*** AGOSTO 2021 ***

Archivo para la Categoría "Danza"

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Ser feliz aquí y ahora

Malaui1

Ficha MalauiQue un viaje por el mundo hace cambiar a las personas y madurar, ver la vida de otra manera, con otros ojos. Son justificaciones para emprender una travesía…

Malaui es un musical (con libro y dirección de Jorge Camisay, coreografías de Rodo Santamarina, y dirección vocal a cargo de Belén Di Iorio) que tiene varios mensajes por descubrir. Como el mundo, pero mirado más de cerca, bien cerca, como haciendo una introspección en el lugar, sin necesidad de cargar las maletas y subir a un avión.

Porque todos los problemas, situaciones inconclusas, asombros, miradas y conocimientos no se obtienen contemplando paisajes y diferentes culturas sino observándonos.

Malaui es un país al sureste de África, sin salida al mar, colonizado por Gran Bretaña (y manteniendo el poder durante 73 años). ¿Por qué viajar hasta allá? ¿Para qué?

Curiosamente, las canciones de esta obra son de Coldplay (una de las bandas inglesas más famosas de la actualidad). Una banda que aún no había surgido para el momento del imperio, para ocupar tierras que no les pertenecían. Así y todo, la música tiene el don de no poseer fronteras ni de poblar odio, sino de atraer o no a quienes la consuman.

Tres amigos (Mauricio Camuglia, Landriel Oviedo y Diego Crevacuore) se unen para disfrutar de unas vacaciones en Malaui y alrededores, por tiempo casi indefinido. Entonces, este trío tendrá el protagonismo del show, llevando adelante su canto y baile, mostrando su talento y, a su vez, dejando lugar al resto del elenco para que también lo haga.

A lo largo del viaje, como en toda convivencia, surgirán: roces, discusiones, descubrimientos y nuevos placeres. Este viaje les hará reconocer que la felicidad (Daniela Santi) siempre estuvo delante de ellos (sobre todo de uno de ellos).

Todas las canciones conocidas (Paradise, Yellow, Clocks, The scientist, Fix you) están en el repertorio del musical, además de algunas que se suman a la historia. Por ello, podremos cantar por lo bajo, seguir las melodías y sentirnos más cerca de Malaui.

Es una comedia ideal para niños y adolescentes (no por eso no disfrutable por los adultos). Con algunos actores que sobresalen por sobre otros (tanto en caudal de voz como interpretaciones), al igual que en el caso de dos bailarinas que se comen el escenario desde que aparecen.

Vos sos el paraíso”, le dice en cierto momento el protagonista a la felicidad (vestida de blanco y una sonrisa infinita). Claro que él no daba por sentado que la mujer que había conocido era algo mucho más que eso.

Uno de los aspectos más interesantes de la historia es cómo el autor enlaza las canciones con un significado simbólico y, así, se va conformando el gran cuento de la vida. Porque podrían ser adultos, ancianos. Pero todos vamos en busca de lo mismo, solo que en ciertas ocasiones tomamos decisiones y rumbos diferentes.

Malaui es atractivo por donde se lo mire, porque podemos disfrutar de un escenario que cambia de tonalidad en cada uno de sus cuadros musicales, con efectos de humo y lumínicos que harán más llamativo el espectáculo, más cambios de vestuario constantes; permitiendo que todo el conjunto produzca un abanico de sentimientos en vivo tanto por parte de los artistas como del público.

Lo más notorio es el énfasis que pone cada uno de los artistas por permanecer radiante, feliz, con una naturalidad especial y única. Ellos están orgullosos de lo que montaron y eso traspasa las tablas.

Es difícil observar a tantos artistas, mirarles los ojos, las extremidades, los pasos, la voz, la interpretación, el andar, la soltura. Y más y más. Pero, en un momento, descubrí a dos talentosas (Cecilia Cavallero y Agustina Pelaez) que tenían ese plus llamado talento innato. Sus miradas eran distintas, brillaban, se posaban en un horizonte sentido y transferían su actuación con tan solo estar y permanecer paradas.

Si no encontrás tu destino, estás algo perdido, no sabés quién sos ni cuál es tu misión en este mundo; sin dudas que Malaui es la propuesta para vos. Pero, si amás Coldplay y todo el universo melódico de esta banda, también es una gran posibilidad de que te acerques a verla.

Dibujos que conformar situaciones, hechos, momentos y que se deshacen como los imprevistos. Como la vida misma.

Mariela Verónica Gagliardi

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Un impulso al cambio desde lo más profundo

Presidio3

Ficha PresidioEs difícil decir que Presidio sea una obra de teatro o una performance o teatro físico; porque es eso pero muchísimo más. Es la posibilidad de sentir a flor de piel y, mejor dicho, en carne viva. La movilización interna me conmovió de pies a cabeza, me sacudió como se hace con una bolsa de boxeo y salí volando metafóricamente. Para escribir la nota tenía las palabras pero desordenadas. Y tuve que dejar aquietar las aguas. Quizás para quien no sufrió, sea una simple tarea de concentración y nada más. Pero, para quienes tenemos una estrecha unión con el argumento de Presidio, esto se vuelva un poco más complejo.

