*** SEPTIEMBRE 2025 ***

Archivo para 2015

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El espanto de estar vivo

Cumple zombi1

La Sala Casacuberta del Teatro San Martín en este caso no se ilumina sino que se oscurece para adentrarnos en una historia muy peculiar: la de un zombi que busca ser querido y aceptado por sus semejantes. Con una música que recrea la atmósfera pretendida, lo negro y colorido se unen y separan cuantas veces sea necesario para dar lugar al conflicto, al amor, al deseo, a la bronca y a todo tipo de sentimiento surgido.

Ivo Siffredi adapta el cuento Cumple zombi (de Alberto Pez y Roberto Cubillas) al mundo de los títeres en que todo es posible. Ese universo de hilos, de marionetas y de voces cambiantes que irán construyendo al pueblo de Jacumel -un espacio habitado por seres un tanto peculiares que, como todo lugar, tiene buenos y malos-. Con su impecable dirección y confección de marionetas y títeres, este espectáculo se torna maravilloso.

Como en la película de los ochenta, Beetlejuice que fusionaba el suspenso con humor negro y la comedia, Cumple zombi transita por un mundo con códigos como el de los vivos pero muchísimo más entretenido y no convencional.

Cuando las luces se atenúan, el humo invade y ellos aparecen, de a poco, uno tras otro para celebrar un nuevo aniversario en la vida de Benito. Si hasta suena tierno este nombre al igual que sus ojitos que pestañean cuando se enamoran, que teme no tener torta ni regalos y el olvido de sus amigos.

Más allá del festejo, ocurren algunas peripecias antes de llegar al mismo. Y es que una mujer, en este caso una zombi, se disputa el corazón de dos y uno de ellos jugará demasiado sucio pretendiendo envenenarlo.

Un primer beso que se hace esperar, que quizás nunca llegará. La tensión es sopesada gracias a los diferentes animalitos que se mueven espontáneamente dentro de la escena, recobrando su libertad. Los vivos no mucho más vivos que los muertos y éstos teniendo los mismos sueños de cualquier mortal que se enciende cuando ve luz y se entristece al apagarse.

Realmente es atrapante el modo en que se desarrolla la dramaturgia, la habilidad en que los titiriteros se desempeñan y la parte visual súper atractiva que cautiva en todo momento, consiguiendo sonrisas y sustos en las caras de sus pequeños y adultos espectadores.

Existen varias enseñanzas en esta historia referidas a los buenos valores, a la felicidad y a las pequeñas cosas que sirven para construir un mundo mucho mejor. Si la trampa no existiera, no habría corrupción. Claro que la magia de esta aventura no apunta a asuntos políticos pero sí puedo afirmar que la política está presente como mecanismo para llevar adelante un festejo con toda la ingenuidad que eso implica, la misma que tiene una mirada ante la presencia de un ser amado o las maripositas en la panza cuando se está acercando o hay incertidumbre.

Para que nadie del público se pierda en el relato, una pantalla gigante subtitula extractos de cada escena y, a su vez, el personaje de Bikor (interpretado por un humano que también es movido con hilos) se encarga de hilvanar cada uno de los diálogos, conceptos y escenas existentes para que ningún niño quede afuera de lo que acontece.

Una aventura en la oscuridad en que los colores fluorescentes nos dejan atónitos y permiten que disfrutemos durante una hora de un espectáculo excelente, bien realizado y con todo lo que tiene que tener una obra para ser de alta calidad.

Colores por todos lados, formas distintas, voces de diferentes tonalidades, personalidades que se unen o disienten, dos universos de lenguajes paralelos (escénico y visual), un cumpleaños quizás no como el ansiado pero cumpleaños al fin que logra vencer todo tipo de obstáculo para traer lo más lindo de la vida -o de la muerte- que es poder compartir a pesar de las diferencias.

Los hermanos Desgracia quisieron hacer valer su nombre pero entre tanta alegría su cometido llegará a exterminarse por completo.

Como en la película de los ochenta, Beetlejuice que fusionaba el suspenso con humor negro y la comedia, Cumple zombi transita por un mundo con códigos como el de los vivos pero muchísimo más entretenido y no convencional.

Elenco: Daniel Spinelli, Silvia Galván, Bruno Gianatelli, Florencia Svavrychevsky, Valeria Galíndez, Julia Ibarra, Victoriano Alonso, Pablo Del Valle, Celeste López, Leticia Yebra, Lorena Azconovieta, Cristóbal Varela, Ariadna Bufano, Esteban Quintana. Diseño de escenografía, títeres y animaciones de pantalla: Roberto Cubillas. Realización de títeres, diseño y mecanismo de marionetas: Victoriano Alonso, Pablo Del Valle, Cristóbal Varela, Katy Raggi, Florencia Svavrychevsky, Ivo Siffredi. Música incidental original y dirección musical: Santiago Chotsourian. Diseño y puesta de sonido: Mariano Fernández. Dirección: Ivo Siffredi. Funciones: sábados y domingos, 16 hs. Teatro San Martín.

Mariela Verónica Gagliardi

Escrito

en agosto 22, 2015

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En busca de la felicidad

Dos hombres sin destino18

Esta dramaturgia estrenada en España en el año 2004, tuvo un éxito rotundo y acá en Buenos Aires ya va por su segunda temporada.

El humor en tono absurdo es muy difícil de lograr en un escenario y en vivo, donde los tiempos tienen que ser precisos, justos –permitiendo dar lugar a los chistes que serán uno de los efectos deseados de la historia-.

Dos hombres sin destino son dos ejemplos de vidas que no logran encauzar sus metas, que ni siquiera se las plantean y que lo que hacen, a diario y por inercia, es mirar la televisión cual familia Simpsons.

Un sillón desgastado y cansado tanto como ellos, de sobrevivir sin incentivos.

Pero, un día, la suerte de Juan Ignacio cambia fortuitamente, consiguiendo la envidia de José Ángel -quien ya ni siquiera tiene un motivo para respirar-.

Juan Ignacio, tocado por la varita mágica, absurdamente puede conseguir hasta ponerse de novio con una actriz internacional, dar discursos ante un público masivo y ser solicitado como un referente a seguir.

