*** SEPTIEMBRE 2025 ***

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AGENDA – Lunes 3/8

BUENOS AIRES

Lunes – 16:00 (1)

Los Fabulosos BUU
Ubicación: Argentina | Buenos Aires | Capital Federal | COMPLEJO CULTURAL TEATRO 25 DE MAYO

Lunes – 16:30 hs (1)

Caperucita roja
Ubicación: Argentina | Buenos Aires | Capital Federal | MUSEO HISTORICO SARMIENTO

Lunes – 18:45 hs (1)

La bomba de tiempo
Ubicación: Argentina | Buenos Aires | Capital Federal | CIUDAD CULTURAL KONEX

Lunes – 20:00 hs (2)

Bs As Pasión de Tango
Ubicación: Argentina | Buenos Aires | Capital Federal | CENTRO CULTURAL BORGES
Trescientos millones
Ubicación: Argentina | Buenos Aires | Capital Federal | TEATRO DEL PUEBLO

Lunes – 20:30 hs (7)

Actrices del Montón
Ubicación: Argentina | Buenos Aires | Capital Federal | EL SÁBATO ESPACIO CULTURAL
Antonio Leiva es «El huérfano feliz»
Ubicación: Argentina | Buenos Aires | Capital Federal | TEATRO EMPIRE
Equus
Ubicación: Argentina | Buenos Aires | Capital Federal | EL GALPÓN DE GUEVARA
Mau Mau o la tercera parte de la noche
Ubicación: Argentina | Buenos Aires | Capital Federal | EL EXTRANJERO
Padre Carlos, el rey pescador
Ubicación: Argentina | Buenos Aires | Capital Federal | KORINTHIO TEATRO
Personitas
Ubicación: Argentina | Buenos Aires | Capital Federal | ESPACIO CALLEJÓN
Tango Porteño
Ubicación: Argentina | Buenos Aires | Capital Federal | TANGO PORTEÑO

Lunes – 21:00 hs (9)

Ay Carmela!
Ubicación: Argentina | Buenos Aires | Capital Federal | TEATRO EL PICADERO
Borratex
Ubicación: Argentina | Buenos Aires | Capital Federal | EL MÉTODO KAIRÓS TEATRO
Cotidianidad y éxtasis. Un cuadro de costumbres
Ubicación: Argentina | Buenos Aires | Capital Federal | TEATRO HASTA TRILCE
Eran tres alpinos
Ubicación: Argentina | Buenos Aires | Capital Federal | EL TINGLADO TEATRO
La gigante roja
Ubicación: Argentina | Buenos Aires | Capital Federal | EL ESTEPARIO TEATRO
Los enanos
Ubicación: Argentina | Buenos Aires | Capital Federal | LA TERTULIA
Noche Corta
Ubicación: Argentina | Buenos Aires | Capital Federal | TEATRO APOLO (EX LORANGE)
Tiernas Criaturas
Ubicación: Argentina | Buenos Aires | Capital Federal | TEATRO DEL ABASTO
Un trabajo
Ubicación: Argentina | Buenos Aires | Capital Federal | ELEFANTE CLUB DE TEATRO

Lunes – 21:15 hs (1)

Milva, la pantera di goro
Ubicación: Argentina | Buenos Aires | Capital Federal | TEATRO LA COMEDIA

Lunes – 21:30 hs (1)

Suegra
Ubicación: Argentina | Buenos Aires | Capital Federal | THE CAVERN BUENOS AIRES

Lunes – 22:00 hs (1)

Humor en cuatro show de stand up
Ubicación: Argentina | Buenos Aires | Capital Federal | BAR CRUZAT

Lunes – 22:30 hs (1)

Lunes de Stand Up en El Altillo
Ubicación: Argentina | Buenos Aires | Capital Federal | EL ALTILLO CLUB DE COMEDIA

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Rutinas que convierten un espectáculo en risódromo

Si mon dieu1

La cartelera teatral porteña abunda en propuesta de stand up e improvisación. Hay quienes desvalorizan estos géneros humorísticos y es que, existe -por lo general- una mala iniciativa por parte de los elencos artísticos en considerar, ellos mismos, que no tienen que saber demasiado al respecto, sino esbozar lo primero que se les viene a la cabeza -subestimando, de este modo, al público-.

Marcos Rauch, es el director de “Si mon dieu”, una obra de improvisación muy bien hecha en que existen lineamientos que le permiten a los actores crear y dejar volar sus imaginaciones. Esto es improvisar: tener de qué agarrarse, poder confiar en un director que los guía -en vivo-, que los orienta, que se sabe expresar, que convierte la propuesta en una especie de programa televisivo en que los juegos continúan, incansablemente.

A punto de terminar su cuarta temporada, esta propuesta es extenuantemente divertida, te llena de alegría el corazón y la sala de teatro se convierte en una fiesta inagotable. Los músculos de la cara, la panza y cada extremidad del cuerpo, consiguen esa armonía tan especial que da la risa.