Esta propuesta nos ubica en un espacio cerrado, delimitado, cercado físicamente y en dentro del que ocurren infinidad de escenas que narran situaciones de la vida real. Y no significa que los espectadores tienen que ser seres que atravesaron traumas, sino que tienen que estar comprometidos con el dolor ajeno, con los vacíos enajenados, con el abandono, con la opresión, con el abuso, con.

No es una muestra de pintura donde se observa algo bonito sino una expresión artística completamente. Porque son cuerpos entrenados para transmitir lo que sus palabras callan, y porque cuando los labios se mueven es para decir lo que sus cuerpos, agotados, ya están cansados de emitir. Porque las frases reiterativas se entremezclan desde lo más bajito hasta estallar en lo más alto de una cúspide, allá a lo lejos. Porque por más que uno se esmere en interpretar lo escuchado, no siempre se podrá y ese es la primera herramienta a tener en cuenta. No tratar de comprender con los oídos sino con el cuerpo.

Cuando las extremidades se gastan, los cuerpos se desvanecen hasta volver a erguirse y tomar las fuerzas necesarias para caminar, correr, danzar o morir.

Lo que está bien o está mal no parece ser juzgado sino mostrado. De ahí que el público se encargue de sacar sus propias conclusiones.

Iluminación, música, objetos y voces se coordinan desde lo más íntimo hasta lo más profundo. Es perfecto lo que ocurre aunque no lo que sucede. De repente podrá notarse la figura de un padre que se va, que no está presente. Y esta desgarradora escena desde su ausencia hasta su retorno no es posible digerir fácilmente. Al menos no para quienes hayamos sido abandonados, para quienes sintamos que ese lugar en la mesa nunca más será ocupado.

Escenas de sexo implícito podrán verse al igual que otras muy fuertes en las que el sentido no es erotizar sino expresar lo que, con palabras, queda pequeño. Un abuso dicho no es igual a mostrado en acción. Y ese es el foco de Presidio (escrita y dirigida por Lucio Bazzalo), un cuadrado del que surgen, como fotografías continuadas, un montón de situaciones para contemplar detalladamente. Los excelentes actores serán los encargados de montar cada escena, encarnando varios personajes a lo largo de la puesta..

Sin embargo, cabe preguntarles por qué están presos si no se ven barrotes, ni cadenas ni una obstrucción a su libertad. Y es que de eso se tratan las micro historias, de la psicología de cada persona que está privada de su completa libertad hasta que decida hacerse cargo de su pasado, de su realidad y de su vida para elegir cambiarla por completo. Al menos, modificar lo que ya ocurrió y que está ocupando un lugar traumático sin tener un verdadero sentido. Como si la respiración se les cortara al rememorar lo que otros hicieron y ya no fuese posible construir algo bonito. Presidio, por ello, demuestra que sí es sensato tener esta terapia de shock para reciclar y avanzar en pos de mostrar un libertinaje despojado de traumas: en el que los cuerpos vibren, amen y odien solo cuando así lo sientan. No cuando una fuerza opresora los obligue ni cuando el más poderoso los haga ver un mundo oscuro y lleno de maldad.

Presidio es un torbellino de ideas para procesar en la intimidad, para meditar sobre sí mismo y no para dar la vuelta de página para evadir el sufrimiento.

Desde que presencié esta propuesta puedo decir que soy más feliz que antes y que me siento modificada por completo.

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Mariela Verónica Gagliardi

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Sintonizando diferentes galaxias

Hay artistas que soslayan el espacio escénico y convierten una obra en vida. No son muchos los que se animan a innovar, a crear otro código y convertirse, tal vez, en un espectáculo para público específico.

Arriesgar vendría a ser la primera palabra que se me viene a la mente cada vez que veo una propuesta de Gustavo Friedenberg.
Gobernar es poblar es el título de su nueva puesta de danza-teatro, la cual demuestra (irónicamente) una de las primeras órdenes de Dios en la Biblia: “Sean fructíferos y háganse muchos y llenen la tierra y sojúzguenla” (Génesis).

Friedenberg consigue plasmar un universo estético maravilloso en el que la tecnología lumínica, el canto autóctono, la música y la danza se confluyen en un mismo centro. Como si se tratara de un lenguaje único (a pesar de ser muchas veces diverso). Esto es lo que el creador (y no me refiero al Dios Jehová, sino a Gustavo) subraya con énfasis en cada paso de baile, en cada movimiento controversial y diferente, en cada refrán semejante y en cada grito durante el parto. Porque una criatura, otra, otra y cada vez más poblaron. Pero, ¿a qué apunta la vida? Somos muchos, demasiados, cada vez más. Y no hay arca de Noé que venga a salvar a unos sí y a desechar a otros. Acá se salva y sobrevive el que piensa, el que siente, el que solo danza más allá de todo y el que perece observando más allá de nada. Todos se salvan y no hay exterminio ni dolor más que el de sufrir cuando toque.

Un elenco formidable compuesto por seis actores (uno de ellos acompañará con un eximio bombo legüero), bajo la dirección de uno de los más revolucionarios directores de esta disciplina que combina a las artes escénicas con la danza.

