*** Noviembre 2019 ***

Entradas etiquetadas como ‘Federico González del Pino’

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Después de casa de muñecas

Después de casa de muñecas¿Cuánto vale ser fiel a una misma?

Paola Krum y Jorge Suárez protagonizarán, junto a Julia Calvo, el estreno en Buenos Aires de DESPUES DE CASA DE MUÑECAS, la nueva obra del autor norteamericano Lucas Hnath, en versión de Fernando Masllorens y Federico González del Pino, con dirección de Javier Daulte y producción general de Pablo Kompel. El elenco se completa con la presentación de Laura Grandinetti. El estreno de DESPUES DE CASA DE MUÑECAS será el 6 de abril de 2019, en la Sala Pablo Picasso del Paseo La Plaza, Av. Corrientes 1660, CABA.

¿Quién golpea la puerta? Nora (Paola Krum) ha regresado, 15 años después de haber dado el portazo y abandonado a su familia en la escena final de la obra más revolucionaria del afamado dramaturgo noruego Henrik Ibsen. Fiel a su deseo, Nora se ha convertido en una tan famosa como controvertida escritora, que sufre la extorsión de un juez que puede implicarle caer en prisión a menos que consiga la ayuda de su esposo abandonado Torvald (Jorge Suárez), su hija ya convertida en joven mujer (Laura Grandinetti) e incluso de la estoica nana (Julia Calvo), quien se ocupó de cuidar a sus hijos luego de su partida intempestiva. Nora tiene sus urgencias pero claro, su familia tiene también varios asuntos pendientes con ella ….

Nominada a 7 Premios Tony, DESPUES DE CASA DE MUÑECAS, batió el record como la obra llevada a escena en la mayor cantidad de teatros (27) en Estados Unidos durante la temporada 2018, convirtiéndose en una experiencia teatral de visión imprescindible y de una actualidad contundente, que confronta nuestras ideas y preconceptos sobre de que hablamos cuando hablamos de la igualdad de derechos de la mujer – (y del hombre); y que explora la valentía, el costo emocional y las responsabilidades que implica tomar decisiones siendo fiel a una misma/o.

IMPORTANTE

No es necesario estar familiarizado ni haber visto previamente el clásico de Ibsen Casa de Muñecas para comprender y disfrutar de esta nueva obra, ya que la trama tiene su propia entidad y desarrollo.

El equipo creativo de DESPUÉS DE CASA DE MUÑECAS se completa con el diseño de escenografía de Alicia Leloutre y Julieta Kompel, el diseño de vestuario de Ana Markarian y el diseño de luces de Sebastián Francia.

Comenta Lucas Hnath, autor: “Todos los temas que se discutían y argumentaban en “Casa de Muñecas” de Ibsen son en sí tópicos que aún se discuten y debaten en la actualidad. Así que una de las primeras ideas que tuve para escribir “Después de Casa de Muñecas” fue indagar que tanto y que tan poco ha cambiado nuestra sociedad en términos de la igualdad entre hombres y mujeres. Acompañé la escritura leyendo mucho a Charlotte Perkins Gilman, la escritora del cuento “The Yellow Wallpaper” (La Pared de Papel Amarillo) publicado originalmente por primera vez en 1892. Ella escribió sobre una incipiente teoría feminista y tenía una opinión interesante: cuando mencionamos conceptos como la enseñanza escolar, la enfermería y los roles de asistencia en una oficina – ella enumeraba una larga lista de ocupaciones – lo primero que visualizamos son a mujeres en esos roles. Ella elaboraba su idea esperando que llegara el día en que esos roles pudieran ser nombrados y que la primera imagen que se asocie a éstas no fuera más el de una mujer. En cierto momento de mi escritura, invité a varias académicas a echar una leída al libreto y argumentar en contra de todo lo que los personajes decían. Una de las preguntas que les hice fue, “El final de Casa de Muñecas, en que Nora abandona a sus hijos, fue impactante en su momento. Pero si esa obra si escribiese hoy, qué sería un final igual de impactante?” La respuesta fue, “Bueno, ese sigue siendo un final impactante! Sigue siendo algo absolutamente impensado!”. Escuchar esto me ayudó, ya que mientras escribía esta obra me estaba volviendo bastante insensible al shock. Las primeras versiones de mi obra tenían varias posturas y opiniones que algunas académicas pensaban que cruzaban una raya; así que por ejemplo tomé varias de sus críticas hacia el personaje de Nora y se las di en palabras a otros personajes, expandiendo y elevando la discusión. En síntesis, mi interés en los temas y las opiniones divergentes que se presentan en esta obra no tienen una clara relación con mis propias creencias y posturas, sino con aquellas que precisamente me interesan porque no logro comprenderlas o aceptarlas.”

