*** SEPTIEMBRE 2025 ***

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Fragmentadas, una comedia con momento sensibles

 

Fragmentadas

Con la dirección de Nancy Gay, el 18 de marzo, estrena Fragmentadas en el Teatro Porteño. Se trata de un espectáculo en el que se entrelazan monólogos y divertidas situaciones de mujeres muy diferentes, quienes van retratando con mucho humor y ternura, su particular situación social y sentimental.

Ellas irán transitando por distintos estados surgidos de mandatos sociales, pero también de otras experiencias de vida como el desarraigo, los amores, la familia, la maternidad, la exclusión, los triunfos, los fracasos o la salud.

Conoceremos a Malenka quien dejo atrás su país, su amor y su hogar para dar consejos de una vida más saludable en un modesto programa de Tv de Lanús. Ser feliz es solo «una cuestión de actitud», dice con convicción.

A Sami que es una mujer atrapada en su propias reglas sociales y culturales.

Bailar a escondidas la música de Madonna es su secreto… ¿Vive en pecado?…

¿Por qué? ¿Quién es Sami?… «Somos muy felices» dirá ella…

Y, finalmente, a Romina, quien se presenta en un casting de talentos de Tv.Ella

carece de palabras, de conocimientos, de modernidad, de cultura, de belleza,

de sensualidad, carece de muchas cosas pero le sobran corazón, valentía y

amor.

Fragmentadas está hábilmente interpretada por Paula Farías, Marina Tanzer y Anita Aguila, tres actrices con amplia trayectoria en teatro, clown, impro y standup; quienes componen personajes coloridos, llenos de fuerza, valentía y perseverancia.

Teatro Porteño: Av. Corrientes 1630 – C.A.B.A.

Contacto: fragmentadaslaobra@gmail.com

Dirección: Nancy Gay

Actúan: Anita Aguila, Marina Tanzer, Paula Farías

Autores: Anita Aguila, Marina Tanzer, Paula Farías, Nancy Gay

Fotografía: Santiago Ariel Zequeira

Diseño Gráfico: Lucio Medori

Video: Luciano Barreda

La Directora:

Nancy Gay nació en la ciudad de Buenos Aires, comenzó sus estudios teatrales a los 16 años con Eduardo Cherf (Egresado del conservatorio nacional de arte dramático) en El Teatrón.

A los 19 años se trasladó a España y participó en la obra «Alvo neves a sete perdidiñas». En su regreso a Buenos aires ingresó al IUNA. Luego se formó en actuación con Helena Tritek y en otras disciplinas teatrales como clown, bufón e improvisación con Osqui Guzmán, Marcelo Savignone. En danza se formó con Ana Frenkel y Ana Azcurra. En canto con Corina Strik y Mauricio Mayer.

Participó como actriz en varias producciones, entre ellas la Opera «Traviata» en el Luna Park, con dirección de Daniel Suárez Marsal. La Opera «Carmen» también en el Luna Park, con dirección de Eva Halac. «Lo mío es peor»en el Teatro Cervantes con dirección de Oscar Martínez, Fue monologuista de humor en el teatro «El farabute», participando del espectáculo, «El varieté del farabute» Nominado al premio ACE y ganador del premio Clarín. También se desempeñó como monologuista en «Señales de Humor» durante 7 temporadas en el Paseo La Plaza. Trabajó como actriz reemplazo de rol protagónico en la obra «En el cuarto de al lado» con dirección de Helena Tritek en el Teatro Apolo.

Desempeñó el rol de directora en la obra «Reality Shakespeare» y es docente de escritura humorística e interpretación en el estilo stand up.

En televisión participó en «Primicias» (Pol- Ka), «Ciudad Internet» (Endemol), «Los Comediantes».

(Canal 12 – Uruguay) y durante los últimos dos años es parte del elenco estable del programa «La Pelu» en Telefe.

Fue nominada como relevelación del año 2012 en los premios Martín Fierro por su trabajo en «La Pelu».

Las Actrices:

Ana Aguila Estudió Licenciatura en Arte Dramático en Mendoza, Hace 10 Años que vive en Buenos Aires perfeccionándose en la técnica de la Improvisación, estudio con Ricardo Behrens quien la invitó a formar parte del elenco estable de la “Liga profesional de improvisación” (LPI) donde estuvo 6 años pasando por diferentes formatos, eventos, shows, workshop, seminarios, giras mundiales y festivales con dicho elenco.

Realizó seminarios intensivos de Impro con diversos improvisadores latinoamericanos y Canadá.

Actualmente da clases para niños y adolescentes, participa de Impro Sport Argentina, dirije “El Brincadeira” unipersonal de Horacio Badaracco, arma shows para eventos corporativos con «Brainstorm». Para chicos trabaja en su actual emprendimiento «Ring Boom Bam”. Trabajo en diversas obras teatrales para adultos y niños .

Además estudió: Actuación con Alicia Zanca, Pablo Ini , Alejandra Flores, entre otros. Melodrama con Cristina Moreira; stand up con Diego Weisteing. Clown con Daniel Casablanca y Gonzalo Rodolico Paula Farías Actriz, integrante de la Cia. IMPROCRASH! Junto al grupo realizo presentaciones en el Nd Ateneo, Ciudad Cultural Konex, Teatro Tabarís, Velma Café y muchas ciudades de Argentina.

Realizaron tres giras a España y representaron al país en distintos festivales internacionales celebrados en las ciudades de Medellin y Bogota: Colombia, México DF: Mexico, San Pablo y Belo Horizonte: Brasil, Lima: Perú, Madrid y Mostoles en España.

Con la misma compañía creó y realizó los espectáculos «Pleno», «Macedonia» y «AMS» dirigido por Daniel Casablanca.

Estudió actuación con Julio Chávez, Marcelo Savignone, Alejandro Catalán y Andamio 90. Clown con Lila Monti y Raquel Sokolovich. Teatro físico con Susana Rivero y George Lewis y Stand up con Fernando Sanjiao.Desde el 2005, tanto en España como en Argentina, coordina seminarios y cursos de Improvisación, Capacitaciones creativas para empresas, jornadas de integración y dinámicas de grupo, como también Dirección de actores en eventos y producciones artísticas varias Marina Tanzer Actriz que ha experimentado la comedia en varias de sus expresiones, improvisación, stand up y teatro.

