*** SEPTIEMBRE 2025 ***

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«El casamiento de Gardel»

elcasamientoTodos los domingos a las 19 hs, en el teatro Auditorio Ben Ami, Jean Jaures 746, Abasto, C.A.B.A. – Argentina.

Reservas al 4961-0527. Localidades: $150 (Estudiantes y jubilados $120).

Sobre “El casamiento de Gardel”.

En 1935, una chica de la alta sociedad se fuga de su casa para impedir que la casen con alguien que no ama. Y encuentra refugio en el bar de una buena mujer, a la que le confiesa su amor platónico por Carlos Gardel, en el apogeo de su fama. Un porteño vivillo y aprovechador, enterado de su ilusión, encuentra un buen hombre al que convierte en un «Gardel sustituto», pero todo se complica, con el fallecimiento del Zorzal criollo.

 Ficha Técnica.

Autor y director: Leo Duer.

Elenco: Leo Duer, Eduardo Wigutow, Inés Grimland, Paola Dipert, Alberto Levy (Piano), Adrián de Gregorio y Romina Cides.

Escenografía: Pablo Graziano.

Edición de video: Ezequiel Colman.

Iluminación: Nora Roncari.

Sonido: Marina Roncari.

Colaboración: Geo Michele.

Prensa & Difusión: Mariano Casas Di Nardo.

Teatro: Auditorio Ben Ami, Jeán Jaurés 746, Abasto, C.A.B.A. – Argentina.

Funciones: Domingos a las 19 hs.

Reservas: 4961-0527. Localidades: $150 (Estudiantes y jubilados $120)

Estreno: 19 de marzo.
Finalización: 30 de julio.

 

Escrito

en abril 25, 2017

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«La Mansa», de César Brie

la mansa

Duración:

60 minutos.

Funciones: Viernes 21 hs y sábados 23 hs.
Localidades: $ 200
Mientras ella esté aquí, todo va bien; puedo ir a mirarla a cada rato, pero mañana cuando se la lleven… ¿Cómo haré cuando me quede solo?» A partir de esta pregunta desesperada inicia el relato de «La Mansa». Quien nos cuenta la historia es él, el usurero, el hombre de la casa de empeños que poco antes se había casado con la muchacha mansa y ahora trata de darse una razón sobre su muerte prematura.
Ambos, separados por la muerte, están en escena sin separarse nunca en un diálogo de acciones y palabras. Él trata de entender lo ocurrido, regresa, recuerda, reconstruye, comprende, se confunde, trepa dolorosamente hacia la conciencia de quién él es realmente, de lo que desencadenó y provocó. Ella lo ayuda a reconstruir, describe los hechos, agrega, confirma, se calla. Está muerta, no puede argumentar, razonar o justificar. Ella es la memoria de él, su víctima, su culpa, su amor herido, su silencio.
Director:

César Brie

Autor:

Fiódor Dostoievsky

Actúan:

Iván Hochman y Abril Piterbarg

Diseño gráfico:

Cachi Bratoz

Vestuario:

Carolina Ferraioulo

Asistencia de dirección:

Florencia Michalewicz

Música:

Pablo Brie

Realización de escenografía:

Duilio Della Pittima

Producción ejecutiva:

Larisa Rivarola y Liza Taylor

Prensa:

Simkin & Franco

Agradecimientos:

El Ojo Verde, Vera Dalla Pascua, Sofía Diambra, Adriana Podzcammer, Mariano Stolkiner y Liza Taylor

Trailer:

Juan Barone

Ilustrador:

Clara Carlon

Escrito

en abril 25, 2017

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Imágenes de la Argentina liminal

argentinaliminalImágenes de la Argentina liminal, GANADORA DE «LA BECA DEL BICENTENARIO A LA CREACIÓN» POR PARTE DEL FONDO NACIONAL DE LAS ARTES es la construcción escénica plantea la problemática del estado de liminalidad forzada a partir de la desaparición de personas durante la última dictadura militar. ¿De qué manera una construcción poética puede transmitir una memoria?
Imágenes de la Argentina liminal se presenta los días Sábados 21 hs, en Espacio Urbano.

