SABOR A TEATRO

La grandeza de dar

Barbro Lindgren es la autora de esta bella y conmovedora historia -adaptada a obra de teatro-, llamada «Historia de un pequeño hombrecito» (Sagan om den lilla farbrorn) que ya está llegando al final de sus funciones en esta nueva temporada de invierno.

Llegamos, descendimos las escaleras y ahí estaba él, tan ansioso como adulto, tan alegre como idílico, tan pequeño como enorme.

Fernando Álvarez es el portador de un esbelto cuerpo que nos abraza y traslada a la niñez -presentando situaciones totalmente reales por las que todos hemos pasado-. Aquel nene que solo, sufre por no tener con quien pasar las tardes, con quien jugar, con quien reír.

Pero, este niño no es malvado ni perverso, sino que no ha tenido la oportunidad de conocer a otros y darles todo el amor que lleva en su corazón. Su humildad y ternura atraerán a un perro, con quien muy pronto se entenderá. Aunque, necesitará a alguien de su especie para comunicarse completamente. Para ello, aparecerá una niña que en un primer momento acaparará la atención del animal, sin darse cuenta de esto.

La particularidad del hombrecito es que duerme sobre un baúl, al parecer en la calle, sufriendo frío -además de tristeza y desamparo-. Es un alma abandonada que, por suerte, encuentra y conserva fielmente como un perro, el cariño que se le va presentando.

Él es capaz de cubrir con su amor todas las necedades del mundo y de dar sin esperar algo a cambio.

Los días, las noches, transcurrirán velozmente y el pequeño entenderá que para conseguir algo que desea, debe pedírselo a la vida, al cielo, al universo. Pero para eso tiene un pizarrón y cada anhelo será escrito allí, para reforzar su convicción.

Su simpatía lo mostrará trasladándose de un lugar a otro -nadando con diferentes estilos- como quien juega sin cesar, respirando como si se tratara de la última partículas de aire.

Esto es lo que se entiende de Historia de un pequeño hombrecito, la valoración del tiempo y, por ende, de la vida.

Claro que el niño no puede descubrir determinadas cuestiones profundas porque su corta edad aún no le ha enseñado. Pero se trata de un pequeño hombrecito que se luce alto y grande. Un pequeño en busca de compañía de cualquier índole. Solo le falta dialogar con las plantas como para que se sienta el vacío que lo invade.

Un hombre no siempre tiene el valor de transmitir lo que siente… un chico sí. La sinceridad entre uno y otro es abismal. Lo que el mundo de los adultos suele resaltar es la transparencia que caracteriza a los infantes, aunque -contradictoriamente- no estén preparados para recibir crudas verdades.

El compañerismo, la solidaridad y el amor son mostrados como nobles; otorgándole a la historia aquellos valores de antaño. Y, a decir verdad, Lindgren escribe este cuento en 1979, año en que ocurre un hito histórico: Suecia deja de considerar una enfermedad a la homosexualidad.

En dicha obra no existe vínculo con la homofobia o inclinaciones sexuales pero, sí, con lo liviana que se siente una persona al mostrarse como es -sin tener que ocultar sus miedos o vergüenzas, detrás de una careta-.

Cada melodía pinta una escena diferente y que conlleva a lo mismo: la amistad y unión entre dispares, de los que se puede aprender, copiar, imitar y enseñar.

Enseñar sin restringir. Aprender sin juzgar. Imitar sin burlar. Copiar, admirando.

Mariela Verónica Gagliardi

Replantearse el amor

Los clásicos de William Shakespeare no aburren ni cansan ni pasan de moda. En todo el mundo se representan y, sin lugar a dudas, Romeo y Julieta es el más querido.

El amor antes y ahora, en el renacimiento y en la contemporaneidad continúa siendo tema de suspiros, angustias y dolencias.

Qué sería de los enamorados sin la pasión?

Julia Gárriz y Emiliano Dionisi llevan a la práctica una versión excelente y súper entretenida de Romeo y Julieta que la suponen de bolsillo. Estos talentosos actores pertenecen a la Compañía Criolla y logran lo que ningún otro elenco en lo que va del festival ha conseguido: que el público se enganche con los códigos establecidos por ellos, conformando un feedback constante.

Esta función fue muy especial y agradable ya que se realizó en el Barrio Guillermo Lehmann, permitiéndoles a los vecinos sumarse a la movida cultural a tan sólo unos pasos de sus casas. Claro que quienes quisieron, también, ingresaron a la sala para disfrutar.

He aquí el agradecimiento de un barrio humilde que goza de la cultura. Y no los subestimo en absoluto. Simplemente lo resalto porque llenaron el espacio con su alegría y todas las sillas y piso dejaron de existir para convertirse en comunidad.

