*** SEPTIEMBRE 2025 ***

Archivo para 2014

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Los desaparecidos, ¿tienen identidad?

Siguiente por favor4

Como en una serie de la televisión, en horario de la tarde, podemos apreciar la actuación de Romina Pinto e Iván Steinhardt en “Siguiente por favor” (de Ana Maugeri y Belén Wedeltoft) –una comedia entretenida y con varios aspectos, profundos, para reflexionar-.

Ellos están haciendo una cola para realizar trámites personales pero, la demora hace salir a la luz varios conflictos íntimos hasta revelar una verdad, trascendente, y que cambiará el cauce de la obra por completo.

Mientras una voz en off (Gina Said), solamente, se remite a decir el nombre de la dramaturgia, los personajes avanzan, se quedan quietos, discuten, se conocen y los acompañan unas esculturas blancas.

Estos fueron los objetos que más llamaron mi atención e intenté analizarlos de derecho y de revés, otorgándoles diferentes alternativas y significados posibles.

Haciendo una lectura simplista, éstos muestran que tienen a alguien delante de cada uno y lo mueven al mismo tiempo que la fila lo hace. Esta interpretación, no tendría demasiado sentido a mi parecer.

Pero haciendo un análisis más profundo, ellos intentan esconderse detrás de algún objeto que les de seguridad. En esta oportunidad pudieron haber escogido maniquíes porque no tienen sentimientos, ni movimientos pero sí alegorías respecto al texto de “Siguiente por favor”.

Unos cuerpos rígidos que nada expresan y que le dan la oportunidad, a ellos, de abrirse y mostrar quiénes son.

Es, realmente, historia conocida la que muestra a dos extraños en un lugar público y que, además, se atraen. Por eso es que esta nueva propuesta pretende romper esquemas utilizando la ironía, la inteligencia -dentro del mundo de la sitcom-.

Cada vez son más las obras que se suman a este género olvidado en nuestro país y, en este caso, el guión no es una banalidad sino un ingreso al saber y a la exploración de distintos matices delicados de nuestra sociedad.

Se dice que los problemas son más fáciles vistos de afuera y que, otra persona, los puede interpretar mejor que uno mismo. Este es un ejemplo. Una exposición y una manera de poder desatar nudos que impedían avanzar.

En esta teoría me baso: en la de seguir avanzando como el título de la obra. ¿Quién es el siguiente, a quien le toca? ¿Cuánto dura un trámite? ¿Existe tal trámite o es una excusa para vendar nuestros ojos y seguir posponiendo sentir lo que sentimos?

El sistema se puede caer como en cualquier oficina pública o privada. Nuestra ceguera puede continuar o hacerse la luz. Cada quien escogerá lo más conveniente, sin olvidar que cada decisión tiene causas y consecuencias.

La felicidad, ¿qué lugar ocupa? ¿Se puede vivir sin ella? ¿Se puede ser sin ella?

¿Cómo se puede parar una persona cuando sabe lo que quiere pero no cómo conseguirlo?

¿En qué se puede convertir una persona cuando deja de lado sus inquietudes y deseos?

Quizás en una escultura con formas, curvas y expresiones inventadas o pintadas.

Un rostro es el único que revela el interior, cuando estamos contentos y tristes, cuando logramos nuestro objetivo o lo abandonamos antes de tiempo…

Y los desaparecidos en nuestra querida Argentina, ¿sienten, deambulan, sueñan o están muertos?

¿Quién es alguien sin identidad? ¿Quién es alguien borrado?

Los maniquíes no tienen ojos, ni boca, ni nariz, ni ropa. Solo contornos y relieves. Se pueden parar por sí solos pero precisan de alguien que los mueva. Ellos se han quedado tiesos de tanto esperar.

Ellos no pretendían esperar sino luchar por sus derechos.

Quizás quien no haya visto aún esta puesta escena crea que estoy planteando dos mundos paralelos que no convergen en ningún punto. Esta es la conclusión a la que llegan mis sentidos, los que nunca dejan de guardar experiencias únicas.

Un hombre tiene la posibilidad de vivir de acuerdo a sus propósitos. Un desaparecido ya no.

El mundo de los vivos permite conseguir. El de los muertos y relegados ya no.

Nosotros somos los responsables de que se haga justicia en nuestra vida y en la de los que no tienen ya armas para defenderse.