Comenta Javier Daulte, director: “Ser fiel a una misma. ¿Cuáles son los actos que implica poner en práctica esa afirmación? Cada persona, tarde o temprano se hace o debería hacerse esa pregunta. Se trata de actos muchas veces incómodos. Porque ser fiel a la voz propia puede entrar en contradicción con costumbres y reglas demasiado arraigadas. Pero el precio de desoírla es caro: lleva a que nuestras vidas dejen de pertenecernos. Nora está de regreso. No es la misma persona que abandonó a su familia hace 15 años. Nuestra cultura en nuestra época, ya no condena como en otros tiempos a una mujer que deja a su cónyuge. ¿Pero a la que abandona a sus hijos? Después de Casa de muñecas desarrolla con crudeza y piedad estas premisas, e invita, tanto a hombres como mujeres, a reflexionar acerca de nuestro grado de sumisión ante los mandatos familiares y culturales en cuyo marco crecimos y fuimos educados.”

Autoría: Lucas Hnath

Versión: Federico González Del Pino, Fernando Masllorens

Traducción: Federico González Del Pino, Fernando Masllorens

Actúan: Julia Calvo, Laura Grandinetti, Paola Krum, Jorge Suárez

Montaje: Jorge H Pérez Mascali

Diseño de vestuario: Ana Markarian

Diseño de escenografía: Julieta Kompel, Alicia Leloutre

Diseño de luces: Sebastián Francia

Audiovisuales: Milwatss

Stage Manager: Guido Losantos

Vestidores: Héctor Ferreyra

Fotografía: Alejandra López

Comunicación visual: Gabriela Kogan

Comunicación Digital: Bushi Contenidos

Asistencia de dirección: Guido Losantos

Productor asistente: Nicolas Kompel

Prensa: SMW

Producción gráfica: Romina Juejati

Producción ejecutiva: Javier Madou

Producción general: Pablo Kompel

Dirección de Producción: Ariel Stolier

Supervisión de sonido: Pablo Abal

Dirección técnica: Jorge H Pérez Mascali

Dirección: Javier Daulte

Clasificaciones: Teatro, Adultos

PASEO LA PLAZA

Av Corrientes 1660 – CABA

Teléfonos: 6320-5350

Web: http://www.paseolaplaza.com.ar

Domingo – 19 hs

Miércoles, Jueves, Viernes y Sábado – 20 hs

 

 

 

 

 

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Sugar, en el Teatro Neptuno

sugar

En 1986 se estrenó uno de los mayores sucesos que hizo Susana Giménez en teatro: Sugar. Fue segunda comedia musical, luego de aquel exitazo que fue La mujer del año.

La estrenó junto con Arturo Puig y Ricardo Darín en los papeles protagónicos, quienes sorprendieron a todos cantando y hasta haciendo zapateo americano.

Fue un gran éxito que duró tres temporadas, costó 500.000 dólares que fueron amortizados de inmediato y demandó seis meses de ensayos.

El elenco lo completaban Gogó Andreu, Norma Pons, Roberto Catarineu, y en el elenco bailaba una jovencita llamada Karina Moccio (hoy Karina K).

Sugar está basada en la película Una Eva y dos Adanes, que en 1959 protagonizaron Marilyn Monroe, Jack Lemmon y Tony Curtis.

Cuenta las peripecias de Joe y Jerry, dos músicos callejeros que presencian la masacre de San Valentín, en Chicago, y lo único que pretenden hacer es huir de la ciudad para no ser atrapados por las pandillas de Polainas y del Sucio Norton.