Imágenes de la Argentina liminal es un posible diálogo entre un clásico y nuestro contexto. En este intercambio, los cuerpos son el eje central de la transmisión de la memoria y la identidad, visibilizan el estado de liminalidad forzada provocado por el poder desaparecedor de la última dictadura militar en Argentina.

Datos de la función:

Funciones: Sábados 21hs

Reservas: http://www.alternativateatral.com/obra48942-imagenes-de-la-argentina-liminal

Duración: 60 minutos

Valor de las entradas: Generales $150 / Dto $120

Espacio Urbano (Acevedo 460)

Contacto: Facebook.com/Imagenesdelaargentinaliminal

Ficha Técnica:

Actúan: Juan Brousset, Aldana Gerez Gigena, Felipe Hirschfeldt, Melva Hirschfeldt, Juan Pablo Llobet Vallejos, Ambra Maniscalco, Antonella Pais, Alejandro Paiva, Juanse Rausch, Renaud Semper, Luca Truyar, Patricia Villanova, Ana Guillermina Zalba

Concepción y dirección de proyecto: Felipe Hirschfeldt

Asistencia musical: Juan Pablo Llobet Vallejos 

Acondicionamiento corporal: Melva Hirschfeldt 

Asistencia técnica: Aldana Gerez Gigena 

Diseño y coordinación de vestuario: Ana Guillermina Zalba 

Diseño de iluminación: Martín Fernandez Paponi 

Diseño gráfico: Pedro Zalba 

Producción ejecutiva: PBD – Pequeñas Burguesas Despolitizadas

Prensa: CIRCE Cultural

Escrito

en abril 25, 2017

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Re-estreno de «Panamá», de Jane Bowles

panamáDirección: Sandra Flomenbaum

Inspirada en el universo poético de la escritora norteamericana Jane Bowles

Desde el domingo 7 de mayo a las 20:00 hs se presenta “Panamá”, por 5 únicas funciones, en Pan y Arte Teatro. Con dirección de Sandra Flomenbaum, la obra propone un acercamiento cinematográfico al universo poético de la escritora Jane Bowles.

¿Encontrar el amor es equivalente a la felicidad? ¿Significa encontrar la verdad o envolverse en una mentira? Con Panamá, la directora se sumerge en estas cuestiones y retrata, con un particular lenguaje cinematográfico, la apasionada búsqueda de una mujer por una felicidad esquiva. La propuesta está inspirada en el onírico mundo de Jane Bowles, considerada por Tennesse Williams como una de las mayores -aunque más subestimadas- influencias de la literatura norteamericana. «Panamá» remite a este enigmático mundo y describe las angustias, preocupaciones, fantasías y sexualidad femeninas en la constante búsqueda del amor y la felicidad.

Sinopsis
Fin de los años cuarenta, Panamá. Un matrimonio norteamericano a punto de recorrer las tierras de su destino. Él es un entusiasta. Ella sólo quiere volver. Una tarde la pareja conoce a una joven nativa de belleza salvaje quien  desencadena -en ella- una serie de sensaciones hasta el momento desconocidas y remitiendola a vivencias muy primarias de su vida. Lo cotidiano atravesado por el alcohol, el calor y el sudor de los cuerpos locales, se transforma. Afiebrada, varada entre dos océanos, será ésta su única oportunidad de encontrar sosiego o de, al menos, vivir su propia película.

AGENDA
Re-estreno: domingo 7 de mayo, 20:00 hs.
Funciones: domingos, 20:00 hs. (hasta el 4 de junio inclusive)
Lugar: Pan y Arte Teatro (Av. Boedo 880, CABA)
Entradas: $200 | Desc. jub. y est.: $180

Reservas: 4957-6702

Duración: 70 min.
Trailer: Panamá

Ficha técnica
Dramaturgia: Sandra Flomenbaum
Elenco:
Sra. Peterson: Gabriela Giusti
Sr. Peterson/ Meyer/ Toby: Guillermo Tassara
Sra. Flores: Celina González Del Solar
Serena: Maiana Vega
Escenografía: Ariel Vaccaro
Vestuario: Lara Sol Gaudini
Diseño de Iluminación: Agnese Lozupone
Sonido: Charli Valerio
Diseño gráfico: Alejandro Grinzpan
Video: Karina Flomenbaum
Prensa: Octavia Comunicación
Producción general: Sandra Flomenbaum
Asistente de dirección: Milena Forster
Dirección: Sandra Flomenbaum