Siguiente por favor ficha

Mariela Verónica Gagliardi

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Sentir y amar como un caballo

Los cuerpos4

Cuando la palabra deja de ser necesaria y pasa a ser un recurso obsoleto, surgen propuesta tan impactantes como esta, donde dos hombres se desdoblan hasta convertirse en caballos. Pero, estos animales, tampoco precisan de sonidos que los evidencie como tales.

“Los cuerpos” (interpretada y dirigida por Ramiro Cortez y Federico Fontán) es un llamado urgente a los tiempos fugaces en que vivimos. Esa soledad que se siente hasta en lo más profundo del corazón, a pesar de estar acompañado.

Ambos artistas-bailarines, se desplazan por todo el espacio escénico, permitiendo que disfrutemos de la danza contemporánea en todo su esplendor. Casi todos sus movimientos son a ras del piso y con tan solo miradas ya dicen todo lo que pretenden.

Existen las sutilezas así como la brutalidad, demostrando que un hombre-animal convive en ellos. Que son dos seres en un mismo cuerpo y que, inclusive, los dos participantes se amalgaman hasta complementarse como uno solo. Por momentos son caballos -con unas cabezas de animales perfectamente confeccionadas- hasta que se observan, detenidamente, y ya no tienen miedo de gritar,  sin gritos, quiénes son.

Pasé por todo tipo de sensaciones durante la función de Los cuerpos, teniendo una presión en el pecho al borde del nerviosismo, enamorándome luego, sintiendo pasión por tales movimientos tan complejos de reproducir e intentando decirles que paren, que ya es suficiente lo desarrollado en escena.

Sucede que sus vientres se contraen y expanden hasta conformarse ya no como humanos, sino como animales feroces, transpirando, uniéndose y generando varias emociones. No es sencillo que una dupla masculina pueda con tan poco dar tanto. Son solamente dos con sus máscaras, un suelo negro y nada más. Las luces se encargan de remarcar dónde hay que prestar atención y en penumbras, también, ocurriría lo mismo, aún sin ser conducidos.

Conocerse es el puntapié inicial para crear un baile que no lleva giros ni desplazamientos clásicos, sino puramente conceptuales y enérgicos. De repente, notamos cómo un talón es absorbido por la boca de su compañero y, de ahí en más, se mueven sin que exista separación entre ellos. Transcurren los segundos, los minutos y la desesperación me invade. No comprendo cómo pueden respirar y es que la racionalidad, en este punto, ya no ayuda a develar ni este misterio ni otro. Se convirtieron en esos caballos salvajes tan tiernos como pasionales. Se buscaron tanto hasta enamorarse y fundirse en un solo cuerpo.

Los torsos desnudos, diferentes pero complementarios, con distinta musculatura y agradables a la vista humana; se convirtieron en energía. Lograron desplegarse de la superficie terrestre y, permitirnos, volar, crear con la imaginación, sentir sin miedo, amar y odiar a la vez, atraer y rechazar, creer y descreer.

No vi jamás en mi vida un despliegue de esta índole, con pocos objetos y exprimiendo, al máximo, el potencial artístico. Ellos ponen todo en juego, se desnudan con el alma y solo quieren un reconocimiento, una aceptación. Esto está en sus caras de jóvenes soñadores que intentan para conseguir, que dan para lograr.

Mientras sus manos intentan unirse, la emoción del público se siente. Es imposible no alegrarse y sufrir con Los cuerpos.

Los cuerpos ficha

Mariela Verónica Gagliardi

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Hay que erradicar este color

 

Amarillo3

“Amarillo” es el color de la envidia, el color del oro y el oro es la cloaca… ¿cuántos sabrán estos datos?

La obra de teatro (escrita por Carlos Somigliana y dirigida por Andrés Bazzalo), protagonizada por  Sergio Surraco (Cayo Graco), nos presenta a los antiguos romanos luchando por sus derechos, a una clase baja pidiendo algún rédito económico y algo que los favorezca.

Cayo Graco y su hermano Tiberio son las voces y héroes de los más desfavorecidos. De los que siempre se dejan para lo último, para lo que sobre o quede.

