*** SEPTIEMBRE 2025 ***

Sentir amares1

“Sentir amares”, escrita por Carolina Gómez (la actriz de la historia) y dirigida por Diego Jaraz, nos presenta a una mujer hipocondríaca, miedosa, solitaria (no por elección) y muy observadora; nos irá introduciendo en distintos aspectos de su vida privada de una manera interesantísima.

Cada frase esbozada por la artista nos dejaran boquiabiertos, exhaustos, son sensación de vértigo.

Su pie izquierdo se arruga más que el derecho, en el agua. Así empezará a sentir que su vida corre peligro. Se volverá cada vez más obsesiva y los detalles como en su pie la irán poniendo muy nerviosa. Pero ella no sabe estallar.

Con un vestuario delicado, bien de la década de los 60´, demostrará cuán femenina puede ser una persona dedicada exclusivamente a su hogar.

Si bien el escenario es uno solo, la escenografía es la encargada de dividirlo en distintos espacios a partir de los cuales se recrean distintos ambientes de su casa. La calidez que hay en la misma, nos sumerge rápidamente en su interior.

A partir de la retórica, diversos planteos aparecen y automáticamente su correspondiente respuesta. No es posible para ella dejar una pregunta en el aire. Necesita justificaciones para que su corazón siga latiendo, aunque sea rutinariamente.

En un primer momento vemos cómo está sentada en un sillón antiguo sumergiendo sus pies en una pecera con agua. Desde ese entonces sabemos que esta obra dará que hablar, al igual que su protagonista y única actriz.

Lo convencional es remojarnos en una palangana pero ella eligió este objeto porque la traslada al lugar que más ama en el mundo: el mar. Allí, tiene una amiga imaginaria, con la cual tiene largas y tendidas charlas. La arena es su espacio y cada granito será como la sal de su vida.

En cierto momento se cuestiona las diferencias entre escuchar y oírse. Sentir amares2Esto no hay que pasarlo por alto ya que constantemente se habla a sí misma -como casi única compañía- y, sin embargo, se miente descaradamente. Pero ella está casada y tiene una hija. Viven los tres juntos pero, a su vez, ellos tienen una vida aparte de la familiar, cosa que ella no. No logra desligarse de su rol de ama de casa -el cual desempeña a la perfección-, en el cual se disfraza y esconde.

Su vida es demasiado triste y patética. Su belleza como mujer no le permiten ver lo negativo de la gente. No consigue enojarse y de ese modo, todo a su parecer tu justificación.

“Sentir amares” es un fiel reflejo femenino, de aquel momento en que miramos tanto para afuera que nos olvidamos de quiénes somos. Ese instante en que la conversación de la vecina se vuelve más relevante que nuestra miserable rutina y nuestra soledad más asfixiante que una soga.

Cada metáfora escogida y utilizada nos demuestra cuán vulnerable es y, sus pensamientos (en alusión a sus flores), se secan día a día. Tuvimos el placer de escucharla cantar y allí pudimos descubrir una voz tan especial y dulce que nos conmovió hasta los huesos.

También, podemos observar el cuarto de planchado en el cual hace confesiones sobre su matrimonio, tan inverosímiles que su desgarro se potencia a flor de piel. Ella desea huir, pero por más que lo haga físicamente, no podrá escapar de sus propias garras.

El placer y la alegría no están incluidos en su libro de ama de casa. Ella tiene obligaciones como esposa y madre que la encerrarán cada vez más en su hogar.

Su único escape es el jardín que intenta cuidar, pero el cual está tan ligado a ella que no florece. Entre los dos irán tramando una historia muy jugosa, con tensión constante y con un goce pleno.

En esta obra no existen los altibajos, ni momentos mejores que otros. Toda la pieza artística es ideal y, para sorprendernos, hasta existen momentos de stand up durante los cuales reiremos y nos sentiremos seguramente identificados.

Sentir amares3

Podríamos decir que si durara más tiempo, no agotaría sus recursos ya que es original el modo de narrar y el cambio de escenas le da una agilidad al relato que nos deja con ganas de más durante todo el tiempo.

Queremos conocerla, queremos ayudarla, no queremos verla sufrir pero sabemos que -como toda mujer- posee la fortaleza para salir a flote y ser feliz.