Al mismo tiempo, reír, no tiene por qué ser cosas de ejercitar solamente músculos, sino explorar diferentes sensaciones que permitan crear piezas únicas, en el momento y con originalidad.

Como si se tratara de una clase de teatro abierta, con una gran cantidad de actividades para que realicen los actores, se va desarrollando una puesta en escena de alto nivel, la cual jamás abandona su ritmo sino que lo supera minuto a minuto.

Desde el Siglo XVI, en Italia, podía notarse cómo ya comenzaba a originarse este movimiento de improvisación que, más tarde, se haría popular -alcanzando a varios países del mundo-, despertando el interés de teóricos y autores de las artes escénicas.

Terminando el Siglo XIX, dos famosos como Konstantin Stanislavski y Jacques Copeau, empezaron a incluir ejercicios de improvisación en sus clases y audiciones.

Pero, en lo que respecta a nuestro país, los años noventa fueron un boom para este estilo de hacer teatro en el que no se requería de textos ni guiones ni de memorizar oraciones escritas por otros.

Integran este fenómeno espectáculo los actores: Paolo Sambrini, Loreta Lorenzón, Camilo Cuello Vitale, Ángelo Fornabaio; junto al acompañamiento musical del pianista Juan Ignacio López.

Esta función tuvo un plus, por tener como invitados a algunos de los artistas de Varieté brutal (que el mes próximo vuelve a la cartelera del Kairós).

Así es como las consignas proyectadas en pantalla, integran ejercicios individuales, de a pares, grupales y de todo tipo que pueda resultar estratégico para que “Si mon dieu» se luzca.

Con un perchero lleno de ropa de diferente estilo y color, con accesorios que le permitan sumar a cada escena algo distintivo, con actores excelentes que dan orgullo y con las palmas que sonarán por parte del público cada vez que las luces se atenúen.No existe una escena mejor que la otra. Todas, en conjunto, despiertan nuestro fanatismo, un fanatismo que no daña a nadie sino todo lo contrario.

El humor negro, el lenguaje sexual y la espontaneidad son claves para que el equipo de todo de sí, sin tapujos ni hipocresías.

Un verdadero y auténtico espectáculo que cambia, semana a semana, al igual que su público, al igual que sus invitados, al igual que la participación de los espectadores. Solo las consignas se repiten como enunciados, como conceptos que incitan a la búsqueda interna para decir, a lo largo de dos horas, todo lo que esté relacionado con ellas.

Risas, carcajadas, personajes infinitos -compuestos en el momento-, ideas provistas de talento y esa atmósfera que es indispensable para que un show como este tenga éxito: la apertura del público. Dudo que puedan ir personas tradicionales a Si mon dieu ya que, como una biblia, esboza todo lo contrario.

El diablo parece inmiscuirse en estas cabecitas tan creativas que a nada le temen.

Pasión por parte de todos los actores y de su impecable director. Solo así, podrá haber más temporadas a lo largo de los años.

ficha Si mon dieu

Mariela Verónica Gagliardi

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La patria se siente en el alma

Made in Lanús1

A tres años de la llegada de la democracia a nuestro país, se estrena la obra de teatro “Made in Lanús” (escrita por Nelly Fernández Tiscornia). Esta primera puesta en escena tuvo como protagonistas a cuatro grandes actores: Leonor Manso, Luis Brandoni, Marta Bianchi y Patricio Contreras.

Son muchas las versiones que se han hecho sobre esta pieza artística y, hace unas semanas, los directores Fernando Crisci Munz y María Eugenia Heyaca; le dieron su sello a una nueva adaptación.

La directora, asombrosamente, actúa y se destaca con el personaje, quizás, más repudiado por todos: el de Mabel. Ella interpreta a una mujer egoísta que tomó y toma, actualmente, decisiones por su marido y familia. Mabel es la tradicional esposa que se cree dueña de su pareja, que no tiene ningún pudor en expresar lo que piensa y se mueve de una manera firme y tajante.

En contraposición a ella, se encuentra la adorable Yoly (Belén Penesi), la ama de casa, la madre, la esposa, la trabajadora y, en verdad, laburante. La que rema contra viento y marea para sostener su lugar y posición en la vida.

Mientras tanto, los hombres de esta dramaturgia no tienen demasiado espacio como para plantarse y decir lo que quieren, a no ser que esto coincida con lo que anhelan sus esposas.

La historia, básicamente, se centra en una visita por parte de Mabel y Osvaldo (Ramiro Calero) a la Argentina, a su país natal. Ellos tuvieron que huír durante la última dictadura militar y, si bien podrían haber vuelto a mudarse hace rato, eligieron quedarse en Estados Unidos. Durante la visita, a casa de El Negro (Sergio Ubalde), quien es hermano de Mabel; saldrán a la luz una serie de verdades y realidades nunca dichas.

Dos mundos opuestos, dos miradas opuestas, dos realidades opuestas. Todo el universo yanqui versus el argentino, lo descartable en contraposición a lo reciclado, el dinero como símbolo de poder versus el amor de la familia. Estas cuestiones se ven plasmadas a lo largo de Made in lanus, una obra en la que se destaca tanto la palabra como la actuación.