En el Spats Palazzos actúa una banda musical femenina: Pandora y sus Chicas Ardorosas. Para no ser descubiertos, Joe y Jerry se disfrazan de mujeres y consiguen que los contrate la orquesta de chicas. Así es como viajan a Miami, entre amores confusos y persecuciones de gángsters

Ficha artístico-técnica

Libro: Peter Stone

Versión: Federico González Del Pino, Fernando Masllorens, Mario Morgan

Traducción: Federico González Del Pino, Fernando Masllorens, Mario Morgan

Actúan: Gipsy Bonafina, Evangelina Bourbon, Ezequiel Carrone, Roberto Catarineu, Romina Cecchettini, Vico D´alessandro, Federico D’elía, Laurita Fernández, Ariel Juin, Pablo Juin, Julia Montiliengo, Rodrigo Pedreira, Rodolfo Santamarina, Nicolás Tadioli, Leo Trento, Nicolás Villalba, Florencia Viterbo

Diseño de vestuario: Renata Schussheim

Diseño de escenografía: Alberto Negrín

Diseño de luces: Mariano Demaría

Asistencia de dirección: Max Otranto

Producción general: Rgb Entertaiment

Diseño de coreografia: Gustavo Wons

Dirección musical: Gerardo Gardelín

Dirección: Arturo Puig

Clasificaciones: Musical, Teatro, Adultos

NEPTUNO

Santa Fe 1751 (mapa)

Mar del Plata – Buenos Aires – Argentina

Teléfonos: (54 223) 494-3302

Entradas desde: $ 700,00 – Domingo y Sábado – 21:00 hs – Hasta el 23/02/2019

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Sin filtro, dirigida por Marcos Carnevale

sin filtro

“No hay ninguna razón para tener miedo. Bueno, ‘miedo’ es como un poco exagerado, no? Inquietud. Digamos que lo que me inquieta es lo que tengo para decir. Porque sé cómo va a reaccionar. No; miedo no es. Es inquietud. Esa es la palabra. Inquietud”.

En SIN FILTRO, Gabriel Goity y Carola Reyna componen a un matrimonio “inalterable” que invita a cenar a un amigo de toda la vida; flamante divorciado él, quien llega acompañado por su reciente conquista. Dos parejas de amigos que por momentos dicen todo lo que piensan y por momentos piensan todo lo que no dicen; ante la atenta escucha y mirada del público que gracias a la magia del teatro – lo sabrá todo. Pronto, la noche se transformará en un juego de mentiras piadosas, verdades maquilladas, enredos y descubrimientos inesperados. Nada tan alejado de la realidad: ¿Acaso lo que pensamos y lo que decimos son necesariamente lo mismo?

Comenta Marcos Carnevale, director: Florian Zeller nos propone visitar el detrás del escenario; una zona que casi nunca es agradable de ver. SIN FILTRO es una invitación a derribar las máscaras. ¿Cuánto de lo que decimos es verdaderamente lo que queremos decir? Muy poco. La verdad siempre ofende, entonces decimos lo que se espera que digamos, aunque muchas veces no sea verdad. Esta obra es un experimento sumamente atractivo en la que los personajes nos muestran lo que dicen y lo que realmente quieren decir. Un genial juego donde se expone de manera brutal la hipocresía de la que somos capaces con tal de contentar al alto, no alterar el cómodo orden establecido y seguir siendo aceptados. Todos nos esforzamos para que nos quieran aun cuando tengamos que ocultar lo que realmente somos o sentimos y mostrarnos tal como los otros quieren vernos. Pero tarde o temprano la verdad siempre nos gana.