¿Cómo ordenará sus pensamientos para que su espacio externo, que tanto ama, sea parte de verdad de su vida?

Mudar el mar a su casa no sería tarea fácil pero quizás a la inversa solucione parte de sus conflictos y sinsabores.

Dejar a un marido que no la tiene en cuenta no resolverá cada uno de sus interrogantes pero al menos le sacaría un gran peso de encima.

¿Cómo ordenará sus prioridades y cómo hará para ponerse ella en primer lugar sin sentir culpa?

Mariela Verónica Gagliardi

La sentencia del reloj de arena2

La vida y la muerte se enfrentan, se conocen, se tocan, se sonríen, se lloran y se reconocen.

Alfred y Jonas representan las dos caras de una misma moneda, respectivamente. Y el encargado de dirigir esta interesante y conmovedora obra es Claudio Martini.

Jonas (Loïc Lombard) trabaja en un ambiente cabaretero de París y lo artístico es lo que predomina en su ser. Vive para el teatro, para sus personajes y para el éxito que tanto le costó conseguir.

Por otro lado, Alfred (Marcos Gómez) -un muchacho de dieciocho años- con sed de conocimientos, muy bien instruído y con una angusta que desea superar (como es la muerte de su madre).

Como espejos: se ven por primera vez en el intervalo de una de las presentaciones de Jonas. Ellos son padre e hijo pero eso no es lo principal de esta obra, sino la búsqueda de valores. Es bastante subjetivo a qué denominamos “valores”, pero voy a centrarme en lo que culturalmente denominamos como correctos: reconocer a un hijo como propio y compartir momentos con este ser amado. La sentencia del reloj de arena1Cuando esto no ocurre -sea por el motivo que fuere- tropezamos con la tristeza y reprochamos cómo deberían ocurrir las cosas.

En cierto momento de la historia, Jonas esboza que “todos pasamos la mayor parte del tiempo esperando”. Esta frase hace alusión a sutilezas y a verdades en carne viva. Una de ellas es el pálpito que siempre tuvo de tener un hijo, sin tener certeza alguna. Tal vez, en algún lugarcito de su corazón, lo sentía. También, las palabras se refieren a Alfred quien nunca supo sobre su padre y quien después de fallecida su madre emprende la búsqueda -supuestamente certera- y careo con el mismo.

Jonas no es malo, no es perverso. Solo actúa tal. Por su pasado y presente, no puede sonreír de verdad; sino con la máscara que interpreta en cada rol sobre el escenario.

No se puede juzgar a un ser débil -con escudo- ni tildarlo de cínico y prepotente. En cambio, Alfred es joven -por dentro y por fuera- y solo quiere amor fraternal. Lo necesita, lo pide a gritos, se desgarra y renace suplicándole afecto cuando más lo requiere.

Por el lado del adolescente, nos sorprende con versos durante toda la narrativa. En cierto momento dice: “Debo cuidarme. Un corazón enfermo no sirve para nada”.

Pero uno de los momentos más desgarradores de la obra es cuando Jonas le dice a su hijo: “Soy un simple artesano del cabaret. Qué podés esperar de mí? Es increíble cómo, de forma constante, intenta desanimar a su pequeño para que no le queden ganas de estar junto a él.

Una verdad oculta y la dura realidad, serán las encargadas de darle fin a esta pieza teatral en la cual están presentes varios recursos de la poética, la narrativa, al igual que bellas canciones en francés y diálogos complejos en palabras pero sencillos de entender para el espectador.

La sentencia del reloj de arena3

Quizás sea como lo indica el título de la obra y las palabras dichas por el artista: “El tiempo nos engañó”. Y sí, será que cada momento que pasa nos acerca más al fin de nuestra vida.

La puesta en escena es perfecta. La ambientación es intrigante y el espectáculo de Jonas se desarrollo en un segundo espacio -el cual físicamente no vemos-.

Las intrigas se develan en el momento justo y las lágrimas son las encargadas de nublar el panorama para luego purificarlo.

En cuanto al desenlace, quizás no sea el elegido por nuestros corazón (a simple vista) pero luego, es el correcto para terminar de comprender los por qué.

Siempre necesitamos justificaciones y por ello somos humanos. Quizás, después de presenciar “La sentencia del reloj de arena”, entendamos que no todo se procesa con el cerebro sino con el alma.