Una humilde casa de barrio alojará a estos cuatro seres que pasaron muchos años juntos, los cuales recuerdan con cariño y pasión. Rescatando ese dejo de melancolía cuando se cuentan que tales personas aún siguen vivas, que el almacenero sigue siendo el mismo de siempre, que todo está como antes, sin evolución.

Una tierra que sufrió por la necedad de los poderosos, que contuvo cadáveres, que tuvo a un líder -orgulloso de su batalla- y, como si fuera poco; la contextualización proyectada en imágenes que se encargan de narrar lo tan difícil y angustiante de los años setenta en que tantos jóvenes creyeron ser libres.

Un dictador que disolvió sueños adolescentes, que los acribilló y privó de aquello que tanto perseguían. Un país nórdico que representa dictaduras lingüísticas, deseos americanos, progresos medidos en objetivos en lugar de en arte.

Mundos que crecieron y crecen paralelamente y que, jamás, se pertenecerán el uno al otro: como las vidas de estos dos matrimonios.

¿Cuántas personas siguen abandonando su país para trabajar de aquello que jamás harían en su lugar? ¿Cuántas personas creen que allí se pueden conseguir cosas diferentes y mejores? ¿Por qué la historia estadounidense sigue flameando su bandera como símbolo de heroicidad y grandeza, mientras la nuestra cuesta que se impregne en nuestros corazones?

El nacionalismo, ese amor por lo propio es lo que le falta a nuestra querida Argentina, un país que tiene tuvo y tiene todo. Del que muchos se seguirán yendo, por obligación o decisión propia.

Quienes se marchen demostrarán que sus ideales son otros, diferentes. Ni mejores ni peores.

La patria se lleva en el alma, no puede cambiarse ni bautizarse. Se nace y muere con los colores del mar y ese sol gigante.

La Yoly y El Negro así lo sintieron, así lo transmitieron y nadie los pudo convencer de ir al país snob.

Planchando aquello que cose con el mayor placer de los dioses, hecho por sus propias manos, cocinando sus alimentos, amando a sus hijos y no teniendo ninguna intención de ser lo que no es.

Lanús es un barrio, aún en estos tiempos, que tiene mucha pasión entre sus vecinos: por su historia, por su fútbol y por ese aroma que jamás podrá sentirse en una plástico perfecto.

Hecho en Lanús, por un equipo que, enérgicamente, está atento de todo detalle, de la ambientación ochentosa -la cual se ve plasmada en el mobiliario, vestuario y peinados- y esto es lo que produce una versión divina, punzante, precisa, llena de sentimientos diferentes, con cuatro actores que dan lo mejor de sí, que encarnan muy bien a sus personajes y que mantienen a la historia argentina bien en alto.

Las melodías, en vivo, encadenan escenas, situaciones y un sinfín de momentos espléndidos para disfrutar. Como toque final, una canción que logrará más despertares.

Si después de tanto sufrimiento, abandonáramos todos nuestra tierra; ¿qué nos quedaría como futuro?

ficha Made in Lanús

 Mariela Verónica Gagliardi

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Las distancias no modifican

Viva Italia1

Mónica y Andrea protagonizan “¡Viva Italia!”, una obra de teatro creada colectivamente, ambientada en los años ochenta y dirigida por el talentoso Walter Jakob. Dentro de esta historia, estas amigas que no se ven hace muchísimo tiempo, comenzarán a viajar a partir de folletos de turismo del país de la bota.

Una ya estuvo en Italia, hace años, y, la otra, sueña con conocerla. De esta forma, podrán verse a lo largo de la historia, cómo Mónica y Andrea -aún siendo totalmente opuestas- intentan encontrar la felicidad, aunque sin resolver conflictos personales que le permitan salir más airosas de las situaciones, tomando decisiones más atinadas.

Los dos hombres que aparecerán en escena, no serán realmente trascendentes para la dramaturgia -a nivel profundo-, pero sí servirán sus interpretaciones para producir confusiones en los espectadores.

Al comenzar la historia, simplemente, se ve cómo un matrimonio vive su rutina diaria, hasta la llegada de una tercera persona. Así, lo que parecía ser normal y dentro de todo estable, termina haciendo chispas.

Lo mismo ocurre cuando aparece la cuarta persona para crear nuevamente un giro en la historia y hacernos creer que el hilo conductor es otro.

«¡Viva Italia!», conmueve con su simpleza, demostrando que no es necesario crear una obra de teatro compleja para impresionar. Italia, como tierra que aloja a enamorados, a una historia tradicionalmente bella, añorada por casi todas las personas que nunca la han visitado. Italia como sueño, como esperanza como reconstrucción de donde se desearía estar, de quien se desearía ser y, depositando, en el más allá las frustraciones que en el aquí y ahora no se logran desentrañar ni resolver.

