*** SEPTIEMBRE 2025 ***

Entradas etiquetadas como ‘obra de teatro’

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Hoy te vi, en los sueños

Imágenes de una novelaII

Una de las acepciones, según la RAE, se refiere a “obra literaria en prosa en la que se narra una acción fingida en todo o en parte, y cuyo fin es causar placer estético a los lectores con la descripción o pintura de sucesos o lances interesantes, de caracteres, de pasiones y de costumbres”.

Ese significado de la palabra novela nos puede transportar diversos mundos: el de un libro, el de la televisión, el del teatro, el de la vida misma, entre algunos ejemplos.

Pero “Imágenes de una novela” es más que eso. Es un universo en el que se conjugan tres vidas con tres historias -por momentos similares- por momentos diferentes. Esta obra de teatro nos convida con fragmentos de varias historias escritas por Luis Cano y adaptadas por Pablo Iglesias, en la que las actrices logran complementarse de una forma tan amalgamada que nos sentimos inmersos en las narraciones.

Así como en un comienzo observamos una pileta pelopincho como principal escenografía, todo lo que sucede luego se va entrelazando con dicho objeto.Imágenes de una novelaI

Temas como la muerte, historias cotidianas y de entre casa, angustias, tristezas, alegrías; hasta desembocar de nuevo en la parca.

Pero esta parca no es la vestida de negra, con llantos desgarrantes, sino la despedida de un ser querido con el que guardamos los más bellos recuerdos y añoranzas.

La puesta en escena nos hace reflexionar hasta emocionarnos. Quien se suelte un poco logrará derramar tantas lágrimas que podrán llenar la pileta. Tal vez una de las metáforas sea que el agua cubra y purifique lo que físicamente ya no está.

Esta pieza de oro encaja de una manera ideal en cada una de sus partes. Cada fragmento se une con el siguiente sin dejar vacíos. Por otro lado, las poesías son las encargadas de relucir las historias. Claro que hay una protagonista (Clara Virasoro) -porque así la narración lo precisa-, pero las otras dos artistas (Valeria Actis y Camila Palacios) no son personajes secundarios sino sus manos, sus sentimientos, sus almas.

Las tres actrices consiguen ser una: con sus dialécticas, con sus modos de vivenciar cada rinconcito de sus vidas, de sus recuerdos, de sus infancias.

Imágenes de una novelaIII

Los aromas, fragancias, olores y sentires, se huelen y vibran. Lo relatado es vivido por el público, quien se estremece de alegría o dolor según suceda en el escenario.

Cada forma de contar, precisa de un accesorio diferente, lo cual hace que se destaque la inventiva de los autores.

Por último, cabe destacar que las sutilezas implementadas durante la obra nos permiten reconocer en nuestro imaginario, cada momento, cada palabra. Las fotos colgadas en cierto momento de la obra nos dan un descanso mental y observamos con los ojos lo que nuestro corazón hizo durante los 50 minutos de esta dulce e inteligente dramaturgia.

(…) Agua que baña con aguas frescas 
las costas que te acompañan.
Soy agua que fue y hoy está seca
para llover mañana.
Raíz profunda, no sabés del miedo 
estás siempre acompañada (…). 

Mariela Verónica Gagliardi

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Síndrome de Eureka, un viaje absurdo

Síndrome de Eureka

DIRECCIÓN: Claudio Martínez Bel

TEATRO EL POPULAR

Chile 2076 – C.A.B.A.

Funciones: Sábados 20 horas

Localidades $ 60

Creación colectiva – Espectáculo para todo público

Elenco: Mirna Cabrera, Florencia Pineda, Julia Nardozza, Johanna Mizrahi/Florência Patiño, Ricardo Rueda y Florencia Orce

Diseño de escenografía, vestuário y utilería: Myriam Salto

Diseño de luces: Demián Lorenzo

Diseño gráfico: Paco Fernández

Asistente: Maga Triana

Un viaje sin palabras donde 6 clowns se dirigen junto al espectador hacia un anhelado lugar de ensueño, en el camino confluyen juegos absurdos, búsquedas frenéticas, emociones simples, desencuentros, desafíos, pasiones sin sentido y entre todo esto casi sin desearlo, como siempre, aparece el amor.

Premios obtenidos por su director Claudio Martínez Bel

Mejor actor, mejor espectáculo y Clown de oro por «Historia de un pequeño hombrecito». NECOCHEA 2000.

1er Premio Certamen Metropolitano de teatro por «Historia…»

1er Premio Espectáculo extranjero en TEATRALIA 2001. Madrid. España. Por “Historia…”

Nominado mejor Actor por Cosas de payasos. Teatro del mundo. UBA.

Nominado mejor espectáculo infantil por Cosas de payasos. Teatro del mundo. UBA.

Nominado mejor espectáculo infantil por Cosas de payasos, Permio María Guerrero.

1er Premio Argentores, mejor obra de teatro para niños, por “Cosas de  payasos”

Nominado Mejor actor por “No me dejes así”. Teatro del mundo. UBA.

1er premio Dramaturgia por “No me dejes asi” Teatro del mundo. UBA.

Nominado mejor espectàculo infantil por “El viaje de Rulito”. Teatro del Mundo. UBA.

Premios Hugo, Mejor Libro en espectáculo infantil y Mejor Espectáculo Infantil por “Marisa y Simón”

Mejor labor masculina, mejor dramaturgia y mejor espectáculo. Premios ATINA. 2011. Por “Marisa y Simón”.

Prensa: TEHAGOLAPRENSA.

 

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«Mabel», una historia musical de Santiago Loza

Mabel

Con la actuación de Maby Salerno

 NOMINADA a MEJOR ACTRIZ PREMIOS TEATRO XXI 

NOMINADA a MEJOR UNIPERSONAL MUSICAL PREMIOS HUGO 

NOMINADA a MEJOR DIRECCIÓN EN MUSICAL OFF PREMIOS HUGO

NOMINADA a MEJOR MUSICAL REMIOS FLORENCIO SANCHEZ

VIERNES 22:30hs

Teatro La Carpintería (Jean Jaures 858 – C.A.B.A)

Entradas: $70. Con descuento: $50.