Es muy interesante e impactante como el autor real y Bazzalo, quien adapta los relatos a una nueva versión, pueden Amarillo7situar un hecho histórico en un lugar determinado pero, sin embargo, saber que está íntimamente relacionado con la reforma agraria en Argentina y los diversos factores que estuvieron en puja durante una época de la historia en que estaba muy marcada la línea entre hacendados y campesinos.

Mientras los opuestos actores políticos se hacen presenten, las miserias humanas surgen e implantan en cada acto en que un sector u otro informa sus ideas e intenciones.

Una moneda, que en ese momento era de oro, vale más que la vida de cualquier terrestre y aún más de quien es opuesto en ideología.

Todos los protagonistas caminan, se cruzan, ignoran, unen, miran, esquivan, hasta encontrarse con sus pares, semejantes u opuestos. Los diálogos y oratorias se representan, escuchan, evaden o combaten.

Como en un relato épico, está muy bien caracterizado cada personaje, el vestuario y escenografía. Esta última, bastante sencilla y permitiendo que la vista observe lo relevante sin adentrarse en detalles cargados.

Así es como se desarrolla una historia que sirve para concientizar un poco más. Que no se queda en relatos pasados sino que, a pesar del paso de los años, continua siendo una problemática actual de Argentina y de muchos de los países con características similares al nuestro.Amarillo1

En este caso un joven, perteneciente a una familia rica, se esfuerza hasta las últimas consecuencias por conseguir la justicia. En esta oportunidad un amigo que lo traiciona, por el simple hecho de sentirse alguien y un Senado que decide chantajear al más ignorante para “triunfar”.

“Amarillo” es una suma de ideales, de convicciones y modos de ver una misma situación de diferentes maneras: colaborando o siendo egoísta.

Como suele ocurrir, quienes tienen la vara del poder, manipulan a quienes apenas tienen un pedazo de pan duro -cuando lo tienen- para llevar a sus bocas. Pero un Senado, conformado por Patricios sanguinarios y latifundistas, no dejará llevar adelante el plan de equidad social, desatándose una verdadera lucha.

Con respecto al origen de esta pieza teatral, cabe resaltar que fue un año después de la destitución del presidente brasilero Joao Goulart, quien se refugió en la provincia de San Luis de nuestro país y,  recién en este tiempo, se vuelve a investigar quiénes estuvieron involucrados en su muerte. Se supone que la amistad que mantenía con el presidente Juan Domingo Perón, lo habría perjudicado, habiendo sido envenenado.

Amarillo14

Partiendo de ese acontecimiento y de cualquier semejanza con otro hecho en América Latina, podemos ver reflejada la misma problemática, la reiteración de la misma y el sufrimiento de los sin tierra, de los que cuando logran tener un representante honrado y valiente, este dura poco tiempo o mucho, hasta eliminárselo por completo.

Esta obra dramática, merece ser vista por todos los sectores sociales como para lograr su cometido: polemizar e intercambiar opiniones, abrir corazones y cerrar otros.

A la vez que un líder pone su alma para que los más pobres tengan lo que se merecen, es perseguido por los Patricios IMG_1425y cuando todo parece terminar con el asesinato de este gran hombre, la historia sorprende.

El muere como un héroe y eligiendo. De la misma forma que se hizo cargo de cada una de sus palabras y actos, escogió al autor del crimen y como terminar su vida.

Se viene a mi mente una canción de Carlos Gardel (compuesta en 1935) que en cierta estrofa dice: “Por una cabeza, todas las locuras. Su boca que besa, borra la tristeza, calma la amargura”. Si bien la letra está vinculada al amor, a los desengaños y a la melancolía; perfectamente se puede relacionar con ciertos Amarillo12sucesos de esta obra. Por una cabeza, trazando un paralelismo entre la pasión y la muerte. La pasión hacia su mujer decidió volcarla por completo en la política y hacer realidad su sueño, el sueño de los relegados.

El amor de su vida, siempre estuvo presente. Los besos de Licinia, lo contenían. Aunque en ningún caso lograron aislarlo del desenlace escogido por su valeroso sentir.

Mariela Verónica Gagliardi

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Uno más uno, dos

El otro13

Palabras superpuestas, al unísono, comienzan a ambientarnos en una obra de teatro-danza, singularmente inteligente.

Los actores se desplazarán por todo el espacio escénico, con movimientos entrelazados, narrando una historia en la que predominará la inclusión social. Una inclusión que nos habla de la religión judía como contracara de la católica. Una inclusión del diferente como modelo y modo de aprendizaje, de conocimiento y de observación.

