Carmen Kohan | SABOR A TEATRO

* SEPTIEMBRE 2025 *

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Un largo camino a casa

La salita de Casa Matienzo, tuvo el honor de alojar a esta obra de títeres (apta todo público) que llegó a la última función para este año. Por tal motivo, la risa, la melancolía y el agradecimiento fueron mezclándose a lo largo de “Lucía en Kamishibai” (escrita por Carmen Kohan y Ósjar Navarro Correa; dirigida por éste último).

Una caja con puertitas fue lo único que vimos antes de que comenzara la historia y, me atrevo a decir, que todos la disfrutamos completamente. Si bien era para mayores de 3 años, un bebé de meses de edad quedó atónito con la propuesta y me sorprendió su tranquilidad.

Una caja que nos sorprende con toda su magia, con unos títeres de varilla muy dulces y como intérprete y ejecutora de éstos, Carmen Kohan. Ella, con sus ojos azules, alumbra a esta nena que desea disfrutar y recordar ese aroma tan especial que le permitirá retornar a su hogar.

Durante su viaje, estará desprovista de todo lo material y, solamente, sus cinco sentidos le darán la posibilidad de conocer las profundidades del mar, nuevos amigos y la moraleja de que siempre se puede confiar en alguien más.

Las melodías orientales nos introducirán en la dramaturgia y cada sonido de la naturaleza irán creando la atmósfera ideal para el desarrollo de la obra.

Una niña-títere y humana, una dentro de la otra, conformando una misma persona e identidad. Una niña que disfruta del aire libre, del mar, de los peces y de cada obstáculo que debe sortear para llegar a un fin determinado.

Lo reconfortante de esta pieza teatral es que tanto el público adulto como el infantil podrán disfrutar de una misma historia, quizás sacando conclusiones diferentes. De hecho, muchos preferimos sentarnos en el piso en posición india, como antes, como ellos.

Y creo que eso es lo que tiene el mundo de los títeres: la posibilidad de sentir que somos criaturas en envase grande, que podemos emocionarnos con cosas simples, dejarnos llevar por un relato muy bien contado y contemplar cada detalle puesto en escena.

El total dominio que tiene Carmen hace lucir aún más los diálogos entre los personajes, cada uno de los cuales es representado por ella misma. Este don de utilizar distintas voces, expresiones, cantos y modismos la convierten en una intérprete súper dúctil, talentosa y que sabe transmitir lo que tanto ama.

Antes de que comenzara la función, una nena de alrededor de 3 años le preguntó a su mamá de qué se trata la obra a lo cual ésta le leyó la sinopsis. Fue tal el susto de la pobre criatura que decidió dormirse para no pasarla mal. ¿Por qué hago alusión a esta reacción? ¿Se imaginan lo que podría haber sentido al escuchar que una niña se pierde y no sabe cómo llegar a su casa? ¡Podría haberle pasado a ella misma! ¿Por qué tenés tanto miedo? Le preguntaba sin entender la reacción de su hija…

No se trata de una historia de terror ni mucho menos. Es un cálido cuento que nos permite transitar por lugares bellísimos, dentro de una caja de madera de la que van surgiendo distintas escenografías y colores como soporte dramático.

No es una historia que pueda asustar sino enternecer. Lucía en Kamishibai nos traslada a otra atmósfera en que los tiempos transcurren más lentamente para darnos la posibilidad de respirar y sentir ese aire al ingresar y salir. Para darnos la oportunidad de tomar conciencia de nuestro cuerpo para luego hacerlo con los personajes. Para saber que solo confiando en nuestro instinto y teniendo confianza en nosotros mismos, vamos a poder conseguir lo que queremos. Que no importan las barreras sino las ganas de avanzar y, mientras, pasarla bien.

El miedo a desesperarnos por no saber dónde estamos es bastante habitual, siendo pequeños o grandes. Todos queremos tener el manejo de nuestras vidas y no nos permitimos perdernos voluntariamente. Entonces, este tipo de viajes en la ficción nos hacen replantear que estaría bueno perder a veces la razón, aunque sea por horas, para construir algo no tan pensado.