Claro que el contraste que pretende acentuar el autor es el de dos personas que no hacen nada por sí mismas, esperando que algo los modifique en alguna dirección.

Entre risas, surgirán llantos por la propia indignación a no apostar nada (y no por miedo, sino por vagancia). Una casa que nos muestra un living, un escritorio y el decorado que quedó de antaño, congelando sus vidas como si se tratara de una simple fotografía sin movimiento ni respiración.

Qué fácil puede resultar burlarse de otro y qué tétrico puede ser asumir quien se es. La quietud, ese lugar cómodo que ya se torna incómodo en cuanto se puede ver el progreso ajeno, esa envidia venenosa que desea que al otro le vaya mal para no moverse del sitio en que se está.

Ordinarios, vulgares y conformistas; como tantos otros. Intentando sobrepasarse de desorden y consiguiéndolo a la perfección. Estrellándose contra un espejo de sí mismos y viéndose reflejados en el otro, constantemente.

Dos hombres sin destino es una mirada sobre aquellas personas que no aspiran a nada, simplemente que ven los días correr desde la ventana de su casa, sintiendo que la vida es eterna.

La simpleza de la historia permite hacer reír y reflexionar a un público heterogéneo. Una obra que es, indudablemente, para pasar un buen rato, encontrándose consigo mismo, quizás en algún momento de la dramaturgia.

El destino de ellos será incierto pero destino al final. Como el de cualquiera, como el de cada uno de nosotros. Como quien no tiene esperanzas sino la paciencia de no mejorar.

¿Cómo parodiar la propia desgracia?

Esta seguramente sea la clave de esta comedia que no tiene pudor ni vergüenza. Con dos actuaciones antagónicas, que se fusionan bien y en la que uno consigue lucirse como los personajes que le caen del cielo; mientras el otro viste y deambula siempre igual.

Dramaturgia: Pepón Montero y Juan Maidagán. Elenco: Iván Esquerré y Gonzalo Suárez. Dirección: Néstor Montalbano. Teatro CPM Multiescena. Funciones: viernes y sábados 21 hs. Domingos 20 hs.

Mariela Verónica Gagliardi

Escrito

en agosto 21, 2015

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Se murió mi esperanza

Mariana, mujer de Lorca2

Mariana, mujer de Lorca (escrita por Federico García Lorca, interpretada por Patricia Tiscornia y dirigida por Santiago De Los Reyes) es un unipersonal que nos translada a Granada para recrear la atmosfera de una época que, sin lugar a dudas, fue triste y conmovedora a la vez.

En primer lugar, una actriz que no es española, resulta difícil de imaginar en dicho contexto (más allá de la vestimenta y accesorios que utiliza la artista para lograr un mayor acercamiento con el público). Es que lograr el acento, la pronunciación y veracidad de las palabras, no es tarea sencilla. Como homenaje a esta luchadora, el objetivo se cumple, pero si de representar se trata, la versión de Susana Hornos y Zaida Rico, quienes recorren la vida de Mariana Pineda -comparándola con la de muchas mujeres, de diferentes épocas, que lucharon hasta el cansancio por sus convicciones e ideales político-sociales-humanos- es un ejemplo de excelencia y enaltecimiento, motivo por el cual es difícil de juzgar la presente dramaturgia.

Patricia Tiscornia, sin embargo, recita los poemas de amor de Lorca, acercando lo más importante de la historia. Ella canta, recita, cuenta su vida y le narra a su único amor Pedro. Quizás una buena forma de desarrollar la historia pueda ser no querer interpretar a una española sino al sentimiento que perpetúa con el correr del tiempo, a esa sensación en que una meta se desdibuja como nebulosa, apostándolo todo.

La interpretación oscila entre los versos del autor y su deseo inagotable.

El hombre es un cautivo y no puede liberarse – le dice Mariana a Pedrosa, a quien no considera valiente en absoluto.

La noche no quiere venir para que tú no vengas ni yo pueda ir.

Pero yo iré aunque un sol de alacranes me coma la sien. Pero tú vendrás con la lengua quemada por la lluvia de sal.

El día no quiere venir para que tú no vengas ni yo pueda ir.

Pero yo iré entregando a los sapos mi mordido clavel. Pero tú vendrás por las turbias cloacas de la oscuridad.

Ni la noche ni el día quieren venir para que por ti muera y tú mueras por mí.

(Federico García Lorca)

Ella no se agota por su lucha, por más utópica que se vuelva, por más peligro que corra o sin sentido se convierta. Mariana dice: Yo bordé la bandera con mis manos y su rostro se ilumina por completo. Un rostro cansado, padeciente pero lleno de vida viva.

¿Y si estoy presa? Estoy presa.

Ella se siente la libertad, y desde ese lugar recita sus días, para transmitir su militancia individual, sin anexarse a organismos políticos sino a cultivar su bondad, su compromiso y su deseo por un país más justo y equitativo donde no se condene al que piensa y acciona diferente al modelo vigente.

Ella dice que va a morir por lo que él no se anima, lo increpa a Pedrosa (alcalde que ordenó su pena de muerte por despecho), juzgándolo por su quietud ante la tormenta. ¿Un crimen pasional? Un cobarde que utilizó la violencia para terminar con el corazón de la mujer que amaba. Esa es la esencia de esta obra, además de la bandera bordada por Mariana en homenaje a la libertad.

Teatro Botica del Ángel. Función estreno: jueves 20 de agosto 2015.

Mariela Verónica Gagliardi

Escrito

en agosto 20, 2015

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40 años, una vida musical

Orquesta Norberto García26

El Maestro y Director de Orquesta, Norberto García (co-fundador y principal director invitado de la Orquesta del Centro del Conocimiento de Misiones, suplente de Concertino en la Orquesta Sinfónica Nacional Agentina y concertino de la Orquesta Sinfónica de la ciudad de Olavarria), cumple hoy cuatro décadas en el universo de la música, enseñando a artistas de diferentes edades y niveles socioculturales.