La danza contemporánea une a cinco mujeres que se relacionan mediante sus cuerpos, la palabra en menor medida y las miradas. Sus mundos son similares y particulares, hasta que llega una sexta mujer diferente, con una vestimenta llamativa y que logra imponerse sin violencia.

Esta última las deleita con su luz, con una delicadeza extrema y la magia de quien aparece como en un cuento de hadas.

Podría trazar dos tipos de relatos: el visual y el oral. El primero fue el más placentero y, el segundo, el más desafiante.

El libro de Alicia Steimberg, escrito en que se basa la obra, es completamente un tesoro. No porque lo diga yo, sino El otro3porque basta con observar ciertos fragmentos de «El otro» (de y dirigida por Gustavo Friedenberg) para saber de qué tratará su argumento.

No es tarea simple lograr un acercamiento entre la autora y el guión logrado. El hecho de que se trate de religión no lo hace más obvio ni factible de conectar.

Al comienzo de la obra oímos palabras y frases que, más adelante, podremos vincular. Pero, al leer a Steimberg, las aclamaciones al mundo terrenal son recurrentes y es imposible sentirse excluido.

«Que Dios te ayude, Que Dios te ilumine, Que Dios te bendiga», menciona la escritora. Estas expresiones suelen ser dichas por el cristianismo pero, también, por los judíos. Acá no existe separación entre un protector u otro. Por un momento Dios es uno, aunque el discurso se encarga de marcar las diferencias y de ubicarnos en tiempo y espacio.

A su vez, ciertas costumbres y tradiciones de la colectividad se resaltan -de una manera cordial y simpática-, confirmando que el judaísmo no excluye sino que comparte con sus semejantes una historia en común.

Sholem aleijem (la paz sea con nosotros) es una forma de bendecir, de dar serenidad a una persona, así como otros cultos tendrán sus propios códigos.

El otro12

«Ser judío es una mezcla de muchas cosas: recuerdos de infancia, una manera especial de llorar y de quejarse, un idioma que no se quiere entender, una necesidad de estar recordando todo el tiempo que Einstein y Freud y Marx y Chaplin eran judíos, una sensación de que uno es muy antiguo, más antiguo que los católicos».

¿Existe una manera de ensamblar un pueblo con otro por más distantes que parezcan?

«El otro», el desconocido, el diferente, ¿merece indiferencia o una oportunidad?

No pensar como la mayoría, no vestir como ésta y tener una ideología propia y/o compartida con una minoría, ¿es condición sine qua non para ser marginado?

¿Todos los iguales debemos unirnos y los otros ser relegados a un espacio oscuro y tildados de sectarios?

El otro7«El otro» es nuestro propio espejo, nuestra imagen distorsionada, lo que no queremos ver y toda enajenación simbólica
que nos propicie ese objeto de vidrio.

Qué sería de cada humano sin la fe, pero no la fe como sinónimo de religión sino como apoyo a nuestras ideas, desesperaciones y angustias que no tienen solución en lo racional.

«El otro», se une, se distancia, se ubica en el centro y logra una energía simbiótica espectacular.

Los artistas expresan, sienten, se amalgaman y retroalimentación.

Uno más uno, dos.

ficha artístico-técnica El otro

Mariela Verónica Gagliardi

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«We will rock you», vuelve el 31 de mayo

We will rock you

«WE WILL ROCK YOU»

EL CONCIERTO

SÁBADO 31 DE MAYO

SÁBADO 28 DE JUNIO

21.30 hs

The Cavern – Paseo La Plaza

 Av. Corrientes 1660 – C.A.B.A.

Duración: 1hora

Entradas: $100 – $80

Sinopsis

Versión en concierto del famoso musical inspirado en la banda Queen. We Will Rock You es un musical escrito por Ben Elton y los integrantes de Queen activos, Roger Taylor y Brian May. El show, que actualmente sigue en cartel, celebró en el año 2012 su décimo aniversario en el Dominion Theatre en el West End de Londres, donde los grandes musicales londinenses tienen lugar. La historia tiene lugar en un diatópico futuro donde la originalidad y la individualidad han sido prohibidos, y un solitario Soñador alimenta la teoría de una profecía que hará posible el regreso del Rock & Roll.