Mariela Verónica Gagliardi

Solitarios

Estreno: 23 de mayo

Jueves 21:30hs – Teatro La Mueca (Cabrera 4255)

Sobre la obra:

SOL&TARIOS es un nuevo musical, con libro de Inés Juárez y Diego Sánchez, y música original de Jorge Soldera (quien compuso las canciones de La Parka y Alicia en Frikiland), la misma no es la típica comedia romántica, ya que cuando uno menos lo espera sorprende saltando a lugares inesperados.
Este divertido espectáculo cuenta con diversos estilos musicales (que van desde la música pop y las baladas, hasta el rock) que marcan los cambios y las vivencias de los personajes.

Interpretada por cuatro jóvenes y talentosos actores (Inés Juárez, Diego Sánchez, Juan Ignacio Pólvora y Sofía Schverdfinger) cuenta con la dirección de Ezequiel Elizalde, el cual para contar esta historia utilizó una estética vintage y medio naif – pero con elementos que irrumpen, y un juego de ambigüedad – donde el humor tiene un lugar central.

SOL&TARIOS habla de la amistad, de la soltería, del desamor, de la dependencia en el otro, pero por sobre todo, habla del amor.

Síntesis argumental:

Ellos están solos y llenos de preguntas sin respuesta. ¿El amor se busca? ¿Te encuentra? ¿O llega cuando menos lo esperás? Él está aferrado a un amor de su pasado, ella colgada de un futuro próximo que nunca llega. Y ambos están en un proceso de búsqueda del amor, que terminará con el descubrimiento de algo más importante que un romance. Algo que no buscaban, pero sin duda necesitaban.

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Funciones:
Jueves 21:30hs.
Teatro La Mueca
Dirección: Cabrera 4255
Reservas: 4867-2155
Localidades: $100

Estreno: 23 de mayo. Fin de temporada: 29 de agosto.
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Ficha técnica:
Elenco: Inés Juárez, Diego Sánchez, Juan Ignacio Pólvora y Sofía Schverdfinger
Libro y Letra Originales: Inés Juárez y Diego Sánchez
Música Original: Jorge Soldera
Dirección Vocal y Asistente de Dirección: Tatiana Coda
Dirección Actoral y General: Ezequiel Elizalde

Diseño de Vestuario: Solo Donovan
Diseño de Iluminación: Ezequiel Elizalde
Diseño de Escenografía: Inés Juárez y Diego Sánchez
Diseño de Peinado: La Roja peluquería
Diseño de Maquillaje: Irene Paré
Realización Audiovisual: Soledad Rembado
Fotografía: Fuentes Fernandez
Diseño Gráfico y Community Manager: Hacelo Correr
Prensa: Martin Dichiera para ALFAprensa + Comunicacion
Producción General: Inés Juárez y Diego Sánchez
Producción Ejecutiva: Eric Báez
Duración: 90 minutos aproximadamente.

Encontrános en 
FACEBOOK: facebook.com/solitariosOK – y en TWITTER: @solitariosOK

Acreditaciones, Pedidos de Nota, Fotos en Alta Resolución y por cualquier consulta sobre el espectáculo por favor comunicarse con: Martin Dichiera | ALFAprensa + Comunicación
alfaprensa@gmail.com – 15.4408.2697
En Twitter @MartinDichiera

Unipersonales

::Re-estreno::

Viernes 17 de mayo 23 hs: “Hamster, lo que haría si no estuviera acá”

Viernes 24 de mayo 23 hs: “Tan simple como soñarlo despacio”

 

Teatro: “Brilla Cordelia” (J. D. Perón 1926 – C.A.B.A)

Funciones:

Viernes 17, 31 de mayo, 14 y 28 de junio 23 hs:

“Hamster” lo que haría si no estuviera acá…

Viernes 24 de mayo, 7 y 21 de junio y 5 de julio 23 hs

“Tan simple como soñarlo despacio”

Entradas: $50

Sinopsis:

“Hamster” lo que haría si no estuviera acá…

Un espacio blanco y vacío. Una mujer dentro. Un pensamiento, una imagen, un sentido, algo la atrapo. Dando vueltas se está pensando. Dando vueltas se pregunta, que tiene que querer para salir. Dando vueltas se multiplica en el espacio. Dando vueltas encuentra todos los límites. Dando vueltas los deja ahí.