Walter Jakob consigue delinear dos caminos posibles entonces: el presente y el futuro. En el primero se ubican las cosas no dichas, los silencios, las elucubraciones y los deseos. Mientras que en el segundo se sitúan los pretextos para no hacerse cargo de dicho hoy.

Así como existen estas dos argumentaciones, también varios géneros presentes como: el melodrama y la comedia. No existe demasiada tensión en el relato sino que éste se apoya, fundamentalmente, en lo más filosófico y espiritual. De esta manera, las constelaciones se vuelven importantísimas para comprender el modo de pensar de Andrea -quien puede ser vista como trastornada, de no tener en cuenta esto-.

En las clases de constelación ella logra descubrir quién es y qué quiere, aunque todas esas cuestiones se desvanecen como humo, dejando en evidencia que las decisiones apresuradas no siempre son las más atinadas.

Como único escenario posible y visible, el living de una casa, mezclado con cepillos, tijeras y demás accesorios de peluquería que vendrían a simbolizar que todas las modificaciones externas si no son acompañadas por cambios internos; no sirven para nada.

La bipolaridad se apodera de los cuatro personajes, dejando en evidencia que están perdidos y enredados con sus propias palabras, con sus propias rejas y sus propios mundos.

Esconderse en un baúl, desaparecer de la estratósfera, resurgir como ladrón y manipular todo lo necesario para que las cosas salgan como se quieren son algunas de las acciones que se vislumbran en esta pieza artística que dura una hora. Una hora en la que se resumen y representan características cotidianas, humanas y con las que, seguramente, muchos, podrán sentirse identificados.

ficha Viva Italia

Mariela Verónica Gagliardi

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Bohemios de todos los tiempos

La Bohème

Una ópera es un universo musical y actoral con un gran despliegue -tanto a nivel artístico como instrumental y vocal-. Cuando no se cuenta con esto, en su conjunto, es practicamente imposible de imaginar.

Sin embargo, el joven director musical, Patricio Màtteri; consigue montar “La Bohème” (de Giacomo Puccini) con las herramientas que tiene a su alcance. No hace una puesta en escena ostentosa ni pretensiosa, sino independiente, soñadora y contando solo con un piano vertical.

Así, se puede disfrutar de una historia, mejor dicho de la historia de Puccini mientras estudiaba en París en 1830 y, también, del romance entre Mimí y el poeta Rodolfo.

Puccini se basó en la novela “Scènes de la vie de bohème” (Escenas de la vida bohemia, de Henry Murger) para componer su famosa ópera. Los libretistas fueron: Luigi Illica y Giuseppe Giacosa, con quienes ya había estado anteriormente en Manon Lescaut.

Como suele ocurrir cuando algo tiene éxito, el compositor Ruggero Leoncavallo pretendía hacerle competencia con I Pagliacci (ópera basada en el mismo argumento que Giacomo). Si bien hubieron asperezas entre ambos, La Bohème logró un status mucho mayor que la otra, además que consiguió estrenarse primero que la de Leoncavallo.

De esta manera, el drama se hace presente, en todo momento, y se disfruta de cuatro escenas muy bien logradas -en que los protagonistas demuestran los matices de sus voces, guiados por el director musical-.

Un detalle que debo mencionar (y que solo se ve muy de cerca) es la dependencia de miradas y aprobación que existen entre algunos artistas y Patricio. Esto, a lo lejos, pasa totalmente desapercibido.

El amor, el remordimiento, la culpa, el arte y la pasión; logran estallar en esta ópera fundamental del género lírico.

Los bohemios se juntan, toman alguna bebida alcohólica, se ríen y descubren el amor y la preocupación, de a poco.

Conforman el núcleo bohemio: la costurera Mimí (Victoria Roldán), el poeta Rodolfo (Cristian Carrero), el pintor Marcello (Esteban Miotto), la amante de Marcello, Musetta, (Constanza Díaz Falú), el filósofo Colline (Gustavo Vita) y el músico Schaunard (Miguel Ángel Pérez). Estos siete artistas, sin desmerecer a los personajes secundarios: se lucen, desfilan sus grandes vestuarios de época totalmente bellos, caminan y se desplazan con soltura, interpretan a sus seres y desenvuelven con mucha pasión en escena.

Se destaca, por sobre todos notablemente, Musetta. Engalana la historia, le da su toque femenino, distinguido y su voz de soprano cautiva, como sin pedir permiso.

Dos romances diferentes, cuatro vidas distintas y que, sin embargo, se unen para compartir.

Aunque el desenlace de esta historia no es el más feliz, el humor y comicidad se encargan de componer un excelente melodrama -permitiendo no desatar demasiados sollozos por parte del público-.

Este clásico, adaptado, permite que imaginemos estar en cualquier lugar del mundo, que sintamos un amor incondicional por el autor y que las melodías -de por sí solas- ambienten cada escena.

Por más entendimiento que se tenga de una lengua, no es muy común que se pueda comprender una pieza artística completa, sin leer en algún momento.