Mientras Julia interpretó a una Julieta femenina pero a la vez grosera, simpática pero también odiosa; demostró la humanidad en un cuerpo de mujer y que -de cierto modo- se puede hablar con un léxico actual el cual, en definitiva, consigue un mayor acercamiento con los niños que el distinguido usted.

El escenario dotado de una simple escenografía, la cual incluye un pizarrón y telas negras que simulan paredes, determinan y justifican que desde lo más simple y creativo se puede construir. Que no hace falta ni es necesario un gran despliegue para conmover al público. Y que, Emiliano Dionisi al adaptar y dirigir, además de actuar, cuenta con una inteligencia privilegiada.

Su sensibilidad arrasa, su porte lo convierte en el Romeo de fines del 1500 escrito por Shakespeare pero, desde luego, en un ejemplo de masculinidad, de caballerosidad y de humildad ante su amada.

Todos conocemos la historia que enfrenta a los Montesco y los Capuleto. El terrible desenlace en que se envenena esta pareja cuando su amor es impedido. Las muertes que suceden a sus alrededores y la impotencia que provoca el final infeliz.

Lo acertado es mostrarle al espectador cada segmento trágico, burlándose de él y dándole una alternativa más suspicaz, graciosa y relajante. En definitiva, Dionisi, rompe el paradigma del amor trágico para reemplazarlo por un amor feliz. Deja de centrarse en el qué dirán para trazar su propio camino.

Asombra cómo ambos traen a escena a los personajes de la narración sin precisar de más elenco. Son dos, pero son ellos dos.

Esta historia es la que cualquier niño y adulto quisiera leer y presenciar siempre. Esta versión deliciosa que llega al corazón y nos hace aplaudirlos de pie, rozando una mano con la otra, al unísono.

Es la primera obra del Festival de Rafaela que emociona por completo y no quedan dudas de ello. La evidencia es este hermoso barrio que ingresó con una sonrisa pintada en el rostro y compuso una canción de carcajadas que se escuchó a lo largo de la cuadra. De hecho, al salir, un hombre me hizo hincapié en las risas y solicitó información de la próxima función.

Qué opinar o decir de una dramaturgia tan perfecta a la que ni le falta ni sobra nada.

Se preguntarán para qué existe el pizarrón. Simplemente para dibujar a ciertos personajes o situaciones, explicar escenas y, así, conseguir más complicidad con nosotros.

El baile, las canciones y la actuación la convierten a la obra en una comedia musical. Sus vestuarios la dotan de magia y cada palabra pronunciada deja su huella en las tablas, unas tablas que la recordarán por siempre.

La risa cura, sana. Esta obra también.

Una versión de bolsillo no me agrada porque sería sinónimo de pequeñez.

La gratitud y enseñanza la convierten en una obra dramática, social, vigente y espectacular.

La risa, la cultura y el amor: sanan, nos reúnen y convierten en unidad.

Ficha artístico-técnica:
Autor: Emiliano Dionisi. Por Grupo Compañía Criolla.
Ciudad: Buenos Aires.
Actúan: Julia Garriz y Emiliano Dionisi
Vestuario y Escenografía: Marisol Castañeda
Asesor Técnico: Darío Diaco
Producción y Asesoramiento artístico: Sebastián Ezcurra
Prensa: Simkin&Franco
Director Asistente: Juan José Barocelli
Dirección General: Emiliano Dionisi
Género: Comedia
Duración: 60 minutos
Dirigida: toda la familia

Mariela Verónica Gagliardi

Caída libre

«Yo te vi caer» (de Santiago Loza y dirigida por Maricel Álvarez) es la obra más impactante que he visto hasta ahora en el Festival de Rafaela.

Siempre existe un género o estilo con el que empatizo más y este es el caso. Es como si una dramaturgia fuese escrita especialmente para mí, dedicada a mí así como cuando pedimos con euforia un autógrafo a nuestro artista favorito.

La sala del teatro La Máscara, por suerte, estaba llenísima y tuve que ir al piso. Digo por suerte porque me pone feliz que una obra sea presenciada por tanta gente y, además, porque tuve el privilegio de estar a pasos de ella (Diana Szeinblum) y él (Santiago Loza).

Como si el cuerpo le pesara, esta hermosa mujer busca salidas, movimientos que la liberen y hagan sentir bien. Para esto, recorrerá y adoptará diversas formas y figuras en su propia anatomía. «Aquí no hay opción», esboza una vez que cae, que siente el golpe -aquel golpe que lastima, que hiere, que nos deja atónitos, sin reflejos, con la mirada en un punto o en la nada misma-.

Cuando explica el modo en que tiene el accidente, mi garganta parece retorcerse, anudarse, llegar a su máxima intolerancia. Igualmente, disfruto de los textos de este gran dramaturgo e intento no indagar demasiado en mi propia historia, la cual, evidentemente, me remite a mi niñez.