Palabras de la directora sobre «Panamá»
«Panamá» propone indagar a través del universo poético de Jane Bowls los parámetros de femineidad y masculinidad, recordar lo que desde tiempos lejanos arrastramos como miembros del sistema mundo, lo que aún cuestionado, sigue ejerciéndose sutilmente, lo que no es medible. Por eso «Panamá» es una obra que transcurre siempre entre dos. Entre dualidades o desdoblamientos. Estar entre el océano Atlántico y el Pacífico. Entre Panamá y Nueva York. Ser colonizador o colonizado. Amar a un hombre o a una mujer. Estar entre un lado y otro implica estar en el pasaje, o en el canal de tránsito hacia, que es donde transcurre la obra, en la zona del canal de Panamá. El espacio geográfico metaforiza así el tema. Ya que la premisa exige que para viajar sea necesario estar dispuesto a transformarse, «Panamá» es el viaje iniciático de una mujer que, sin saberlo, acude al llamado de lo que le es esencial, aún cuando intuya que eso no la hará feliz. ¿Encontrar el amor es equivalente a la felicidad? ¿Encontrar el amor es encontrar la verdad, o es envolverse en una mentira?  Escapar a los mandatos es siempre positivo? ¿Nuestra protagonista está aburrida o su búsqueda es auténtica?

«Panamá» indaga en el concepto de vacío existencial. En la angustia que genera abismarse a esa zona, la de preguntarse por el sentido de vivir. Nuestra protagonista tiene sus necesidades básicas más que satisfechas, sin embargo eso no le alcanza. Serena, en cambio, su antagonista y amor idílico, es una prostituta humilde, que parece tomarse todo con sencillez y menos angustia. El vínculo entre el dinero y la felicidad se ponen aquí en juego y en cuestionamiento. Intentamos colmar nuestra vida de un sentido, dotarla de una verdad que nos “permita estar”, como dice nuestra protagonista. «Aquel que tiene un porqué para vivir se puede enfrentar a todos los cómos”, escribe Nietzche.
Pero a veces encontrar esa intensidad implica necesariamente un precio muy alto. «Panamá» transita esta contradiccion: ”Vivir el propio sueño puede significar en algunos casos vivir en una pesadilla.” La obra pone en escena el cuestionamiento en torno al costo que a veces tiene seguir nuestro latido íntimo más allá de las consecuencias, y se permite la pregunta: ¿Se trata de encontrar el sosiego ó de vivir la propia película a cualquier precio?

Sobre la directora
Sandra Flomenbaum (1975) se desempeña en el ámbito audiovisual combinando sus estudios en fotografía, teatro y danza. Inició sus estudios teatrales con Román Podolsky y Héctor Bidonde. Luego, continuó su formación profesional con Ricardo Bartis, Pompeyo Audivert y Mónica Vianu. También pasó por el taller de dramaturgia de Sol Rodríguez Seoane. Sumó a estos estudios entrenamiento en danza con Viviana Iasparra y danza contemporánea con Daniel Boulez. Paralelamente, completó sus estudios como fotógrafa profesional en la escuela de Andy Goldstein y estudió Dirección de Cine en la Fundación Universidad del Cine (FUC).
Como actriz participó de varios cortometrajes independientes y del largometraje «Furtivo», estrenado comercialmente en el 2008. Su primer trabajo en dirección teatral fue la creación colectiva «La Fotito» estrenada en el Festival del Rojas 5 (2002) y luego en el Centro Cultural Recoleta.
En el área audiovisual, fundó junto a dos socias la productora ENELTENDER CINE con quienes filmó los cortometrajes «Muñeca» (2017 a estrenarse en el BAFICI) y «BAKLAVA» desempeñándose como asistente de dirección, casting y dirección de arte. Como directora filmó «Sentimental», su primer cortometraje estrenado en diversos festivales en el 2016 y premiado en el Festival Internacional de Cine de Huesca.
«PANAMÁ» surge como fruto del cruce de las múltiples disciplinas en las que se desempeñó. Es una propuesta teatral con una impronta cinematográfica y atisbos de estética fotográfica en la composición de los espacios.