Sin proponérmelo, hice el ejercicio de escuchar y observar, sin intentar comprender. Fue increíble la cantidad de sensaciones que impregnaron mi ser y lo mucho que comprendí sin esfuerzo. Solo así tuve la certeza de cuan profesionales son estos artistas.

Para más adelante, leí, y la experiencia fue completamente diferente, ya que la mirada hacia arriba no permitía que siguiera el desarrollo en escena.

Perderse un texto, unas palabras y algún diálogo, permiten que el gozo sea distinto.

Habrá quien elija uno u otro mecanismo para disfrutar de la ópera.

Las melodías originadas por la percusión del piano, continúan, se despiden y la enfermedad hace desatar una verdadera tragedia en el corazón de Rodolfo -un hombre que había conocido el amor en Mimí, a quien cuidó y no pudo salvar-.

ficha La Bohème

Mariela Verónica Gagliardi

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En lo imposible está la realidad

Luisa1

Existen temas más controversiales que otros, existen situaciones más dolorosas que otras y etapas en que la imaginación puede llegar a ser la única aliada.

«Luisa se estrella contra su casa» (escrita y dirigida por Ariel Farace) engloba estas cuestiones y profundiza en ellas, de tal modo que recrea lo más noble de un ser humano.

El título es asombroso, fuerte y con un significado que no podrá saberse hasta comenzada la obra.

Luisa (Luciana Mastromauro) es una madre que se quedó sola en una enorme casa, la cual considera como su mundo. Bueno, en realidad uno de sus mundos ya que el segundo es el supermercado al que acude en todo momento.

Su modo de ser y de conectarse con los demás es un tanto peculiar, permitiendo que conozcamos su vida, sus preocupaciones y ese dolor tan imposible de sanar.

Acaba de sufrir una pérdida y no le será fácil seguir adelante. De hecho, su mente está un poco confundida y el bloqueo que tiene no le permite vincularse del todo con otras personas. Un vecino, músico, (Guido Ronconi) tendrá el honor de ser silenciado cuando ella lo ordene, para más tarde seguir escuchando una misma melodía que acompañará a la dramaturgia hasta su desenlace.

Como escenas que también se reiteran, de un momento a otro, pretenden demostrar la rutina de esta pobre mujer que no sabe cómo hacer para llenar esos huecos de soledad, a diario.

Por un lado está tratando de atravesar un duelo, sin apoyo de alguien. No parece tener más que a sus productos. Sí, productos de limpieza que compra en las góndolas del mercado, a los cuales les deposita su cariño y dedicación total.

Mientras los recuerdos la invaden por completo, conocemos cómo era la Luisa de antes, la felicidad que le daba ser llevada en un carrito, elegir la comida y estar pendiente de su hijo.

Pero, aún sin vestirse de negro, su rostro refleja el dolor que siente. Ella recuerda, sueña, imagina que un Odex (Juan Manuel Wolcoff) es su amigo, que viven juntos. Y, en cierta manera, eso ocurre en escena. Al menos, tenemos oportunidad de presenciarlo, de notar cómo necesita comunicarse con alguien. En este caso se trata de un producto de limpieza que no le cuestiona ni reprocha nada, solo obedece sus órdenes, las cuales son impartidas en carácter de urgencia.

Una urgencia no puede olvidarse, como tampoco un accidente o imprudencia. Esa sensación de no haber podido estar allí, de no haber podido hacer algo -por más pequeño que sea-, angustia infinitamente.

Con respecto al argumento de la historia, existen varias cuestiones a resaltar: por un lado, la denotación del título de la dramaturgia que está íntimamente relacionado con el accidente que ocurre en cierto momento. Por otro lado, la necesidad de Luisa por estar en lugares cerrados como pueden ser su casa y el supermercado. También, la atmósfera que se crea ella misma en su cabeza, la cual se traslada a convertir su hogar en su mundo ideal. Y acá me detengo un instante.

Su casa, confeccionada ecológicamente por cajas de cartón de diferentes cosas, le permite a ella y los demás personajes de la obra; trasladarla o moverla de diferentes maneras para narrar un suceso externo o interno.

Ese hogar es un universo limitado y, sin embargo, su mente es quien no la abandona jamás.

Toda la historia es sumamente coherente, muy bien interpretada y con una intimidad realmente perfecta.

No existe posibilidad de no crear una conexión con su argumento ya que todos hemos perdido a alguien, todos hemos padecido la soledad y todos seremos nuestros principales motores que impulsarán nuestro querido cuerpo.

La inercia le permite empezar, continuar y repetir la misma situación. Como si nada hubiera ocurrido en el medio, a pesar de que su corazón le recuerda que ya nada será como antes.

En lo imposible está la realidad esboza Pedro (Matías Vértiz) a su madre en un momento de la dramaturgia, para demostrarnos cómo lo supuesto puede ser modificado al extremo. De ahí en más, varias situaciones no comunes desfilarán delante de nuestros ojos, enseñándonos que se puede volar sin tener alas y estrellarse aún sin andar en moto.

ficha Luisa

Mariela Verónica Gagliardi

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Danzando hasta morir

Azucena en partes1

Y como si el mundo pudiera acabarse por completo o darle una sorpresa, ella (Gimena Gutiérrez) baila.