Mabel por Carlos Casella

“La materia básica del melodrama son los sentimientos, lo que hace que los personajes sean el principal elemento del género. Maby protagoniza “Mabel” una obra de teatro musical; es ella el centro de atención así como también el recuerdo de su relación con Eugenio. La dimensión imaginaria de este vínculo, teñido de amor, celos, rivalidad, dominio y dependencia es montada sobre una estructura melodramática. Así Mabel nos introduce en su biografía, en su particular forma de sentir y pensar el amor, en su mundo de canciones, transitando un espacio escénico recargado y segmentado, proyectando soledad y humor sutil. Proyección realizada a través de un diseño que construye pequeños mundos de recuerdos, islas por las que Mabel navega sedienta y melancólica, bajo una luz que hace emerger su soledad de diva”

Palabras de Santiago Loza

“Conozco a Mabel Salerno como cantante además de actriz.  Su voz es poderosa y delicada, bella. Ella tiene un alter ego, un personaje que tiene su nombre pero no es ella. Es una suerte de diva torpe, algo decadente y encantadora. Me pide escribir para ese personaje, para esa voz. Escribo este texto, de a retazos. Acompaño ese devenir, adivino qué podría decir, la exploro desde mi manera. Busco.

Variaciones sobre el amor. Una suerte de conferencia musical sobre lo amoroso. A modo de ilustración, ella, Mabel, relata su propia experiencia. El devenir de una pasión exaltada e imposible. Mientras lo hace, arma y desarma su interioridad. La materia de la que está hecho su ser. Sus gustos imposibles, su sed insaciable.

El “Mabel” necesaria para no secar la garganta, para evitar una voz desértica. Es “Mabel” en la que, finalmente, toda su historia se va a disolver.

El humor luminoso y las zonas oscuras del mar. El amor como anhelo, la necesidad de ser amada y el olvido que cae cuando los aplausos y el resplandor se han retirado” .

Biografías

CARLOS CASELLA – Director

Formado en el Taller de Perfeccionamiento en Danza Contemporánea del Teatro San Martín, bailó como invitado en su compañía bajo la dirección de Oscar Araiz. Junto a Ana Frenkel fundó en 1990 el grupo de danza-teatro El Descueve. Desde entonces produce, crea e interpreta cada una de las obras del grupo. Integró el elenco original del espectáculo Villa-Villa del grupo De La Guarda, y colaboró como coreógrafo con Javier Daulte, Alejandro Tantanián, Alejandro Maci y José María Muscari entre otros. Sus obras recorrieron festivales de Latinoamérica, Estados Unidos y Europa. Entre ellos se destacan sus participaciones en 2003 en el Festival Teatro a Mil y en 2004 en Danza a Mil. En 2010, convocado por Mauricio Wainrot, realizó el montaje de Siracusa,pieza para el Ballet del Teatro General San Martín, con música original de Diego Vainer.

Actualmente trabaja como intérprete en la obra Tatuaje de Alfredo Arias, estrenada en París en noviembre del 2009; continúa con las presentaciones en vivo de su disco Babooshka! y estrenará en 2012 Zeppelin, pieza para el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, cuya autoría comparte con Gustavo Lesgart.

MABY SALERNO – Actriz

Entre sus espectáculos más renombrados se encuentran: All Together Now, dirección: Pompeyo Audivert (1992), Cuerda Cuerda,dirección: Mariana Briski (1992), Estigia, grupo El Primogénito, dirección: Guillermo Angelelli (Premio Fundación Antorchas 1993), Boite de Santiago Loza, dirección: Lisandro Rodríguez (2009), La tierra de las montañas calmas de Paco Bezerra, dirección: Matías Umpiérrez, Ciclo Dramaturgias Cruzadas, Goethe Institut (2010).

Como cantante, desde 1998 integra la exitosa banda de rock para niños Papando Moscas y, dirige y canta en el proyecto Mabel y los Inmaculados, con el cual se ha presentado en reconocidos espacios y eventos como Niceto, Hotel Faena, No Avestruz, Espacio Callejón, Festival de Teatro de Buenos Aires.

SANTIAGO LOZA – Dramaturgo

Dirige y escribe tres largometrajes; “Cuatro mujeres descalzas” (2004), “Extraño” (2003) y fue coguionista de «Parapalos», un film de Ana Poliak ganador del premio mayor del BAFICI. Como director recibió múltiples premios en festivales nacionales e internacionales. Como dramaturgo escribe y dirige Amaras de noche y Pequeña cruel bonita y en el 2007 dirige Nelidora, un espectáculo que formó parte de “Panorama en work in progress! en el Centro Cultural Ricardo Rojas.

En el 2008 estrena la obra “Nada del Amor me produce Envidia” que va por su tercera temporada. Estrena como autor la obra “Asco” dirigida por Lisandro Rodriguez. Estrena Artico en el festival Internacional de cine de Mar del Plata  y el notable documental Rosa patria, acerca de Néstor Perlongher. Estrena oficialmente “La invención de la carne”.

Bajo la dirección de Lisandro Rodriguez estrena en 2010 tres obras “La vida terrenal”, “Asco” y el díptico conformado por “Sencilla y “Ella merece lo mejor”. En abril de 2011 estrena su texto “He nacido para verte sonreir” con dirección de Lisandro Rodriguez en el Elefante Club de Teatro. En el 2011 escribió el texto de la obra “Matar Cansa” Dirigida por Martin Flores y escribió Pudor en animales de invierno –una pieza inspirada en su vida y dedicada a su propio padre– hace unos años, bajo la supervisión de Mauricio Kartún. Esta obra fue ganadora del concurso proyectos Nacionales del Festival Internacional de Teatro de Buenos Aires.

Ficha Técnica:

Texto: Santiago Loza / Intérprete: Maby Salerno / Dirección y Puesta en escena: Carlos Casella / Asistente de Dirección: Marisol Martínez Martínez / Escenografía: Fasce Hnos. / Asistente de Escenografía: Mora Malde / Realización Escenográfica: Taller Paterlan con Fasce Hnos. / Diseño y Realización de Vestuario: Carolina Urresti / Diseño de Iluminación: Ricardo Sica / Producción Musical: Jape Ntaca / Mezcla y masterización: Mario Siperman / Coreografía: Maby Salerno y Carlos Casella / Imagen: Pablo Bordenabe / Fotografía: Juan Salvarredy / Asistente de Fotografía: Fabricio Veltri / Producción Ejecutiva: Larisa Rivarola y Ximena Hoffmann / Diseño Gráfico: Mara Schwartz / Prensa: Martín Paladino.