Integrante del elenco de la compañía de improvisación teatral IMPROUCH! durante tres años realizando funciones en el Teatro Bauen y en varios teatros del interior del país.

Comediante en “Mensaje Subliminal – Humor de otro Planeta” Stand Up Show en el Paseo La Plaza.

Actriz en Fragmentadas, una comedia con dirección de Nancy Gay en la cual interpreta un texto creado en conjunto sobre la vida de una mujer judía ortodoxa.

Estudió teatro con Irina Alonso en el Centro Cultural Rojas. Improvisacion Teatral con Mosquito Sancineto, Gonzalo Rodolico y Gustavo Caletti. Guitarra y Canto con Loli Molina. Guión en Dinamic Films.

Escrito

en marzo 9, 2016

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Un sendero de luz en medio de la oscuridad

Te fuiste sin avisarme1
Ficha Te fuiste sin avisarmeCuando la muerte acecha no puede hacerse demasiado, más que filosofar con ella, pretender asimilar su llegada y resignarse a imaginar una vida del otro lado…

Te fuiste sin avisarme es una obra de teatro que tiene varias aristas y por ello considero es una genialidad poética, muy bien interpretada y que conmueve de principio a fin.

Con la actuación de un matrimonio en la vida real que traslada su amor a escena, pueden hacerse varias lecturas: desde la más shakesperiana hasta la más insólita y profunda.

Todo artista vinculado con las artes escénicas podrá comprender que no existen demasiadas sorpresas con el clásico inglés, sin embargo, cuando se doblega la apuesta y pretender llegar más allá de las palabras, dejando que el cuerpo se exprese y rebalse de emociones es cuando estamos (como espectadores) listos para abrocharnos los cinturones y despegar hacia un mundo de distintos colores.

Desde un comienzo se puede asumir que no será una pieza dramática convencional en que la prosa nos atrape como único sentido. Se trata de dos seres que hablan con un público que podría existir o no, con un “otro” que podría estar físicamente o no, con un “alguien” a quien contarle los conflictos y pretender solucionarlos con tan solo decirlos a vivas voces.

Un director de teatro con un carácter un tanto rígido, testarudo pero con un noble corazón; tiene a su actriz preferida (y compañera de la vida) a su lado. Como siente que tiene su cariño asegurado, no siempre la trata de buena manera. Es ahí cuando pueden verse diferentes escenas en que uno quiere sobresalir mientras opaca al otro.

Te fuiste sin avisarme se vale de una escenografía sencilla en la que se pretende hacer brillar a sus protagonistas, un dúo dinámico impecable que avanza espontáneamente teniendo en cuenta hasta el mínimo detalle discursivo y de vestuario, con la directora Gina Piccirilli que demuestra, una vez más, su talento inigualable.

Como quien se va a dar un paseo sin decir a qué hora estará de regreso, o quien desea respirar el aire puro y observar las estrellas en el cielo. Esto y mucho más es el sentido de la obra que podría vislumbrarse en estado de alerta o de un sueño eterno.

Un drama para comprender de qué se tratan los vínculos humanos, cuándo se aceptan como fundamento o porque se consideran como única opción mientras el tiempo pasa y no solo se envejece sino que se admite un transcurrir apesadumbrado y sin retorno.

Una historia para cuestionarse el por qué de las cosas, de las relaciones y de los mandatos. De lo conservador frente al cambio más aterrador.

¿Por qué una mujer debe seguir al lado de un hombre que no la valora como se merece? ¿Cuál es el motivo o la respuesta que se pretende cuando ante determinadas preguntas, las respuestas son siempre las mismas?

¿El ser humano acaso se transforma y cambia o es el deseo el encargado de engañarnos cuando queremos, desde lo más profundo, encontrarnos con el amor de nuestras vidas?

Mientras un Hamlet se debate entre el orden establecido y lo que podría ser más novedoso y atractivo, una mujer joven indaga en diferentes géneros discursivos luciendo entretenidos trajes que la convierten en una artista de varieté.

Qué es el amor sino el capricho más gigante del universo en que un ser quiere, a cualquier costo, continuar del brazo de otro ser que se cruzó por su camino.

De todos modos las escenas demostrarán que no todo es tan fácil de ver en la vida. Un gran trabajo de Verónica Ayanz y Osvaldo Peluffo que da la sensación de estar flotando en el aire con ese vértigo tan delicioso como es el no saber a dónde conducirá su desenlace.

Mariela Verónica Gagliardi

Escrito

en marzo 1, 2016

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Entrevista a Eduardo Marún

logo epa cineEduardo Marún es Licenciado en Artes, Director de Teorema Producciones y el organizador del 1° Festival Internacional de Cine Independiente de El Palomar que tendrá lugar del 25 al 29 de mayo del corriente año. Para tal fin se fusionó el Cine Helios (ícono artístico y cultural en el barrio de Ciudad Jardín) con Teorema Producciones ( para darle una experiencia única a esta zona del Noroeste del Gran Bs.As.

Contame cómo fue la iniciativa de querer realizar este Primer Festival y acá en el barrio de Ciudad Jardín.

Siempre estas iniciativas son conglomerados de circunstancias y deseos conjuntos.

El Festival está co-organizado por una cooperativa de servicios que es Teorema, que la formamos entre amigos festivaleros que vamos realizando un recorrido por festivales (amén de que nos vemos en otras circunstancias) pero cuando es el Bafici, Mar del Plata y otros festivales; estamos practicamente juntos todo el día y compartimos un montón de proyecciones así que el festival -desde esta parte- sale de ahí, ¿no? De tratar de compartir esa experiencia tan grata que es esos días de festival, esa circunstancia tan particular que es transitar por un festival que es muy distinto a un simple almacenamiento de visiones de películas, compartirlo con los vecinos de El Palomar, trasladar esa experiencia que, acá, al día de hoy no existe. Por parte de Teorema viene de ahí y por parte de el Helios cuando les hice la propuesta a Gustavo y a Alejandra, posteriormente a Luis; por supuesto quedaron encantados y enseguida comenzamos a organizar el festival desde el Helios. ¿Por qué quisimos desde el Helios organizar un festival? Porque entendemos también que hay que darle un espacio a esas cinematografías que no entran dentro de ciertas lógicas distributivas, además de que ahora estamos proyectando cine comercial, somos Espacio INCAA; pero bueno, queríamos que el Helios sea también un referente o un espacio para este tipo de diálogos con otro tipo de cinematografía.