Azucena es su nombre, como la flor tan bella que perfuma hasta un ambiente frío de hospital. Ella, tiene la peculiaridad de desdoblarse en dos personas: la que sufre y la que sueña. O en dos personajes: el que encarna y el que recuerda.

Los tiempos van y vienen. Pasado y presente se fusionan como una misma historia, su historia. La historia de una mujer que sufre, que está devastada por la soledad, por no tener un hombro sobre el cual llorar, desahogarse, refugiarse. Ni siquiera un par de brazos que la contengan ante tremenda noticia.

Sus días no está contados, y esto es sumamente importante resaltar.

Azucena, todo lo expresa con su cuerpo. Con su gran altura, consigue representar corporalmente sus andanzas, sus tristezas y pesares, como si midiera un metro cincuenta.

Increíblemente, podemos observar -durante unos cuantos minutos- cómo su cuerpo se mimetiza con cada uno de sus sentires sin haber pronunciado palabra alguna. Y esta es la magia del teatro físico: el poder representar sin hablar. Pero, cuando lo requiera, poder decir, verbalmente, sin mover sus extremidades del espacio escénico.

Un gran trabajo en equipo demuestra que tanto la iluminación, como el vestuario, la dramaturgia y dirección; se complementan para tener una “Azucena en partes” (escrita y dirigida por Ana González Seligra) realmente grandiosa.

El drama está presente de principio a fin, no pudiendo ignorar el tema argumental presente. Una enfermedad que parece ser la muerte, por la falta de información, por la infelicidad, por dolor no cicatrizado, por los sueños abandonados.

Un público atento, quieto, que no esboza más que un dolor aguantado, una angustia difícil de soportar. Un público que, al terminar la función, espera para felicitar a los artistas. Yo, como parte del público, con un nudo y una nebulosa en mis ojos como si lograra vislumbrar un hálito de paz.

Finamente escogidos, aquellos detalles ornamentales que forman e integran las escenas de la obra unipersonal. Objetos que no solo son preciosos sino que cumplen varias funciones. Un ramo de flores rojas, un perchero, varios estilos de ropa, de zapatos y otras herramientas fundamentales que le permiten a la artista componer sus personajes -tan difíciles pero excelentemente resueltos-.

Su corazón hecho pedazos, sus partecitas que no logran unirse, su sonrisa desdibujada como cuando se tira al piso -hundida en llanto-. Una etapa que quisiera borrarla de su mente, de su espacio, de su vida y que, sin embargo, debe atravesarla para estar sana y más fuerte.

La parte descriptiva del relato es la que permite que nos imaginemos -como espectadores- toda la desdicha de esta pobre mujer. Pero Azucena no es frágil. Está sensibilizada, apabullada, fuera de sí. Mientras tanto, deja que su cuerpo hable, que sus pechos consigan formas diferentes, que el sentido de su vida sea el que añore y que, jamás, se de por vencida.

Esta pieza artística debe formar parte de todo festival y movida cultural relacionada con el universo femenino, con la lucha contra el cáncer, contra la violencia de género y con todo enlace que permita que nosotras -las mujeres- nos sintamos identificadas, valoradas y resignificadas.

No hace falta pasar por la enfermedad para tener humanidad por las que sí.

Las mamas, que tanto amor deberían tener, que tantas caricias poseer… están enfermas. Solo el amor puede curarlas.

ficha Azucena en partesMariela Verónica Gagliardi

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Una fiera escondida

La piel de manzana

Como fruto prohibido, como fruta bella y embalsamada, allí está cada una de ellas. Con diferentes tamaños, sabores y formas no exactamente idénticas. Como fruta utilizada en cuentos como Blancanieves en que se mordía y envenenaba la princesa, como origen de muchas ideas no desarrolladas completamente y como, también participada en cuadros de naturaleza muerta.

Flora (Cecilia Cósero) y Bruno (Federico Marrale) son las protagonistas de una obra de teatro en que se puede vivenciar todo lo natural e inminente de la conducta humana: “La piel de manzana” (escrita y dirigida por Gustavo Lista).

Son muchas las escenas que se suceden a lo largo de esta historia y es que, a lo largo de la misma, se verá a una Flora totalmente voraz, salvaje y sin miedo a nada. Así como a un Bruno amenazante, temeroso e inmaduro.

Existen varias lecturas para realizar sobre la puesta en escena y narrativa. Por un lado, se ve a flor de piel el feminismo encarnado por Flora que, a cualquier precio, muestra y demuestra su condición de hembra y mujer en su casa y en la sociedad. Ella vendría a ser como una heroína de los derechos de todas, flameando una bandera imaginaria que estaría simbolizada por los cajones de manzanas.

Por más desconectado que pueda sonar esta comparación, son estas frutas las que significan cuerpos de mujeres, con una piel suave, fina, brillante y que, sin embargo; se puede raspar, herir y romper en cuestión de segundos.