Distintas generaciones, distintos sexos y sexualidades sin discriminación alguna, sin xenofobia: “Hagamos al hombre a nuestra imagen y semejanza”. Con esto se refería a los dos sexos que debían sobrevivir en la eternidad: femenino y masculino. El resto quedaría fuera de su mundo y eliminado de un golpe. Por suerte y gracias a la naturaleza, cada quien siente y, a partir de ese sentir, elige. Sin condicionantes sin hechizos ni amenazas. La culpa no es nadie y es de todos. Porque el mito que considere que poblar el universo es reproducirse sin frenesí es porque no se detuvo a pensar cuál es su propósito en la Tierra.

Y, dejando a un lado la religión, Friedenberg se basa específicamente en esta performance en la máxima de Juan Bautista Alberdi que se fundamenta en bases políticas. Gobernar es poblar con respecto a educar, a crear ciudadanos libres y civilizados. Esto según la mirada hacia Norteamérica que no siempre se corresponde con la de nuestra patria. O, en verdad, casi nunca, sobre todo en nuestros tiempos. Por eso, en referencia a “embrutecer” se toma como protagonista a una mujer aborigen que, lejos de ser incapaz de progresar, le termina enseñando a toda persona que se cruza por el camino de qué se vale el amor, la vida, el sentimiento y las raíces. Porque copiar no es el legado de esta pieza artística, sino utilizar lo propio para convertirlo en piedra preciosa. No es necesario, entonces, bajo la dialéctica del autor; traer población de afuera y erudita para poblar a su antojo el correr de los días.

Puede, sin embargo, ingresar quien lo desee y compartir su sabiduría (no en cuestión de talento) con los demás. Porque un verdadero país debería haber sido pensado así y no pretendiendo y aniquilando. La conformación de una Nación es puesta en duda, sus fundamentos políticos también y el legado de sus fundadores, ¿por qué no?

Acá gobierna el artista, el que justifica su vida a partir y a través de las ideas creativas. El que domina sin proponérselo y el que manipula sin saberlo.

¿Vamos a hacer una coreo?

No. Vamos a aprender a convivir dentro de una. A copiar los pasos del clásico si atraen o a mimetizarnos con los de contemporáneo si es más natural al cuerpo. Vamos a cantar en otra lengua o a continuar con la propia. Porque no hay quien dictamine una sentencia ni realce al “mejor”.

Habrá quien olvide embarazarse o quien lo haga por costumbre. ¿Quién podrá juzgar?

Cuando dos naciones se unen (en este caso, dos estilos contrapuestos), se examinan por fuera y se funden en un solo plano. Se mimetizan, al fin y al cabo. Porque la socialización es primaria y las bases son el firmamento más fuerte y conmovedor de Gobernar es poblar.

Máscaras, expresiones, juguetes inflables, otros reales. Todos conforman este universo poético en el que la única poesía es la forma de expresar y sentir. ¡Como si fuera fácil!

A la vez que la Vía Láctea da comienzo y fin a la humanidad, cada espectador se llevará un sentimiento. Y digo uno porque dependerá del compromiso que mantenga durante la función.

Mariela Verónica Gagliardi

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“Gobernar es poblar”, de Gustavo Friedenberg

gobernarEl martes 25 de abril se estrena Gobernar es poblar del director y coreógrafo Gustavo Friedenberg.

Con Tomás Baillie, Stella Maris Isoldi, Marian Moretti, Gabriela Pastor, Eliana Pereira Rejala y Julieta Sgarlatta.

Teatro: Teatro del Abasto, Humahuaca 3549 CABA

Entrada general: $200 – descuento para jubilados ($100) y estudiantes presentado libreta ($140).

Reservas: 4865-0014 –reservas@teatrodelabasto.com  – ¡Error! Referencia de hipervínculo no válida.

Funciones: Martes 21:30hs

Ultima función: 27 de Julio 2017

Sinopsis

Gustavo Friedenberg se inspira en la máxima de Juan Bautista Alberdi, Gobernar es poblar, para asociar la coyuntura de la organización política de nuestro país con el universo de la paternidad.

A través del movimiento y con una mirada cargada de humor, el director pondrá en relación  las bases que inspiraron nuestra Constitución con algunos aspectos que rodean  la paternidad.

La obra transita situaciones disímiles que atraviesan y cruzan a los seis intérpretes en relación a su paternidad en potencia: Quiero tener un hijo – Estamos bien sin hijos – Me olvidé de tener un hijo. Finalmente, propone una reflexión acerca de cómo opera sobre nosotros el mandato y en qué forma la historia determina nuestro presente.

La obra fue seleccionada para el Festival de Danza Contemporánea de Buenos Aires 2016, en la línea de Ensayo Abierto, para obras en pleno proceso creativo.

Sinopsis breve

El coreógrafo y director Gustavo Friedenberg se inspira en la máxima de Juan Bautista Alberdi, Gobernar es poblar para asociar la coyuntura de la organización política de nuestro país con la paternidad. Friedenberg esboza una puesta de movimiento llena de humor,  para contar situaciones disímiles que atraviesan  a los personajes en relación al deseo de tener un hijo.