Equipo Creativo

Voz:

Natalia Volonnino

Mariano Zito

Banda

Tucson Música

Daniel Manrique: Piano y voz.
Sergio Ávila: Guitarras.
Gastón López: Batería.
Marcelo Nigro: Bajo.
Robert Vincent: Teclados.

Banda de rock oriunda de Hurlingham. Se encuentra en pleno proceso de lanzamiento de su segundo disco de estudio «Entre dos mundos», y fue creadora del musical «Entre dos mundos, una fabula Rock», que realizó funciones en el 2012, en el teatro El Cubo, y realizará su segunda temporada en el 2014.

ELLOS

Natalia Volonnino

Actriz, cantante, bailarina.

Trabajo en musicales como «Mamma mia» como ensamble y reemplazo de Donna y Tanya, «Avenida Q» protagonizando en el rol de Kate Monster y Lucy the slut, en «La bella y la bestia» como Swing y reemplazo de Bella, «Hairspray» como dynamita y RENT como ensamble y reemplazo de Joanne y Maureen.
Desde el 2008 trabaja en Caleidoscopio y Espacio Lemos como profesora de canto individual, grupal y escuela de canto adolescentes.

Mariano Zito

Cantante, actor,  bailarín. Trabajó en musicales como «Drácula» de Cibrian Mahler en sus 20 años, en el rol de Posadero, «Excalibur, una leyenda musical», también de Cibrian Mahler, «Ni vivos ni muertos», musical sobre la dictadura en el teatro IFT. Fue «Pepe» en la ópera tango «Pabulos de la muerte» en el teatro La Comedia. Protagonizó la opera rock «Entre dos mundos» en el teatro el Cubo, y fue participante del reality «El artista del Año», de Canal 13 y Endemol. También se desempeña como profesor de canto, tap y teatro musical en Instituto Fidalgo, y en La Casona del arte.

Prensa: Circular Prensa.

 

 

 

 

 
 

 

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«Ficcionario», de Stella Maris Faggiano

Stella Faggiano - Ficcionario 2

::REESTRENO::

LUNES 19 DE MAYO

21.00 HORAS

TEATRO LA COMEDIA

Rodríguez Peña 1062 – C.A.B.A.

STELLA MARIS FAGGIANO

REGRESA CON SU UNIPERSONAL

“FICCIONARIO”

BAGAJE DE LA CREACION

Con la dirección del joven y talentoso Lautaro Metral y la dirección musical de Nacho Medina, Stella Maris Faggiano regresa en su segunda temporada, con su unipersonal “Ficcionario” que se presentará a partir del lunes 19 de Mayo, todos los lunes a las 21.00 horas en el Teatro La Comedia.

En un espacio intimista e innovador, esta puesta propone adentrarnos a un submundo donde todo es posible.

La actriz, cantante y bailarina, ha acumulado en su haber grandes producciones musicales como “Despertar de Primavera”, “Tita, una vida en tiempo de Tango”, “Eva, el gran musical argentino”,“Sweeney Todd”, “Código de Silencio”, «Drácula», Pájaro Negro”, “Desilusiones», entre otras. Y ha trabajado de la mano de grandes referentes del género, como Nacha Guevara, Alberto Favero, Julio Chávez, Ricky Pashkus, Alicia Zanca, Pepe Cibrián, Ángel Mahler, Ariel del Mastro, entre otros.  Actualmente se encuentra grabando su primer material discográfico como cantautora: “Cuasi canciones», próximo a presentarse en el mes de septiembre.

La joven actriz hará su reaparición en escena a partir del 19 de mayo para ponerle el cuerpo, una vez más, a este maravilloso «Ficcionario, Bagaje de la creación».

El unipersonal de Faggiano dejará expuestos su talento y versatilidad. La veremos, no solo como protagonista de dicha historia, sino también como dramaturga de esta pieza teatral en la que se fusionan: la danza contemporánea, la palabra y el canto. Quienes lo han visto coinciden en que su trabajo es imperdible.

El espectáculo, que cuenta con una hora de duración, se presentará únicamente los días lunes a las 21.00 horas y tan sólo por ocho únicas funciones.