¿Alternativas también?

Digamos alternativas, independientes, de difícil acceso.

Como que si no está dentro de ese circuito de cine, es bastante difícil llegar a propuestas copadas, cosas muy interesantes que, de hecho, las hay.

Por supuesto.

Muchísimas.

Hay bastante. No es que la propuesta nuestra del festival sea original porque hay un montón de festivales en toda la Argentina. Sí es original dentro de este ámbito, dentro de esta geografía y, justamente eso, ¿no? Darle la chance, la posibilidad a los vecinos de El Palomar y alrededores que tengan una experiencia festivalera.

Una experiencia local.

Una experiencia local.

Apropiársela, al menos por cuatro días.

Son cinco días: cuatro de programación y la gala de apertura.

Supongamos una misma película, no es lo mismo verla en el Bafici -siendo vecino de El Palomar- o en Mar del Plata que en tu propio espacio. Es distinto porque uno entra a dialogar con la película desde otro lugar, desde el lugar de uno. Siempre entendemos, desde el Helios y los chicos de Teorema, que lo que hacen los festivales es, justamente, por esos días transformar un poco el espacio, que excede totalmente al hermetismo de la sala.

El Festival va a constar de dos partes: la presentación que van a tener en cuanto a cortos y después largometrajes a nivel internacional.

Exactamente. Son las dos grandes secciones que se trabajan a nivel de convocatoria. Una es la muestra de cortos nacionales y la otra es la competencia…

Cuando la gente empiece a enviar cortos (risas)

Ya enviaron un montón.

Van a tener que armarse de paciencia.

Ya estamos armados de paciencia. El modus operandi del festival es dialogar entre todos así que todos tenemos acceso a las películas y estamos muy contentos porque nos llegaron un montón de cortos, más de ochenta largometrajes, de geografías impensadas (como decirte Austria, Letonia, Estonia).

Es que eso es lo que tiene un Festival. Desde adentro, desde el lugar de ustedes, no tienen la dimensión de lo que están haciendo hasta que pasan estas cosas.

Sí, por suerte, nos sorprendemos gratamente con la convocatoria, con la cantidad y la calidad de películas que nos llegaron así que le tenemos mucha fe a la programación de estas dos secciones con convocatoria -que está abierta hasta el 29 de febrero-.

Lo que tienen de mágico los festivales es que se va creando como una comunidad, entre los que organizan y proyectan y, en este caso, entre los vecinos.

Apuntamos a estas formas de mirar que ya tienen ciertas herramientas (como los cineclubistas), pero también aportamos a los otros vecinos que no frecuentan este cine.

El concepto que nosotros entendemos de lo cinematográfico, excede totalmente de lo meramente visual. La película no es el único acontecimiento cinematográfico, entendemos que que las charlas son cinematográficas, una master class… Los diálogos que sean posterior a la función que se den entre los vecinos, también son cinematográficas. Por eso es que uno de los objetivos del festival es brindarle herramientas a los vecinos para que cuando entren a una sala de cine puedan mirar desde otro lado.

El festival, durante esos días, va a recuperar una de las viejas salitas del Helios que ahora funciona la escuela de danza Arte en acción, que todavía sigue teniendo su cabinita de proyección.

Era preciosa.

Sí. Bueno, es como muy mágico que se de en ese lugar.

Es como (a mí siempre me hizo acordar) un living de una casa grande.

Totalmente.

Íntimo.

Colectivo, ¿no? Colectivo, pero íntimo. Bueno, en ese espacio que vos bien detallás, ahí vamos a dar clases abiertas al público, va a venir alguien de banda de sonido a explicar qué es una banda de sonido, va a venir un director de fotografía a explicar qué es la dirección de fotografía; como para brindarle a los potenciales espectadores ciertas herramientas.

Para convertirlo, de alguna manera, de pasivo en activo de alguna manera.

Sí. En cinéfilo, digamos.

Claro.

Nosotros, los cinéfilos, siempre creemos que cuantos más cinéfilos haya el mundo pueda llegar a ser mejor.

No son egoístas ustedes.

No, para nada. El cine lo entiendo y lo entendemos como un hecho colectivo, en todas sus etapas: desde la producción, el rodaje (que es de por sí colectivo), es una de las características que lo distingue de las otras artes; y en su recepción es siempre colectiva. Por eso es imposible tener un cine en una casa, por más pantalla grande que se tenga, por más sonido 5.1.

Por más individualista que se sea.

Totalmente. La sala convive un encuentro de distintas subjetividades pero, a la vez, el cine lo que otorga es una igualación (en el sentido de que en una sala de cine no importan las diferencias de clase, no importa la coyuntura de cada uno). En esa sala de cine valemos todos igual pero, a la vez, se sostienen las distintas subjetividades, no se anulan. El cine es de por sí un hecho colectivo, es el arte popular del Siglo XX.

Y no es tan tirano el cine como el teatro. Los artistas están en ese momento dentro de la película, no están esperando el aplauso que es realmente muy tirano, en algunas circunstancias.

Sí, es una de las diferencias que en el teatro tiene esa cuestión de lo efímero y del contacto con el espectador y el diálogo es ahí mano a mano.

Es positivo y es negativo.

Sí, sí. Tiene sus diferencias. En este caso, uno también dialoga con la película y la película también dialoga con uno pero es otro tipo de registro. Es bastante difícil de traspolarlos. Pero, igualmente, esa cuestión tirana que vos decís que los actores esperan el aplauso, se traspola a los programadores. Los programadores esperamos el aplauso.

Claro que sí.