Comenta Fernando Masllorens y Federico González del Pino (autores de la versión en castellano): Las obras de Zeller suelen tener un tono cómico que no renuncia a momentos más tensos que precisamente encuentran su distensión en un arranque de humor, un humor nunca fácil. Podríamos decir que muchos de sus textos son “neo vodeviles” que hablan fundamentalmente del juego amoroso, de la dificultad de relacionarse, tanto en pareja como con los amigos, de las múltiples caras de la soledad. Es un autor que usa con maestría el diálogo rápido y picado, de frases cortas, precisas, muchas veces contundentes.. Lo importante no suele ser la anécdota de la función, que no sirve más que para desencadenar la acción. Lo importante en sus obras son las consecuencias de esa historia que se plantea inicialmente y cómo influyen en las relaciones humanas. No son obras moralistas; el autor no se posiciona, sino que expone las diversas posturas a través de los personajes y es el espectador el que va haciendo su propio juicio, que -y esto es muy característico del teatro de Zeller- cambia a medida que avanzan las acciones. Eso hace que el público no deja de cuestionarse acerca de lo que ve y oye. Zeller es el dramaturgo francés vivo más representado fuera de su país. Además de ver estrenadas obras suyas en Alemania o en Suecia, las mecas teatrales de Europa y Norteamérica, o sea, Londres y Nueva York, lo han recibido con los brazos abiertos y la crítica le ha consagrado como un autor fundamental y también Brazil, Mexico, Perú, Chile, Argentina y Uruguay. Tanto es así que The Guardian dijo que Zeller es “el autor teatral más apasionante de nuestra época”. Por su parte, el mítico semanario francés L’Express ha dicho directamente que hoy es el mejor dramaturgo francés.

Ficha artístico-técnica

Autoría: Florian Zeller

Versión: Federico González Del Pino, Fernando Masllorens

Traducción: Federico González Del Pino, Fernando Masllorens

Actúan: Gabriel Goity, Carola Reyna, Carlos Santamaria, Muni Seligmann

Diseño de vestuario: Ana Markarian

Diseño de escenografía: Alicia Leloutre

Diseño de luces: Matías Sendón

Audiovisuales: Milwatss

Stage Manager: Florencia Ravera

Vestidores: Héctor Ferreyra

Fotografía: Alejandra López

Comunicación visual: Gabriela Kogan

Comunicación Digital: Bushi Contenidos

Asistencia de escenografía: José Escobar, Julieta Kompel

Asistencia de iluminación: Adrián Grimozzi

Asistencia de vestuario: Lara Blisniuk, Sonia Lifchitz

Asistencia de dirección: Florencia Ravera

Prensa: Prensa Smw

Producción gráfica: Romina Juejati

Producción ejecutiva: Damián Zaga

Producción general: Ricardo Hornos, Pablo Kompel

Dirección de Producción: Ariel Stolier

Dirección técnica: Jorge H Pérez Mascali

Dirección: Marcos Carnevale

Clasificaciones: Comedia, Adultos

PASEO LA PLAZA

Av Corrientes 1660 (mapa) – C.A.B.A. – Argentina

Teléfonos: 6320-5350

Web: http://www.paseolaplaza.com.ar

Entradas desde: $ 600,00 – Domingo – 19:00 hs

Entradas desde: $ 600,00 – Miércoles – 20:30 hs

Entradas desde: $ 600,00 – Jueves y Sábado – 22:00 hs

Entradas desde: $ 600,00 – Viernes – 20:00 hs

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Sin filtro,con Gabriel Goity y Carola Reyna

sin filtro

“No hay ninguna razón para tener miedo. Bueno, ‘miedo’ es como un poco exagerado, no? Inquietud. Digamos que lo que me inquieta es lo que tengo para decir. Porque sé cómo va a reaccionar. No; miedo no es. Es inquietud. Esa es la palabra. Inquietud.”

En SIN FILTRO, Gabriel Goity y Carola Reyna componen a un matrimonio “inalterable” que invita a cenar a un amigo de toda la vida; flamante divorciado él, quien llega acompañado por su reciente conquista. Dos parejas de amigos que por momentos dicen todo lo que piensan y por momentos piensan todo lo que no dicen; ante la atenta escucha y mirada del público que gracias a la magia del teatro – lo sabrá todo. Pronto, la noche se transformará en un juego de mentiras piadosas, verdades maquilladas, enredos y descubrimientos inesperados. Nada tan alejado de la realidad: ¿Acaso lo que pensamos y lo que decimos son necesariamente lo mismo?