Palabras del Director:

Ficcionario: dícese del receptáculo multiforme que alberga en forma anárquica todos aquellos menesteres relacionados al texto dramático, poético o literario surgidos del pensamiento mágico de un individuo… algo maravilloso sucede cuando exponemos este alquímico talismán a la luz de la escena, o sea, de un par 300. Se expande, como el latido de un corazón. Ocupándolo todo.

Margaritas por aquí, cascabeles por allá, piropeadores escondidos a la vuelta de un farol.

Ventrílocuos que llevan por títeres a hombres mudos. Amores imposibles a la orden del día.
Y así, entreverando estas historias a través de la dinámica de la capicúa, alternando el ritmo del sube y baja con la tentación caprichosa del “corre – ve – y dile”.

Stella Maris Faggiano presenta su “FICCIONARIO” internándose en los rincones más profundos de su arte, su palabra y su niñez.

Cardíacos abstenerse: su poesía engendra la taquicardia, la desfachatez y el desparpajo, golpea las paredes de la carne para ser pronunciada. De ella solo voy a decirles una cosa: su pasividad es ruidosa. EXISTE.

Lautaro Metral.

 Lautaro Metral es dramaturgo, músico y director. Entre sus trabajos se destacan “Cuando callan los patos” ganadora de 5 Premios Hugo y actualmente tiene a su cargo la autoría y dirección de “El Hijo del Fin del Mundo” en el Centro Cultural Rojas y la dirección de “Ficcionario” en el Teatro La Comedia.

Nacho Medina es músico, compositor, actor y cantante. Como actor ha participado en varias comedias musicales, entre ellas “El Fantasma de Canterville”, “Calígula”, «El Ratón Perez», «El Gato con Botas», “Doña Flor y Sus Dos Maridos”. Como compositor musical se destacó en «Juicio a lo natural”, «Un hombre llamado Casanova», «Desilusiones», “Las Déspotas” y “Sádica”.

FICHA TÉCNICA

Interpretación, idea y dramaturgia: Stella Maris Faggiano
Dirección: Lautaro Metral
Dirección musical: Nacho Medina
Coreografías: Lucho Cejas
Diseño de luces: Ariel Ponce
Diseño y Realización de maquillaje: Sofía Nuñez
Diseño y Realización de vestuario: Estudio Saldivia-Spiridione

Diseño y Realización de escenografía: Ezequiel Procopio
Fotografía & Diseño gráfico: Fuentes 2 Fernández
Stage Manager: Maximiliano Perugino
Producción ejecutiva: Vero Larrea

Localidades 100 Pesos.

 Prensa: Alejandro Andolfi.

 

 

 

 

 

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«Jamás una embarcación fue tan hermosa»

Repetición de un naufragio
Repetición de un naufragio
-investigación escénica de 21 días-
 
puesta en funciones de la obra
“Jamás una embarcación fue tan hermosa”
Pieza breve sobre un capitán y su nave perdidos en una noche oscura
 
3 funciones: domingos de mayo 20.30 hs.
cierre maratón de 9 funciones el mismo día: sábado 24 de mayo , desde las 19 hs.
en La Playita
9 proyecciones en simultaneo en 9 puntos de la ciudad: domingo 25 de mayo, 20.30 hs.
Sobre la obra: “Repetición de un naufragio” es una obra escénica que se extiende durante 21 días (del 4 al 25 de mayo), y consiste en una variedad de repeticiones de distinta naturaleza de una misma pieza teatral.
Los temas centrales de la investigación son la temporalidad, la representación y la materialidad del teatro. Nos interesaba una propuesta que reflejara de forma extrema la esencia cíclica del tiempo, cuyos procesos indagaran sobre este fenómeno haciendo a la vez hincapié en lo irrepetible de cada elemento de una secuencia. Cómo hacer un tipo de teatro que nos permitiera recrear esta paradoja, tenerla cerca y observarla desde el público, era nuestra preocupación fundamental. En muchos sentidos el teatro no es más que la repetición de un evento. Nosotros elegimos un naufragio y propusimos tres modos distintos de repetición escénica.
En primer lugar está la repetición teatral clásica, la semanal. En este contexto quisimos empezar cargando de significación un hecho tan cotidiano como la repetición de una obra durante tres domingos.
La segunda propuesta es radical, buscando los extremos de lo cíclico en una maratón de 9 funciones seguidas de la obra. Presenciaremos el desgaste de lo cíclico, viendo cómo la repetición erosiona los materiales, los cuerpos y los significados.
Cerramos el ciclo con una proyección simultánea, en múltiples lugares al mismo tiempo, del video de las tres funciones iniciales. El registro audiovisual nos permite volver infinitas veces al comienzo y transformarlo, una memoria grabada que multiplica los centros de observación y recrea la existencia de un evento, insertándola en cualquier otra situación dada y otorgándole un nuevo significado que no deja de ser repetición.
 