Palabras del director

Nunca tuve la certeza de querer tener hijos. Tampoco la tengo ahora, pero con 38 años, los niños han empezado a multiplicarse a mí alrededor. No son sólo chicos, son preguntas. Tal vez sea lo propio de mi generación, lo que me preocupa es darme cuenta demasiado tarde que me hubiese gustado ser padre. En el 2009 recibí una carta de la escritora Alicia Steimberg, en la cual me hablaba de sus hijos; los de papel y los de carne y hueso. Fue ella con su inquietante humor, la que citó a Juan Bautista Alberdi  y me incitó a investigar. Y como las respuestas las encuentro en el teatro, me puse a hacer una obra.  La carta terminaba con tres preguntas: ¿Tenes hijos?¿Te gustaría tenerlos? ¿Está mal que pregunte? Aun no puedo responder.

Ficha técnica

Intérpretes: Tomás Baillie, Stella Maris Isoldi, Marian Moretti, Gabriela Pastor, Eliana Pereira Rejala y Julieta Sgarlatta.

Composición musical y banda sonora: Federico Estévez

Diseño de vestuario: Paula Molina

Diseño de iluminación: Ricardo Sica

Arte y Diseño de escenografía: Diego Cirulli

Asistencia general: Pablo Petrzela

Dirección general y coreográfica: Gustavo Friedenberg

Prensa: María Sureda

 

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El futuro de los hipopótamos

ballet

TEATRO DE LA RIBERA

“EL FUTURO DE LOS HIPOPÓTAMOS”

EN DANZA AL BORDE

El ciclo de danza contemporánea reanudará este año su programación con un espectáculo del Grupo Krapp.

Danza al borde, el ciclo de danza contemporánea en el Teatro de la Ribera (Avenida Pedro de Mendoza 1821), reanudará este año su programación con El futuro de los hipopótamos, un espectáculo creado e interpretado por el Grupo Krapp. Las funciones se ofrecerán del 29 de abril al 14 de mayo y contarán con la presencia de bailarines invitados del Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín.

Funciones: viernes, sábados y domingos a las 19 hs.

Platea: $100.

Pullman: $75.

Viernes (día popular) entrada general: $50.

DANZA AL BORDE

Dirección artística: Diana Theocharidis

El futuro de los hipopótamos

Grupo Krapp

Creación e interpretación: Grupo Krapp -Luciana Acuña, Gabriel Almendros, Luis Biasotto, Edgardo Castro, Fernando Tur-

Música: Gabriel Almendros, Fernando Tur

Bailarines invitados*: Luca Solla Lucini, Daniela Pérez Ibarra, Agustina Mamsuk, Federico Lotitto, Carla Loustaunau, María Emilia Pugliese, Luciana Calabrese, Melisa Campertoni

Producción ejecutiva: Gabriela Gobbi

Asistencia general: Paula Russ

Diseño de vestuario y máscaras: Gabriela Fernández

Diseño de escenografía: Ariel Vaccaro

Diseño de iluminación: Matías Sendón

Dirección: Luciana Acuña, Luis Biasotto

Duración (aproximada): 70 minutos.

*Integrantes del Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín

Complejo Teatral de Buenos Aires.

Tel: 4343-5356 / 4342-9647

Facebook: TeatroSanMartinOficial.

Adquiera sus entradas por Internet: www.complejoteatral.gob.ar

 

 

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“Yo no soy la malquerida”, una sátira musical de Jorge Mazzini

yo-no-soy-la-mal-queridaEn el marco del programa de artes y espectáculos Un Oasis en la ciudad el viernes 6 de enero se estrena en el Museo Larreta

YO NO SOY LA MALQUERIDA

Sátira en un Prólogo, dos cuadros y un gran fin de fiesta

Desde el viernes 6 de enero se presentará un espectáculo de humor, música y danza española en el bello  jardín andaluz del Museo Enrique Larreta ubicado en el corazón del barrio de Belgrano.

Se trata de Yo no soy la malquerida, una sátira musical  con libro y dirección general de Jorge Mazzini y música original de Gabriel Espósito, protagonizada por Graciela Pal, Miguel Habud, Julia Calvo, Francisco Pesqueira y Mónica Salvador, entre otros,  con la actuación especial del cantaor Baldomero Cádiz y gran elenco.

Las funciones se realizarán durante enero y febrero, los viernes y sábados a las 21.30 hs. y los domingos a las 20 hs.

De este modo el Ministerio de Cultura de la Ciudad y el Museo Larreta recuperan una tradición muy cara al sentimiento de los vecinos del barrio de Belgrano y zonas de influencia, presentando una compañía estable integrada por actores, cantantes y bailarines de reconocida trayectoria. Será  para  disfrutarlo en familia y divertirse, riendo, cantando y bailando bajo las estrellas, envueltos en esa mezcla de  aromas que proporciona la selecta variedad de plantas de un espacio único en la ciudad.