Y en los festivales suele ocurrir mucho que haya o que no haya aplauso. Entonces, cuando vos programaste una película y la estás viendo estás muy pendiente a los gestos de las personas, a ver cómo reaccionan y, sobre todo, al final de la película si ese sonido estalla o no. Y es muy interesante el aplauso en el cine, porque si en el teatro tiene que ver más con el agradecimiento , en el cine tiene que ver más con una celebración, de un acto festivo, colectivo. Es celebrar, entre todos, que vemos una película que nos gustó. Tiene como esta cuestión más de ritual.

Mencionaba sobre las Master Class.

Las Master Class (no me gusta decirles master class porque es un término de afuera)…

Bueno, clases magistrales.

Vamos a ver si podemos traer a algún director, a algún realizador, a gente que haga edición…

Uno de cada categoría.

Exactamente. Para que se pueda descentralizar también el punto de vista únicamente del director. Para que se entiendan y conozcan los distintos procesos que forman un film y las distintas miradas que hacen que un film se materialice.

Va a haber una función con música en vivo, también estamos muy contentos.

Qué lindo.

Con la gente de Q el trío que va a musicalizar un film en vivo.

Qué buena experiencia.

Sí, sí. La sala tiene muy buena acústica y le tenemos mucha fe a ese evento. Una de las cosas importante que, entendemos, tiene que tener un festival es la inserción de la comunidad. Es por eso que vamos a trabajar con la gente de Máquina de mirar (que trabajan con juguetes ópticos), van a venir chicos de jardín y de primaria a conocer los juguetes ópticos y a fabricar sus juguetes ópticos. Estamos muy contentos con esa actividad; y, también, van a participar chicos de secundarias de la zona (esta actividad la estamos organizando con la gente de Cuca de la Untref). Ellos, durante todo el año, hacen el proceso de un corto y la idea es que vengan a ver su corto al cine y que también vengan los que van a participar, que se junten las dos generaciones y que tengan la experiencia de disfrutar su trabajo en una sala de cine, para lo cual fue concebido. Esta actividad nos llena de orgullo y estamos muy contentos también.

Y algo que nos gusta a todos… ¿va a haber cine debate, vamos a poder desmenuzar una película?

Hay que ver qué se genera en las preguntas y respuestas en caso de que haya un director. El festival va a tratar de generar esos espacios en los llamados meeting point (puntos de encuentro) en donde, como decías vos, los vecinos puedan dialogar nosotros o puedan dialogar entre ellos ya sea en el pasillo del cine o en esta segunda sede o en la ante sala del cine, tratando de tener un espacio donde se pueda dialogar más espontáneamente.

También, el festival, va a tener un foco de cine experimental. Nunca se pasó cine experimental en la historia del Helios y, es probable, que la gente que venga a esa función -sea mucha o poca- nunca haya tenido un acercamiento, con lo cual también va a haber como dos programas de una hora.

Todos ustedes, cinéfilos, ¿hace cuánto se reunieron?

Mi entrada en el cine Helios fue a través del Cine Club que ya tiene tres temporadas, entonces yo soy el que pivotea entre los dos organizadores del festival. Primero se lo plantee a Alejandra y a Gustavo, por supuesto se entusiasmaron con la idea, después se entusiasmaron el resto de las personas del Helios y cuando se lo dije a estos amigos cinéfilos (de Teorema) si se copaban y me ayudaban a hacer un festival todos dijeron que sí encantadísimos.

Ya hace un año que estamos trabajando con el festival duro y parejo.

Mariela Verónica Gagliardi

Escrito

en febrero 19, 2016

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Una espera desafiante

Fotografía: Carlos Furman.

Fotografía: Carlos Furman.

Ficha Vigilia de nocheSe dice que cuando uno espera, desespera. Y, cuando se espera en grupo y ese grupo está integrado por personas no compatibles todo puede tornarse caótico y exasperante.

En Vigilia de noche (escrita por Lars Norén, con traducción de Francisco J. Uriz y con versión y dirección de Daniel Veronese) puede notarse cómo dos matrimonios tienen que pasar una velada juntos por necesidad y compasión, como si se tratara de una obligación imposible de quitar del camino.

A partir de un hecho puntual como es la muerte de un familiar, dos hermanos se reencuentran después de muchísimo tiempo y así surgen todos los problemas y conflictos del pasado (trasladados a un presente muy poco prometedor). Sus mujeres no se quedan atrás y si bien no compiten entre ellas, tienen bastante para decir y gritar entre las cuatro paredes para que se haga justicia y de lugar a sus sentimientos tan poco valorizados.

Pareciera ser que el resentimiento está inmiscuido entre las cenizas y que no podrá soslayarse tan fácilmente. Quizás la única esperanza sea que digan lo que les pasa, que se expongan ante los demás y puedan emitir con palabras quiénes son. Porque este es uno de los puntos que más se resaltan durante la dramaturgia: los matrimonios parecieran están conformados por dos personas que prácticamente no se conocen por más que el tiempo debería demostrar lo contrario.

El statu-quo está en manos de los hombres con su machismo predominante y la necesidad de marcar territorio como si fuesen animales que necesitan delimitar el espacio que ocupan. Mientras tanto, las mujeres son mostradas como bienes-objetos que ocupan el lugar de acompañantes y que no deberían tener voz ni voto. Son esposas al fin, presas de dos hombres que son más parecidos de lo que muestran ser en un principio de la obra. Dos seres obsesivos (cada uno a su manera) que impiden la fluidez y espontaneidad ajena.

Vigilia de noche es una pieza artística que alcanza la excelencia, con cuatro interpretaciones perfectas que se lucen a lo largo de la historia dramática, dentro de la que surgen algunos momentos humorísticos que permiten relajar a los espectadores para que luego el remate sea prometedor.

Existen escenas cargadas de sensualidad, erotismo y violencia verbal en las que es posible comprender la magnitud de esta familia que no solo está separada por la distancia geográfica sino por las limitaciones mentales de las que se atan con nudos imposibles de quitar.

Esta obra es un claro ejemplo sobre tapar el sol con una mano y sobre las barreras emocionales que no permiten avanzar sin destruir a los demás, a quienes se supone que aman sin poder demostrárselo.

Cuatro seres que quieren disimular el dolor que sienten y, sin embargo, continúan dentro de un círculo vicioso que nada positivo les aporta.