 

La imaginación nos hace ser felices

Un jardín en el desierto5

¿Qué posibilidades hay de encontrar Un jardín en el desierto?

¿Cuántas veces quisimos algo y al cerrar los ojos pudimos visualizarlo?

¿Será cierto que cuanto más persistimos en algo, más chances tenemos de obtenerlo?

Nina (Lucia Loydi) y Gloria (Victoria Baldomir), son dos amigas que tienen muchas ganas de divertirse y pasarla bien. Pero la aventura que tienen planeada no es una cualquiera, sino la aventura. Nina, intenta dirigir la batuta, convenciendo a Gloria de conocer un sitio diferente. Está tan convencida de ello que su compañera la sigue.

Un jardín en el desierto1Al llegar al lugar, comienzan a investigarlo, a sentir los sonidos, las vibraciones y, desgraciadamente, asumen que no pasa nada. Nada de nada. No hay vegetación, no hay animales…

La espera las desespera, aunque Gloria le dice a su amiga: – ¿qué hacemos cuando esperamos?. Dormimos.

Pero, el poder de la mente se pone en marcha para las dos compinches y cuando creían que todo estaba perdido, sucede algo maravilloso. Sus sonrisas empiezan a florecer al igual que su entorno y la súplica de lluvia empieza a ser aclamada.

Es que las chicas llevaron consigo unos bellos paraguas que desean, obviamente,
utilizar. Mientras rezan por la caída de agua en medio del clima desértico, nos Un jardín en el desiertoencantan con un baile en el que despliegan su simpatía y calidez como artistas. No se conformaran con este entretenimiento y es, recién, cuando sus cerebros se conectan impresionantemente para vibrar en la misma sintonía. Esta sintonía las traslada a distintos escenarios en los que consiguen todo lo que se proponen.

Pueden sentir la lluvia en sus cuerpos, la suavidad de las nubes, la presión de la altura y todo lo que creían cuasi imposible.

Claro que estas cosas muchas veces ocurren en los sueños… pero es más o menos lo mismo para el caso.

Esta obra de teatro dirigida por las dos protagonistas, es el claro ejemplo de que para concretar un sueño es indispensable desearlo con todas nuestras fuerzas y, que cuando estamos convencidos de esto, debemos perseverar. Los frutos a veces son inmediatos y otras tantas, tardan en aparecer. La magia no existe pero el amor por lo que hacemos sí.

Un jardín en el desierto3

Esta puesta en escena con proyecciones de video, acompañan ágilmente el relato de las actrices. Si bien no hay en casi ningún momento la presencia de música o sonidos, los diálogos fluyen entretenidamente, para grandes y chicos. Las risas surgen espontáneamente y son el fiel reflejo de que esta propuesta tiene aceptación del público.

Un jardín en el desierto, es una metáfora sobre nuestros deseos aún no concretados. Un por qué debemos activar para conseguir. Quien crea que no es posible conseguir florecer en un pozo desértico, puede ir a ver la obra. Seguramente, se llevarán una sonrisa y las ganas de hacer realidad aquello con lo que siempre soñaron.

ficha técnica un jardín en el desierto

Mariela Verónica Gagliardi

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La unión hace la diferencia

Empiezo voley1

¿Quién podría imaginar que un deporte pudiese enfrentar -en distintos aspectos- a tres mujeres?

Una cancha de vóley es el escenario en el cual se desarrolla la obra. Una obra en la que la red separa clases sociales, puntos de vista e histerias femeninas.

Si tuviéramos que establecer coincidencias entre el vóley -como ejemplo de deporte grupal- y los códigos humanos, estos serían: puntualidad, espíritu de equipo y entrenamiento a fondo. Claro que se trata de códigos establecidos por un sector de personas que desean compartir una disciplina.

Estos tres ítems son nombrados por Marisa (Silvina Buzzetti) -entrenadora-, a viva voz y, tratando de convencerse al mismo tiempo que intenta tener dominio sobre su equipo. Lo cierto es que a las clases acuden solamente dos personas: Dolores (María Laura Cáccamo) y Julia (Julieta Condró), quienes pertenecen a estratos socioeconómicos opuestos, con caracteres diferentes y niveles de entrenamiento, por supuesto, distintos.

Empiezo voley2Dolores conoce a Marisa desde niñas y, así, es como sabe cada detalle de su personalidad y modo de proceder. Lo que no comprende es por qué suele tratarla mal y despectivamente.

Julia, en cambio, toma su primera clase de vóley y demasiado no entiende -ni del vestuario a utilizar ni del deporte en sí mismo-.

Estas son las bases sobre las cuales se va narrando una experiencia única, concisa y peculiar, donde aparece un conflicto gremial, por parte de un sector del club, y, a partir del cual, cada una podrá demostrar que adentro de su ser tiene convicciones y garra.

Existe un cuarto personaje: Marcelo (Mauricio Heredia) que es jugador de fútbol de la misma institución y uno de los encargados de llevar a cabo la protesta sindical.

Este hombre, también, provocará tensiones entre las chicas y reflejará la mirada popular de la sociedad -al igual que Marisa-.

Ademas, podrán sentir las diferencias de la otra persona –convertida en rival-, solo por el hecho de ser mujer, depositándole una característica muy fuerte que es la de la incertidumbre. Las tres tendrán mucho que aprender, unas de otras; solo deberán poner un poco de atención y quitarse los prejuicios que cargan desde hace tiempo.

Empiezo voley

Los resentimientos afloran continuamente y el cemento del club, es el receptor de dichos sentimientos tan negativos. De ese modo, la cancha les devuelve con la misma moneda: la de la deserción.

Empiezo vóley (escrita y dirigida por Paola Peimer) es el claro ejemplo de que para avanzar en un proyecto es necesario el consenso grupal y la vocación. Quien no lo entienda de esta forma, quedará afuera de una experiencia que podría ser maravillosa.

La poesía, el amor y la solidaridad, logran imponerse a tantas rupturas deportivas y del corazón.

La obra debería llamarse ¿Empiezo vóley?

Si la respuesta es afirmativa tendrían que empezar a sentir la camiseta y el dominio que tiene la pelota en el campo de juego.