Para festejarlo eligió realizar un seminario de tres días consecutivos y cerrarlo con un concierto en la Sala Argentina del Centro Cultural Kirchner. Dicho concierto fue impulsado por El Centro del Conocimiento (de Posadas, Misiones), y su director Emilio Rocholl estuvo en la platea apoyando toda esta gran movida. Otro gran detalle fue el acompañamiento en piano de Diana Lopszyc.  

Fue una tarde realmente muy emotiva en que se mezclaron las sensaciones, los compositores y, dejando en evidencia que para ser músico primero hay que tener ganas, entusiasmo y tenacidad.

Una primera parte nos brindó Las estaciones porteñas de Piazzola, interpretadas por profesionales de diferentes partes del país (Misiones, Córdoba, Monte Grande, San Martín y Capital Federal). Cuerdas de violines, violas, cellos, contrabajos y la dirección majestuosa de García, evidenciaron que su apellido, en este caso, no era uno más sino el sello de su evolución a lo largo de los años, de su carrera y el carisma de su sonrisa que, seguro, despertó a niños soñadores.

Un otoño con aires de arrabalero, un invierno gris, oscuro y con un despertar impresionante. La llegada de la primavera con firuletes, tiempos veloces, romanticismo y vaivenes que oscilaban entre lo lento y rápido; para darle lugar a la pesadez del verano, lleno de aventuras, con campos abiertos que contienen fragancias a flores, vegetaciones y a libertad.

Si de estaciones se trata, resulta imposible no comparar con Vivaldi, un autor de otro país, incluso de otro continente que se dedicó a la música barroca. De distinto siglo, pero ambos, pretendieron crear las atmósferas necesarias para que los escuchas disfrutemos de la excelencia de acordes y transiciones musicales.

En este caso, el tango, un género bien nuestro, que no divide generaciones ni edades, ni rangos sociales ni económicos. Ahora, más que nunca, el tango es contemporáneo, vigente y colmado de expectativas para quienes deseen ejecutarlo, bailarlo u oírlo con los ojos cerrados.

Antonio Vivaldi (1678-1741) publicó esta pieza dentro de la colección Il cimento dell´armonia e dell´inventione Op. 8, detallando cada una de las cuatro estaciones del año para instrumentos de cuerdas.

Astor Piazzola (1921-1992) comienza la escritura en 1965 y la culmina en 1970. Durante una época drástica en Buenos Aires y Argentina, en que la vestimenta camuflada pretendió abolir la humanidad y el aire puro. Sin embargo, el arte de este compositor logró destacar que aún en tiempos de guerra es posible traer canción al alma.

Al terminar esta primera parte del concierto, jóvenes alumnos de Monte Grande fueron dirigidos por la violinista Victoria Mayorquín -quien también tocó en la orquesta anterior- e hicieron una pequeña intervención que se ganó varios aplausos.

Y, a continuación, The Simple Symphony Op. 4 de Benjamin Britten se apoderó de la escena. Esta pieza que fue compuesta por este excelente músico a sus nueve años de edad y que tal cual afirmó Norberto García: de simple no tiene nada; es un pasaje por diferentes estilos. Consta de cuatro movimientos: Boisterous Bourrée, Playful Pizzicato, Sentimental Sarabande y Frolicsome Finale.

Más allá de la complejidad de cada una de sus partes, escuchar las melodías de Britten es un placer inigualable.

Sus matices, deleitan, emocionan y se produce un climax conmovedor.

Con respecto a Boisterous Bourrée, se refiere a un allegro en forma de sonata, luego Playful Pizzicato (movimiento fijo, de compás rápido), a continuación Sentimental Sarabande (movimiento lento y melancólico) y, el último Frolicsome Finale (donde la alegría se apodera del ritmo).

Así fue como representantes de Puerto Madryn (Gustavo Stecko), Alta Gracia y diferentes zonas de Buenos Aires; colmaron la atmósfera de la sala con una función maravillosa en que salimos impregnados de aires distintos.

Dos épocas y países diferentes, se unieron para aunar las aguas y demostrar que Argentina e Inglaterra tienen más en común de lo que se puede imaginar. Que las brechas son más cortas de lo que se cree y que el arte acaricia a todo músico que se interese por las notas de una partitura, de varias, de todas.

Mariela Verónica Gagliardi

Escrito

en agosto 19, 2015

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Ni muerto, en paz

La tragedia de Ricardo III1

La tragedia de Ricardo III (The life and death of kink Richard III, escrita por William Shakespeare y dirigida por Jorge Eines) plantea ciertos conflictos de dos épocas diferentes y permite que consigamos aunarlas con nuestra actualidad mundial.

Porque Eines compara y asemeja a Hitler y su nazismo con Ricardo III y su despotismo. Claro que existió un verdadero Rey que viviía en la Torre de Londres donde se ejecutaron y encerraron a muchas personas. Este punto transcurre exactamente igual en la historia inglesa y en la dramaturgia.

La Segunda Guerra Mundial (Siglo XX) expone a Adolf Hitler con su plan macabro de crear muchos campos de concentración y eliminar a quienes no fueran como su capricho lo deseara. Dicho espacio físico aparece representado al fondo del escenario y resulta tanto conmovedor como interesante notar el desenvolvimiento de hombres y mujeres que continuaban con sus rutinas diarias de lavar, coser, remendar… hasta que la muerte les llegue.

Cerca de un millón de judíos fueron asesinados en Auschwitz -el campo de concentración más grande, monstruoso y el que reclutaba a más personas de la colectividad-. No solo fue una guerra contra los judíos sino contra todo no incluido dentro de la raza aria: 74.000 polacos, 21.000 romaníes (gitanos), 15.000 prisioneros de guerra soviéticos y alrededor de 10.000 ciudadanos de otras nacionalidades fueron exterminados del mapa para siempre.

El Tercer Reich (en Inglaterra, la equivalencia se denominó Lager) fue orgullo de los nazis y padecimiento del resto de los mortales que temblaron ante el famoso brazo estirado, tan rectamente como su regimen descomunal.