La violencia de género, instaurada como un cuadro de antaño, juntando polvo y sin lograr acabar. Un living que aloja y sostiene a las dos parejas desparejas a quienes ya no se toleran y no tienen el valor para tomar otro rumbo que los favorezca.

Pareciera ser que el camino escogido es el de poner en práctica todo lo absorbido hasta el momento sin mediar las consecuencias, ignorando que el mal no se termina con odio sino con un giro rotundo en la conducta y accionar. Pero para eso el psiquiatra podría dar cátedra y el ejemplo, un ejemplo que calumnia y angustia, que sofoca a la víctima y no la deja ser.

¿Por qué el maltrato, por qué su validez?

Horas que transcurren, una tras otra, desnudando a las personalidades más temidas. Víctimas, victimarios y la enfermedad de continuar cuando ya no es sano, cuando ya no existe el amor y cuando la locura ingresa sin pedir permiso convirtiendo a quien -menos se esperaría- en otra persona, quizás, capaz de combatir los días y el futuro en otra etapa, en un rumbo -al menos- direccionado por sí misma.

Pilar Gamboa demuestra, una vez más, que su talento es infinito, siendo sensualidad, mujer pasional, fiera y defendiéndose de todo lo que surja como por arte del mismo arte.

Un libro y dirección increíblemente detallistas que logran abrazar a los actores para que se luzcan como lo hacen.

Mariela Verónica Gagliardi

Escrito

en febrero 2, 2016

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Manipulación rebelde

Hablemos a calzón quitado16

La década del setenta, sin lugar a dudas, fue una de las más emblemáticas en Argentina. Ese aire brumoso por el que se cruzaban civiles y armados, disputándose unos ideologías y otros el poder; queriendo adueñarse de un país que no era de un bando u otro, sino de todos. Absolutamente todos.

En un clima convulsionado por los militares que golpeaban (en todo sentido) a todo aquel que pensara y actuara diferente a lo pretendido, en un clima hostil y que dañaba a todo idealista, en un clima que no fue soportado por todos y en el que perecieron o hicieron perecer a los más débiles (a esos soñadores empedernidos, tildados de golpistas) es que se ubica esta historia titulada Hablemos a calzón quitado (escrita por Guillermo Gentile y dirigida por Nicolás Dominici).

La presente obra es un tesoro realmente que une y reúne a tres seres completamente diferentes pero que, sin embargo, necesitan retroalimentarse de algún modo. Así es como un padre (Oscar Giménez) vive junto a su hijo (Ulises Pafundi), aunque es un error decir que viven, mejor dicho habitan bajo el mismo techo. Uno se sirve del otro, mientras este otro se apoya en el primero. Así es como la dupla pasa sus días con una rutina exactamente idéntica y que no sufre ningún tipo de transformación, hasta que un tercero cae como gota de lluvia para refrescar. La llegada de este extraño representará a la sabiduría, a la importancia del pensamiento, de saber argumentar y de lograr tener convicciones sin temer a los demás.

Claro que cuando existe un dominador, necesariamente tiene que haber un dominado; así como la existencia de oprimidores y oprimidos. Como un rayo que se posiciona sobre el más vulnerable, convenciéndolo de que su “vida” es la que le toca y sus días deben ser miserables.

La dificultad de uno deja en evidencia la del otro y todo lo que se suponga deba ser de una manera, podría convertirse en lo contrario e incluso opuesto.

Este tercer cuerpo que recibe el nombre de Martín (Emiliano Marino) que llega para importunar a la pequeña familia conservadora que está acostumbrada y arraigada a determinadas creencias. Pareciera ser que el tercero es “discordia” se cumple a raja tabla y es que no siembra justamente discordia sino dudas existencias y muy profundas. En verdad se trata de conocer el todo para elegir algo determinado. Si el Nene hubiera sabido y entendido quién es quién podría haber cambiado su suerte, podría haber desplegado sus alas en busca de la libertad y el placer que tanto anhelaba. Su Papi se encargó de mantenerlo guardado, oculto, reprimido como un paria que no tiene voz ni voto, que solo debe obedecer y callar.

Un silencio que se rompe y que es interrumpido es el puntapie inicial en esta dramaturgia que tiene tintes dramáticos y humorísticos, que permite hacer soportable la bruma espesa sin oxígeno. Que en medio de tanto odio plantea un escenario alternativo para desdramatizar la realidad.

Los libros serán los enemigos incansables del padre que luchará para volver atrás el tiempo, un tiempo que ya no tiene retorno.

Mientras tanto, la necesidad es la encargada de crear determinados lazos que irán surgiendo -momento a momento- hasta plasmar la bipolaridad que tiene cada uno de estos entrañables personajes, consiguiendo empatía con el público, haciéndose más o menos cercano según los rasgos que los caracterizan y permitiendo que la revolución tenga lugar en la vida de quien así desea que sea.

Desde ya que el personaje de Ulises Pafundi es el que más repercusión tiene no solo por su interpretación sino por quien es en escena. Sus compañeros de obra tienen un gran desempeño también y consiguen enriquecer la trama con la tensión necesaria para que solo podamos relajarnos en los momentos que la historia lo permite.

Hablemos a calzón quitado es la fórmula perfecta para quitarse la máscara y decir lo que se piensa, haciéndose cargo de las consecuencias.

Mariela Verónica Gagliardi

Escrito

en enero 27, 2016

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La fusión energética

Mi vida con Lucía20

Ficha Mi vida con LucíaA veces no es relevante si tiene estudios, con quién se formó, por qué alguien con trayectoria no puede tiene la posibilidad de estar en su lugar: lo más importante es saber aprovechar la oportunidad que se presenta. Así es Andrea Rincón, una mujer que se hizo conocida gracias al programa de televisión Gran Hermano y que, de ahí en más, tuvo su propio nombre. Para gustos o disgustos, ella ocupa el lugar que se merece y realmente me sorprendió, gratamente, al ver su desenvolvimiento junto al talentoso Alejo Ortiz. Porque no hace falta recalcar demasiado que Alejo es un actor con todas las letras y su compañera de tablas no. Lo que sí me atrevo a confirmar es que Mi vida con Lucía (escrita por Ray Cooney y Gene Stone, titulada originalmente como Why don´t stay for breakfast) es una comedia romántica que se disfruta plenamente, que el personaje de Lucía exaspera y el de Alejo enternece. Que para conseguir una buena dupla, como la que se ve en escena, tiene que haber disfrute y condiciones actorales.