Mariela Verónica Gagliardi

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Los fantasmas creen ayudarte a vivir

La noche del ángel1

La noche del ángel es una obra de teatro que nos abre una ventana a la verdad. Federico Luppi interpreta a un padre-actor o mejor dicho a un actor-padre, que en su momento fue exitoso artísticamente y el tiempo se paró para él en aquel entonces.

El papel que lo llevó a la fama, fue el de Ricardo III y para marcar su orgullo, durante toda la historia, mantiene una corona en su cabeza.

“Todo actor tiene que estudiar a Freud”, esboza en un momento del relato y esto da pie a que conozcamos a Ana, su hija (Susana Hornos).

Así como él vive inmerso en su personaje ficticio, ella también reacciona de un modo similar, demostrando toda su trayectoria como psicóloga, pero no abriendo el corazón ante su padre. La relación entre ellos es fría y distante -sentimentalmente hablando-, no logran entenderse el uno al otro y tampoco hacen el intento como para lograrlo.

Durante la mitad de la obra, podemos ver cómo transcurre la relación familiar, qué cosas se reprochan y por qué. Hay varios temores, vergüenzas y resentimientos entre ellos que no saben cómo abordar.

Ana dice: “En la vida lo que cuenta es la vulgar realidad”. Y esta frase se refiere específicamente a lo que le sucedió en su pasado.

En un momento crucial del relato, conocemos uno de los hechos más importantes: ella fue abusada por su padre. Sí, ese padre que actúa en ficción y realidad de superado, de que nada lo influye. Ese padre que nunca se hizo cargo de darle amor a su hija, de pequeña, y que lo único que hace es obstruirle su camino sin ser leal con ella.La noche del ángel2

Sin embargo, Ana, tampoco se aleja de su progenitor, a pesar de lo ocurrido tiempo atrás y, así, podemos entender por qué ella eligió su profesión. Su talento estaba vinculado al teatro, pero su rumbo cambió la dirección al realizar unos talleres dentro de un manicomio. Es asombroso conocer su herida a flor de piel y cómo le transmite a su papá lo dolida que está.

Ella, le reprocha a su padre el abandono y la ausencia que sintió luego de enamorarse de él. Esta relación tan difícil y estresante hace que ella diga que: “va a ser como el recuerdo de una vieja enfermedad infantil”. Esa enfermedad llamada abuso y que por más estudios que alcance en su materia, no podrá sanar jamás.

Pero este padre, que tan “claras” tiene las ideas, está tildado en el tiempo y duro con sus emociones. Ni amigos ha podido tener en la etapa que actuaba ya que consideraba y considera que las personas eran más mediocres que él.

Esa mediocridad que tanto le molesta es la que lo distingue como humano. La proyección que hace en los demás, es la que lo refleja como ser.

Ana, en cambio, pretendía ser actriz porque se sentía contagiada por su padre, pero después se dio cuenta de la irrealidad en la que él vivía. Claro que él, por otro lado, se autoproclama coherente y cabría preguntarle qué es la coherencia para él. Quizás sienta que ser serio y degenerado se unen como dos rectas en el tiempo y espacio.

Ella, ya no sabe qué hacer para que su papá sienta lo que ella siente y la respete -ya no solamente como hija sino como persona-. Decide contarle cómo se dio cuenta que quería ser psicóloga. Comenzó diciéndole sobre los ensayos que llevaban a cabo dentro de un manicomio y la interaccion con los internos. Pero las interrupciones del «gran hombre» se hacían notar minuto a minuto. No había frase que pudiese terminar, sin una pausa puesta por su progenitor.

Aunque hubo un quiebre muy grande en la vida de Ana y esto se debió a la sonrisa de Paulina –una chica que estaba en la institución donde ella trabajaba-. Esa sonrisa, le bastó -a ciencia cierta- para verse reflejada y para tomar las riendas; las cuales la convertirían en una profesional de la salud mental.

Y ya que mencionamos a la psicología, llegó el momento de presentar a un paciente muy especial que tiene (Nehuen Zapata), el cual pretende ser el único atendido por ella. Pero una noche, desaparece de su casa, provocando un dolor enorme en el corazón de Ana. Este chico, tiene una única compañía real, que va con él a todos lados y protege: su marioneta -llamada Pierrot-, la cual construyó con sus propias manos y de la cual está orgulloso.

La noche del ángel

Los padres lo miraban al adolescente pero no lo veían. Le pegaban y lo humillaban psicológicamente. Él sintiéndose tan solo, decide ir a visitar a sus padres biológicos, pero lo que luego sucede cambiará la historia para siempre.

Este angelito que se pierde durante la noche, una noche que transcurre lentamente, que no tiene sonidos más que los del suspenso, el dolor y la compasión ajena.

Ninguno de los protagonistas se hace cargo de sus culpas, sino que optan por depositarlas en un “otro”. Quizás de esa manera puedan evitar el sufrimiento, al nivel más alto. Es inevitable que sientan pena por sí mismos, pero es más simple demostrar que su ego es enorme y que lo que le pasa al de al lado es peor aún.

Lo más atrapante de la obra es el juego de escenas conjugadas entre padre e hija, sumado al rol del niño-fantasma. Los diálogos entre ellos, en diferentes situaciones y tiempos espaciales, nos hacen descubrir una forma de narrar muy interesante y sobre la cual no se puede quitar la atención.

Las actuaciones son muy seguras por parte de los artistas y logran comunicarle a su público lo que van viviendo sobre el escenario y todas las emociones que van fluyendo desde su interior.

La dirección de Federico Luppi ya es garantía de un éxito, como lo fue la función de prensa a sala llena. Como un libro que recién comenzamos a leer, no sabemos cuál es el nudo de la narración hasta contemplar cada detalle hasta practicamente el desenlace de la misma.

La noche del ángel, te hace plantear que la vida no es eterna y que las cosas por resolver no hay que dejarlas para mañana. Quien lo hace, puede terminar muerto.

Los fantasmas son meras expresiones o siluetas que significan aquello a lo que le tememos, o nuestras cuentas pendientes. Quien se hace portador de uno de ellos y cree poder deambular sin consecuencias, nada pierde… ya que no pertenece más al mundo de los terrestres.

Pero quien se comunica con fantasmas, podría estar a punto de perderse a sí mismo. Tal vez muriéndose su alma, lo cual conllevaría a la inexistencia de su psiquis.