Comenta Marcos Carnevale, director: Florian Zeller nos propone visitar el detrás del escenario; una zona que casi nunca es agradable de ver. SIN FILTRO es una invitación a derribar las máscaras. ¿Cuánto de lo que decimos es verdaderamente lo que queremos decir? Muy poco. La verdad siempre ofende, entonces decimos lo que se espera que digamos, aunque muchas veces no sea verdad. Esta obra es un experimento sumamente atractivo en la que los personajes nos muestran lo que dicen y lo que realmente quieren decir. Un genial juego donde se expone de manera brutal la hipocresía de la que somos capaces con tal de contentar al alto, no alterar el cómodo orden establecido y seguir siendo aceptados. Todos nos esforzamos para que nos quieran aun cuando tengamos que ocultar lo que realmente somos o sentimos y mostrarnos tal como los otros quieren vernos. Pero tarde o temprano la verdad siempre nos gana.

Comenta Fernando Masllorens y Federico González del Pino (autores de la versión en castellano): Las obras de Zeller suelen tener un tono cómico que no renuncia a momentos más tensos que precisamente encuentran su distensión en un arranque de humor, un humor nunca fácil. Podríamos decir que muchos de sus textos son “neo vodeviles” que hablan fundamentalmente del juego amoroso, de la dificultad de relacionarse, tanto en pareja como con los amigos, de las múltiples caras de la soledad. Es un autor que usa con maestría el diálogo rápido y picado, de frases cortas, precisas, muchas veces contundentes.. Lo importante no suele ser la anécdota de la función, que no sirve más que para desencadenar la acción. Lo importante en sus obras son las consecuencias de esa historia que se plantea inicialmente y cómo influyen en las relaciones humanas. No son obras moralistas; el autor no se posiciona, sino que expone las diversas posturas a través de los personajes y es el espectador el que va haciendo su propio juicio, que -y esto es muy característico del teatro de Zeller- cambia a medida que avanzan las acciones. Eso hace que el público no deja de cuestionarse acerca de lo que ve y oye. Zeller es el dramaturgo francés vivo más representado fuera de su país. Además de ver estrenadas obras suyas en Alemania o en Suecia, las mecas teatrales de Europa y Norteamérica, o sea, Londres y Nueva York, lo han recibido con los brazos abiertos y la crítica le ha consagrado como un autor fundamental y también Brazil, Mexico, Perú, Chile, Argentina y Uruguay. Tanto es así que The Guardian dijo que Zeller es “el autor teatral más apasionante de nuestra época”. Por su parte, el mítico semanario francés L’ Express ha dicho directamente que hoy es el mejor dramaturgo francés.

Ficha artístico-técnica

Autoría: Florian Zeller

Versión: Federico González Del Pino, Fernando Masllorens

Traducción: Federico González Del Pino, Fernando Masllorens

Actúan: Gabriel Goity, Carola Reyna, Carlos Santamaria, Muni Seligmann

Diseño de vestuario: Ana Markarian

Diseño de escenografía: Alicia Leloutre

Diseño de luces: Matías Sendón

Audiovisuales: Milwatss

Stage Manager: Florencia Ravera

Vestidores: Héctor Ferreyra

Fotografía: Alejandra López

Comunicación visual: Gabriela Kogan

Comunicación Digital: Bushi Contenidos

Asistencia de escenografía: José Escobar, Julieta Kompel

Asistencia de iluminación: Adrián Grimozzi

Asistencia de vestuario: Lara Blisniuk, Sonia Lifchitz

Asistencia de dirección: Florencia Ravera

Prensa: Smw

Producción gráfica: Romina Juejati

Producción ejecutiva: Damián Zaga

Producción general: Ricardo Hornos, Pablo Kompel

Dirección de Producción: Ariel Stolier

Dirección técnica: Jorge H Pérez Mascali

Dirección: Marcos Carnevale

Clasificaciones: Comedia, Adultos

Duración: 90 minutos

PASEO LA PLAZA

Av Corrientes 1660 (mapa) – C.A.B.A. – Argentina

Teléfonos: 6320-5350

Web: http://www.paseolaplaza.com.ar

Entradas: $ 800,00 – $900 Domingo – 19:00 hs

Entradas: $ 800,00 – $900 Miércoles – 20:30 hs

Entradas: $ 800,00 – $900 Jueves y Sábado – 22:00 hs

Entradas: $ 800,00 – $900 Viernes – 20:00 hs

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Chorus line, dirigida por Ricky Pashkus

chorus-line

Con Producción de Javier Faroni y dirección general de Ricky Pashkus, llega el 9 de enero al Teatro Maipo el multipremiado musical de Broadway: “Chorus Line”. El elenco está integrado por: Laura Conforte, Martín Ruiz, Sofía Pachano, Gustavo Wons, Jessica Abouchian, Mariana Barcia, Evelyn Basile, Menelik Cambiaso, Juan Martín Delgado, Nicolás Di Pace, Clara Lanzani, Martina Loyato, Juan José Marco, Emi Obrn, Matías Prieto Peccia, Nicolás Repetto y Mariu Fernández.