Pero, en la presente puesta en escena, se produce un alivio al comprender que no solo se menciona la crueldad histórica de Hitler y Ricardo III sino que se trata de un montaje que tendrá que llevarse a cabo para no perecer en el intento. Sí, un grupo de actores irán interpretando a los personajes centrales de la obra shakesperiana para salvarse y sobrevivir.

¿Quién fue Ricardo III?

Duque de Gloster que tuvo mala fama, no solo por su forma de proceder sino por la cantidad de asesinatos que tiene en su historial. A pesar de ello, también se lo recuerda como un hombre (con esto no me refiero a humano, sino simplemente por su condición masculina) que se enamoró -sin juzgar si realmente fue amor o manipulación-.

De lo que no se podría estar de acuerdo es del destino de su cuerpo fallecido, el cual se enterró más de cinco siglos después y no en el año 1485 en que perdió la vida durante la batalla de Bosworth Field (Inglaterra).

Se lo recuerda, entre otras cosas, por su frase célebre: “Mi reino por un caballo”. Dicha frase no es más que una súplica que tiene su origen en cómo se preparó a su animal para la batalla. Resulta ser que un herrero estuvo encargado de hacerle las cuatro herraduras al caballo pero, al llegar a la última, la confeccionó sin demasiada perfección ya que se había quedado sin clavos; motivo por el cual durante la riña el pobre animal perdió el equilibro, cayendo y tirando sin querer a Ricardo III. Esa jornada fue definitiva y si el herrero se hubiera comprometido con su trabajo, probablemente el reino hubiera seguido en pie, victorioso.

La historia de Shakespeare es totalmente dramática y atrapante hasta el final.

Jorge de Clarence (hermano de Ricardo que lo precede como heredero al trono), tuvo cuatro hijos: Ana, Margarita, Eduardo y Ricardo. Ana es seducida por Ricardo III -quien le dice que mató a su marido -y su propio hermano- (Eduardo IV) por culpa de su belleza-. Cabe aclarar que también había asesinado a su suegro (Enrique VI). Esta relación enfermiza que pretende tener Ricardo con Ana, a quien humilla y trata bien cuando se le antoja, luego se consolida. La escupida de ella contra él, revela la repugnancia que le tiene pero la necesidad de poder que pretende.

Son muchísimos los personajes de esta tragedia pero lo sorprendente es que queda en el imaginario social esa sensación de súplica por la paz, más allá de frases o diálogos instaurados deleitosamente en los manuscritos ingleses. Un elenco de actores muy bien seleccionados, dentro de los que resaltan Natalia Villena y Alejandro Cop, logrando transitar por un sinfín de emociones, consiguiendo plasmar sus ademanes y diversas expresiones imprescindibles para las artes escénicas.

Autor: William Shakespeare. Elenco: Alejandro Cop, Annemarie Castillón, Denise Yañez, Ernesto Rowe, Florencia Limonoff, Hilario Quinteros, Juan Kiss, Natalia Villena. Director: Jorge Eines. Teatro El Tinglado. Funciones: domingos 17.30 hs.

Mariela Verónica Gagliardi

Escrito

en agosto 18, 2015

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Entrevista a Delfina Danelotti

perrota 6Actuó en Humahuaca 4080, Lúcido, La soledad y Otras mujeres. Actualmente, está protagonizando La Inapetencia de Rafael Spregelburd en el Teatro La Lunares del barrio del Abasto.

¿Cómo fue tu elaboración de este personaje tan particular?

Desde un primer momento, con la directora trabajamos el gesto sobreactuado de una sonrisa constante comunicando un estado carente de conflicto. Es decir que partimos de una forma corporal saturada para desembocar casi por desgaste físico en un estado de tensión escénica. Ese estado es lo que me sostiene actoralmente. Allí radica la emocionalidad del personaje. Un cuerpo habitado de rigidez que, escena tras escena, va adquiriendo diferentes calidades a causa de la erosión de la forma en el tiempo: la tensión deviene angustia, luego miedo, dolor, contradicción y asfixia, siempre detrás de un gesto que se proyecta hacia la perfección.

¿Tiene algo tuyo la Sra. Perrotta?

La presencia de la Sra. Perrota responde a un exceso de prolijidad que inhabilita una espontaneidad legítima. Por lo tanto, desde la forma construida no tengo nada en común. Pero desde el campo emotivo, el abordaje es tan complejo y a la vez tan reconocible como en cualquier otro personaje.

¿Considerás que aún en nuestra sociedad no hay una cultura de adopción?

Creo que hablar de sociedad y cultura para analizar la cuestión de la adopción es impulsar al pensamiento a utilizar términos generales que deberían responder a un conocimiento profundo del tema, del cual carezco. Considero que la decisión de ciertas parejas que se resignan a no ser padres o se someten a tratamientos invasivos en vez de acceder a una adopción, es una cuestión pura y exclusivamente de la intimidad de cada pareja. Y sinceramente, creo que siempre es mejor pensar desde el punto de vista de las excepciones y no desde las generalidades que suelen ser no puntos de vista.

¿Es posible conseguir un equilibrio entre deseo y amor?

Sí. En tanto que el deseo es producción, el impulso violento engloba dentro de él al amor y viceversa. Es una relación de tensión en perpetuo desplazamiento. El equilibrio es parte de esa potencia que intenta perseverar. No nos inclinamos por algo porque lo consideramos bueno, sino que, por el contrario, consideramos que es bueno porque nos inclinamos por ello.

Existe mucha bajada de línea en La inapetencia respecto a diferentes temáticas. ¿Crees que es indispensable un personaje como el que interpretás para decir las peores verdades?

Para nada. Cualquier personaje puede decir las peores verdades. Se conciben bajo distintas formas, pero son irreductiblemente impersonales. Están totalmente desfasadas de la idea de una psicología particular; sino que más bien brotan de un encuentro, de un vínculo, de una combinación.

En este caso Mambrú no se fue a la guerra pero tu hija sí. ¿Cómo construyeron ese vínculo?