Escrito

en abril 25, 2017

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«Los Derechos de la Salud», de Florencio Sánchez

losderechosdelasaludCon versión y dirección de Alfredo Martín // Interpretada por: Mercedes Fraile, Marcelo Bucossi, Daniel Goglino, Lorena Szekely, Élida Schinocca y Rosana Lopez, con la participación de Cristina Bizjak (en violín) // Funciones: Domingos, 19 hs // En el Teatro La Revuelta, Av. Boedo 1014 (+ Info: www.larevueltateatro.com.ar) Tel. – Informes: (+5411) 2076 2974 // Entrada $200.- (Est. y Jub. $160).

Espectáculo ganador del Premio Luisa Vehil en “Mejor Dirección” (Alfredo Martín) y una Nominación para el mismo galardón en “Mejor Escenografía” (Marcelo Jaureguiberry)

Clásico del enorme dramaturgo uruguayo, quien escribió la mayor parte de su obra en Argentina. Un melodrama intenso que aborda la temática de la enfermedad terminal y sus diferentes modos de discriminación y segregación en una familia y su entorno. Aquella dualidad del hombre en su búsqueda por domeñar los sentimientos, contra sus más bajos instintos, apelando a su fuerza moral.

En esta nueva versión, se desafían los parámetros propios del lenguaje teatral: actores y espectadores comparten el espacio escénico. El teatro clásico y su verdad universal, en un nuevo contexto. Se transgreden las normas dadas y el público circula libremente como protagonista, con una invitación a potenciar la intensidad senso/perceptiva del acontecimiento artístico. Será el público, en una recepción activa e intimista, el que decida en qué lugar de los hechos posicionarse.

Ficha Técnica: Escenografía: Marcelo Jaureguiberry; Vestuario: Mercedes Piñero; Iluminación: Marcelo Jaureguiberry y Fernando Diaz; Diseño Gráfico: Gustavo Reverdito; Fotografía: Sol Atta y Gabriel Oscar Pérez/ La Cazuela Cultural; Asistente de Dirección: Gabriel Gomez. Prensa: Silvina Pizarro

Escrito

en abril 25, 2017

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Teatro tango, la nueva propuesta artística de Facundo Ponce

facundoponce.jpg

Luego de lanzar su primer álbum “Desde Abajo” en 2015, el cantante se encuentra trabajando en su nuevo material “Semblanza Tanguera”, mientras lleva adelante esta novedosa iniciativa en distintos espacios de Buenos Aires.

Se trata de reversiones de los grandes clásicos del tango en donde el artista combina su formación vocal con su talento actoral. En este sentido, el público disfruta de un espectáculo integral donde la voz, la actuación y las melodías arrabaleras se funden en un espacio en común.

Su próxima presentación será el viernes 2 de junio en Celta Bar a las 22hs, uno de los reconocidos bares de notables de la Ciudad. En el espectáculo lo acompañarán el maestro Guillermo Martel en dirección musical, guitarras y arreglos musicales; Rubén Slonimsky en bandoneón y Amalia Escobar en piano. La puesta en escena y la dirección actoral estará a cargo del actor y director Pedro Risi.

Durante el verano, Ponce llevó a cabo esta propuesta de teatro tango en el Teatro Auditorium de Mar del Pata, donde interpretó el repertorio de su primer álbum y realizó la puesta Semblanza Tanguera junto al actor Germán Moldovan y la dirección musical de Damián Villalba. Esta presentación le valió la invitación de la  premiada actriz y cantante Ana Fontán para participar en su espectáculo  Fontango en el Espacio Clarín de aquella ciudad balnearia.

Facundo Ponce cuenta con innumerables presentaciones en distintos escenarios tangueros de Buenos Aires, como el teatro Verbena, La trama, Gaspar Café, y en los notables bares porteños Los 36 Billares y Celta bar. Además, ha realizado giras por Mendoza y Córdoba, provincia en la que fue destacado por la Dirección de Cultura.