Ficha técnica:

Intérprete: Luisina Di Chenna

Dirección: Julia Muzio
Escenografía: Ariel Vaccaro
Música original: Manuel Toyos
Vestuario: Mirta Pizzini
Coreografía: Mariángeles Galeano
Iluminación: Julia  Muzio
Asistencia de dirección: Romina Mónaco

Prensa: Circular Prensa

Sinopsis:

“Tan simple como soñarlo despacio”

Es la historia de una mujer que se va, decide partir de una situación que la cansa, la agota, la ahoga y comienza un camino en soledad.
Como un cuadro que se va pintando de colores, sus proyectos se empiezan a ver y a tomar forma. Es una historia simple, tan simple como soñarla despacio.

Ficha técnica:

Intérprete: Romina Mónaco
Dirección: Julia Muzio
Escenografía: Ariel Vaccaro, Verónica Monge
Vestuario: Verónica Monge
Diseño gráfico: Ddroots
Asistencia de piso: Luisiana Di Chenna, Diego Feijóo                                                                                                                                                   Producción general: Romina Mónaco

Prensa: Circular Prensa

Con nombre propio2Emanuel Arias*Germán Barceló*Fran Ruíz Barlett*Felipe Forastiere*Germán Tripel

Idea y Dirección: Maxi Bartfeld

LANZAMIENTO: MIERCOLES 8 DE MAYO 20:30HS

FUNCIONES: MIÉRCOLES 20:30 HS

“LA OREJA NEGRA” URIARTE 1271 – PALERMO

Cinco Artistas, Cantantes, Compositores con una misma búsqueda y un nombre propio, presentan su material en una noche única.

Felipe Forastiere, Emanuel Arias, Fran Ruíz Barlett, Germán Barceló y Germán Tripel, presentando su propio material discográfico en 5 noches que serán una experiencia diferente al centro de un artista.

PROGRAMA:

-Miércoles 15 de mayo: Felipe Forastiere presentando su material inédito, una noche para no quedarse pegado en la silla, con algunos condimentos especiales.

-Miércoles 22 de mayo: Emanuel Arias, y una noche de  «Canciones Mutantes Interestelares on the Rock»

-Miércoles 29 de mayo: Fran Ruíz Barlett, presenta su proyecto solista con canciones nuevas, viejas y algún que otro cover en un viaje en buena compañia.

-Miércoles 5 de junio: Germán Barceló, presenta “Todo pasa”, íntimo y acústico.

-Miércoles 12 de junio: Germán Tripel – el Rock y el pop en la voz inconfundible German Tripel con invitados especiales y alguna que otra sorpresa

INVITADOS ESPECIALES EN TODAS LAS FECHAS.

Idea y Dirección: Maxi Bartfeld

Producción: “Tríptico Producciones Artisiticas ”.

Prensa y Comunicación: Circular Prensa

Entradas: $60 en puerta, $40 anticipadas

Chamuyeros4

La risa es sanadora, la risa provoca más risas y los efectos son siempre saludables para el alma y el corazón.

Elegir qué ir a ver en Miramar un Día del Trabajador, es bastante complicado ya que no hay más que una obra en cartel. En ese caso uno puede preguntarse por qué los actores optan por dejar su merecido descanso y subirse al escenario también un feriado tan importante.

La sala del Teatro Municipal Abel Santa Cruz, casi completa, tuvo el placer de convocar de manera gratuita a un público muy agradecido. Muchas personas, seguramente, ya la habrían visto el año pasado y este verano 2013; pero, por algún motivo, regresaron. El motivo no parece ser la gratuidad de la localidad, sino un aroma a felicidad. Una fragancia que se respiró desde el momento de hacer la cola, pasando por diversos estadios durante la dramatización, hasta salir de la función.

Las luces se encienden y un ambiente de living moderno es la única escenografía. Chamuyeros2Este decorado es suficiente como para que los diálogos sean los protagonistas.

Diego Apesteguía, es el responsable de las sonrisas dibujadas en cada uno de los espectadores, en el equipo técnico y en ellos mismos.