¿Qué podrías aprender de un fantasma? ¿Qué podría enseñarte él?

¿Existen reproches después de la muerte? ¿Existe manera de sanar una herida?

Ficha técnica la noche del ángel

Mariela Verónica Gagliardi

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«Imágenes de una novela», reestreno 2 de marzo

IMÁGENES DE UNA NOVELA

Nada de lágrimas, por favor.

Imágenes de una novela

Tres mujeres. Tres espejos donde se reflejan deformadas estas imágenes de una novela. Rituales de la memoria. La enumeración del recuerdo. Las ganas de volver a la infancia como refugio frente al dolor, frente a los muertos que la habitan, pero nada de lágrimas, por favor.

Textos: Luis Cano

Dramaturgia y dirección: Pablo Iglesias

 Actrices: Valeria Actis, Camila Palacios y Clara Virasoro.

 Asistente de dirección: Martín Rey.

Colaboración artística: Christian Lange.

Concepto y realización plástica: Gabriela Delmastro.

Realización dispositivo lumínico: Mauricio Minetti.

Concepto de espacio: Pablo Iglesias en colaboración con el grupo.

Diseño Gráfico: Estudio Papier.

Prensa: Carolina Alfonso.

Funciones: Sábados 21hs  desde el 2 de marzo

Duración del espectáculo: 50 minutos.

BUENAVÍA TEATRO

Av. Córdoba 4773. Palermo. C.A.B.A.

Capacidad limitada.

Entradas: $ 40 y $ 30 (descuentos a estudiantes y jubilados).

Prensa: Carolina Alfonso 

 Sinopsis

Ellas están allí, ¿niñas? La neblina se disipa y las vemos, sus cuerpos están cansados, agotados y llega el momento de un reencuentro inesperado. Rituales de la memoria. Pegar la memoria que se descascara. La enumeración del recuerdo. Frasear y frasear a través del tiempo. Juegos necesarios e inofensivos. Las ganas de volver a la infancia como refugio frente al dolor, frente a los muertos que la habitan, pero nada de lágrimas, por favor. El juego tiene fisuras: se quiebra para abrirse a contar otra cosa. A veces tenemos que aceptar que falten palabras y sobren ruidos, que los lugares y las cosas estén confusos.

Dice Luis Cano:

Quiero citar una frase de Ricardo Monti que dice: Una obra de teatro podría definirse como una condensación expresiva, con reglas propias, del mundo de las imágenes de una novela. Creo que las imágenes son una fuente de conocimiento, una suerte de lógica espontánea. ¿De dónde vienen esas visiones? En este espectáculo provienen de lo que no está, son encuentros con personas del pasado que se presentan como sueños y parecen hablar. Se fueron imponiendo a mi voluntad, distrayendo mi atención del mundo de todos los días. ¿Sensaciones de la memoria? Puede ser. Repertorio de luces, porque no son sombras. Recuerdos que tomaron la forma de una metáfora para que los podamos ver. Se fueron alineando en el museo confuso de mi memoria, como granos de arena. Cuando los escribí no me planteaba lo que digo ahora. Y sigo sin poder expresar qué significan. Sé que son imágenes nítidas, como fotos que llevan sus historias adentro. También sé que se mueven… Alrededor de algunos textos se agruparon otros textos. La organización de estos materiales ya no es mía. No tuve la tarea de ordenar ni de dar sentido, sólo di opciones de palabras escritas y nada más. Las actrices y el director se adueñaron de ellas y las impostaron en este espectáculo felizmente llamado Imágenes de una novela.

Dice Pablo Iglesias:

Las piezas encajan a su modo. Un recorrido con sentido, una estructura, una composición deliberada. Que no haya impedimento para el goce. La emoción sin lágrimas, la poesía, las imágenes de la novela, sus textos cortados, pegados, ensamblados y llenados de cuerpo y de imagen en el espacio hasta transmutarlos en este espectáculo ni fácil ni complaciente. Ni críptico ni hermético. Una atención que quiere ser capturada. Golpes que van tanto a la cabeza, al corazón y a las tripas. Algo se quiebra y una fuerza quiere volver a controlarlo y otra fuerza quiere que el dique se desborde de una buena vez.

Este es el lugar, sí, acá. Se trata de cómo son las cosas. En definitiva, es una escena cotidiana.

Pablo Iglesias

Es dramaturgo, director, actor y docente.  Es licenciado en medios audiovisuales y técnico en redacción de guiones. Se formó como artista con los maestros más importantes de la Argentina. Entre ellos se destaca el curso de dramaturgia con Mauricio Kartun, el curso de puesta en escena dictado por Rubén Szuchmacher y es egresado de la carrera de dramaturgia de la Escuela Municipal de Arte Dramático. También realizó cursos y seminarios de actuación y dirección con Berta Goldenberg, Juan Carlos Gené, Vivi Tellas, y Ricardo Bartís, entre otros.

Tiene estrenadas más de diez de sus piezas teatrales entre las que se destacan: Cajas chinasPunto muerto,Sereno sin calma – dentro del ciclo txi 2004-El baile del pollitoLa patria submarinaBestiario GrimmLa muerte de Brian, Cascarita. No luce ni cierra  y La constancia del viento, entre otras.

Recibió los siguientes premios y distinciones: Segundo premio de dramaturgiaconcurso micromonólogos teatrales con la obra Un día antes de la muerte de Olmedo, organizado por Facultad de Artes de UNICE; Segundo premio de dramaturgia del concurso Mujeres con valor con la obra  Volver con el mar, organizado por la Secretaria de Cultura de la Nación;  Segundo Premio del IV Concurso de Nueva Dramaturgia Germán Rozenmacher con la obra El baile del pollito, organizado por el Festival Internacional de Buenos Aires; Mención especial concurso de obras de teatro Armando Discépolo con la obra La patria submarina, organizado por el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires, a través de la Dirección de Bibliotecas y Promoción de la Lectura; Trabajo destacado en dramaturgia con la obraBestiario Grimm (Las hermanas impías) por los Premios Teatro del Mundo, organizado por el Centro Cultural Ricardo Rojas; Trabajo destacado en concepto de espacio y escenografía con la obra El baile del pollito por los Premios Teatro del Mundo con la obra Bestiario Grimm, organizado por la UBA y el C.C.R.Rojas.