Después de varios meses de ensayo, el vínculo se gestó de manera autónoma. La entrega al juego más el tiempo recorrido, hicieron por sí solos un trabajo orgánico. Los acontecimientos puntuales que la obra propone (una hija que decide ir a la guerra) fueron concebidos por la directora desde un modo etéreo, sin solemnidad ni juicio. Esa decisión hizo que tanto Dolores (la actriz que hace de mi hija) como yo, nos permitiéramos encontrar otro tipo de porosidad narrativa, no sólo la que se distingue objetivamente en el texto de Spregelburd.

¿Cómo es esa dicotomía que se produce entre comida y sexualidad?

La relación entre comida y sexualidad ha sido un tema central en buena parte de la literatura universal, ya en algún banquete de “El Satiricón” de Petronio aparecen referencias a este respecto. Asimismo, muchas metáforas sexuales que usamos habitualmente remiten a la praxis de la alimentación. En particular en la puesta de La Inapetencia, el exceso de discurso sexual y alimenticio no hace más que reponer su carencia. La relación de la Sra. Perrota y su marido está determinada por una no relación que se actualiza como un exterior simulado. Así la pluralidad de imágenes comestibles es puramente formal y responde a un solo acontecimiento que es la insatisfacción sexual. No se trata de una dicotomía, sino de una no relación, que no por eso deja de reconstruirse como vínculo.

¿Es mucho gasto de energía fingir ser alguien que no se es?

El gasto de energía forma parte de la exposición del cuerpo en escena. Se convive con ese desgate porque forma parte del trance lúdico que es la actuación. Uno es mirado, por lo tanto lo exterior afecta al interior. Pero así se construye la verdad en la ficción. No hay otra forma de hacerla vibrar: tanto el afuera como el adentro producen colectivamente el efecto inefable de la vitalidad en escena.

¿Como es el universo de La inapetencia?

La inapetencia es una comedia en código absurdo. El tinte onírico que la compone, expone situaciones que escapan de la lógica lineal a la que estamos acostumbrados, generando cierta molestia para el entendimiento. Sucede que la puesta es una metáfora de lo que la Sra. Perrota imagina y/o percibe de su realidad teñida de negación, insatisfacción y represión. Por lo tanto la apertura narrativa es infinita, dejando al espectador la posibilidad de contarse su propia versión de la obra.

¿Existe la fórmula perfecta para ser feliz?

Más que fórmula, existe una filosofía. Aquel que decide hacer lo que le gusta, lo que aumenta su potencia, su fuerza de existir, aquel quien ha conquistado la vida tan plenamente, la muerte siempre exterior y extensiva, no es cosa de interés. Se trata más bien de una conquista de beatitud intelectual. Elegir aquello que nos compone sólo depende de nosotros mismos.

Mariela Verónica Gagliardi

Escrito

en agosto 18, 2015

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Un melodrama argentino

Deshonrada

Deshonrada (escrita por Gonzalo Demaría y dirigida por Alfredo Arias) se reestrenó en el Teatro Cultural San Martín y fue una función a sala llena en que el mal clima no nos privó de ver esta excelente pieza artística.

Las dos tonalidades que aparecen durante toda la historia son el blanco y negro. Como antítesis, como opuestos, como posibles enemigos y como oportunidad de exhibir el cine expresionista a través de un escenario, dotado de toda la magia que encarnan sus protagonistas. Es deslumbrante el movimiento que se va creando a partir de la puesta en que lo estático cobra vigor y se desplaza sin siquiera hacerlo. A su vez, los actores llevan adelante una interesante coreografía (no en sentido de bailarines) en que sus cuerpos aparecen de un extremo u otro provocando un ilusionismo increíble.

En los años veinte nace la actriz Fanny Navarro, una artista muy aplaudida por algunos y vapuleada por otros tantos.

Como la escena en que Guido Samsa despierta siendo alguien completamente diferente a quien era, así está ella. Desconcertada, sin comprender por qué la vida le responde de esa manera.

Durante el segundo gobierno de Perón, Fanny fue detestada hasta por éste. Ella ya famosa y reconocida en el ambiente no tenía la simpatía de las principales figuras políticas. Pero, la propia Evita la defendía constantemente. Al fin de cuentas era su cuñada, mujer de su hermano Juan (conocido como Juancito o Pebete). Su principal apodo era Jabón Lux haciendo alusión a que lo usaban nueve de cada diez estrellas.

Si bien algunos la tildaban de trepadora, cuando ella conoció a Juancito ya era reconocida, motivo por el cual se comprende la necesidad que tenían de ensuciar su nombre.

En la década del 30′ integró una opera en el teatro colon (encabezada por Claudia Muzzio), protagonizó la película Ambición (de Adelqui Millar) e inclusive fue tapa de la revista Antena en 1941.

Alejandra Radano se viste de ella e interpreta a una Fanny bien caracterizada de pies a cabeza, que logra hasta su modo de hablar, de vocalizar y de ser.

Ella duerme hasta que un oficial conocido como Gandhi(Marcos Montes) la saca de su casa repentinamente. Luego, aparece en una sala donde debe no sólo declarar sino responder a cuestiones que ni siquiera ella sabe.

Pero lejos de convertirse en una obra dramática exclusivamente, esta pieza teatral tiene muchos tintes de comedia, con lo cual se trata de una comedia dramática exquisita -sin dejar de lado al melodrama- en que los años cincuenta están muy bien retratados.

El discurso de ambos fluye como el agua y existen momentos en que las pausas les permiten mostrarse como son, darle lugar a Radano para que cante y detalle quién fue en aquel entonces y conformar una historia deleitosa.

La puesta en escena en que ambos cuerpos se separan, caminan a la par y se confluyen como energías diferentes y simbióticas a la vez, da garantía de la profesionalidad tanto de los actores como del resto del elenco. Esos pasos que marcan distancia y encuentro, que son necesarios para presentar el código de la danza que prescinde de la palabra. Aquella palabra que, en este caso, solo trae más discordia y malos entendidos.

Además de las cuestiones de historia argentina y de la vida de esta artista, existe un juego muy interesante a nivel escénico en el que el mundo del teatro hace su aparición y los dos actores le sacan provecho a la situación.