“Chamuyeros”, nos narra la historia de dos amigos, muy diferentes y parecidos entre sí. Antonio (Diego Apesteguía), un hombre bondadoso, sencillo, infeliz con la vida que lleva -pero incapaz de hacer algo para cambiarla-. Lalo (Maximiliano Tedesco), en cambio, mostrando una figura de ganador y de rival. Éste intentará programar una cita con su amigo, para conocer a dos mujeres (Bibiana Vázquez y Daniela Ortega). Claro que Antonio no tiene experiencia en el terr eno amoroso y, eso será lo cómico durante toda la obra: el ver cómo aprende a mentir hasta el punto tal de reinventarse como persona… asemejándose a Lalo. Y, éste, quedando en desventaja hasta parecerse a Antonio. Ambos, de esta forma, entenderán -a la fuerza- cómo la amistad es lo más importante. Cómo las mentiras tienen patas cortas y cómo ocultar, muchas veces, termina siendo peligroso.

Podríamos decir que la obra se divide en sketchs, durante los cuales conocemos perfectamente cómo son los personajes, sus vidas, propósitos, ambiciones y situaciones.

Chamuyeros1En un principio notamos cómo los dos amigos traman su plan para seducir, luego, a las dos mujeres invitadas. Lo gracioso es la presentación que le hace Lalo a su compinche, intentando convencerlo de qué le conviene decir, que callar, qué destrezas adoptar, cuáles dejar de lado. Pero no todo lo planificado saldrá a la perfección, sino todo lo contrario.

Los actores, me hicieron acordar a Francella y Disi. Por la gesticulización, la manera de dirigirse a sus espectadores, la conexión entre los dos, las miradas. “Chamuyeros” me llevó a los años 90 y el aroma a felicidad se apoderó de mí. Intenté no reír con demasiado sonido, pero pasados los minutos me fue imposible lograrlo.Chamuyeros

Retomando la historia, después de elaboradas las estrategias de seducción, entran en escena las dos chicas, sorprendiendo (y asustando) a Antonio por completo. Nada fue lo prometido ni imaginado por Lalo, quien estaba al tanto de los detalles que no decidió revelarle a su amigo. Que no quiso comentárselos para no obtener un no como respuesta.

Esta puesta en escena, si bien apunta a una comedia cómica, plagada de gags y chistes; tiene una profundidad enorme. Podemos darnos cuenta cómo los valores que existen en uno de los amigos, al mimetizarse con el otro, se van perdiendo de a poco. También, vemos cómo existe una desvalorización hacia el género femenino que es rematado con una lección de vida.

“Chamuyeros”, está relacionado con la simpleza del ser humano y con sus sinsabores como especie. Con ese no se qué, que muchas veces se intenta conseguir suponiendo que es mejor. La obra tiene muchas lecturas que cada uno interpretará a su gusto.

Las actuaciones son muy buenas. El dominio de la palabra, la proyección de la voz, la firmeza en las tablas y las interpretaciones -por parte de cada uno de los actores- son excelentes. Las cuatro figuras dejan su impronta en el escenario, se divierten, se buscan, se convencen. Es como un juego llamado: a ver quién miente mejor.

Chamuyeros3

Como una cadena, el ganador obtendrá una recompensa. Tal vez dicho regalo no sea una enseñanza moral, pero sí una moraleja a quienes discriminan en la vida real.

Con el cuerpo en su totalidad desbordado de alegría y reflexiones, salí a respirar el aire puro de la costa. Me seguí asombrando de la espontaneidad de los artistas al hablar con quien se acercara, al tomarse fotos con cada uno que lo pidiese, al agradecernos a todos por estar allí sentados con nuestras risas y aplausos.

Nosotros también somos los agradecidos al haber pasado nuestro día junto a ellos.

Mariela Verónica Gagliardi

VueloEl próximo domingo 5 de mayo se estrena el unipersonal de clown “Vuelo” con Valeria Maldonado y dirección de Lila Monti y Jorge Costa. “Vuelo” es el resultante de un material autobiográfico que tiene que ver con la búsqueda constante de la reflexión sobre la soledad. La obra se presentará los domingos de mayo y junio a las 19 hs en No Avestruz, Humboldt 1847.