Algunas de sus obras fueron traducidas al idioma francés e inglés.

Valeria Actis

Se formó en la Escuela de Teatro de Buenos Aires, con Raúl Serrano, Carlos Weber y Débora Astrosky.  También tomó clases con Laura Oliva, Cecilia Gispert y  entrenamiento actoral con Pablo Iglesias y Alejandro Catalán, tomó clases de dramaturgia  con Pablo Iglesias.

En teatro actuó en: Tortita de mantecaBrillosa,   Brillosa 2010desesperadas por actuar, de Martín Marcou y Velocirraptus, dirigida por Pablo Iglesias. Actuó además en los infantiles Irupé, la bella durmiente e Y comieron perdices de Andrés Goeni. Y se desenvolvió como asistente general en Quiero pasar una tarde con Franco, de Martín Marcou.

Actualmente dirige, escribe y actúa junto con Camila Palacios la serie web titulada Las malas.

Camila Palacios 

Es egresada de la Escuela Municipal de formación actoral de Morón, formándose con Adrián Canale en actuación, Karina Antonelli en técnicas de la voz, Silvia Tavcar en técnica corporal, Luis Cano en análisis de texto y José Cáceres en Historia del Arte y de la Cultura. Realizó seminarios de entrenamiento actoral con Andrea Garrote, Ricardo Bartis, Ciro Zorzoli, Andrea Chacon, Alejandro Catalán, Pablo Iglesias y Martín Paladino. Se formó en dramaturgia con Pablo Iglesias.

Participó como actriz en: Velocirraptus, dirigida por Pablo Iglesias; Sirena en el desierto, de Marcelo Subiotto dirigida por Adrián Canale; Ausencia (una versión de la Orestiada), dirigida por Adrián Canale; La condesa sangrienta, de Alejandra Pizarnik, dirigida por Natalia Gatabria; Tres Hermanas adaptación de Un Hombre que se ahoga, de Daniel Veronese, dirigida por Adrián Canale; Trescientos millones, de Roberto Arlt, dirigida por Lorenzo Quinteros yBurgueses, una adaptación de El burgués gentilhombre de Moliere, dirigida por Adrián Canale. Actualmente dirige, escribe y actúa junto con Valeria Actis la serie web titulada Las malas. Es asistente de dirección del Grupo Teatral Piel de Lava.

Clara Virasoro

Actriz, docente y licenciada en artes, especialidad Combinadas de la U.B.A. En actuación se formó con Cora Roca, Berta Goldenberg, Pablo Ruiz y Rubén Szuchmacher.

Entre sus trabajados realizados en teatro como actriz se destacan:   Ondina, de Jean Giraudoux y Fotos de infancias, de Jorge Goldenberg y Final de partida, de Samuel Beckett, todas bajo la dirección de Berta Goldenberg; Las hermanas impías, de Pablo Iglesias, dentro del ciclo Bestiario Grimm bajo la coordinación de Alejandro Tantanian y La patria submarina y La constancia del viento, del grupo Libertad 18 dirigida por Pablo Iglesias.

Trabajó como asistente de dirección en Punto muerto y en Hijo con mochila de viaje, ambas de Pablo Iglesias.

Dicta clases de actuación para niños y de historia del cine. Además organiza el ciclo La película favorita de…en Buenavia estudio espacio que coordina desde 2010.

 

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Conectarse con la naturaleza nos ayuda a definir

Un escenario vacío, sin objetos, sin escenografia. La música ausente, salvo al inicio de la obra.

Llanto de sauce8

Llanto de sauce -escrita y dirigida por Horacio Nin Uría- es una historia que no podés deducir ni saber a qué apunta hasta que no la vivenciás. Si intentamos imaginarnos a qué remite su nombre podríamos decir que esta especie de árbol suele desprender lágrimas. A veces, los humanos solemos olvidar que la naturaleza siente de la misma manera que nosotros -los terrestres- e inclusive más sinceramente ya que no tienen que racionalizar lo que les sucede interiormente.

En un principio conocemos a un fotográfo aficionado (Alfredo Staffolani) quien intenta, a partir de un recorrido turístico, ir capturando imágenes. Llanto de sauce9Pero no son imágenes cualquiera sino sus experiencias de viaje, durante el cual se queda con los recuerdos más significativos para él.

Llanto de sauce nos introduce en paisajes, recreados a partir de proyecciones -que simple pero magníficamente nos dan a conocer el lugar donde ocurre cada escena- y que con un barril, tierra, una pala y un disfraz de animal, van contándonos. Dicha historia incluye varios relatos cotidianos, en los cuales se incluye a Alfredo Staffolani -en varios de ellos- convirtiéndose en el personaje principal, no por ser el protagonista en todo momento, sino por ser el eje central para un cambio rotundo en la vida de los demás personajes.

¿Cuál sería el mensaje de esta obra?

Por un lado se conoce la quietud -literalmente hablando- del pueblo rural durante el Llanto de sauce2cual transcurre toda la narración, con sus árboles preciosos, sus colores agrestes y cálidos, y cada personaje congelado en el tiempo.

Quizás el pensar en un lugar con estas características, instantáneamente no haya nada más que decir al respecto, pero un matrimonio y su empleado necesitan algún giro en sus vidas. Tal vez no imaginaron que un ciudadano decidido les pudiera dar la solución,  de una manera tan simple, sin quisiera ordenándoselo.

El progreso se va apoderando, a pasos agigantados, de cada una de las personas, haciendolas sentir que no tienen que esperar un nuevo amanecer ni atardecer, que no tienen que aguardar ir al mercado a abastecerse ni cavar un pozo que saben que no conducirá a ningún lado.

Al igual que la figura de un psicólogo que funciona como guía de su paciente, Staffolani es la brújula de la mujer, de su marido y del peón. Él les ayuda a resolver sus conflictos, sin proponérselo fehacientemente, ya que su objetivo era descubrirse a sí mismo,  sacándose la mochila que lo acompaña en cada aventura.

Llanto de sauce5

Ella (Mariana Estensoro), una mujer que está aburrida de la monotonía reinante, de su esposo (Román Tanoni) -postrado en una silla de ruedas y sin ganas de nada- y el empleado del campo (Juan Manuel Zuluaga) que obedece órdenes, pero que jamás las discute ni piensa; van componiendo un retrato cuasi familiar -el único, probablemente-, que los mantuvo vivos pero sin vida durante tanto tiempo.