También participó del ciclo «Música Porque Sí» organizado por la Secretaría de Políticas Universitarias de la Nación durante 2013 y 2016. A su vez, en el 2015, con la edición reciente de su trabajo “Desde Abajo”, fue presentado  a los Premios Gardel en la categoría de Mejor Álbum Artista Nuevo de Tango.

www.Facebook.com/facuponceartista

Youtube: https://goo.gl/zrgMfo

https://www.youtube.com/watch?v=3K4ucydqvfw

Escrito

en abril 25, 2017

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Todas las voces del corazón

La piel de Elisa1

Ficha La piel de ElisaCarole Fréchette es la autora canadiense del libro La peau d´Elisa, 1998 (La piel de Elisa), una recopilación de historias de amor que ya se ha montado como obra en diferentes países desde entonces. Sus líneas irradian luz por donde se las mire. Porque a quién no le gusta que le cuenten historias (verdaderas o ficticias).

Desde que nacemos somos oyentes y, tantas veces, al crecer vamos perdiendo la magia de sorprendernos hasta con un aroma determinado.

La piel de Elisa (protagonizada por Dana Basso y Lisandro Penelas, dirigida por Silvina Katz) me sedujo de entrada y me sentí cautivada por completo. La obra se desarrolla en el bar del Espacio Callejón y esto es un acierto. Porque qué mejor escenografía que la real y algunos detalles preciosos que acompañarán a cada una de las mesas en que reposarán los espectadores durante la tardecita. Porque este horario de las 19 hs también otorga una calidez oportuna ya que el tránsito en la calle es distinto, el transeúnte no corre sino camina, el acelere de la ciudad se modifica y es el momento de dejarnos llevar.

Elisa todo lo siente, todo lo cuestiona, todo lo abraza y escoge. Porque ella es una mujer que vive apasionadamente y que tiene algunas preocupaciones (como el paso del tiempo). Podríamos preguntarle por qué le preocupa tanto este factor si es tan hermosa. Ella ha llegado a la adultez con la sabiduría innata del sentir. Su piel es su primer sentido y por eso pretende que permanezca intacta, joven, sin arrugas, suave. Por eso cuestiona cómo está y se queda más tranquila cuando las respuestas del público son positivas. Porque Elisa vive atormentada pero también ilusionada con todo lo que puede narrar.

Un caudal enorme de historias que no parecen extinguirse jamás, que son contadas en primera persona y, con ello, se acercan aún más al espectador (el cual interviene desde la mirada hasta la escritura).

Parece, por momentos, ser un cuento ficticio hasta que la realidad real se apodera de los diálogos y la verosimilitud nos abraza.

Realmente es una puesta en escena romántica, tierna y poderosa, en la que el amor recupera su primer lugar ya sea narrando en la voz de un hombre o de una mujer. Porque a ella la acompaña un caballero muy atento y expectante, fascinado en el silencio por su manera de ser. Hasta que habla y con ello sus palabras se entrecruzan con las de Elisa, o las de Sigfried, o las de Jan, o las de Edmond, entre otras.

De repente, sentí que no estaba ni en un bar ni en un bar dentro de un teatro ni en la mismísima Capital, sino en un film de otro país. Como extra, al igual que todos los demás espectadores que -fascinados- aguardaban más información sobre cada uno de los personajes y relatos que citaban los actores encarnados en piel. Porque el principal estímulo para entrar en el código de esta obra es abrirse y no juzgar ni interpretar: escuchar con los sentidos y relajarse desde el ingreso a la sala decorada con esa luz tenue que permite inmiscuirse en los microrrelatos que se van sucediendo espontáneamente.

Es una digna puesta donde queda demostrado que la madurez no es sinónimo de vejez sino de sabiduría, de engrandecimiento, de riqueza sentimental y de un grito desesperado hacia el amor.

A la vez que un violoncello (a cargo de Miguel Gomiz) musicaliza toda la función, el romanticismo surge para quedarse y las cuerdas del instrumento se mimetizan con las vocales, con los movimientos corporales y con todos los desplazamientos, por el lugar, que plantean las mini obras.