Síntesis argumental

Los espectadores asistirán a los accidentados preparativos que realiza  una supuesta compañía dedicada al teatro español antes de ofrecer una obra de Jacinto Benavente. Sufrirán y reirán con las vicisitudes que buena parte de los integrantes de dicha compañía tienen que vivir para sortear los muchos contratiempos y  llegar al final de la función. Como parte de un giro inesperado de la grotesca tragedia que vive, la protagonista invita a  un final de fiesta en el que todo el elenco se sumará para ofrecer un brillante momento musical con destacadas voces y bailarines de clásico español.

YO NO SOY LA MALQUERIDA

Sátira en un Prólogo, dos cuadros y un gran fin de fiesta

Estreno: Viernes 6 de enero

Funciones: Viernes y sábados a las 21.30 hs y domingos a las 20 hs.

Localidades $ 250- Estudiantes y jubilados con acreditación $ 200

Museo Larreta – Vuelta de Obligado 2155. Tel. 4783-2640/4784-4040

Las entradas se venden desde las 18.30hs.

Se toman reservas a museolarreta@buenosaires.gob.ar, válidas hasta una hora antes del comienzo de la función. Se suspende por lluvia

Ficha técnica

Elenco: Graciela Pal, Miguel Habud, Julia Calvo, Francisco Pesqueira, Mónica Salvador, Liliana Benard, Mari Cruz Utrera, Paco Ortega Ramos

La actuación especial del Cantaor Baldomero Cádiz

Y las cantantes de Copla Cintia Reina y Marian Cortes

Ballet Palma y Tacón:

Primer Bailarín Alexis Frank

Bailarinas Solistas Marysol Calvo y Mariana Vergara

Ambientación y Vestuario Kris Martínez

Música Original  Gabriel Espósito

Libro, Diseño Coreográfico y Dirección General  Jorge Mazzini

 

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Cisne o humana: por siempre amará

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ficha-el-lago-de-los-cisnes-inakiPensé una y otra vez cómo comenzar esta nota porque no es la primera vez que acudo a una función de El lago de los cisnes dirigida por Iñaki Urlezaga. No quise releer la nota anterior para no caer en comparaciones ni en hacer algo “mejor” a lo que pude haber hecho. Entonces decidí mencionar y hablar de sensaciones…

Porque ver una puesta de esta magnitud, con artistas tan brillantes y esta pieza musical sonando a lo largo de casi tres horas; producen tantas cosas que vale la pena enumerar como para que nadie se pierda la oportunidad de asistir a al menos una función en el futuro.

Desde lo más profundo de mi alma, adoro a los artistas de la estirpe de Iñaki. Lo adoro a él como ser humano por hacer todo lo que hace, por incluir en su ballet a jóvenes talentosos, por brindarles el honor de estar junto a él, de crecer junto a él. Aplaudo su sensibilidad, su humildad y grandeza, sus pasos definidos que marcan un antes y un después.

A lo largo del ballet se pudo observar a un grupo de bailarines que dieron todo de sí en el
escenario, que se convirtieron en cisnes blancos y negros, que danzaron unas eximias coreografías, que lucieron vestuarios súper distinguidos y que junto a la Orquesta Académica de Buenos Aires (la cual está dirigida por Carlos Calleja y Luis Belforte), hicieron de las partituras un vuelo deleitoso.

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Notas que se transformaron en escenas, en dramas, en romances y en todo lo que hiciera falta para que los espectadores viajemos a una historia tan impregnada en los corazones de quienes sonreímos y nos emocionamos hasta las lágrimas con la música clásica. Porque es uno de los pocos géneros que no precisan del canto para enaltecerlo.

Haciendo un poco de historia, el argumento del Lago de los cisnes estaría basado en un cuento alemán, titulado El velo robado (Der geraubte schleier) y el libreto fue escrito por Vladimir Petróvich Béguichev y Vasily Geltser.

Respecto de las partituras, fueron escritas por Piotr Tchaicovsky en el año 1875, para recién estrenarse en 1877 en el Teatro Bolshói de Moscú (Rusia). Según algunas referencias, la puesta en escena no fue muy notoria, motivo por el cual no tuvo buena crítica en sus comienzos. Tuvieron que pasar diez años desde su creación para que las coreógrafas Marius Petipa y Lev Ivanov hicieran varias reformas y así tuviera esta pieza de Tchacovsky el éxito rotundo que se merecía.

Siempre se dijo que los cuentos rusos conformaban la mejor literatura y pareciera ser que con este ballet puede estarse seguro de esto.

Desde el comienzo del drama se puede ver a una Odette (Gabriela Alberti) brillante, sensible, delicada, femenina, guerrera, apasionada y con cada vez mejor técnica si es que algo se puede remarcar de su excelencia tan pero tan notoria. Pero ella no es solo técnica, puntas y pasos de ballet sino una composición completa, una búsqueda hacia la esencia precisa de sus personajes que representa (en este caso tres). Con su gracia y la del gran Sigfrido (Iñaki) es que este cuento de hadas abre sus aguas para el juego escénico, permitiendo que disfrutemos y creamos en la magia al menos durante unas horas. Porque si de amor se trata, aquí puede vislumbrarse. Si de salvar a una bella joven es que también se tendrá esperanzas y todo lo malo pasará. Como esos cisnes negros que provocan angustia y dolor pero que, sin embargo, sabemos que se irán extinguiendo como la maldad que se reproduce hasta esfumarse por completo.