Dicha fusión entre ficción y realidad se vuelve completamente importante, atrapante y el suspenso va creando las atmósferas necesarias como para que lo trágico y lo subrealista aparezcan y desaparezcan junto a los juegos de iluminación, de modo tan suave como los vestigios que dejan los pasos de estos transeúntes de la vida.

Existen varias escenas fuertes y que provocan desconcierto, quizás, de quienes no conozcan los entretelones de la vida privada de Fanny Navarro. Y para quienes sí saben de qué se trata, las sensaciones son aún más escalofriantes. Por qué tuvo que aguantar ser maltratada de diferentes formas porque a un grupo de militares y de dementes se les ocurrió que ella era culpable de ciertos asuntos de corrupción o de los caprichos eogístas de personas inoperantes.

Un día como cualquier otro se convirtió en penumbras imposibles de borrar de la mente y el corazón de Fanny. Su amado, quien había muerto (los militares aliado de Aramburu reiteraban que fue asesinado), no tuvo un descanso en paz. El Capitán Gandhi (César Fernández Albariño) hizo traer la cabeza del difunto y se la presentó, envuelta en papel de diario. De ahí en más la actriz comenzó a hundirse a ir de mal en peor. Su situación económica fue decreciente al igual que su salud.

Deshonrada permite sonreír, emocionar y llorar por la impotencia que siente Fanny Navarro -una mujer que tuvo el “pecado” de querer ser libre durante la dictadura-. Mientras sus vestuarios negros y su pelo la muestran cuasi desapercibida, su voz evoca el pasado, sus mejores momentos y el dolor de no poder defenderse de un impostor… mejor dicho, de un mecanismo torturador que disfrutaba de la desgracia ajena.

Un gran homenaje a la artista que ni siquiera fue querida por Daniel Tinayre (el director de la película Deshonra, protagonizada por ella misma).

Demasiado para un solo cuerpo, para un solo corazón y para una trayectoria artística que fue cuestionada por muchos.

El daño se concretó y jamás volvió a ser la misma joven llena energía y entusiasmo.

Dramaturgia: Gonzalo Demaría. Elenco: Alejandra Radano, Marcos Montes. Director: Alfredo Arias. Funciones: de miércoles a domingo, 20.30 hs. El Cultural San Martín.

Mariela Verónica Gagliardi

Escrito

en agosto 13, 2015

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Una canción en un mundo de sordos

el-amor-es-um-bien-def

¿El mundo es un lugar justo? (pregunta Sonia)

¿Qué pensamientos se pueden plasmar por escrito cuando un artista consigue rescatar la esencia y atmósfera necesaria para que una obra de teatro rusa se luzca en nuestra actualidad?

Francisco Lumermann es un creativo con su rol de actor, con sus dramaturgias y con la dirección impecable que lo caracteriza.

El primer acierto que tiene El amor es un bien es justamente la posibilidad de adaptar Tío Vania (de Anton Chéjov) a un público no necesariamente conocedor de literatura rusa, y, al mismo tiempo, darnos la oportunidad a quienes somos fieles seguidores de la misma a contemplar una excelente puesta en escena totalmente contemporánea.

Chejov escribió este obra dramática en cuatro actos en 1899 (en Rusia). Al año siguiente, la compañía del Teatro del Arte de Moscú (dirigida por Stanislavski) estrena una versión de esta historia.

Existen varios aspectos para analizar en esta adaptación realizada por Lumermann respecto de Tío Vania.

El lugar en que se ubican son diferentes: la versión original está situada en territorio ruso, en una hacienda aristocrática que pertenece a Serebriakov -padre de familia- y, en esta otra, ubicada en la ciudad de Carmen de Patagones (ciudad situada al Sur de Buenos Aires, a orillas del Río Negro el cual la separa de Viedma), en un hostel de barrio. Ambas viviendas están muy venidas a menos y van a ser parte protagónica de las tramas.

Por otro lado, la llegada de un médico también desatará enfrentamientos pero no por que se trate de una mala persona sino porque él sería totalmente diferente a estos personajes. Sabe lo que quiere, tiene convicciones -por más que los demás se burlen de éstas-, es visto como antagónico y, sin embargo, a todos atrae su personalidad.

Desde ya que no están todos los integrantes de la dramaturgia real pero sí quienes son más importantes: Tío Vania, llamado como Iván, su sobrina Sonia (hija de la hermana de Iván), Alejandro (el padre), su mujer Elena y Pablo, un médico y único huésped del hostel.

Se pueden mencionar algunos temas que surgen y desarrollan: el talento, la muerte, el amor, la soledad y las injusticias. No todo aparece mencionado explícitamente pero sí su simbología y vinculación con sus propias vidas.

Durante un primer acto podemos escuchar la voz de la joven Sonia que grita cantando sus sentires, acompañado por su tío. Tapados por un telón blanco, medio transparente, tras el que se encuentran ensayando para una fiesta muy importante a nivel local. Dicha celebración no es cualquier celebración sino la que se refiere a la Soberanía del pueblo de Carmen de Patagones que entre 1825 y 1828 tuvo que enfrentarse a Brasil ya que dicho país pretendía anexar a sus tierras a la actual Uruguay. Después de habérsele negado a Patagones refuerzos a nivel nacional, resiste la invasión consiguiendo que los propios vecinos salgan armados a defenderse, junto a un grupo de corsarios en el Cerro de la Caballada. Así, cada 7 de marzo, se lleva a cabo una fiesta que dura diez días y en la que se puede disfrutar de desfiles criollos, comidas, artesanías y varios números artísticos.

En esta obra, no es considerada más que una posibilidad para mostrar lo que se desea. Patagones, es utilizada para canalizar la oscuridad en la que se encuentran inmersos sus protagonistas. No hay forma de que sean felices porque, de existir manera, la depresión los seguiría hundiendo en el alcohol, los cigarrillos y las pastillas. Todos estos mecanismos son necesarios para que puedan evadirse de la realidad y seguir subsistiendo de algún modo.

Me parece muy acertada la escenografía de la que se vale la obra. Unas simples gradas que se unen o separan de acuerdo al momento que se esté llevando a cabo. Como si se tratara de una fotografía que quedó en el tiempo para ser recordada y nada más. Así están ellos, cada uno de ellos. De espaldas, de perfil, de frente, hablándonos a la cara, susurrando sus tristezas, angustias y penas.