Sinopsis

Edi es experta cocinando sopa de cebolla, pero una inesperada visita la pone patas arriba. Atrincherada en su hogar, comenzará a descubrir todas sus capas para despertar, brotar, aparecer, germinar en un viaje lleno de nuevos aderezos. “Vuelo” crea una nueva receta, habla de las estructuras y de todas las oportunidades que existen cuando uno no controla y se deja fluir sin un fin.

Sobre la obra

Edi cumple sus mandatos familiares, vive feliz en su rutina, sin lugar al cambio: conviviendo con la soledad. La llegada de esta cebolla brotada la hace reflexionar sobre la vida: sobre su vida. Edi propone una reflexión sobre la relación de las personas con lo que la rodea y el enfrentamiento interno que se atraviesa cuando una nueva oportunidad llama a tu puerta. La aparición repentina de esta cebolla brotada, rompiendo paredes, capas y estructuras vuelve todo muy distinto para esta payasa.  

Vuelo es el Aire, el viento, el aroma nuevo que esta en todas partes. Es el cambio del viento hacia otro punto cardinal. Es el asombro que moviliza y te impulsa a accionar”. Valeria Maldonado

Sobre Valeria Maldonado

Egresada del Profesorado de Teatro de Morón. Título Profesora de Teatro. Actriz. Formada en la técnica del Clown con Leandro Cosentino, Marcelo Katz, Marina Barbera, Pablo Algañaraz, Lila Monti, en Bufón con Nicolás Kohen, Teatro Físico con Jorge Costa, Walter Velazquez, Stand up con Martín Rocco, en Canto con Mariana Pereiro. Danzas con Isa Soares, Ana González Seligra.

Integrante del grupo de teatro-Clown, Mañosas…dúo del bolsillo (Argentina), formado en el 2003, sus espectáculos son escritos, dirigidos, producidos y actuados por Mañosas (Yanina Frankel- Valeria Maldonado). Se presentaron en distintas salas de Buenos Aires y en Festivales nacionales: Festival Patacómico (El bolsón); Festival Noches Merlinas (San Luis); Festival La Hormiga Circular, Gira Nacional (Roca, V. Regina, Beltrán, R. Colorado); Festival Yo Me Rio Cuarto (Córdoba); Festival Circo En Escena( Córdoba); Festival Paiaso (Córdoba); en el 2010 realizaron funciones en el Centro Cultural Konex dentro del marco Ciclo Delirio.

Se desempeñó como actriz en Teatro: “Monólogos Stand Up – Humor absurdamente lógico, junto a Sebastián Wainraich, Guillermo Selci, Fernando Sanjiao- Bodegón Cultural Teatro Liberarte (Capital  Federal).

Ejerce la docencia, impartiendo Seminarios Intensivos y Talleres anuales de Clown: Seminario Danza-Clown junto a Ana González Seligra/ Seminario de Clown Citas de Payaso/as / Seminario Aire Nuevo junto a Yanina Frankel, para gente con experiencia en la técnica. / Festival Patacómico (Seminario para Principiantes dictado junto a Yanina Frankel); talleres anuales en la escuela de Circo Entre el cielo y la tierra desde el 2009. Docente en la escuela de clown de Marcelo Katz. Actualmente forma parte del equipo nacional del Ministerio de Educación– proyecto CAJ, orientación Artística-dictando capacitaciones en distintas provincias del País.

Ficha artístico-técnica

Actriz: Valeria Maldonado

Dirección: Lila Monti / Jorge Costa

Dramaturgia: Monti/ Maldonado

Asistencia: Julieta Rugnone, Julia Grimoldi, Paula A. Gonzales

Utilería y accesorios: Paola Pretelli / Julia Izaguirre

Vestuario: Gastón Fleitas

Realizador de cocina: Sergio Sagiryan

Música: Matías Pascuale

Iluminación: Ricardo Sica

Diseño gráfico: Guillermo Goffre / Julia Izaguirre

Fotografía: Reflejo

Prensa: Marisol Cambre

Producción general: Valeria Maldonado

  Estreno: domingo 5 de mayo a las 19hs.

Teatro No Avestruz | Humboldt 1857 | CABA

Localidades $ 60 | Descuento para estudiantes y jubilados

En Facebook: Vuelo

(Desde el 5 de mayo al 30 de junio)

AfrolatinoamericanasSobre “Afrolatinoamericanas. De Voces, Susurros, Gritos y Silencios”.