Para poder seguir viajando junto a ellos, descubriendo paisajes, hombres, mujeres, soledades, vacíos y la eficaz herramienta de poder crecer bebiendo nuevas anécdotas para no quedarse sediento de un mañana anti rutinario. Para vivir otras vidas a pesar de contar solo con una.

Porque la Piel de Elisa es una cita obligada para los amantes del arte de narrar y porque cuando se encuentra un elenco tan comprometido y talentoso no queda más alternativa que recomendarlo.

Mariela Verónica Gagliardi

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en abril 24, 2017

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Rutina veraniega en riesgo

Lucro cesante1

Ficha Lucro cesanteLucro Cesante (escrita por Ana Katz y dirigida por Lucía Baya Casal) no es una clase de economía ni mucho menos. Es la historia de tres amigas que demuestra cómo es posible ganar o perder en cuestión de segundos, de una decisión errónea o de un capricho innecesario.

A partir de esta comedia humorística, podremos presenciar unas vacaciones a la Costa, terminan siendo mucho más que diversión (la cual casi nunca alcanzan a sentir), que unas olas saltadas o que una zambullida tomadas de las manos. Estos días alejadas de su familia las harán crecer y saber qué es lo que en verdad quieren, que objetivos persiguen y cómo podrán revertir su presente por el más profundo deseo.

Un pozo en común que no resulta, un pasaje en colectivo no devuelto, unas ollas lavadas con mucho detergente hasta conseguir ese pastiche pegajoso difícil de enjuagar -como sus rostros por las mañanas y esos días rutinarios que se reiteran apesadumbradamente sin creer en un cambio-.

Ellas llegan a la casa alquilada pero nadie las recibe, nadie les abre la puerta y los artilugios que tramarán a lo largo de las horas les harán descubrir que todo es más fácil de lo que suponen. Una llave que puede darles acceso a buenos momentos compartidos pero que no son capaces de afrontar. Las tripas que crujen de hambre pero que, sin embargo, logran engañar con charlas estiradas y un mar no visitado. Mientras tanto, el humor las salvará como un guardavidas y les entregará la poción necesaria de valentía para que asuman el control de sus vidas y disfruten como se merecen.

Lo más increíble de la obra es que me sentí identificada con tantas situaciones, conversaciones e incluso con el vestuario que parecía estar incluida en la propuesta. De hecho, a supongo que a casi todos los espectadores les habrá ocurrido lo mismo. Los años 80´ y 90´ estaban plasmados en escena, con esos remerones gastados, los bronceadores naranja, el off siempre presente y los turrones que cuando no te arrancaban una muela te saciaban el apetito por un rato. El equipo de música con cassette de cinta, una diversidad de canciones que les devolvían el aliento cuando la tensión se avecinaba y las reposaras de caño que nunca fueron cómodas pero que, sin embargo, decoraban cada verano.

Me llamó la atención que no fueran al mar, que no lo tocaran, que se resistieran a sentirlo en sus cuerpos. Pero, claro, necesitaban tiempo, conexión con ellas mismas y con el grupo.

Con respecto a los personajes, cada personaje es único, entretenido y colmado de ocurrencias que no solo despertarán la curiosidad nuestra sino de ellas mismas. La tradicional e impoluta que necesita dar explicaciones de todos sus actos, la transgresora y la culposa.

Pedir perdón no siempre será necesario pero así lo considerarán. Criticar será imperdonable por un minuto y, al siguiente, lo más común. Porque son humanas, jóvenes y llenas de vitalidad.

Se decepcionarán ante un beso o un no beso, se ilusionarán con un recuerdo caluroso y planearán su próximo viaje, el cual, seguramente, será un nuevo aprendizaje, un nuevo sinceramiento y un olvido de la hipocresía. Porque lo festivo de las vacaciones donde se supone que hay que reír, montar una casa en la playa y chapotear sin parar; no se verá en Lucro cesante. Por mucho que cueste creer, estas amigas le darán un vuelco abrupto a sus vidas, donde el día se volverá noche en un abrir y cerrar de ojos… mientras las aguas abiertas aguardan su llegada.