Dicha dramaturgia fue adaptada por Rodolfo Cabrera y cuenta con la dirección de Adrián Venagli. En este trabajo puede notarse cómo una joven embarazada, perdida, sin saber bien qué rumbo seguir, va rebotando de una casa a otra. Ella está esperando un bebé y, sin embargo, no parece sensibilizarla el acontecimiento. Lo que más la conmueve es la diversión, el poder pasar agradables momentos y no aburrirse nunca. Súper caprichosa, algo bruta y demasiado frontal; se cruza con su vecino a quien critica, constantemente, por ser tan opuesto a ella.

Así será como ambas personalidades rozarán a cada momento y los conflictos de pareja aflorarán aún sin existir ésta. Porque igualmente se trata de señalar con el dedo lo que jamás harían. ¿Jamás?

Las travesuras, como en la infancia, se apoderarán de esta historia encantadora. Respetar las diferencias no parece ser un requisito primordial, así como tampoco el poner nervioso a quien se altere por un simple movimiento de la decoración de su casa, o el arrojar regalos por una ventana como acto de rebeldía.

A través de escenas que transcurren lentamente y cargadas de emotividad, se suceden acciones y reacciones al instante. Solo se descansa la vista mientras duermen ya que al abrir los ojos, los problemas no tardarán en aparecer y las soluciones a demorarse más de la cuenta.

Con una escenografía moderna, atractiva y en la que sobresale una cocina con todos sus detalles culinarios es como puede disfrutarse de la vida de Tomás hasta que su hermana se siga entrometiendo en cada uno de sus espacios que no son tales.

Quizás podría unirse el título original de esta obra junto al argumento reinante ya que Lucía se aparece en el horario de la comida, pidiendo -o, mejor dicho, exigiendo- dinero para rehacer su vida. Como si tuviera el derecho de importunar a quien se le ocurra por el solo hecho de estar embarazada.

Varios clichés pueden notarse a lo largo de la historia y, tal vez, sean esos ingredientes los necesarios para preparar el plato principal y el postre que tanto ansían.

Mi vida con Lucía es un retrato a tantas parejas que no saben el camino a seguir, que no se animen o le temen a todo. Lucía, sin embargo, está desprovista de fobias o miedos comunes y se aventura a ser madre cuando ni siquiera sabe por dónde comenzar.

Por suerte, su compañero de ruta la irá dotando de algunos consejos para tranquilizarse y sentir que cada día es un desafío que debe asumirse con alegría pero, también, con responsabilidad.

Mariela Verónica Gagliardi

Escrito

en enero 26, 2016

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El gusto del amor

Simple4

Ficha SimpleÉl es un galán y, además, un excelente cantante que es capaz de sorprendernos con sus investigaciones poéticas y musicales cada vez que organiza e idea sus espectáculos. Esos espectáculos que son verdaderos shows en los que, si bien es el protagonista, le deja el lugar principal a sus evocaciones sobre las que siente una real admiración.

Francisco Pesqueira comienza a interpretar a su nuevo personaje desde el momento que la sala 2 del teatro La Comedia nos abre sus puertas. Un espacio que se llena por completo, donde no cabe ni un solo alfiler más.

Pesqueira, tiene un don para narrar anécdotas -sean propias o prestadas-, y es así como su mundo artístico va desplegando alas que le permiten volar hacia donde quiera. Haciéndonos, a nosotros, a su público fiel, continuar el viaje junto a sus sonrisas, sus interpretaciones, sus canciones, sus poemas y cada uno de sus gestos que le permiten brillar como las cortinas que se vislumbran en la escenografía que compone “Simple, las canciones que negué amar”.

El look de esta ocasión le calza de manera impecable y, es así, como de inmediato podemos ubicarnos en las décadas que irá profundizando.

Como un verdadero espectáculo a la carta, antes de iniciarse éste, se invita a ocho espectadores a que elijan (al azar) los discos que tendrán la función de traer del pasado a cantantes tan disímiles unos de otros.

El mundo que no ha parado ni un momento (Jimmy Fontana, 1964), Prefiero estar contigo y no morir con él; Por qué me abandonaste (Paloma Sanbasilio), Un poquito de amor (Camilo Sesto); y así continúan las frases exageradas de la década del sesenta, una época que se caracterizó por este detalle, que ubicó al estilo melódico en un podio del que luego bajó y fue reemplazado (en gran parte) por ritmos anteriores que cobraron mayor fuerza, por otros que tuvieron más vigor y por lo autóctono y no tan melodramático.

Abandonos, fidelidades, engaños, autoflagelos, desidias, mujeres y hombres que sufrían y lo plasmaban en canciones y melodías para gritarle al universo sus intimidades. Así, tres décadas se unen y confluyen algunos éxitos y otros «éxitos» para que cada quien los juzgue.

Sin lugar a dudas que una de las anécdotas más graciosas que narró Francisco Pesqueira durante la función hace referencia al gimnasio ubicado en el mismo sitio que el teatro y que vale la pena escuchar en vivo, prestando atención a cada uno de sus detalles -acompañados de la rutina aeróbica y performance del artista-. Y esto es lo que hace que una estrella sea brillante u opaca: su carisma y empatía. Él no solo que tiene ambas sino que no tiene inconveniente alguno de seguir sumando seguidores y fans como los que se pudieron ver (con bandera y todo) en las últimas filas de la sala.

Recuerdo la primera vez que presencié uno de sus shows y sentí la adrenalina que necesaria como para seguir arrollándome en los subsiguientes, sorprendiéndome momento a momento, hablando de él y manteniendo en secreto ciertas temáticas.

Rocío Jurao, Claudio Baglioni, Marisol, Ángela Carrasco y tantas otras personalidades que tendrán la oportunidad de ser revividas según el azar de la velada.

Cada noche será única, como él, como su equipo artístico, como las tapas de los discos que lucen como un todo integral, que pueden escucharse en un tocadiscos y luego vibrarse en su voz.