Una tras otra, son tiradas por Bruno al piso, como descartándolas, como quitándoselas de encima y sacándose del pensamiento todo lo que a ella le pueda dar felicidad absoluta.

Por otro lado, está presente la obsesión -más por parte de él que de ella- por amenazar a su ser querido y, desde ese lugar, conformarse con la piedad o lástima. Las acciones desarrolladas por Bruno no son sanas para ninguno de los dos y, viéndolas desde otro ángulo, son violentas.

Hay varios simbolismos incluidos en la dramaturgia. Uno de ellos es la función que cumple un aparador de madera, que va acumulando a los hombres que no actuaron correctamente. Uno tras otro, se ponen allí y, ella, solo le da la posibilidad a Bruno de ser diferente al resto de una manera bastante singular. Quien salga victorioso de tal acuerdo, podrá elegir lo que más quiera.

Flora es una muestra de lucha eterna, exagerada también, que no baja jamás los brazos y que defiende sus ideales. A su vez, lo corporal cumple una función primordial en ella y en su compañero, quienes recorren el escenario hasta encontrar el lugar ideal para disparar su voz. Mientras se observan y analizan, el realismo mágico consigue apoderarse de sus monólogos, de sus diálogos y de sus preocupaciones.

Como realizando un recorrido por un mundo irreal, crean una especie de fábula dentro de la que también son los protagonistas y consiguen jugar como niños. Así y solo así, Bruno puede manipular del todo a esta loba que lo cuida y acompaña cuando todo parece acabarse.

La canción de Joan Manuel Serrat, titulada Piel de manzana (1975), sintetiza parte del argumento de la obra diciendo: a esa muchacha que fue Piel de manzana se le quebró el corazón de porcelana, se le bebieron de un trago la sonrisa. La primavera con ella tuvo prisa.

ficha La piel de manzana

Mariela Verónica Gagliardi

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No te irrite el espejo si es el jarro el que está torcido

El inspector1

El ucraniano, Nikolái Gógol, por el año 1834 escribe “El inspector del gobierno” -una obra que le daría la fama y por la que debería alejarse de su país-.

La corrupción es el tema principal que se trata en la dramaturgia y, a partir del cual, se puede notar en que se utiliza el dinero de un Estado. Antes y ahora, y en cualquier país del mundo; siempre va a existir corrupción. En esta ocasión,

Daniel Suárez Marzal adapta la historia original (dirigida por Roberto Aguirre y Omar Saravia) y la convierte en una pieza artística muy entretenida, con unas actuaciones asombrosas y muchas escenas de adrenalina.

Tomando parte del título original, este Inspector demuestra que quien se crea más vivo será sorprendido por alguien más sagaz.

El argumento gira en torno a la llegada de dicho inspector, el cual será anunciado por el correo. Sin constatar dato alguno, él (Alejandro Rattoni) y su asistente (Gabriel Dopchiz) llegarán a la mansión del Alcalde (Alejandro Zanga) y su familia. Allí, comerá como los dioses, descansará y, como si fuera poco, ganará varios billetes -aquellos que pretenderán comprar su silencio-. Este hábil mentiroso y fabulador, logrará llegar al corazón de la alcaldesa y su hija, diciéndoles tantas palabras bonitas como sean posibles.

Los diálogos justificarán ese universo femenino que tantas veces pretende oír frases dichas, compromisos supuestos y desenlaces evitados.

Por el gran sillón de época desfilarán las diferentes figuras del Gobierno, quienes estará ansiosas de conocer a este hombre que no será quienes supongan.

Mientras tanto, la música los hará bailar, haciendo primar el deseo de disfrutar cada momento -olvidándose de qué cargos ocupan y qué trabajo hacen-. Lo único que se verá es derroche de dinero y alegría, combinado con ganas de hacer lo indebido. Ocultándose de una figura que podría quitarles todo, se unirán para crear un plan.

Recién en 1835, Gógol logra estrenar su obra (después de haber sido censurado). Fue el zar Nicolás I quien autorizó su representación, la cual tuvo lugar en el Teatro Imperial de Moscú el 19 de abril de 1836.

En el epílogo de su libro escribe lo siguiente: no te irrite el espejo si es el jarro el que está torcido, dando evidencia de los pretextos que se buscan para tranquilidad propia.

Pero, ¿quién es el impostor? Iván Alejandrovic, un jugador que se quedó sin dinero y que, de casualidad, va a parar a la casa del Alcalde. De allí en más las situaciones disparatadas se apoderarán de la puesta en escena, convirtiendo la rigidez de las palabras en parafernalias humorísticas.

La ministra de salud, de educación, el juez y tantos otros ministros combinarán sus conocimientos con delirios para estafar a quien pretende fiscalizarlos.

Así como el autor de la obra no quedó satisfecho con la primera función que consideró muy sobreactuada, seguramente, estos hábiles cazadores tampoco terminarán felices con el desenlace.

