es un reflejo, inclusive, de situaciones femicidas que siguen ocurriendo en nuestros días. Así como ella mantuvo sus convicciones en primer lugar, hay mujeres que no se animan siquiera a desvincularse de la maldad ajena que tanto las perjudica.

Pinedas7La protagonista habrá sido vista como una provocadora, sin proponérselo.

Una mujer golpeada, física o psicológicamente, también es vista de la misma manera.

Los ojos de los más miserables producen ceguera, penumbras y delirios.

Muchas veces, lastimosamente, escuché a hombres decir «algo habrá hecho». Sin remitirnos específicamente a la dictadura militar, no existe justificación para azotar a alguien.

Cuán poderosas y polémicas pueden ser las palabras libertad, igualdad y ley. Antes, ahora y mañana. Quizás, antes más que ahora. Posiblemente, mañana en menor medida.

Pinedas engloba a cada una de las mujeres que con amor, perseverancia y firmeza pudieron hacerse valer. Sus vidas estuvieron, están y estarán en juego; pero acaso tiene sentido respirar un aire contaminado si somos capaces de elegirlo?

Con respecto al vestuario, es llamativo y bien característico de la época. Es perfecto el detalle del vestido de ella que marca el presente y pasado, al quitárselo y quedarse con otro atuendo. El vestido antiguo era rígido como esa época, incomodo, haciéndola sentir en prisión, una prisión tan simbólica como real.

«Pinedas, tejen lirios» en vez de calas. Enhebran amor y bondad en vez de odio y rencor.

Tienen una mirada alegre y cantan sus pesares, buscando la arista más entretenida y voraz.

Pinedas5Los versos van y vienen, sirven de contexto y relajan a la vez. Casi al finalizar se escucha «El romance de Mariana Pineda» (una pieza anónima e incluida en la obra de teatro de Gabriel García Lorca). Cabe aclarar que el cantautor español Luis Pastor compuso especialmente esta versión para esta pieza teatral, la cual es sumamente exquisita de escuchar.

Mariela Verónica Gagliardi

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Escrito

en abril 6, 2014

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Cada quien elige cómo morir

12- El buen canario

Las luces se apagaron y el foco fue puesto sobre una mesa de bar. Allí, un matrimonio discutiendo sobre literatura. Luego la luz se atenuó y apareció otra escena -compuesta por un escritorio, un jefe y el marido de la mujer anterior-.

El tema entonces se basó en la pornografía, en la sodomía, en esa práctica sexual que aún en nuestros tiempos sigue siendo tabú.

El tema entonces se basó en un libro escrito, recientemente, en unas hojas que fueron y son demasiado, que podrían llevar a la locura a cualquier cuerdo.

Merceditas Elordi, decide dirigir esta obra (escrita por Zach Helm), la cual se presentó por primera vez en teatro en el año 2007 (París) de la mano del célebre John Malcovich. Esta innovación la dota de incentivo y placer al escoger un área emblemática y, a la vez, muy consumida por el público argentino.

9- El buen canarioLa protagonista que representa a Annie (Lucía Di Carlo), mágicamente deslumbra, demuestra cómo se puede avasallar en las tablas siendo profesional y talentosa. Logra unir varias disciplinas como la dramaturgia y la danza contemporánea, utiliza recursos de diferentes áreas y consigue el desafío más interesante de una puesta en escena que es llevarnos en su bolsillo.

Cuando su nerviosismo se hace presente, es preciso entenderla, saber quién es y a dónde va. En los momentos en que su irracionalidad la desborda, la garganta se hace un nudo y cuando la verdad se hace presente no existe obstáculo que la detenga.

¿Qué se puede opinar sobre esta historia plagada de anfetaminas para adelgazar, para mantener una estética “perfecta” y un corazón roto?

Los cambios no son de afuera hacia dentro sino a la inversa. Pero, ¿cómo puede comprender esto una persona con tanta inteligencia para la escritura y tanto despropósito para su vida?

Es cierto que no queda demasiado bien observar, en plena función, los rostros de los espectadores. Pero se me tornó inevitable y las expresiones de las mujeres que logré observar con un 8- El buen canariofugaz paneo, me demostraron que estaba en lo cierto. Una estática, cual quietud, sin poder llorar, quebrarse ni gritar. Impotencia ante la vida y ante una realidad tan poco ideal como drástica.

Continué fotografiando aquellas imágenes tan bien logradas e intentando que mis lágrimas no hicieran ruido en la sala. Lo conseguí pero, perteneciendo al mundo femenino cómo no romper en llanto desgarrador. Cómo no poder ayudarla ni tenderle una mano a la actriz protagonista que momento a momento seguía hundiéndose como en arenas movedizas.