“Chorus Line” es un musical sobre un selecto y talentoso grupo de artistas que participan de la audición para ser parte de un importante musical; se eligirá la línea de coro, el ensamble, para lo cual deberán dar lo major y más aún. Deberán bailar, cantar y actuar, pero además abrir sus corazones, pues así se los pedirá el exigente director.

La trama muestra las personalidades de los bailarines y del director y coreógrafo del show, a medida que ellos nos cuentan los eventos que moldearon sus vidas y las decisiones que los hicieron bailarines. Una valiosa muestra de talento que movilizará el corazón y expresará sobre todo que… seguir nuestros deseos es la opción esencial sobre todo en estas épocas de crisis.

Creado, dirigido y coreografiado por Michael Bennett, el libreto de la pieza fue escrito por James Kirkwood Jr. y Nicholas Dante, la letra por Edward Kleban y la música por Marvin Hamlilsch. Llevado a los escenarios en abril de 1975, se hizo uno de los grandes fenómenos de público y de crítica en Estados Unidos y en el resto del mundo, permaneciendo cerca de quince años ininterrumpidamente en cartel en Broadway.

El éxito sin precedentes que conquistó desde su estreno hizo con que fuera nominado para doce premios Tony, de los cuales ganó nueve, además del Premio Pulitzer para Drama de 1976. Fenómeno también de taquilla, recaudando cerca de US$ 277 millones a través de la venta de más de 6,5 millones de entradas, y siendo el espectáculo de más larga duración en la historia de la Broadway hasta salir de cartel en 1990. Hasta hoy es el musical de mayor duración producido originalmente en Estados Unidos.

“Chorus Line” produjo centenares de montajes alrededor del mundo por más de treinta años y tuvo un relanzamiento en Broadway en 2006, dieciséis años después del cierre y treinta y un años después del original. Presentado entre octubre de 2006 y agosto de 2008, el musical volvió a conquistar popularidad entre la nueva generación, recuperando su inversión inicial de US$ 8 millones en sólo diecinueve semanas, además de ser nominado a varios premios Tony.

Ficha artístico-técnica

Libro: Nicholas Dante, James Kirkwood Jr

Adaptación: Federico González Del Pino, Fernando Masllorens

Actúan: Jésica Abouchian, Mariana Barcia, Evelyn Basile, Menelik Cambiaso, Laura Conforte, Juan Martín Delgado, Nicolás Di Pace, Mariu Fernández, Clara Lanzani, Martina Loyato, Juan José Marco, Emi Obrn, Sofía Pachano, Matías Prieto Peccia, Nicolás Repetto, Martín Ruiz, Gustavo Wons

Diseño de vestuario: Pablo Battaglia

Diseño de escenografía: José Ponce Aragón

Diseño de luces: Marcelo Cuervo

Diseño De Sonido: Gastón Brisky

Música: Marvin Hamlisch

Letras de musicales: Edward Kleban

Prensa: Tommy Pashkus, Martina Valía

Producción general: Javier Faroni

Coreografía: Gustavo Wons

Dirección musical: Gaspar Scabuzzo

Dirección vocal: Matías Ibarra

Dirección general: Ricky Pashkus

Clasificaciones: Musical, Teatro, Adultos

TEATRO MAIPO

Esmeralda 443 (mapa) – C.A.B.A. – Argentina

Teléfonos: 5352-8383

Web: http://www.maipo.com.ar

Domingo – 20:30 hs – Desde el 09/01/2019 

Miércoles, Jueves y Viernes – 21:00 hs – Desde el 09/01/2019 

Sábado – 20:00 hs y 22:15 hs – Desde el 09/01/2019 

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Identidad compartida

Casa Valentina

Ficha Casa ValentinaSin lugar a dudas que José María Muscari sabe hacer reír reflexionando a la vez, refiriéndose a temáticas vigentes y realizando una bajada de línea interesante para llevar a cabo su arte.