Entre unas proyecciones, el cuerpo danzante de Diana Szeinblum y dos pantallas repitiendo la misma secuencia en blanco y negro -desde el comienzo de la obra hasta su final-, componen una historia excelente y colmada de vértigo. Y no me refiero al vértigo de mareo o de miedo a caer físicamente, sino a la situación de inestabilidad emocional que puede atravesar nuestra alma.

Y, de repente, esta dolida mujer dice: «No cierres los ojos, no hagas silencio. Todo pasa».

Esta frase no es una mera expresión referida al dolor de su cuerpo que se desvaneció, sin querer, por torpeza; sino que apunta a la soledad y a la necesidad de contar con un ser amado en ese momento.

Ella, lo llama en silencio, ya que su boca no puede expresar palabras y, él, aparece, la acompaña y la rodea como precisa.

Lo interesante es que no vemos ninguna de estas situaciones sino que, indefectiblemente, las graficamos en nuestra mente -al mismo tiempo que contamos con la oratoria de los dos actores-, quienes se encargan de ejemplificar caídas, soledades y vacíos.

Seguramente, el espectador, pierda en algún momento el hilo conductor de la historia, lo cual me parece lógico. Pero hay que aprender a separar las situaciones, los momentos y unir solo cuando es necesario.

«Yo te vi caer» es una exposición e indagación a nuestro interior. Ella fue quien tuvo el golpe y él quien estuvo allí, en ese momento; pero esta no es la única situación presente en la obra. Ese momento es una suerte de desenlace.

Lo que verdaderamente importa es el sentido que los artistas le quisieron dar -junto a su directora- y en torno a quién gira la pieza teatral.

Según palabras de Maricel Álvarez, la obra esta dedicada al artista Bas Jan Ader (1942- 1975 desaparecido en el mar) y una celebración a su trayectoria. Para «Yo te vi caer», toman la esencia de su material teatral y lo interpretan en escena.

Cuando uno cae no hay opción alguna, puede esbozarse. No existe la posibilidad de remontar lo ocurrido, sino esperar a que el tiempo cure la herida. Y, con respecto a esto, actualmente también se deduce que hay dolor cuando este se ve, cuando la piel demuestra cicatrices. Pero, el otro dolor, el dolor del corazón de las ausencias, de los desarraigos?

Mientras la vida le da otra oportunidad, ella deja golpear su cuerpo contra el piso de la manera más real posible. Lo logra, lo consigue. El dominio de cada una de sus partecitas, es total. Considero que hasta su pelo debe poder mover a su antojo.

«Estoy, no estoy, dejo de estar». Acaso no es así la vida? Acaso cuando dormimos no estamos de alguna manera muertos, con los estímulos necesarios para sobrevivir pero no para pensar estratégicamente?

Loza describe pequeñas historias y retoma la principal para darle la posibilidad de intercalar sus representaciones físicas con, también, la lectura de textos relacionados a la temática.

En cuanto los truenos suenan, su cuerpo se desvanece nuevamente. Ella no ha caído mil veces, sino las necesarias para experimentar cual fue la correcta y de qué modo convenía colocarse para salir menos dañada.

Una niña aparece en el último video del teatro, moviéndose armoniosamente, sanamente, felizmente.

Ella probablemente, aún, no ha tenido que atravesar el camino del dolor, de ese dolor que te derrama lágrimas, quemándote por completo, hasta conseguir secarte para luego mojarte incansablemente.

Ficha artístico-técnica:
Autor: Santiago Loza. Por Grupo Acido Carmín
Ciudad: Buenos Aires
Un proyecto de Maricel Álvarez, Santiago Loza y Diana Szeinblum
Texto: Santiago Loza
Puesta en escena y dirección: Maricel Álvarez
Interpretación: Diana Szeinblum y Santiago Loza.
Música y dispositivo sonoro: Marcelo Martínez
Video y Fotografías: Nora Lezano
Coreografía: Diana Szeinblum
Luces: Lautaro Graciosi
Edición de video: Vasko Films
Diseño gráfico: Leandro Ibarra
Diseño de mobiliario escénico: Analía Espiga
Responsable de montaje escenográfico: Martín Gross
Operación de video y Asistente de dirección: Amalia Tercelan
Asistente de dirección: Felicitas Luna
Puesta en escena y dirección: Maricel Álvarez.
Se proyectan fragmentos de las siguientes obras de Bas Jan Ader: Fall I, Fall II, Broken Fall (organic) y Broken Fall (geometric).
Género: Performance
Duración: 50 minutos
Dirigida: público adulto

Mariela Verónica Gagliardi