Simple como todos los recuerdos que, absolutamente todos, llevamos dentro. Simple como lo esencial y no básico. Como ese sendero luminoso que cuesta alcanzar pero que se disfruta al transitar.

Como el crecimiento y la sabiduría que permite que Simple sea mucho más que un conjunto de canciones seleccionadas por el público, sino el modo de ver la vida, de oírla, de sentirla y de reanimarla; permitiendo saber que se trate del año que se trate cada humano puede prestar atención a la estrofa o verso que más le impacte en su corazón.

Mariela Verónica Gagliardi

 

 

Escrito

en enero 25, 2016

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El desafío de trazar el amor y la guerra

Las cartas sobre la mesa1

Ficha Las cartas sobre la mesaLas cartas sobre la mesa (escrita y dirigida por Héctor Presa) es la nueva propuesta, en musical, para adultos. Y, como cada verano, un nuevo desafío melódico creado por este admirable y talentoso artista, una vez más emocionó con su dramaturgia.

Con una escenografía minimalista que contiene aquellos objetos y detalles que permiten a sus actores tener la libertad de desplazarse a gusto por las tablas, utilizando solo en determinados momentos el accesorio que precisen para enaltecer cada una de esas escenas.

Porque, además de escoger a dos actores-cantantes excelentes y a un pianista (Esteban Rozenszain) para acompañar el itinerario; Presa tiene un don para escoger argumentos y saber por dónde indagar. En esta oportunidad, las cartas escritas de puño y letra son una invitación a realizar un viaje cargado de emotividad, de diferentes sensaciones, de melancolía, de dolor, de risas y de un encanto increíble.

Así es como Andrea Mango y Sebastián Holz, interpretarán a una serie de personajes y, cada una de las cartas, cobrará vida… como si estuviéramos en esa década precisa, en el lugar indicado y con la canción exacta.

Con una noche calurosa y el encanto del verano que se puede sentir en los jardines del Teatro Larreta, con su vegetación que oxigena y dota a la obra con un plus. Como un teatro de puertas abiertas que le permite al público ubicarse donde más le guste y, así, pueda disfrutar un espectáculo único.

Y, en referencia precisa a Las cartas sobre la mesa, se trata de una bienvenida a un universo casi abandonado en la actualidad y que, nos alerta, de todo lo que nos estamos perdiendo por reemplazar una pluma por la computadora, lo artesanal por la tecnología. Reemplazando la cercanía por un supuesto encuentro que será solo virtual y nada más.

Pero como mencionan los artistas, no es tarde para redactar una carta y enviarla de este modo.

Con respecto al repertorio escogido, realmente son muchísimas las temáticas que desfilan por el escenario pero me tomé el atrevimiento de elegir una variedad que data de este túnel del tiempo.

Así se podrá percibir a un Elvis Presley que no solo se cree sino que se siente un rey, el Rey. Entre vals (“Bandadas de recuerdos de un tiempo querido, lejano y florido que no olvidaré”), rock, milonga, melódico (“Lloras tú, lloro yo, y el cielo también y el cielo también”) y otros estilos de música, el autor va construyendo un territorio lejano en plato principal. Para un tipo de espectador pretencioso y también para quienes quieran disfrutar de una velada mágica, con voces supremas y melodías diversas.

Cartas que pretendían evitar guerras, conciliar. Cartas de amor y enamorados. Cartas egocéntricas. Cartas actuadas. Cartas que dicen en silencio lo que las voces no se animan. Cartas que recrean el mundo que fue, un archivo interesante que se puede revisar cuando se quiera y tenga tiempo. Cartas que permiten conocer el alma de su escritor. Cartas que pueden salvar…

Vestidos de gala, allí están, dando su amor por el arte, haciendo lo que saben hacer. Creando y recreando años que en nada se parecen a otros y, sin embargo, algún fundamento los concilia.

Tragedias y héroes, batallas perdidas y otras ganadas, documentaciones que consiguieron dejar huellas para poder jugar con ellas e inventar historias que les devuelvan la vida.

Un Da Vinci que, exageradamente, dota al pintor de su técnica o estilo, de su excentricidad, de quién era en verdad y lo que su personalidad un tanto rebuscada significaba realmente.

Estilos de redacción que develan quién es quién, que pretende volcar cada uno en una hoja en blanco para darse a conocer y conseguir lo que pretende o alejarse de su objetivo.

Porque un papel cerrado no es nada si no existe un investigador que se adentre en éste. Porque Presa sigue demostrando que su inteligencia y sensibilidad le dan la oportunidad de poner en escena todo lo que su imaginación le ordene.

Mariela Verónica Gagliardi

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Escrito

en enero 21, 2016

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Humanamente diabólico

Drácula10

Ficha Drácula musicalEn el Siglo XV nació un hombre capaz de todo, de ser príncipe absolutista y de matar y aniquilar a toda persona que se le cruzara en su camino. Subiendo más de 1400 escalones se podía llegar a su castillo -construido, piedra por piedra, con un estilo bizantino-gótico-, un castillo que daba escalofríos con tan solo observarlo a lo lejos. Claro que su ubicación no fue caprichosa sino totalmente planificada para que, desde allí a lo alto y separado de cualquier otra propiedad, él (y anteriormente su abuelo) pudiera tener en la mira a toda Transilvania.

Vlad Drácula fue su nombre y, en términos genéricos, las adaptaciones en ficción lo colocan en un lugar en que es posible verlo dotado como un vampiro capaz de hipnotizar a sus víctimas, para quitarles toda su sangre y embeberse de ésta. La versión presente, de Pepe Cibrián, es capaz de dotarlo al conde de una voz privilegiada para convertir una historia dramática en canciones románticas y conmovedoras.

Conservando una estética impactante (como puede verse en el film de Francis Ford Cópola, 1992), con vestuarios épicos, y toda la ornamentación necesaria como para que todo luzca románticamente; se desarrolla un musical que dura alrededor de tres horas y en el que se disfruta del talento de un equipo excelente que trae a la vida a estos personajes temidos y temibles pero tan adorados por el público.