Dos mujeres que se hablan con el corazón abierto, que intercambian sus ropas para sentirse diferentes y que, sin embargo, sus dolores son más profundos que cualquier comodidad o incomodid de vestuario.

El tío es la principal figura del drama. Él está abandonado, anhela compañía y cuando se enamora su amor no es correspondido. Sus días se vacilan entre las moscas reinantes y el deber que siente por priorizar a su sobrina. Esta es la única relación verdadera y sin secretos. Ambos seres son realmente encantadores para con el otro y su fidelidad les permite atravesar cualquier tipo de vicisitud.

Pero, existe otro problema que tiene que ver con la locación. El hostel no tiene más que a un inquilino y si bien las intenciones de Iván y Sonia no son malas, sus conflictos personales no les permiten afrontar la dura realidad en que se encuentra este negocio familiar.

El amor es un bien apunta, entre otras cosas, al poder económico y a aquellos miembros que se erigen como superiores por tener más que otros. En este caso, el padre de Sonia que juega de ingenuo hasta hacer estallar en palabras el motivo de su visita. Una visita que jamás será olvidada por quienes viven ahí y que, tal vez, con el tiempo haga que todo siga igual.

El amor es un bien tiene a cinco actores excelentes que interactúan entre sí tan espontáneamente que parecieran en verdad una familia.

José Escobar, un Tío más joven que el original, está abolido, no da más. No puede ni con su alma pero, de algún lado consigue fuerzas para no dejar desamparada a su querida sobrina. Una sobrina que podría progresar pero que la inacción del pueblo se transporta a sus venas para dejarla flotando en un brumoso aire. Aquellas partículas de nitrógeno y oxígeno que se contaminaron con el caso Junior, hundiendo a esta ciudad en el error de un alumno asesino.

Carmen de Patagones existe hace más de once años…

Elenco: Manuela Amosa, José Escobar, Diego Faturos, José María Marcos, Rosario Varela. Dramaturgia y dirección: Francisco Lumermann. Funciones: sábados 23 hs y domingos 17.30 hs. Moscú Teatro.

Mariela Verónica Gagliardi

Escrito

en agosto 9, 2015

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Retratos imposibles de borrar

El-amante-de-los-caballos-2

Un galpón con sus recuerdos de antaño es el escenario que se exhibirá para ser contemplado con cada uno de sus detalles que conforman a esta sensible y profunda historia. Como si todo hubiera quedado quieto e inmutable, allí permanece. Para ser contemplado, utilizado y rememorado. Como una puerta que, una vez que se abre, es imposible volver a entornar.

En su vida tuvo alrededor de cincuenta caballos, detalle no menor para empezar el recorrido por esta familia irlandesa que dejó su gran huella en el pueblo.

Lisandro Penelas toma diversos textos de Tess Gallagher y los adapta, muy emotivamente, a esta puesta en escena. Si bien casi todo el argumento original se respeta fielmente, existen algunos detalles que son modificados para que, seguramente, la actriz consiga una cercanía más próxima con los miembros familiares que debe mencionar.

Es así como la figura central de El amante de los caballos que se refiere a su bisabuelo, en esta oportunidad se relaciona estrictamente con su abuelo. Éste tomaba mucho alcohol, era jugador de cartas y su enfermedad le ocasionó que sintiera aún menos culpa a la hora de apostar todo lo que tenía con tal de pasarla bien un rato, un día o varios días.

Mientras ella habla en voz alta y recuerda a su abuelo, sus sonidos vocales van disminuyendo hasta fusionarse con el silencio mismo. Resulta ser que este gran hombre pertenecía a una casta de gitanos de Irlanda a los que se denominaba susurradores. Esos susurros tenían un peso tal por sobre los caballos que éstos obedecían a la perfección.

Tanto el abuelo como su propio padre, tenían firmes convicciones y ni siquiera cuando éste conoció a su mujer ella se pudo resistir a sus encantos. Todos se quejaban de los aspectos negativos del bisabuelo y, sin embargo mi madre le preguntó cómo se ganaba la vida. Mi padre señaló la baraja que llevaba en el bolsillo de la camisa y dijo: –Juego a las cartas. Pero el amor es como es y aunque mi madre era una mujer totalmente práctica, por lo visto no pudo enamorarse de ningún otro hombre.

El amante de los caballos (basada en textos de Tess Gallagher y dirigida por Lisandro Penelas) es un unipersonal excelente (protagonizado por Ana Scannapieco) que rescata aquellos valores esenciales de un hombre que amó a sus animales y que vivió la vida como quiso sin sentir la necesidad de fingir una postura ante alguien o de dar explicaciones sobre su accionar. Una verdadera joyita del teatro que indaga sobre lo moralmente correcto o incorrecto, sobre la etapa de duelo de esta hija que no logra entender a su progenitor pero que lo intenta por todos los medios posibles.

Su papá era un hombre original que si bien estaba absorbido por el juego, nunca pasó hambre. Desde el día que se le ocurrió apostar -no con dinero- sino con vales, siempre llevó adelante su estrategia. Cuando su hija recuerda esto, se emociona y sonríe, como cada frase que esboza.

Su cuerpo consigue formas delicadas para moverse, para convertirse en esa niña que con tan solo cinco años había mostrado un entusiasmo sospechoso por un poni. Y es cierto que sentí que había perdido un amigo muy querido cuando mi madre consiguió que los propietarios del poni lo llevaran a pastar a otra parte.

Ella es pequeña y grande a la vez. Hija y nieta. Feliz y sufrida. Libre como el pelo de un caballo que recorre el aire al trotar por campo abierto. No existe un caballo en escena pero sí nos podemos hacer la idea de su tamaño y ternura con tan solo observar el recorrido que hace su brazo y mano al acariciarlo, al cepillarlo, al admirarlo.

Sus susurros de niña la acompañaron durante muchos años, hasta que -nos cuenta- su madre terminó con ellos abruptamente.