Cada uno de los actores interpreta correctamente su papel, deslumbrándonos con cada diálogo inesperado, transmitiendo emociones en sus miradas y gestos.

La iluminación va acompañando cada imagen y secuencia de la obra, dándole un enfoque muy interesante.

Llanto de sauce es una mirada profunda e intensa a nosotros mismos. Es una sabiduria que se obtiene solamente arriesgando lo que Llanto de sauce4nos mantiene aferrados, quizás, sin ninguna razón fructífera.

Llanto de sauce no necesita de efectos especiales ni de un vestuario que se modifique a lo largo del relato, porque la conjunción hombre – naturaleza van de la mano, acercándonos a nuestras propias raíces. Aquellas raíces, que al cortarlas, nos desangrarían sin retorno posible.

Esta historia, nos tiende una mano, para que descubramos cuál es nuestra felicidad y cómo alcanzarla.

ficha técnica llanto de sauce

Mariela Verónica Gagliardi

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Una cena frente al mar

Mar del Plata, noche lluviosa, con viento pero sin frío. La costa, las playas de La Perla y las luces que tiñen el paisaje de un suave anaranjado. El ruido del mar, fuerte, está picado y suena su furia. Nueve y veinticinco, entro al Hostel Alta Esperanza y pregunto por el altillo. Cordialmente me asignan un lugar, en la mesa, al lado de la recepción y me avisan que en breve subimos todos juntos.

Me seco la cara, me saco la campera y me siento. Ya hay otros espectadores en la misma que yo. Enseguida viene una actriz y nos lleva para arriba, subimos las escaleras, saludamos a algún turista y nos invitan a pasar. Adentro, dos mesas en cruz, sillas alrededor, botellas, vasos, platitos con la picada servida.

Los actores y las actrices abren las botellas, nos sirven, y empieza la función. Todo transcurre en la normalidad de una cena entre gente que no se conoce. Bajo una luz marina es un acontecimiento teatral, es lo más alejado a una obra tradicional, que al menos yo, he visto. ¿Me alcanzas un pancito? Gracias.

Una cena frente al mar

Inspirada en cuentos y poemas de Raymond Craver, escritor contemporáneo, sus textos, de carácter fragmentario, causan una fuerte impresión en los lectores y una endeble conmoción, imagínense en los espectadores de una función.

Los textos son narrados y actuados de a uno, de a dos, incluso hasta de a tres personajes, que se levantan de sus sillas, se cambian de lugar, hasta representan a más de un personaje en cuestión de minutos. Todo depende de lo que cuente el guión. Los afortunados que asistimos (no porque seamos pocos sino porque la capacidad es limitada) disfrutamos de la comida, del vino y entre nosotros, también se da una suerte de relación.

Mientras una de las actrices nos lee una carta, el espectador que está sentado al lado mío, pincha un quesito y lo saborea. La actriz no se inmuta, sigue, el de enfrente se sirve más vino, le acerco mi vaso, me sirve. Una cena frente al mar2De repente, podemos encontrarnos con que alguno o alguna del público presente, intervenga entre los actores. Se presta a que suceda, estamos totalmente interpelados por este grupo de siete locos.

En el desarrollo de la obra, con textos poéticos, preciosas reflexiones la mayoría, nos encontraremos además con pasajes risueños, historias de amor, de despecho, también hay subidas de tono, hay desenlaces inesperados. Alcohólicos en recuperación, madres e hijos.

Una obra anclada en la aparente cotidianeidad de una cena. Difícil saber con que va uno a encontrarse, y esto va para ambos lados, para los actores y para el público. Salud y buen provecho.

Esta obra volverá a repetirse durante el verano pero aún no están definidas las fechas ni los espacios, ya que es una obra con características particulares, y es que puede ser cómodamente transportable. Para más información sobre fechas, entrar en la fan page de Facebook: Bajo una luz marina.

Actrices: Claudia Mosso, Claudia Gonzáles, Paola Belfiore, Rosie Albarez.

Actores: Maxi Mena, Fabio Herrera, Gabriel Celaya.

Director: Adrián Canale

Melisa Morini

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No todo lo que brilla es oro

Muerte, dolor, pasión, amor, odio, talento, temor, maldad, dulzura… si esto no es un drama… el drama no existe.

Al llegar al Teatro El Cubo, me acomodé en la butaca que me correspondía, pero decidí preguntar si podía presenciar la función desde la primera fila. Menos mal que me dijeron que sí y menos mal que se me ocurrió preguntar.

Estar ahí, tan cerca del escenario me transportó a una novela –bien hecha- de la televisión. “Las relaciones peligrosas”, cuando comienza su relato, no se sabe a ciencia cierta, por qué camino nos va a conducir. Es pura intriga y eso es lo que atrapa al espectador.

Esta obra de teatro y musical, basada en una novela homónima de Pierre Choderlos De Laclos, nos demuestra cómo es posible hacer teatro de verdad, con todos los condimentos necesarios para lograr un éxito y, las ganas de recomendar y volver, cuando sea jueves, a la sala.

La historia, ambientada en Francia, durante el Siglo XVIII, nos presenta a Romina Groppo (Isabelle de Merteuil) y a Christian Alladio (Sebastian de Valmont), quienes deciden hacer una apuesta malévola y perversa: Sebastian de Valmont tendrá que seducir a Gabriela Bevacqua (Marie de Tourvel) –engañando ella a su marido- y a cambio de esto, Isabelle de Merteuil, deberá acceder a los caprichos carnales de Valmont.

Este trato, celebrado de palabra, sin papel mediante y con la oscuridad, transmite miedo y desconcierto.

Marie de Tourvel es una mujer fiel, buena y decente. Al menos trata de aparentarlo. Por otro lado, Isabelle de Merteuil vendría a ser la malvada de la historia, manipulando a la gente a su antojo, sin piedad ni escarmiento.

No podía faltar una dulce adolescente de 15 años, Ayelén Varela (Cecil Volanges), enamorada de su profesor de piano, Carlos Pérez Banega (Raphael Danceny). Pero, a pesar de que su amor es correspondido, inocentemente se escriben cartas románticas que nunca alcanzan a demostrarse, con actos, en la realidad. Dichas cartas son llevadas y traídas por Renzo Morelli (Azolan), el mensajero, quien parece un simple caballero, sin voz ni voto.