Cabe resaltar y no por adular al Ministerio de Desarrollo Social, pero ciertamente sin su apoyo no podría llevarse adelante este programa de funciones gratuitas que existen hace muchos años y que le dan la posibilidad a todos por igual a acceder a un producto artístico de excelencia y sin tener que abonar la entrada. Esto se agradece porque la ante última función estuvo repleta y con un aire renovador. Hay quienes se molestaban por los aplausos constantes y vivas voces de aliento. Y es que por instantes parecíamos estar en un estadio de fútbol y eso, permítanme decirles que es sensacional. La pasión en un ambiente tan elitista como el de la música clásica, sorprende, abruma y nos deja atónitos. Entonces, no es cierto que el ballet es para unos pocos: se pretende hacer creer una idea ilusa. El ballet es para todo aquel que tenga la oportunidad de ingresar y de vivenciar algo completamente distinto, que emociona de principio a fin, que pone la piel de gallina y que por más giros que den esos cisnes increíbles, jamás cansarán. Serán idénticos pero para nuestros ojos serán increíbles, no agotarán la mirada y darán ganas de recorrer los jardines del Palacio donde comienza la acción, siguiendo por los lagos y diferentes lugares. La tragedia se habrá apoderado de los amantes, quienes consiguen unirse en algún lugar de la eternidad pero habiéndolo dado todo hasta entonces.

Mariela Verónica Gagliardi

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13° Festival Enlaces de la Universidad de Tres de Febrero

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Durante el 2 y 3 de diciembre se podrá volver a disfrutar del festival organizado por alumnos de la universidad. Ya es el décimo tercer año consecutivo que diferentes carreras se unen para sacar a la luz lo mejor del arte, combinando distintas disciplinas como: cine, danza, tecnología, títeres, música y mucho más. Cabe resaltar que la entrada es libre y gratuita, así que no podrás tener excusas para vivir esta experiencia un año más. ¡A disfrutar!

Viernes 2 de Diciembre

19.00 – Taller de Cobertura Colaborativa Emergente

Sábado 3 de Diciembre

14 | Las siete maravillas: actividad para toda la familia | Arte y juego | Vereda

14  | Upando bebés | Lic. en Psicomotricidad | Encuentros I

14  | Instrumento II: Electrónicas y técnicas vocales | Lic. en Música | Encuentros II

14.30  | Cortos de Talleres de Cine y Ciudadanía (CUCA) | Proyección | Cine I

14.30  | Simultáneas de Ajedrez | Bar

15  | Muestra de la Escuela de Tango y Danzas Tradicionales de la UNTREF | Auditorio

15: 30 | EFEC | Primer Encuentro de Festivales de Cine | Encuentros II

15:30  | Muestra de Cine Callejero de la Ciudad de México | Proyección | Cine III

16  | Aguafiestas | Música para chicos | Auditorio

16  | Suena Literatura de Valeria Grossi | Performance | Cine II

16  | Tecnología sonora II | Performance sonora | Taller de electrónica

16  | Taller de fanzine con Jo Murúa | Visuales II

16.45  | Waorani de Luciano Nacci | Proyección. Corto | Cine I

17 | Función de Titeres | Feria

17 | Freak Crew, Wan Crew, Queenas + CUCA Breakin’ Crew | Hip Hop y Break Dance | Patio

17 | Despegarse de Gastón Amat | Proyección. Corto | Cine I

17 | Encuentro de Festivales Universitarios | Lic. en Gestión del Arte y la Cultura | Encuentros I

17  |  Estamos donde tenemos de Santiago Terigi | Performance sonora | Taller de electrónica

17.15  | Comunidad: LGBTIQ de Gonzalo Collado | Proyección |  Cine I

17.30  | Merienda poética de necesidad & urgencia | Café

17.40  |  Eliana Rosales | Performance sonora | Taller de electrónica

17.45  | Seres Parlantes | Música |  Auditorio

18  | Circo para toda la familia | Arte y Juego | Vereda

18  | Cortos presentados por EFEC  | Proyección | Cine II

18  | Ensamble Electrónico Hybrido | Performance sonora y musical | Taller de interactividad

18  | Taller de creación musical II: Concierto para una sola nota | Lic. en Música | Encuentros II

18.30  | Cortos de Animación | Proyección. Infantil | Cine I

18.45 | Palabras Vacías + Febrinejo | Intervención sonora | Escalera

19 | Máquinas de mirar | Arte y juego | Vereda

19 | El Laburante por Estudiantes del Bachillerato Popular Ejército de los Andes | Proyección. Corto | Cine I

19 | Tucumán por la Compañía de Funciones Patrióticas | Performance | Cine III

19.15 | Ensamble Kurtha | Música |  Auditorio

19.20  | Pibe Chorro de Andrea Testa | Proyección | Cine I

20:30 | Demoliendo Parches + Boombatuke + Bailarinxs De Civil | Percusión y Danza | Vereda

 

FIESTA

20.45 | Villa Diamante + Pato Smin & Alex Headuvan | Patio

21.45 | Mandatos por O.R.G.I.A | Intervención | Patio

22 | DJ Fico + VJ Dinastia Min | Patio

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Llantos de amor y esperanza

el-hombre-de-la-nariz-rota

ficha-el-hombre-de-la-nariz-rotaEl dramaturgo y actor Rolo Sosiuk decide llevar al teatro la vida de Auguste Rodin pero desde la mirada de su amante Camille Claudel. Es entonces cuando tendremos la oportunidad de ingresar en la intimidad de este escultor que no siempre fue reconocido por sus creaciones. El hombre de la nariz rota (dirigida por )es uno de dichos ejemplos en que el arte (y no su perfección) son dejados a un lado por parte de la sociedad.