Tres actuaciones impecables de la que sobresale la excelencia de Carolina Saade; con un texto atrapante y una dirección fina y precisa. Con los detalles necesarios para que las luces y ritmo se conjugue a la perfección y cada escena sea única. Así da gusto pasar un domingo de otoño, rememorando nuestro interior, sintiendo con el corazón y descubriendo junto a éste nuestro futuro. No el que los demás pretenden sino el que nosotros anhelamos.

Lucro cesante es más ganancia que pérdida, es un cúmulo de recuerdos que se nos avecinarán de golpe como una ola gigante difícil de frenar o esquivar.

Funciones: Domingos, 19 hs. No Avestruz

Mariela Verónica Gagliardi

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en abril 23, 2017

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«Gobernar es poblar», de Gustavo Friedenberg

gobernarEl martes 25 de abril se estrena Gobernar es poblar del director y coreógrafo Gustavo Friedenberg.

Con Tomás Baillie, Stella Maris Isoldi, Marian Moretti, Gabriela Pastor, Eliana Pereira Rejala y Julieta Sgarlatta.

Teatro: Teatro del Abasto, Humahuaca 3549 CABA

Entrada general: $200 – descuento para jubilados ($100) y estudiantes presentado libreta ($140).

Reservas: 4865-0014 –reservas@teatrodelabasto.com  – ¡Error! Referencia de hipervínculo no válida.

Funciones: Martes 21:30hs

Ultima función: 27 de Julio 2017

Sinopsis

Gustavo Friedenberg se inspira en la máxima de Juan Bautista Alberdi, Gobernar es poblar, para asociar la coyuntura de la organización política de nuestro país con el universo de la paternidad.

A través del movimiento y con una mirada cargada de humor, el director pondrá en relación  las bases que inspiraron nuestra Constitución con algunos aspectos que rodean  la paternidad.

La obra transita situaciones disímiles que atraviesan y cruzan a los seis intérpretes en relación a su paternidad en potencia: Quiero tener un hijo – Estamos bien sin hijos – Me olvidé de tener un hijo. Finalmente, propone una reflexión acerca de cómo opera sobre nosotros el mandato y en qué forma la historia determina nuestro presente.

La obra fue seleccionada para el Festival de Danza Contemporánea de Buenos Aires 2016, en la línea de Ensayo Abierto, para obras en pleno proceso creativo.

Sinopsis breve

El coreógrafo y director Gustavo Friedenberg se inspira en la máxima de Juan Bautista Alberdi, Gobernar es poblar para asociar la coyuntura de la organización política de nuestro país con la paternidad. Friedenberg esboza una puesta de movimiento llena de humor,  para contar situaciones disímiles que atraviesan  a los personajes en relación al deseo de tener un hijo.

Palabras del director

Nunca tuve la certeza de querer tener hijos. Tampoco la tengo ahora, pero con 38 años, los niños han empezado a multiplicarse a mí alrededor. No son sólo chicos, son preguntas. Tal vez sea lo propio de mi generación, lo que me preocupa es darme cuenta demasiado tarde que me hubiese gustado ser padre. En el 2009 recibí una carta de la escritora Alicia Steimberg, en la cual me hablaba de sus hijos; los de papel y los de carne y hueso. Fue ella con su inquietante humor, la que citó a Juan Bautista Alberdi  y me incitó a investigar. Y como las respuestas las encuentro en el teatro, me puse a hacer una obra.  La carta terminaba con tres preguntas: ¿Tenes hijos?¿Te gustaría tenerlos? ¿Está mal que pregunte? Aun no puedo responder.

Ficha técnica

Intérpretes: Tomás Baillie, Stella Maris Isoldi, Marian Moretti, Gabriela Pastor, Eliana Pereira Rejala y Julieta Sgarlatta.

Composición musical y banda sonora: Federico Estévez

Diseño de vestuario: Paula Molina

Diseño de iluminación: Ricardo Sica

Arte y Diseño de escenografía: Diego Cirulli

Asistencia general: Pablo Petrzela

Dirección general y coreográfica: Gustavo Friedenberg

Prensa: María Sureda

 

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en abril 22, 2017

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Una dura pero mágica vida

Don´t stop me now - 19 de abril 2017

Ficha Don´t stop me nowEs difícil hablar de alguien que ya no está en este mundo. Más cuando su música y trayectoria marcaron un antes y un después, indefectiblemente. Siempre lamenté no haber podido ir a uno de sus recitales, vibrar en la sintonía de su universo, de sus melodías y agradecerle por su talento inigualable.