Entre relatos encantadores, una espléndida actuación y una dirección precisa e inteligente, esta pieza teatral nos recuerda que la recompensa más grande que podemos tener cuando un ser querido ya no está es ese cúmulo de vivencias que nos hicieron reír, llorar y copiar a diario.

Una musiquita bien tradicional la hace desplazar, ir de un extremo al otro, mover sus manos y convertir su cuerpo en alegría. Ella baila una versión de mazurca (danza polaca) que nos encandila de a poco hasta provocarnos el llanto. Esas lágrimas cargadas de nostalgia por un pasado que solo volverá a través de una mente que decida invocarlo.

Dramaturgia: basada en el libro El amante de los caballos de Tess Gallagher. Actriz: Ana Scannapieco. Dirigida por: Lisandro Penelas. Funciones: sábados 20:30 hs. Moscú Teatro.

Mariela Verónica Gagliardi

Escrito

en agosto 8, 2015

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Liberarse en el momento justo

Las Mutaciones

El I Ching, a diferencia de prácticas como el Tarot y derivados, no es de temer por sus respuestas. Un libro oriental y milenario que no es de conocimiento masivo, aunque en los últimos tiempos, ha llegado a conocimiento de más personas que se interesan en saber de qué se trata.

Considero que el humano de por sí no puede vivir en la incertidumbre. Necesita una rutina, un orden establecido, una estructura diaria y solo sentir adrenalina cuando lo desea.

Llamado El Libro de las Mutaciones (o de los Cambios), fue y es considerado una fuente de conocimiento para distintas religiones y filosofías orientales, precisamente porque constituye una clave que procura una relativa estabilidad y certidumbre, y al mismo tiempo ayuda a la comprensión del relativo remanente de inseguridad y por lo tanto trata de conducir a un sereno y despreocupado equilibrio (D.J.Vogelmann).

Se le debe la autoría original a cuatro santos: Fu Hi, el rey Wen, el duque de Chou y Kung Tse (Confucio). Al comenzar la lectura pueden verse sesenta y cuatro signos diferentes que provienen del rey Wen, el antepasado prócer de la dinastía Chou, quien la proveyó de sentencias o juicios, los dictámenes , durante los años en que Chou Sin lo tuvo preso en la cárcel. El texto dedicado a los trazos individuales proviene del duque de Chou (su hijo). Dichos escritos fueron usados durante todo el periodo en que los Chou estuvieron al poder, con el nombre de Las Mutaciones de Chou (Chou I).

Richard Wilhelm fue uno de los autores que escribió dos libros sobre el I Ching, y considerado mejores versiones en lo que al tema respecta. No es sencillo leer una publicación de este estilo, interpretar al mundo bajo las herramientas que brinda (sobre todo en Occidente, continente no muy acostumbrado a este tipo de prácticas ni a la búsqueda profunda en sabidurías milenarias).

Por otro lado, si bien Richard murió, su hijo Hellmut continuó su trayectoria en cuanto a escribir sobre mutaciones.

¿Pueden imaginar una obra de teatro que aborde estas cuestiones de una manera atractiva y sin sobrecargar de información a los espectadores?

Las Mutaciones (escrita por Valeria Correa y dirigida por Lorena Ballestrero) es la respuesta. Con una excelente puesta en escena que se vale de una estructura cuadrada de la que se pueden abrir puertas para cualquier lado (giran sobre un mismo eje), continuando con el relato dispuesto y permitiendo que la historia fluya.

Existen varios detalles que conforman a la dramaturgia y totalidad de la pieza artística y a los cuales conviene prestar atención. Uno de ellos es la imagen del programa de mano que consta de un hexagrama (líneas partidas y enteras como pueden verse).

HsiehHsieh / La Liberación

arriba Chen, Lo Suscitativo, el trueno

abajo K´an, Lo Abismal, el agua

Aquí, el movimiento se abre paso y sale del peligro. El impedimento quedó eliminado, las dificultades están en vías de solución. La liberación no se ha cumplido todavía, sino que precisamente ahora se inicia, y sus diversos estadios encuentran expresión en este signo. (Richard Wilhelm).

Por qué hago la introducción. Justamente porque no todos los que se acerquen a ver dicha propuesta están íntimamente relacionados con esta sagrada escritura y, tal vez, ni siquiera sepan en qué consiste su lectura.

Lorena Vega y Leonardo Murúa interpretan deleitosamente a una pareja que está atravesando, hace tiempo, varios conflictos propios de cualquier relación. Separados, juntos, pensándose, recordándose, dándose un beso, una caricia, un abrazo y sin poder cortar el vínculo cuando aún ya no son felices.

Así como el cambio está latente aún no se asume demasiado por parte de ninguno de los dos. Ellos se necesitan de algún modo, se buscan. Rememoran el pasado y utilizan el voseo y la tercera persona, durante toda la dramaturgia, para hablar sobre y con su pareja. Muy interesante este modo de narrar que otorga dinamismo y vuelve atractivo todo lo que acontece.

Mientras unas melodías tangueras surgen, se esfuman y cobran protagonismo; ellos danzan algunos pasos, aprovechan para fusionar sus cuerpos e indagar sobre lo que pretenden.

Ella sabe que si no se va ahora, no se va a ir nunca. Sin embargo, el tiempo se dilata, los pretextos se acumulan y las distancias se aploman.

La posesión, la felicidad y la fluidez parecen hallarse en ciertos momentos, para luego contraerse.

Una obra que dura casi una hora y que, sin embargo, alcanza para comprender su dimensión y su búsqueda -que seguramente será la de tantos y tantas-.

Las Mutaciones sorprende, emociona y colma de ternura, aquella ternura que esta pareja se tiene y que no desea terminar. Ella y él, como dos extraños que se conocen mucho y de tanto que se conocen, absurdamente, se desconocen. Que no consiguen afrontar sus caminos hasta que asumen lo que les toca.

Dramaturgia: Valeria Correa. Elenco: Lorena Vega y Leonardo Murúa. Dirección: Lorena Ballestrero. Jueves 21 hs. Teatro del Abasto.

Mariela Verónica Gagliardi

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Escrito

en agosto 6, 2015