Rolo Sosiuk será esa máscara que revivirá para recordar su existencia, para estar sin que nadie se de cuenta y pulular por cada rinconcito en busca de justicia.

Existe una fusión entre la danza y el teatro que da cuenta del mundo de la escultura. A su vez, así como el baile pretenderá un renacer, Camille será despojada de su lugar, de su profesión y encerrada en un manicomio para que se atormente cada uno de sus días.

Sufriendo de desamor, de tristeza, de promesas incumplidas y de una vida que no podrá llegar a este mundo; así es como esta pobre mujer es despojada de todo. Absolutamente todo.

No habrá caricias para ella que la cuiden, ni besos que la devuelvan a su cordura. ¿Existe quien no enloquezca en el encierro? ¿Existe quien no padezca cuando se lo desnuda por completo hasta de su interior?

Una actriz excelente interpreta a esta amante (Zuleika Esnal) y será lo que más relucirá a lo largo de la historia. El hombre de la nariz rota parece ser por momentos una dramaturgia bufa, luego un drama, más tarde una lectura sobre la danza clásica y después una forma de cambiar los errores.

Con una mirada aguda y punzante acerca de la elección de Rodin, -un hombre que parece no haber elegido lo que le dictaba su corazón sino lo que se le sirvió como plato en la mesa- y la fuerza que cobra lo afectivo tanto al momento de crear, como de amor y de morir lentamente.

Los segmentos de danza vendrían a ser la perfección, una perfección que no existió en la vida del escultor cuando hizo esta pieza artística, ni en la de su esposa ni en la de su amante, ni en la del hermano de ésta. Al fin de cuentas: ¿qué es lo perfecto? Pareciera ser que atrae lo “imperfecto”, lo distinto, lo que no siempre se puede describir con palabras y, sin embargo, apasiona.

Un amor que no pudo concretarse como los dos hubieran querido y que tuvieron que regalar por los aires, desplomándose por completo.

Cuando todo parezca deslumbrar, aparecerá una nube negra que detendrá tal satisfacción. Así fue la vida de esta mujer y el tormento que eligió atravesar. Quizás pueda sonar ridículo que una persona escoja el dolor antes que la felicidad y es que esta artista creería que su Rodin dejaría a su esposa por ella, como tantas veces se cree. Este conformismo e ilusión la hundieron, tanto pero tanto, que ya sus palabras solo resonaron en cuatro paredes, al mismo tiempo que sus lágrimas se expandieron y secaron todo corazón enamorado.

Su camino de discípula la enriqueció como escultora aunque su gran tormento fue el haberse fijado en un hombre como Auguste y no haber logrado la entereza para finalizar una relación en vez de sentir luego el agobio del abandono.

El retrato de Camille debe permanecer más vivo que nunca para que la violencia de género pase a la historia de una vez por todas, para que cada mujer golpeada, insultada, menospreciada y tratada como un pedazo de mierda se sienta identificada y no justifique la mano dura del hombre que la ejecuta.

Esta obra de teatro plantea a El hombre de la nariz rota como un abanico que se va abriendo, de a poco, y que pretende concientizar. Considero que hay que ver esta propuesta en que la mujer objeto-sujeto aparece y desaparece según la intención de los masculinos que se atreven a hacer “magia” con los cuerpos ajenos.

Una estética que nos lleva a al Siglo XIX y que nos pega un cachetazo al presente, recordándonos que el amor puede ser lo que permitamos que sea.

Mariela Verónica Gagliardi

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Entrevista a Alejandro Tantanián

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¿Cómo surge la iniciativa de tener una conversación con obras del Museo de Arte Moderno?

La idea en realidad surge a partir de que se cumplen este año, 2016, sesenta años de la existencia del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires; entonces una forma de vincular el ciclo El borde de sí mismo, conjuntamente con estos festejos, es que entre en diálogo con el Patrimonio del Museo. Por eso se le pidió a cada uno de los artistas convocados que se vinculasen con una o más obras del Patrimonio del Museo y en ese diálogo, en esa tensión, en ese borde entre la obra elegida y la propia estética, construir un trabajo que de cuenta de esa relación.

¿Qué se siente al mantener un diálogo desde el arte escénico? ¿Qué sensaciones surgen?