Fechas trianguladas por el calendario lunar de navegación astronómica
y los cambios en las mareas del mes mayo:
 
FASE 1: repetición semanal
FASE 2: repetición cíclica
FASE 3: repetición sincrónica
Domingos de mayo, 20.30
3 funciones de la obra con músicos invitados
4/5 Santiago del Stereo
11/5 Santiago Azpiri
18/5 Santiago Adano
Sábado 24 de mayo desde las 19
9 funciones en continuado de la misma obra.
Se puede ingresar en cualquier momento y permanecer a gusto.
 
Domingo 25 de mayo, 20.30
proyección simultánea del registro audiovisual de la obra  en 9 lugares distintos.
 
En La playita – Roseti 722
$30,50 (una entrada vale para todas las repeticiones)
9 puntos de la ciudad. GRATIS.
-no hace falta reservar-
 
“Jamás una embarcación fue tan hermosa” fue estrenada en 2013 en el Festival El Porvenir de directores sub30 y programada en el FestivalESCENA2013.
Producida, construida, ensayada y re-estrenada en La Playita.
Los intérpretes: Ezequiel Coll y Arantza Alonso
Dramaturgia, diseño y dirección: Agustina Gurevich
La música compuesta y en vivo: Santiago Grandone
Producción y movidas: Ana Oro
Realización de máquina escenográfica: Mikel Aboitiz
Joyitas de vestuario de: La Polilla
Éste obra cuenta con el apoyo financiero de PROTEATRO y por eso podemos cobrar la entrada el módico precio de: $30,50
 
La Playita es Roseti 722, Repúblca de la Chacarita, C.A.B.A.
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«Vigilias de un desarraigo», de Germán Cabanas

Vigilias de un desarraigo

Dirección: Germán Cabanas, Santiago Castello y Mariano Pujal Laplagne

Funciones: jueves, 21:30 hs. y sábados, 20:00 hs.

Lugar: El Galpón de Guevara (Guevara 326)
Entrada general:  $100-.
Reservas: info@elgalpondeguevara.com
Venta en Ticketek

PRIX D’AMI presenta “Vigilias de un desarraigo”, ideada y protagonizada por Germán Cabanas con dirección general de Mariano Pujal y dirección técnica de Santiago Castello. Con dirección técnica de Santiago Castello y dirección general y actoral de Mariano Pujal Laplagne.

Este espectáculo combina técnicas de teatro físico, acrobacia, danza y vuelos escénicos utilizadas a favor del conflicto dramático. Un hombre sufre una pena de amor. La vigilia lo desvela. Su percepción muta ante el aislamiento y pronto el sueño y la realidad se confunden.

En el 2013, “Vigilias de un desarraigo” fue el espectáculo elegido para abrir el Festival Internacional de Teatro de Nuevo León, Monterrey (México).

Cabanas es un eximio acróbata y director artístico de PRIX D’AMI Producciones, en el área que ha coordinado y supervisado, las puestas teatrales de Casi Ángeles, Spiderman, Super Torpe, entre otros.

Te invitamos a ver el Trailerhttps://www.youtube.com/watch?v=5evHCuRr0H0

Sinopsis:

¿Quién pone los límites entre realidad y ficción? ¿Quién dice que el tiempo se puede medir en minutos, horas, días? Un hombre se encuentra encerrado en un departamento. ¿Por qué no puede salir? Lo real se mezcla con lo onírico y el espectáculo nos invita a ver lo que el intérprete ve. Tras las noches de vigilia, su percepcion cambia. Cuando perdemos a alguien todo deja de tener sentido, o cobra otro sentido.

Prensa: Octavia Comunicación.

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«Las de Barranco», con Lorena Bruquetas

Las de BarrancoSobre «Las de Barranco».