De repente, van ingresando, solemnemente, cada una de las figuras que compondrán el elenco de Casa Valentina (de Harvey Fierstein, con versión de Fernando Masllorens y Federico González del Pino) y, como público, nos podemos dar una idea de cómo será la obra de teatro. Y un subtitulado que aparece en dos pantallas, nos ubican en tiempo y espacio. Estamos allá por la década del 70´ en que se consideraba a la homosexualidad como una enfermedad. Y, actualmente, si bien se sabe que no es una enfermedad, sino que la homosexualidad depende de muchísimos factores -entre los que ingresa la elección-, cierto sector conservador continúa aseverando que ser gay es sinónimo de tener problemas de desviación sexual.

A la casa de Valentina ingresarán sus amigos desde hace años y un nuevo integrante un tanto inseguro de la decisión que tendrá que tomar. Y es que lo que comenzó para varios como un juego, después de un tiempo se convirtió en una elección personal y espiritual.

¿Por qué deben dar explicaciones sobre su aspecto físico, sobre el color de la peluca que deciden ponerse en la cabeza, los tacos o el vestido a tono que más les guste lucir?

Seguimos teniendo una sociedad bastante retrógrada y enfermiza que, en gran parte, está convencida de que el travestismo es un show para pasarla bien, hombres disfrazados de mujeres. ¿Acaso un heterosexual justifica cada uno de sus pasos?

Esta comedia contiene comicidad y drama, momentos para entretenerse con la música y diálogos -establecidos en esta especie de asociación que dará una lección de vida a quienes estén abiertos y dispuestos a escucharla-; y, el plus de tener la dirección de Muscari -quien tiene un don para hacer comedias entretenidas-.

Cada personaje está muy bien caracterizado, desde su atuendo hasta maquillaje y expresividad; pero quien resalta notablemente es Fabián Vena. Después de haber visto sus trabajos, a lo largo de los años, éste es, verdaderamente, increíble. Consiguió inmiscuirse en la piel de una mujer, sentir como mujer, moverse como tal e incluso tener la histeria necesaria para simular femineidad.

Casa Valentina2

Sorprenden, erotizan y cautivan estos artistas que decidieron escribir una historia en tiempo real, conmoviendo con la profundidad de sus palabras, la valentía para afrontar la realidad y sobrepasarla cuando sea necesario. Así será como sus roles diversos irán impregnándose en toda la sala del Teatro Picadilly para que nos sintamos parte de esta gran propuesta, en la que solo es preciso abrir los ojos y demás sentidos para observar la enamorada del muro y los banderines de colores que decoran la mansión que hospedará a sus huéspedes por un intenso fin de semana.

Existen varios puntos para reflexionar y concientizar, pero lo más certero es que cada espectador se lleve el mensaje que quiera, que pueda optar por divertirse un rato o sentir el código establecido por estas paredes que hablan, que se quejan, que ruegan, que se desbordan, que piden auxilio y piedad. La libertad es la verdad más grande de la Casa Valentina que está integrada, además, por María Leal y Mariela Asensio, con dos papeles muy controversiales y dentro de los que consiguen lucirse y dejar una impronta muy fuerte en el escenario y la historia.

¡¿Qué interesa un rouge o una máscara de pestañas cuando ellos desean ser ellas?! ¿O, acaso la vida debe ser una infinidad de argumentaciones interminables que desencadenen solo cuando el silencio acapare por completo la inmensidad del espacio?

En tan solo un fin de semana, algunos aprovecharán el tiempo para decidir si prolongar su libertad o volver al seno familiar en el que deberán ocupar el lugar que, supuestamente, deben ocupar.

Quizás lo más interesante de la dramaturgia sea que no existe un blanco o un negro sino un blanco y un negro, la posibilidad de elegir ser un día mujer y otro día hombre, por un momento reina y luego marido. Desde esta arista es que el autor focaliza y se posiciona para que el debate pueda existir en las mentes de los espectadores durante la función y una vez finalizada ésta. Tal vez sea este el punto de equilibrio que muchos estén buscando hace tiempo y, hoy, comience su verdadero camino.