Desde ya que merecen destacarse las actuaciones del Alcalde, su esposa (Celina Tellería) e hija Mashenka (Yili Di Lauro); quienes consiguen desenvolverse de forma extraordinaria entremezclando el género clown con el grotesco. También, existen otras interpretaciones muy bien logradas que hacen de la historia una entretenida denuncia.

El Alcalde bien podría ser Nicolás I, quien estuvo en su cargo durante treinta años. Parece algo inadmisible para nuestro países, aunque muchos, posiblemente, lo desearían.

Otros estilos de vida, otras épocas pero una misma historia que se impregna a lo largo de una dinastía.

La ambición y derroche pueden más que la nobleza y solidaridad. Una hija que pretende pasar por idiota cuando es más viva que su madre y un marido quizás engañado que solo quiere guardar las apariencias y nadar entre billetes.

¿Sobornar?

Eso y mucho más, pero que siga la fiesta…

ficha El inspector

Mariela Verónica Gagliardi

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Un ritual inesperado

Corazón de wasabi1

Hace dos años fui a ver “En otro vida fui Marlon Brando”, una obra que destacaba a personajes de William Shakespeare y en la que ocurrían otras acciones no esperadas por el espectador. Después de dicha pieza artística, Jorge Tomas doblega la apuesta y vuelve a escribir, protagonizar -esta vez- y dirigir una novedosa dramaturgia en la que, también, pasarán muchas cosas al mismo tiempo y la conclusión deberá ser sacada por cada persona -convirtiendo de este modo al espectador en activo-.

«Corazón de wasabi» es la historia de tres amigos que crecieron juntos, compartiendo charlas, noches sin dormir, música copada y varias cosas más. Esta propuesta, muy diferente a la citada anteriormente, muestra a Jorge Tomas muchísimo más consolidado como actor y escritor. Su mente cobró un vuelo tremendo en el que no parecen existir barreras ni límites.

Narrada y ambientada en aquellos años 90 en que la banda liderada por Axl Rose, se había instalado entre los adolescentes para fomentar una cultura pasional y llena de rock and roll. Con una escenografía muy estética, moderna y cuidada, se disfrutará de una conmovedora noche que podría ser como cualquier otra y que, por un motivo, no lo es.

En esta historia, los tres amigos en verdad son dos ya que uno de ellos ha muerto hace veinte años, motivo por el cual, religiosamente, se juntan una vez por año para homenajearlo, para sentirlo entre ellos, como uno más.

Como si se tratara de un ritual, “Corazón de wasabi” refleja aquella melancolía que se siente cuando se pierde a un gran amigo. Esa sensibilidad a flor de piel que jamás podrá sanarse. Quizás, esta obra sea una visión diferente a cómo sobrellevar tanto dolor. A asumir que las pérdidas no tienen por qué llorarse, sino que existe otro modo de recordar a quien ya no está con vida.

Son varias las situaciones, conformadas como escenas, que van transcurriendo; las cuales permiten que Humberto y Miguel vayan trazando un paralelo entre pasado y presente.

Podría tratarse de fuerzas sobrenaturales, de deseos insatisfechos, de las ganas por volver a esos años en que no existían las responsabilidades, o, quizás; de un gran delirio y nada más.

Como tradición, puede verse una planta en tonalidades verdes. Salvo que alguien conozca sobre esta especie, podría asociarse al título de la obra. Pero, buscando términos que asocien al wasabi con algo determinado o deseado, no pude hallarlo. Solo sus acepciones vinculadas a propiedades curativas, desinflamatorias y antiparasitarias. Luego de empaparme sobre el tema y ver diferentes fotografías asumo que el autor quiso vincular el delirio, la ironía y varios aspectos del género clownesco de la obra con alguna droga proveniente de dicha hierba.

Durante la celebración ocurrirán tantas cosas que el espectador podrá posar su mirada en una situación u otra, a modo de paneo. Ni siquiera faltará la presencia de una tarotista que jugará con los destinos de estos amigos al igual que con todas las personas que vayan apareciendo en la casa. Como si las puertas se encontraran abiertas para cualquier desconocido, un repartidor de pizza se convertirá -por arte de magia- en un protagonista fundamental para que la velada cumpla con un ritual asombroso.

No solo estará presente la comedia como sitcome sino que las ocurrencias de Jorge Tomas dotarán a los diálogos de tantos oportunismos como sean posibles.

Unas bolsas de dormir los retrotraerán al pasado, las mujeres los invitarán a reflexionar y todo error cometido podrá ser olvidado con tal de enaltecer a quien ya no está.

Como una mirada, a los lejos y que -de a poco- se acerca, ambos disfrutarán de uno de los placeres más grandes de la vida llamado amistad.

Corazón de wasabi es un corazón tan noble que ni la vestimenta podrá modificar.

En cuanto el final se acerque desearemos que todo vuelva a empezar. Como antes, como ahora, como algún día en sus vidas que quieran compartir con nosotros.

ficha Corazón de wasabi

Mariela Verónica Gagliardi