Considero que fue el líder del mejor grupo internacional en lo que respecta al rock.

Mariano Zito y Sebastián Prada se aventuran a recorrer la vida de Freddie Mercury (Farrokh Bulsara, su verdadero nombre), sus vínculos amorosos, la relación con su madre, su adicción a las drogas y la música como verdadero cable a tierra.

Porque verlo padecer no es la intención de este musical, titulado Don´t stop me now (con dirección de Sebastián Prada) sino acercarnos a sus canciones, a una historia entretejida a través de las mismas y a sus shows que lo despertaban, mágicamente, ante cualquier adversidad.

Porque un artista es artista en la enfermedad, en el padecimiento, en los mejores y en los peores momentos de su existencia. Y este fue un claro ejemplo de ello.

El primer acierto de este espectáculo es no realizar un tributo. A partir de aquí, todo lo venidero es increíble. Mariano Zito no imita al artista sino que le otorga un propio sello, una impronta personal a través de la cual consigue contar la vida de Mercury, cantando. Porque no hacen falta más palabras que las del artista.

La sala de café concert del Maipo Kabaret se vistió para la ocasión y tanto Zito como Maia Contreras y Melanie Lorenzo pudieron tener todo el espacio a su merced. De esta forma, no existieron mejores o peores ubicaciones para presenciar el espectáculo ya que éste giró en derredor.

Observando la historia familiar, la tensión entre Freddie y su madre, el romance con su mujer y, por momentos, a la banda de músicos (muy power y talentosa) en el escenario; me llevé conmigo la visión de Queen a partir de sus autores.

Con un repertorio de más de 14 canciones, entre las que escuchamos: I want to break free, Under pressure, It´s a kind of magic, Play the game, Save me, Somebody to love, Hard life, entre algunas de las más representativas de la historia (a la que se suman otras tantas más y la que da lugar al título del musical), fue posible tararear o cantar por lo bajo, acompañando a los músicos.

Una noche única e íntima que nos unió en tiempo y espacio durante una hora. Que nos demostró dónde está el límite entre sufrir y disfrutar, entre encontrar el verdadero amor y jugar a esquivar los prejuicios sociales. Porque una adicción, en este caso representada por la droga, quizás responda a la desesperanza. Conseguir que una sustancia, un algo externo, salve y devuelva la paz tan añorada.

Si bien el show plantea un enfrentamiento entre sus deseos, en verdad su vida real giró en torno a su carrera musical y lo demás. Y, me atrevo a decir lo demás, porque cuando sintió que sus días estaban contados no luchó sino que se dio por satisfecho. ¿Qué más podría lograr después de tanto?

Con respecto al presente espectáculo es interesante la manera en que se aborda, en la que la sincronización y agilidad de los tiempos consiguen hilvanar las melodías más exitosas y conocidas, convirtiéndolas en un solo tema. No existen baches ni silencios sino una continuidad perfecta que da la sensación de estar inmersos en una única canción integrada por pequeñas partes. Tres interpretaciones comprometidas, que permiten conformar este recital biográfico y único que dará que hablar.

Una voz diferente, oriunda de África, con un estilo particular que consiguió cautivar a millones de fanáticos en todo el mundo. Aquí, una voz natal que tiene su impronta, que no imita sino que pisa fuerte, que recorre la pista, las tablas, acompañado por luces azules, naranjas (y de varias tonalidades más), el mobiliario y las miradas del público, llevándose los mejores aplausos que pudiera tener.

A su vez, estamos allí, presentes, homenajeando a nuestro ídolo, recordándolo y sintiendo que mientras existan artistas contemporáneos como los creadores de este show, seguiremos teniendo la oportunidad de sentir por nuestras venas que Queen está vivo más que nunca.

Mariela Verónica Gagliardi

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Escrito

en abril 19, 2017