Mariela Verónica Gagliardi

Escrito

en diciembre 14, 2014

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La verdad tras el velo

“Secuencias de un anonimato” (de y dirigida por Carmen Kohan) fue la obra elegida para abrir el Festival de títeres para adultos, el cual se presenta por noveno año consecutivo. Esta pieza teatral de máscaras y objetos se representó en la sala del Teatro Celcit.

El título, ya de por sí muy llamativo, nos remite a temas profundos -imposibles de no vincular con política e ideología-.

La identidad es tan importante como la existencia misma. Saber quiénes somos y vincularnos con los demás como tales, sin que nos inventen un personaje a seguir según el antojo del creador.

De esto se trata esta pieza teatral que, sutilmente, nos va llevando por sitios no convencionales, a modo de escenas, transmitiendo dolor, angustia y pesar. No existe demasiado lugar para reírse ya que no se trata de humor sino de replantearse la propia esencia, buscando y buscando hasta llegar a la raíz.

Llama la atención el escenario, del que cuelgan muchas telas coloridas. Pero, esos colores son la antítesis de los diálogos que vendrán a continuación. Dos mujeres son privadas de su libertad y llevadas a la esclavitud. Ellas no pueden mostrar su rostro y deben utilizar unas máscaras blancas sin expresiones. La rigidez representada en el plástico no es lo sienten sus corazones, los cuales lloran sin mostrar lágrimas.

Cada secuencia va increscendo, alcanzando el sentimiento más desgarrador y teniendo esa delicadeza al afrontar ciertas temáticas como para no incomodar a nadie.

Como si se tratara de seres totalmente reemplazables, van cumpliendo una rutina que siempre es la misma. Basada en sembrar en determinado tiempo unas semillas para luego darle de comer a su jefa. Esta persona no solo no tiene bondad sino que su inescrupulosidad la lleva a cometer cualquier tipo de delito o acción con tal de lograr su objetivo.

Las prisioneras, llamadas por letras del alfabeto griego, están ahí, sentadas, paradas o acostadas -según se les ordene-. Ellas no tienen poder de decisión al parecer y cualquier tipo de revelación tendrá sus tristes consecuencias.

Durante la historia se podrá disfrutar de una función artesanal, con proyecciones de guías positivas que fusionan texturas diversas con las representaciones en el escenario. Así se va conformando una especie de film en vivo en el que, inclusive, se plasman sombras de los espectadores. La música, las interpretaciones de estas maravillosas actrices, el canto de una de ellas y el tic tac, constante; permiten que el mensaje de esta dramaturgia sea una mezcla entre ferozmente real.

Entre los agujeritos de las máscaras se podía llegar a vislumbrar la tristeza de sus ojos, las lágrimas secadas con paños festivos, los objetos represores con extremidades cada vez más largas que abrazaban hasta ahorcar a sus víctimas. Una habitación en penumbras que las alojaba. Ese lugar que lejos de darles descanso, las asfixiaba.

Torturadoras y torturadas, poder sobre debilidad, autoridad por sobre necesidad.

“Secuencias de un anonimato” demuestra cómo la rigidez no tiene sentido y cómo la pobreza convive con la humanidad, reuniéndose hasta en la muerte, compartiendo rituales, amor y todo tipo de sentimiento agradable para sobrevivir hasta en la próxima vida.

Las sin identidad, la tienen. Las sin nombre real, lo tienen. Las enmascaradas tienen rostros de mujeres aunque deben ser desprovistas de éstos para que la manipulación de las otras sea más sencilla y eficaz.

Luego de saciar su apetito, de comerse hasta la identidad de sus “sirvientas”, sienten poder. Pero es un poder vacío, irreal, desprovisto de virtud.

Por detrás de una tela color piel, transcurre toda la locura y voracidad de estas fieras que desean deglutir todo. Una vez conseguido esto, no tendrá más sentido nada.

Obedecer o castigar. Decir basta y pagar las consecuencias. Obedecer y permanecer, sin saber por qué ni para qué. Respirar y seguir. Escapar y arriesgar-se.