Su marido, Jack, (Ulises Pafundi) apoya -a su manera- las decisiones de su amada. Aunque no siempre apoyar lo que el otro quiere es sinónimo de brindar sostén. De cualquier manera, quién sabría a ciencia cierta qué es lo mejor para uno y para el otro.

“El buen canario” no habla, está ausente figuradamente pero presente en la vida de este matrimonio. El canario simboliza la prisión que siente esta pareja al no poder avanzar y ser plenamente feliz. La jaula es su propia casa y el muro que construyeron para impedir que penetre el mal exterior. De lo que no fueron capaces de darse cuenta es que sus días no serían infinitos sino tortuosos. Cada vez peores.

Existen varios momentos a destacar durante la dramaturgia que aportaron a que la historia tenga no solo tragedia sino momentos de risas. Si tuviera que elegir un género para caratular a la pieza teatral diría que es una tragicomedia. Durante más de la mitad de la obra el público estalló en risas y complicidad en cuanto a los diálogos humorísticos presentes. Éstos lograr crear un clímax determinado para luego transportarnos a lo más oscuro de la narración.

1- El buen canario

En cierto momento de la obra se puede observar cómo, simultáneamente, todos los personajes mantienen conversaciones por teléfono entre ellos. Es el único momento de la obra en que todos se relacionan, utilizando frases iguales, dialogando con uno a la vez pero sin verse los rostros. A modo coreográfico se logró una escena preciosa. También fueron interesantes las maneras en que se desarrollaron cada uno de los ambientes ya que, por momentos, la iluminación sirvió para marcar el foco y, en otras, podíamos ver, al mismo tiempo, una escena antececida pero, en segunda plano, por lo que sucederá momentos después -decidiendo a qué prestarle más atención-.

A su vez, la música con diferentes estilos logró recrear cada situación permitiendo hacer hincapié en lo más trascendente. Acompañaron a la estética una escenografía de vidrio, la cual iba siendo graficada, en el momento, por uno de los artistas.

Un pájaro que canta hasta morir, que alegra, que disfruta pero que necesita, que depende de unotro, que no encuentra en su alma cómo trascender armoniosamente.

6- El buen canarioUn elenco fantástico integra la obra y si bien este matrimonio es el que se destaca -por su interpretación pero, también, por el guión-, los personajes secundarios desempeñan correctamente sus roles, permitiendo que “Un buen canario” consiga cumplir su mérito.

¿Se han acostado alguna vez con los ojos cerrados para sentir el cantar de un pájaro? Cada especie tiene su propia melodía y, por más que no sepamos su nombre, la reconocemos. Pero cómo se puede encerrar a un ave con alas? Annie las tenía enormes y desplegaba historias por doquier. Sus propios traumas y cada una de sus secuelas fueron volcadas en páginas blancas que llevaron como autor a otra persona. 4- El buen canarioEste acuerdo que un comienzo fue lo mejor para ellos, desembocó en un triste final.

Tal vez la muerte no sea una mala palabra sino una elección certera. Quizás una amenaza sea un pedido de ayuda a despedirse en paz.

Quizás un canario pueda escoger cómo morir y cuándo, sin entender el dolor de los demás mortales.

Mariela Verónica Gagliardi

 

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Escrito

en abril 3, 2014

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El mal como único camino

9.Caligula

Un hombre que cree poderlo todo. Un hombre que, sin piedad: mata, ama, se erige por sobre todos y siente lo que su instinto le provee.

Su nombre es Calígula y -desde la muerte de su amada hermana- demostrará que su poder es innato y avasallante. No existe cometido que le sea un imposible ni meta inalcanzable.

Lo único que lamenta, minuto a minuto, es la perdida de dicho familiar y son muy interesantes las asociaciones que realiza 11.Caligulaentre la vida y la muerte, entre ésta y cada acontecimiento que se avecina.

Todas sus debilidades, caprichos y antojos estarán presentes en las butacas que forman la escenografía de la obra al estilo de un contemporáneo Coliseo Romano. Esta obra se inmiscuye en la intimidad de Calígula, un hombre que tuvo y perdió todo: hasta su bondad.

Lo atrapante de la historia (basada en los relatos de Albert Camus) es la inmensa cantidad de personajes estereotipados y ridículos que se suceden unos de otros, haciéndonos reír a carcajadas para -luego- emocionarnos.

Durante la ópera se pudieron apreciar la calidad humana y profesionalidad de cada uno de los artistas. Esto se aspira, se siente, se huele. Es imposible lograr un producto tan bien diseñado y llevado a las tablas, sin amor. Tanto los cantantes 2.Caligulaprincipales, como el gran coro y la orquesta estable del Colón; pudieron lucirse y transmitir lo que mejor saben hacer.