La idea de poder trabajar con las experiencias de orden performático (vinculadas al arte del espectáculo) y las artes visuales tiene que ver un poco con el espíritu del ciclo que lo que intenta es ir construyendo una reflexión entre las artes visuales y las artes performáticas o artes del espectáculo. En este caso también incluimos la danza y el cine en la figura de Diana Szeinblum, la figura de Santiago Loza (que, si bien también es autor teatral, en este caso trabaja específicamente desde su rol de director de cine, para poder dialogar con las obras del Patrimonio.

¿Cada artista eligió su obra o la selección fue azarosa?

La obra elegida por cada uno de los artistas tuvo que ver con pedidos muy expresos por parte de los artistas y también un diálogo que tuvieron con la curaduría de artes visuales del Museo, con Sofía Dourron, con Javier Villa; que, a partir de determinadas obsesiones, o imágenes o vínculos de cada uno de los artistas convocados, ellos interpretaban (la curaduría) esas necesidades y les sugerían obras posibles que entrasen en diálogo o fricción con ese tema, con esas obsesiones, en sí esas imágenes que los artistas convocados proponían.

¿Cuánto tiempo le llevó, estimativamente, a cada artista concretar su consigna para esta segunda edición?

El trabajo de convocatoria empezó, más o menos, por abril; por lo cual son unos seis meses los que llevó el trabajo. Primero se convocó a los cuatro artistas, se les explicó el proyecto y una vez que aceptaron, entraron en contacto con la curaduría del museo para elegir las obras sobre las cuales trabajarían (eso fue más o menos un mes), entonces quedaron entre cuatro y cinco meses de trabajo concreto de cada uno de los artistas de los materiales elegidos.

¿Considerás que este tipo de propuesta podrían ir despertando a los museos y creando mayores incentivos para que la gente se acerque más frecuentemente?

Yo lo que creo es que los Museos, hoy por hoy, son instituciones más bien lábiles, perforadas, en el sentido de que pueda vincularse cualquier expresión artística. Me parece que un Museo que se llame Contemporáneo y, en este caso un Museo de Arte Moderno, necesariamente tiene que empezar a trabajar sobre los bordes y sobre los desbordes y sobre los derrames de las estéticas de las artes visuales y confluir en otras disciplinas, por lo cual esto también permite cierta flexibilidad y cierta ampliación, obviamente, del público.

Lo que nos propusimos con este ciclo, que se inició el año pasado, fue ampliar la convocatoria del propio museo al público consumidor de teatro de Buenos Aires (que es un público alto); es una gran cantidad de personas que asisten al teatro en general, por lo cual nos parecía que era muy atendible plantear un ciclo que vinculase el teatro (las artes escénicas) con las artes visuales y eso también permitiera a un montón de gente que por ahí no se acerca a los museos, empezar a hacerlo. Y bueno, la verdad que el primer ciclo fue muy exitoso y por eso fue la idea de extender o de tener una segunda edición que es la que estamos llevando a cabo en este año.

Una magnífica idea donde las formas se mezclan con la danza, el teatro y el séptimo arte. ¿Cómo será el resultado de este año, qué es lo que se espera?

La idea del resultado es siempre una incógnita. A mí me interesa mucho, desde la curaduría, darles el espacio para que puedan probar cosas que por ahí no podrían probar en otros ámbitos, o sea, ensayar algunas cuestiones, equivocarse, buscar. Me parece que tiene que ser un espacio de riesgo y de búsqueda para que eso también sea atractivo para los propios artistas -ya que la iniciativa está muy vinculada a eso, a pensar en cuestiones vinculadas al ensayo y al error-. De hecho, el año pasado, planteamos claramente el ciclo como ensayo entre el teatro y las artes visuales. Este año se amplía un poco más -hay otras disciplinas, además del teatro-. Está, como dije antes: la danza y el cine, pero también en relación con las artes visuales (en ese diálogo, que para mí, es algo muy fructífero y que permite (como dije antes también) la presencia de otro tipo de público en los museos.

¿Alguna recomendación para el público que no haya asistido a la primera edición?

La recomendación que podemos hacerle al público es que se acerque. Las entradas están muy accesibles, salen $50; y eso también incluye la posibilidad de visitar todas las exhibiciones del museo (además de ir a ver estrictamente la función que cada uno elija). Esto puede hacerse en la boletería del Museo (en San Juan 350), o también en Alternativa Teatral (www.alternativateatral.com) y ahí buscan el evento “El borde de sí mismo”, segunda edición y pueden comprar la entrada para el día que quieran. Esto arranca ya el viernes 21 de Octubre y se extiende hasta el domingo 20 de Noviembre, a razón de una obra por semana de los cuatro artistas convocados: Diana Szeinblum, Analía Couceyro, Santiago Loza y Mariano Tenconi Blanco (en ese orden). Y, en la quinta semana, que es la última, vamos a hacer una charla en el Auditorio del Museo (el día viernes 18) y el fin de semana (19 y 20) presentamos las cuatro obras de corrido. El sábado hacemos dos obras y el domingo dos obras. Las funciones son siempre los viernes a las 20 hs y sábados y domingos a las 16 y a las 18 hs. Bueno, los esperamos a todos en el Museo de Arte Moderno en esta Segunda Edición del Borde de sí mismo.

Mariela Verónica Gagliardi

 

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