Afrolatinoamericanas. De voces, susurros, gritos y silencios es la puesta en escena de diversos textos históricos y poéticos escritos por mujeresafrolatinoamericanas que relatan las gestas, pasiones, pesares e ilusiones de las mujeres afrodescendientes de Argentina y Latinoamérica, desde la época de la esclavitud hasta nuestros días. Llegadas a territorio latinoamericano en los barcos esclavistas, secuestradas y privadas de todo libertad, estas mujeres lucharon, se rebelaron y tejieron estrategias que les permitieron no solamente sobrevivir sino rehacer sus vidas, entrelazándolas con la todo un país (y un continente) que aún no toma conciencia de su presencia ni de su historia, haciendo recaer sobre ellas el olvido, la discriminación y los prejuicios.

Sobre Teatro en Sepia (TES).

Dirigida por la directora y actriz Alejandra Egido, trabaja desde las artes escénicas en pos de quebrar la histórica indiferencia y olvido de la presencia de los descendientes de esclavos en la  Argentina, y de los afrodescendientes provenientes en migraciones pasadas o contemporáneas  que habitan en este territorio. Aprovechando las actuales corrientes ideológicas y la nueva atención del Estado que abren fisuras en los discursos oficiales, tiene entre sus objetivos principales exponer a través del arte la problemática de la negación e invisibilidad afrodescendiente en un país que se considera exclusivamente “llegado de los barcos” que traían a los inmigrantes europeos a fines del siglo XIX.

Ficha Técnica:

Dirección: Alejandra Egido.
Autoras: Alejandra Egido y Lea Geler.
Elenco: Carmen Yannone, Irene Gaulli, Silvia Balbuena, Anastacia Giménez y Natalia Morales.
Voz en off: Derli Prada.
Vestuario: Virginia Del Castillo.
Coreografías: María Zegna.
Diseño de Luces: Leandra Rodríguez.
Iluminador: Melina Rodriguez.
Filmación y edición de video: Natalia Morales e Ignacio López.
Diseño escenográfico: Fernando Diaz.
Guión y selección de textos: Alejandra Egido y Lea Geler.
Prensa & Difusión: Mariano Casas Di Nardo.
Teatro: La Manzana de las Luces, Sala La Ranchería, Perú 272, San Telmo, C.A.B.A, Argentina.
Funciones: Desde el 3 de mayo, todos los viernes a las 21hs.
Reservas: 4342.9930. Entrada: $60 (Descuentos para jubilados y estudiantes $40).
Estreno: 3 de mayo.
Finalización: Último viernes de julio.

La obra cuenta con el apoyo de PROTEATRO e institucional del INADI (Instituto Nacional contra la Discriminación, la Xenofobia y el Racismo) (Disp. 211/12). Y fue declarada de Interés Social y Cultural por la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires (Exp. 3077-D-2012).

 

Año 2013, siglo XXI,  Mar del Plata, Argentina. Un hombre solo, en la intimidad de su hogar.

Un hombre Solonauta3solo que tiene acceso a internet.  ¿Es esa conexión, conexión con el mundo exterior? ¿Es real ese encuentro con los otros seres ubicados frente a otras pantallas en los mismos exactos segundos? ¿Qué significa estar conectados?

Una escenografía atractiva. Una especie de caja que oficia de hogar con muebles que ofician de muebles para ubicar los elementos tecnológicos que rodean a este hombre solo, peinado con gel y vestido con bata de seda.

Y ahí está él, jugando con su extraña “wee”, conectándose a las fabulosas redes sociales, llamando por un poco conocido aparato celular y consultando el estado de la bolsa de Wall Street en su misteriosa tablet… pero no tiene mucha señal, tiene mucha plata, ¡pero mucha plata eh!

Solonauta2Solonauta, el navegante de sí mismo, es una obra de humor donde afloran las paradojas del mundo moderno. La compu, las relaciones cibernéticas, el celu, los mensajitos, las fotos en Facebook, los Me Gusta, los no me gusta y los millones de amigos que supuestamente tenemos. Ni un solo espectador permaneció inmutable durante la función. A todos y a cada uno de los que ocupábamos una silla en El Club del Teatro, de una forma u otra, nos tocó y fue manifestado a través de la risa.