Desde el Palco vibré cada momento de la historia que produjo bronca, amor, odio y pasión. Las voces sonaron reales y no precisaron de micrófonos, los instrumentos acompañaron, ambientaron, contextualizaron y nos permitieron vivir una tarde de domingo única.

Los ostentosos y antiguos telones del teatro más prestigioso del país se abrieron para presentarnos una narración exquisita, con diálogos netamente sentidos y correctamente expresados por sus rostros y voces.

1.Caligula

La perversión de este Emperador Romano, que fue asesinado a una edad muy temprana, odiado y maldecido por un pueblo entero y venerado por unos pocos; demuestra cuán cruel y perversa puede ser una persona sin siquiera arrepentirse en algún momento de su vida.

En cierto momento del relato dice que el mundo de los vivos no alcanza para poblar al mundo de los muertos. Igualmente, 3.Caligulael mundo que más frecuenta Calígula es este último. Se pasea entre cadáveres pasados, nuevos y almas deambulando en el aire; invadiéndolo de una pesadez tan tenebrosa como real.

Quizás, pensar en Calígula como en teatro absurdo, permita por un momento evadir su locura y maldad -tan aberrante y sanguinaria-.

Ni siquiera se lo podría caracterizar como a un déspota ya que se comportó de manera tirana durante todos los años en que estuvo al poder del Imperio Romano, intentando gobernar a un pueblo que lo aborrecía y el cual no podía ver a un héroe, sino todo lo contrario.

En todo caso, podría tomar a este personaje como a un anti-héroe que -desbordado de tanto dolor y melancolía- decide 4.Caligulaimplantar sus peores sentimientos en cada uno de los mortales para que, incluso, sientan la obligación de dar su sangre para la continuidad del Emperador.

El barítono australiano, Peter Coleman Wright, interpreta impecablemente a este feroz hombre quien, junto a Caesonia, su mujer, (Yvonne Howard, la excelente mezzo-soprano) intentará demostrar que es un ser más suave (después de haber caído enfermo), pero, al instante, saldrá a la luz el peor asesinato que pudiera cometer un hombre.

El Teatro Colón comienza su temporada 2014 con esta excelente propuesta. Se presentará desde el martes 1 hasta el 8 de abril inclusive.

Mariela Verónica Gagliardi

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Escrito

en marzo 30, 2014

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«¡A la obra!», en Escenarios de Verano – Mar del Sur

A la obra2

Las formas, los colores y aromas son característicos en Pipetuá, -un grupo de payasos que se dedica a producir piezas artístico-infantiles-.

“¡A la obra!” es su nuevo espectáculo (dirigido por Osqui Guzmán), el cual plantea el armado de una casa -con sus correspondientes instalaciones-.

Durante la construcción de la misma, irán apareciendo obstáculos en las cañerías, en la iluminación… pero ellos (Sebastián Amor, Diego Lejtman, Maxi Miranda y A la obra1Feto Sellés) le encontrarán la vuelta a cada uno de éstos y la imaginación emprenderá su curso.

Caños con movilidad, pinturas esbozadas en proyecciones multimedia, escaleras plagadas de acrobacias aéreas y un despliegue digno de destacar.

La sala se llenó y rebalsó, la magia no tardó en aparecer en los rostros de los artistas y espectadores. No faltaron las rutinas tradicionales para niños como el juego con burbujas que siempre les hace abrir los ojos gigantemente, como si fuera una sorpresa inesperada.

No es fácil entretener al público infante y no es fácil hacer reír -como muchas veces se cree-. Grandes y chicos aplaudimos y, me incluyo, porque realmente me sentí parte de tremenda creación.

A la obra5

Cada paso que intentaron avanzar con su construcción fue distraído por un truco diferente, dotado de diversión y buena onda. Ese es uno de los factores que predominaron en la función: la buena relación entre ellos, transportada al público.

Tampoco faltaron los momentos de “maltrato” entre ellos, como verdaderos amigos que se burlan entre sí –A la obra4pintándose las caras con colores llamativos y riéndose de algún aspecto del otro- y uniéndose para pasarla bien, originando cuadros como el tan venerado por la mayoría de unos muñecos negros, delineados con colores en flúor.

También estuvieron presentes los instrumentos y canciones celebradas por el equipo, conformando una obra en la que se destacaron distintos puntos, brindando una opción muy completa a la hora de escoger un infantil.

Los adultos, no se quedaron atrás, admirando “¡A la obra!”, con risas, aplausos, gritos de felicidad y una gran euforia.

Con respecto a los artistas, lo positivo es que cada uno tiene su propio sello que lo diferencia del otro, tanto estética como creativamente hablando. Cuentan con el personaje más adulto que se ofende fácilmente, el acróbata y los animadores -que también desarrollan otros papeles-.