Raphael, daría todo por Cecil, pero ella está a punto de comprometerse con un hombre rico de la sociedad, para salvar de la pobreza a su madre, Karina Sáez (Madame de Volanges). Claro que Cecil, no desea contraer matrimonio sino fugarse con su amado.

Toda la utopía y enamoramiento entre Raphael y Cecil, comienza a disolverse cuando su madrina, Isabelle de Merteuil, descubre las correspondencias. A partir de ese momento decide llegar a un acuerdo con su sobrina, prometiéndole no develar el secreto a su madre.

Cecil, confía, como una niña en la palabra de su madrina, pero no conoce su lado macabro y especulativo. Isabelle, un día, le cuenta a su madre toda la verdad, recomendándole que pase una temporada en casa de Tiki Lovera (Madame de Rosemonde), amiga de ella. Madame, las recibe a madre e hija, muy cálidamente y las hospeda durante unas semanas.

Esas semanas serán claves para el conflicto de la obra. Durante esos días se conocerá todo lo que, hasta el momento, se desconocía.

Pero, ¿quién es Sebastian de Valmont? ¿Cuál es el poder que tiene y qué es lo que oculta tras su rostro desafiante y pasional? ¿Logrará alcanzar su objetivo y romper un matrimonio?

Cecil, ¿qué relación y parentesco tiene con Sebastian? ¿Lo descubrirá en algún momento, lo sospechará? Su madre, ¿qué secreto pasado guarda?

¿Ganarán los buenos o los malos de la historia? ¿Los que parecen buenos, realmente lo son? Y, los malos, ¿podrán volverse aún más perversos, sin límite alguno?

Como todo relato, siempre hay un conflicto reinante, pero “Las relaciones peligrosas” honran su título, existiendo más de uno. Las tragedias que se acontecen, te dejan con la boca abierta. No podés creer lo que ocurre hasta que te convencés e hilás diálogo con diálogo.

Esta es una obra para no distraerse en ningún momento. Si lo hacés, puede ser que después no encuentres al culpable, puede ser que no encuentres la esencia ni los valores.

Justamente éstos últimos, los valores, son las piezas fundamentales de la puesta en escena. Por más que pertenezcas a una clase alta, el dinero no compra tu decencia y los ojos de la sociedad, pueden taparse y ocultar el verdadero odio y perversidad cometidos por algunos protagonistas de la historia.

¿Qué está bien y qué está mal en una sociedad del año 1.700? Una sociedad dominada por el hombre y, donde la mujer, está obligada a sentir en silencio, callando todo lo que le sucede.

Los colores en la vestimenta de los personajes, no solo son estéticos sino simbólicos. El blanco en Cecil y Marie, marcan la pureza y transparencia. En cambio, el negro, en el resto de los personajes connotan oscuridad, turbiedad en sus personalidades, manchas de maldad en algún punto.

Esta novela se denomina epistolar ya que su trama gira en torno a cartas escritas entre algunos de los personajes: entre Cecil y su profesor, entre Marie y su marido a quien no se conoce en la obra, entre Isabelle de Merteuil y Sebastian de Valmont. Si bien cada redacción es importante -para el nudo de la historia-; recién en el desenlace se sabe el papel fundamental que cumplen las cartas entre los dos protagonistas perversos de “Las relaciones peligrosas”.

Entonces cabe preguntarse, qué es lo peligroso. ¿Cuáles son los vínculos que corren peligro? ¿Existe realmente el peligro en esta intrigante historia francesa? ¿El peligro será un hecho puntual llevado a la acción o la palabra misma?

De lo que podemos estar seguros es que una relación por la fuerza -física- no perdura en el tiempo.

En tiempos donde la tecnología e internet suplantan un manuscrito -redactado con pluma y tinta-, es increíble poder permanecer expectantes casi dos horas, atrapados por palabras, intenciones, sensaciones, miradas y actos. Todo lo sutil y cada huella, quieren decir algo. Pero no es un “algo” pasajero, sino una pista que unida a la siguiente, nos permitirán saber el significado de cada texto, de cada diálogo y de cada relación, justamente.

Los ocho actores, tienen un desempeño excepcional. Como en una novela, existen los actores principales que son marcados por el relato, pero a mi parecer todos son imprescindibles en la obra. El que puede tener menos libreto para hablar, lo compensa con actuación en silencio. Esto también es un arte en el escenario, el notar cómo cuando uno se está destacando con la voz, el resto permanece en uno de los ambientes de la casa en que se divide la puesta en escena. Serían necesarios más ojos para captar cada movimiento de cada uno de estos artistas.

También es un placer escuchar sonar un piano, en vivo, de las manos de Cecil y Raphael.

En cuanto a la escenografía, ésta es perfecta para la época en que acontece la obra, de un estilo muy fino y distinguido. Si bien en el Siglo XVIII se hablaba de otra manera mucho más formal que en la actualidad, el guión está muy bien adaptado ya que consigue un equilibrio entre la época pasada y la vigente.

La iluminación va ambientando cada parte del escenario en que sucede aquello a lo que debemos prestar atención. Actúa exactamente paralela a como lo haría una cámara filmadora en la televisión. Las luces son las encargadas de decirnos qué es lo importante y en qué momento.

Retomando, por último, al escritor Pierre Choderlos De Laclos, es relevante conocer algo acerca de su vida para comprender el por qué de su novela. Él comenzó como militar, creyendo que era su verdadera vocación, cuando al pasar unos años empezó a redactar «Las amistades peligrosas» (muchas veces traducida como el título de la obra). Con el correr del tiempo, se volcó más a la escritura y en ella pudo plasmar sus frustraciones militares, la humillación por parte de la aristocracia y el rechazo de las mujeres que anhelaba en su momento.

Además de narrar sus propias vivencias, encarnadas en personajes, también se puede mencionar el contexto del país francés de esa época, la frialdad de la clase más alta y la necesidad de aparentar situaciones para «no hacer algo mal».

Quizás, de lo que no se dieron cuenta, los que tienen el poder -y dinero-, es que el pecar de inocente es peor que mostrar la verdadera faceta.

Mariela Verónica Gagliardi

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