Juan Rodó, interpreta a Drácula, otorgándole toda la fuerza y vigor como para que el conde-vampiro sienta que la vida y la muerte son aventuras cotidianas y cada una de sus mujeres un plato a disfrutar. En esta ocasión el rol de Mina Murray lo encarna la actriz Josefina Scaglione, el de Lucy, Luna Pérez Lening y el de Jonathan Harker, Nicolás Martinelli.

La propuesta de Cibrián-Mahler se centra en un juego por el que irán desfilando los buenos y los malos, como en una tradicional historia de superhéroes. A la vez que la iluminación y efectos tanto sonoroso como lumínicos (junto a la excelente orquesta en vivo) conforman el clímax dentro del que ocurrirán las desgracias y amoríos imperantes.

En ocasión de celebrarse los 25 años, desde la puesta en escena del primer elenco de Drácula, es que puede vislumbrarse y sentirse una atmósfera profundamente conmovedora, con un dejo de melancolía y las ganas de seguir adelante por las oscuridades en busca de esa estrella de luz.

Si trasladáramos esta adaptación a la actualidad, notaríamos que el femicidio está presente en las venas de este famoso conde. En primer lugar porque todas sus víctimas son mujeres y, en segundo lugar, porque disfruta del poder que tiene hasta seducirlas y quitarles la vida. Así es como puede verse, específicamente, el burdel que frecuenta el Conde (durante el segundo acto) y su encuentro con Ninette (Eluney Zalazar). Sin lugar a dudas que el musical no incursiona en la violencia de género como argumento principal sino que tiene como finalidad reconstruir las principales características del texto escrito por Bram Stoker por el año 1897. Capturar la esencia de un hecho o historia nunca resulta fácil y estos íconos de los musicales argentinos lo han conseguido.

La pobre de Lucy, enferma de dolor, de desolación e invadida de espíritus que la circundan por las noches impidiéndole conciliar el sueño. Desesperada por su situación y la presencia del vampiro que se le aparece como espejismo cada vez que la luna se dibuja en el cielo. Intentando ocultar su zonambulismo y perdiendo todo el control sobre su ser. Sumado a su padecer, el de su gran amiga Mina que se ve privada de su amado Jonathan, sin saber de él durante un largo tiempo. Teniendo que enfrentarse al más temido para acabar con tanta tragedia y confiando en su propia bondad para decirle basta al peor demonio.

Entre canciones que cuentan el argumento de la historia, coreografías atractivas y actuaciones notables; Drácula el musical se erige como una propuesta que seguirá teniendo éxito toda la temporada.

Pudiéndose interpretar tanto al personaje de Drácula, como a quién era en verdad, indagando en hechos político-históricos o quedándose con la magia de las melodías y el arte, es que la propuesta se vuelve apta para todo público y el terror solo podrá sentirse si se indaga en profundidad siglos atrás.

Mientras tanto, las tumbas serán ocupadas con los mortales que despertarán en busca de un vaso de sangre para saciarse; hasta que las cruces y estacas logren despedirse de la inmortalidad y el dolor.

Mariela Verónica Gagliardi

Escrito

en enero 13, 2016

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Despedirse para siempre

Nunca más adiós1

Ficha Nunca más adiósHay veces en que no es necesario decir adiós y otras en que resulta, incluso, hasta sanador decir hasta nunca. En la nueva propuesta de danza escrita y dirigida por Tatiana Cittadini, es posible ver y sentir cómo existen encuentros y desencuentros a cada momento. Por eso, cada vez que se escuche el sonido de un tren, todo podrá tomar otra forma a la planteada en un comienzo.

Como si se tratara de espejismos que se fusionan hasta lo más profundo, que añoran lo vivido y desean construir exactamente lo mismo del pasando sabiendo que será imposible de conseguir. Porque la vida cambia, porque es constante movimiento como el de cada uno de los cuerpos que consiguen adoctrinarse según la forma deseada; elevándose en el aire, realizando performances increíbles y mostrando cómo resurgir desde la oscuridad o el silencio.

Porque si la danza tiene algo a favor es el silencio de las voces, dejando a flor de piel que cada sonido de cada órgano se pronuncie por sí solo. Porque es posible expresarse sin hablar, sin justificar cada palabra y dando el primer paso para que ello ocurra.

Con un nivel excelente en cada una de las posturas, pasos de danza y figuras de baile, este elenco de bailarines recorre el escenario de punta a punta demostrando cómo pintar cada esquina con un paisaje único, personal, diferente al de otro, encantador, lleno de suspicacia, juegos, escondidas, tristezas y reencuentros.

Lo que más se subraya a lo largo de la función es la necesidad, imperiosa, por justificar una despedida y por plantearse el por qué de la misma.

Si existe el amor, ¿para qué despedirse, para qué sufrir y para que llevar, tan arraigado, ese sentimiento penoso que otorga un adiós?

Como cicatrices que intentan recuperarse, hasta la llegada de un próximo tren, momento esencial para buscar al ser querido, para demostrarle todo el sentir y la falta imposible de subsanar inmediatamente.

“Nunca más adiós” es la fórmula para pensar muy bien cada paso importante y la voluntad, esencial, para afrontar el deseo de querer a alguien desde bien adentro. Porque no tiene por qué decirse chau cuando se puede continuar diciendo hola y porque si se sabe lo que se quiere, todo resulta más fácil y placentero.

Una vez que el abrazo unió ya no puede existir separación espontánea, salvo el masoquismo que suele invadir a ciertos mortales. Y, entonces, cuando los brazos rodean a otro ser, cuando las piernas giran, saltan y vuelan, el trazado del mapa se impregna en el suelo para transitar de a dos.

En definitiva, cuando el arte cobra vuelo, el amor también lo consigue. Porque las distancias pueden acortarse con una mirada, un beso, una caricia y el roce pieles.

“Nunca más adiós” es una pieza artística que marca un antes y un después, que se abre como un pimpollo y luego cada uno de sus pétalos se converge en el centro. Como un renacer simplista y complejo, con pruebas llevadas a cabo por parte del ballet que hace lucir a cada artista individualmente, en duplas y en conjunto.

Mariela Verónica Gagliardi

Escrito

en enero 12, 2016