Cada uno tiene su lugar y espacio sin opacar a ninguno de sus compañeros.

A la obra3

“¡A la obra!” es una propuesta original, mágica y llena de creatividad que otorga energía. Muy entretenida y con ganas de más, podemos quedarnos con aquella partecita que más nos haya impactado.

Los malabares, están presentes en las alturas, dándole una dimensión diferente al espectáculo. ¿Quién dijo que sería difícil poner en orden una casa e instalando todo lo básico de la misma?

Si tienen alguna duda, llamen a estos emprendedores que con sus travesuras -de a poco- irán lográndolo.

Ficha artístico-técnica A la obra!

Mariela Verónica Gagliardi

Escrito

en marzo 14, 2014

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«Don Quijote de Las Pampas», en Escenarios de Verano – Mar del Sur

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“Don Quijote de Las Pampas” es una obra dirigida al público infantil pero con gran caudal de aplausos entre los adultos, como suele ocurrir.

Esta pieza teatral humorística (actuada y dirigida por Martín Salazar), nos presenta las andanzas de Don Adolfo -quien aburrido de celebrar solo su cumpleaños- decide emprender otros rumbos. Su vida es aburrida, silenciosa y se dedica a leer, constantemente, para adentrarse en las aventuras de otros seres, Don Quijote de Las Pampas5sin caer en cuenta de que, aún, está a tiempo de cambiar la suya.

De esta manera, para uno de sus cumpleaños, recibe una torta hermosa llamada Dulcinea. Él, confunde la marca de la repostería con su amor idílico por la mujer -que lleva el mismo nombre-. Así es como empieza la historia y durante toda la trama podremos conocer diferentes paisajes de la Argentina, sus habitantes, el modo de comunicarse entre ellos y el entendimiento al que deciden llegar -burdamente- en cuanto a la ocupación de las tierras por sus pueblos originarios.

Don Alfonso será convertido, entonces, en caballero y su compañero-caballo Rocín (Gabriel Wolf), -con un acento difícil de entender y unos gestos totalmente grotescos y exagerados- irán atravesando diferentes poblaciones hasta hacernos acordar de un tema no gracioso como fue la conquista de América. En el camino se unirán a Sancho Panza (Gustavo Monje), quien nos hará vivir momentos inolvidables.

Por la hora en que se realizó la función, no hubieron demasiados niños, pero los que estuvieron presentes prestaron atención, rieron y aplaudieron. Claro que los Don Quijote de Las Pampas3mayores, también, acompañaron a los actores con palmas y risas.

En cuanto a la narración, muy entretenida, y para reflexionar a la vez; pudo llegar al corazón de los espectadores de manera eficaz.

Qué difícil es contar historia que aprendimos en el colegio, en general, aburridamente, donde los aborígenes eran tratados como los salvajes, hasta que llegó un pueblo más evolucionado e hizo con ellos lo que quiso.

El guión de Martín Salazar es muy interesante ya que tiene el tinte de su estilo Macoco y, además, lo hace atrapante la participación de los otros intérpretes -tan talentosos y originales- (Laura Silva, Gustavo Monje, Lucas Ferrara y Rocío Sanjurjo Ábalos).

Esta sátira pampera se plantea y nos plantea quién está errado: si los habitantes de una tierra o los que la invaden. Llega a la conclusión de que será mejor crear buenas migas para que no haya sangre derramada. Dicho mensaje no es para pasar por alto sino una moraleja muy importante. Si los niños, desde que aprenden, pudieran saber que con amor no existe posibilidad de guerras, este mundo sería capaz de aspirar a ser mejor y con más paz.

Don Quijote de Las Pampas2

La música en vivo, tocada por los mismos actores, es un valor agregado para el espectáculo y modo de involucrarse con el producto creado por ellos. Escuchamos instrumentos bien autóctonos, entre los que puedo mencionar la guitarra criolla, el bombo, la melódica, xilofón, etc.

Con respecto a la escenografía, los paisajes que son ilustrados con telas pintadas, van cambiándose a medida que avanza la historia. Los vestuarios están bien caracterizados y complementan, perfectamente, lo acontecido.Don Quijote de Las Pampas4

Mientras ellos recorren, conocen y viaja; pasa un año. El tiempo les pasó demasiado rápido y Don Alfonso ya no es como antes. Ahora cumplió los tres deseos que tanto anhelaba se le hicieran realidad, dentro de los cuales se encontraba el de tener amigos.

Una platea llena, lo abrazó con aplausos y él pudo continuar soñando.

Como final de la historia, una copla en guaraní, será entonada por Gustavo Monje; dándole a la obra una sensación de buenos augurios.

Ficha artístico-técnica Don Quijote de Las Pampas

Mariela Verónica Gagliardi

Escrito

en marzo 13, 2014