Una de las piezas más reconocidas del prolifero autor Gregorio de Laferrere. Un clásico de la literatura Nacional. Refleja una situación social que es el eje fundamental de esta historia. Con tintes dramáticos y pinceladas de comedia nos permite descubrir a la viuda del Capitán Barranco, mujer inescrupulosa y capaz de lucrar con sus propias hijas y empeñar su propia alma con el afán de mantener un lugar en la sociedad. Fría, autoritaria y calculadora, su egoísmo ha sido la única fuerza para manejarlo todo. Intentará manipular a todos, pero no podrá con “El amor”.

Ficha Técnica:

Autor: Gregorio de Laferrere; Dirección general: Lorena Bruquetas; Elenco: Lorena Bruquetas, Karina Morsa, Mónica Stricker, María Eugenia Martínez Allende, Jorge Ferreiro, Joaquín Facchini, Diego Perrota, Daniel Strada, Gerardo Longo y Andrea Molina; Diseño de Vestuario: María Eugenia Martínez Allende; Confección de vestuario: Rosa Crnic, María Simone y María F. Loscalzo; Maquillaje y peinado: María F. Loscalzo, Sabrina Lopez y Verónica Barraza; Fotografía: Pablo Motllau; Asistente y arte en fotografía: Soledad Rivero; Producción fotográfica: Daniela Lagares, Mariano Fernández y Rodrigo Cala; Diseño en sonido: Andrea Peres y Lorena Bruquetas; Jefa técnica e iluminación y sonido: Valeria Saavedra; Operado técnica: Andrea Pérez; Asistentes de sala: Rosario Lázaro y Manoli Ozores; Asistente de dirección: Mónica Stricker y Diego Perrota; Prensa y difusión: Hola! Prensa & Difusión.

Teatro: Teatro Colonial, Paseo Colón 413 (Esquina Av. Belgrano), C.A.B.A.

Funciones: Todos los sábados a las 21 hs.

Reservas: 4342-7958. Costo entrada $70. (Estudiantes y Jubilados $50).

Estreno: 22 de marzo

Finalización: 30 de agosto 2014

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«Andrés Ini», en el Paseo La Plaza

Andrés IniSobre “El Stand Up Musical”.

Un sostenido show en clave de humor con agudas observaciones sobre temas no tan graves y comentarios acordes que dan en la tecla para que la risa suene hasta la última nota!. En un ambiente ideal de Café Concert y en la mítica sala The Cavern Club se presenta este asombroso y original show de stand-up que sale de lo tradicional para SORPRENDER con canciones, creatividad y monólogos que lo harán reír y transitar por diferentes climas (según la época del año en la que asista al show). Andrés Ini (actor, cantante, compositor y guionista), logra el humor a través de generar la identificación con el público, sin utilizar lenguaje grosero, ironizando sobre situaciones de la vida cotidiana y costumbres sociales tan naturalizadas como absurdas. Con las canciones el espectador estalla de la risa y esto le generará un dilema: no sabrá si dejarla fluir o contenerla para seguir escuchando y disfrutando de la música!

Sobre Andrés Ini.

Es comediante, cantante, actor, guionista, compositor y Lic. en Comunicación. Desde hace 8 años que se presenta en el Paseo La Plaza los sábados y actualmente presenta la tercera temporada de su unipersonal: «EL STAND UP MUSICAL». También se desempeña en radio como columnista de Stand Up en el programa «El Exprimidor» de Ari Paluch. En televisión, ha sido guionista de la productora Ideas del Sur de Marcelo Tinelli para los programas Gran Cuñado 2009, Showmatch, Este es el show, Humor de Primera y actor en TELEFÉ.
El espectáculo de Stand Up Musical ha sido elegido para participar en el Primer festival del humor de la Ciudad de Buenos Aires, y Andrés Ini fue convocado para cerrar la noche de gala en el Teatro Coliseo. También participó en el Festival Nacional de Stand Up en Tecnópolis junto a los más importantes referentes del género en el país.

Ficha Técnica:

Autor y protagonista: Andrés Ini.
Prensa y difusión: Hola! Prensa & Difusión.
Teatro: Sala The Cavern Club del Paseo La Plaza, Av. Corrientes 1660, C.A.B.A. – Argentina.
Funciones: Sábados a las 21hs.
Reservas: (15) 6375-1986 // 6320-5361. Entrada: $80. Entradas en Plateanet.
Finalización: 6 de diciembre.