Mariela Verónica Gagliardi

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Negar la realidad no la vuelve diferente

Tribus

Los argumentos sobre conflictos familiares suelen tener bastante protagonismo en las dramaturgias teatrales, así como la manera en que se resuelven dichos problemas en tono de comedia dramática.

En este caso, Tribus (escrita por Nina Raine y dirigida por Claudio Tolcachir) expone a una familia tradicional, pero con cuestiones pasadas que realmente no han quedado en el pasado. Como si hubieran pretendido olvidar las voces que pedían auxilio o las problemáticas de ciertos miembros de la familia o, aún más profundo, el poder de unos sobre otros, los mandatos que se repiten, se internalizan y continúan sin siquiera replantearse su eficacia.

Dentro de esta casa se pueden observar muchos libros y espacio para moverse, trasladarse y debatir acerca de quién es cada uno.

Tribus que admiran a oriente u occidente, que pretenden copiar culturas totalmente opuestas, y adaptar modelos a personas sin debatir acerca de su lugar en el mundo.

Lo que más llama la atención es la ceguera y sordera para asimilar lo que le ocurre al “otro”, la necesidad y simpleza con que la mayoría prosigue su rutina evadiendo el dolor ajeno.

Podrá hablarse mucho de integración, de discapacidades, de capacidades diferentes y de inclusión; olvidando que cada uno es diferente y cada uno tiene propósitos determinados, siendo en general el más frecuente: la felicidad.

Disimular un problema no lo hace disolver, sino que en algún momento se convierte en un fantasma demasiado poderoso como para combatirlo sin secuelas. Un joven que es sordo y que es tratado como si no lo fuera es la mayor evidencia de la problemática que sufre esta familia, de todo lo que pretenden esconder sin importar cuan sometida se pueda sentir la víctima.

La frase tan famosa que dice “hicimos lo mejor” se torna fundamental para el argumento de la obra, y el roce entre uno y otro resulta ser el modo que encuentran de que todo explote y pueda tomar el rumbo más adecuado y sano.

En verdad, existe un desgaste de hace tiempo al que se someten, incansablemente, sin siempre darse cuenta de ello. El factor que hace detonar la situación reinante es la aparición de un tercero que inculcara otra mirada respecto de la vida.

Tribus, clanes, estilos, formas, similitudes, modelos a seguir; terminan siendo sinónimos en algún punto.

El elenco es muy bueno y talentoso, consiguiendo interpretar personajes encantadores con los que podremos identificarnos como público. En cuanto al argumento, no resulta novedoso aunque si se vuelve atractivo el recurso del lenguaje sordomudo que va ganando territorio en la historia. Cuando esto ocurre, cada persona y situación se va acomodando sin tener que discutir demasiado -con en ciertas oportunidades- pero si buscando explicaciones y respuestas para saber que hicieron mal.

Respecto de la palabra, esta se vuelve obsoleta y demuestra que para comunicarse, simplemente, hay que tener ganas de abrirse, de conocer, de aceptar y no siempre contrariar egoístamente.

Como quien aprende de pequeño a hablar, a establecer vínculos, a perseguir sus sueños y a luchar por lo que se quiere; así es la pieza artística. Un espacio por el que desfilan resentimientos, encuentros y desencuentros, rencores, broncas, culpas no sanadas, rutinas escalofriantes y la oportunidad de cambiar cuando se tiene un rumbo.

Mientras se desarrolla la obra, el recuento de votos se está realizando entre los dos candidatos a Presidente de la Nación. Dos tribus se enfrentarán, dos ideologías completamente diferentes se harán sonar y cada segmento apoyara a quien más lo represente. Como una familia de millones de habitantes que nacen, mueren, renacen y se diluyen, como la ambición que no siempre triunfa. Porque ganar no siempre significa tener la razón y el triunfo quizás venga tanto en la dramaturgia como en el resultado electoral, de las convicciones, de la fuerza que tiene cada individuo y la perseverancia -desde el amor- para alcanzar objetivos que puedan hacer evolucionar y no aniquilar por “perder”.

Mariela Verónica Gagliardi

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