Y aquí viene la parte filosófica de esta historia. El mundo virtual nos lleva a “escaparnos” del real.  ¿Qué hay en el real que nos haga querer huir? La tele que nos muestra un mundo inseguro donde es peligroso salir a la esquina a jugar, el amor que con sus avatares nos rompe el corazón, el trabajo que nos obliga a pensar y repensar,  la lucha por pertenecer, los diarios.. la vida misma, que causa demasiado dolor. Dolor que es subsanado con un clik de nuevo al mundo de la web.

Pero sobretodo, la obra tiende esencialmente a hacer al hombre más verdaderamente humano. Sí, así como han leído, se preguntarán cómo se pasa de los aparatitos llenos de botoncitos y pantallitas que nos alejan y hacen de las personas, islas en sí mismas, a un humano más humano que el resto de los humanos.

Algo pasa en la vida de este hombre, un día de plenitud invade su vida un rayo de sol. Todo madura.. no sólo la uva se vuelve dorada…

Solonauta

Una obra escrita y muy bien representada por José Minuchin, dirigida y puesta en escena por María Rosa Frega.

La obra se realizó el sábado 27 de abril a las 21.30 hs, en el Club del Teatro, Mar del Plata.

 Melisa Morini

Imágenes de una novelaII

Una de las acepciones, según la RAE, se refiere a “obra literaria en prosa en la que se narra una acción fingida en todo o en parte, y cuyo fin es causar placer estético a los lectores con la descripción o pintura de sucesos o lances interesantes, de caracteres, de pasiones y de costumbres”.

Ese significado de la palabra novela nos puede transportar diversos mundos: el de un libro, el de la televisión, el del teatro, el de la vida misma, entre algunos ejemplos.

Pero “Imágenes de una novela” es más que eso. Es un universo en el que se conjugan tres vidas con tres historias -por momentos similares- por momentos diferentes. Esta obra de teatro nos convida con fragmentos de varias historias escritas por Luis Cano y adaptadas por Pablo Iglesias, en la que las actrices logran complementarse de una forma tan amalgamada que nos sentimos inmersos en las narraciones.

Así como en un comienzo observamos una pileta pelopincho como principal escenografía, todo lo que sucede luego se va entrelazando con dicho objeto.Imágenes de una novelaI

Temas como la muerte, historias cotidianas y de entre casa, angustias, tristezas, alegrías; hasta desembocar de nuevo en la parca.

Pero esta parca no es la vestida de negra, con llantos desgarrantes, sino la despedida de un ser querido con el que guardamos los más bellos recuerdos y añoranzas.

La puesta en escena nos hace reflexionar hasta emocionarnos. Quien se suelte un poco logrará derramar tantas lágrimas que podrán llenar la pileta. Tal vez una de las metáforas sea que el agua cubra y purifique lo que físicamente ya no está.

Esta pieza de oro encaja de una manera ideal en cada una de sus partes. Cada fragmento se une con el siguiente sin dejar vacíos. Por otro lado, las poesías son las encargadas de relucir las historias. Claro que hay una protagonista (Clara Virasoro) -porque así la narración lo precisa-, pero las otras dos artistas (Valeria Actis y Camila Palacios) no son personajes secundarios sino sus manos, sus sentimientos, sus almas.

Las tres actrices consiguen ser una: con sus dialécticas, con sus modos de vivenciar cada rinconcito de sus vidas, de sus recuerdos, de sus infancias.

Imágenes de una novelaIII

Los aromas, fragancias, olores y sentires, se huelen y vibran. Lo relatado es vivido por el público, quien se estremece de alegría o dolor según suceda en el escenario.

Cada forma de contar, precisa de un accesorio diferente, lo cual hace que se destaque la inventiva de los autores.

Por último, cabe destacar que las sutilezas implementadas durante la obra nos permiten reconocer en nuestro imaginario, cada momento, cada palabra. Las fotos colgadas en cierto momento de la obra nos dan un descanso mental y observamos con los ojos lo que nuestro corazón hizo durante los 50 minutos de esta dulce e inteligente dramaturgia.

(…) Agua que baña con aguas frescas 
las costas que te acompañan.
Soy agua que fue y hoy está seca
para llover mañana.
Raíz profunda, no sabés del miedo 
estás siempre acompañada (…). 

Mariela Verónica Gagliardi