*** Septiembre 2018 ***

Archivo para la Categoría "comedia musical"

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“Ni con perros, ni con chicos”, de Fernando Albinarrate

Ni con perros, ni con chicos

Ni con perros, ni con chicos… cuenta la vida del célebre actor y director de cine y teatro Charles Laughton -inglés nacionalizado estadounidense en 1950- que brilló en la época dorada de Hollywood (La vida privada de Enrique VIIIRembrandtEspartacoTestigo de cargo, entre otras) y de su mujer Elsa Lanchester, actriz también británica cuyo nombre cobró fama en 1935 por su papel en La novia de Frankenstein, y a partir de ahí desarrolló una interesante carrera en el cine (La escalera de caracolLa zapatilla de cristalTestigo de cargo), en varias películas junto a su marido. La obra recorre la vida privada y pública de ambos. La intimidad de la pareja va descubriéndose a la vez que entretelones de la historia del cine y el teatro de la época aparecen, y los personajes van y vienen en el tiempo y el espacio.

Ficha técnico artística

Autoría: Fernando Albinarrate
Actúan: Omar Calicchio, Federico Coates, Laura Oliva, Daniela Pantano
Músicos: Fernando Albinarrete, Uriel Kaufman
Vestuario: Mini Zuccheri
Escenografía: Alicia Leloutre
Iluminación: Matías Sendón
Música original: Fernando Albinarrate
Asistencia de vestuario: Josefina Veliz
Asistencia de dirección: Juan Zorraquín
Producción ejecutiva: Ana Riveros
Coreografía: Verónica Pecollo
Dirección musical: Fernando Albinarrate
Dirección: Javier Daulte
Duración: 120 minutos
Clasificaciones: Musical, Adultos
ESPACIO CALLEJÓN
Humahuaca 3759 – C.A.B.A.
Teléfonos: 4862-1167
Web: http://espaciocallejon.com/
Entrada: $ 300,00 / $ 260,00 – Lunes – 20:30 hs – Hasta el 17/09/2018
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Cerrar los ojos e imaginar

Lo quiero ya1

Rutina:“Costumbre o hábito adquirido de hacer las cosas

por mera práctica

y de manera más o menos automática” (Real Academia Española).

Canciones que narran el día a día, la manera de sobrellevarlos y los resultados que no tardarán en aparecer. Doparse pareciera ser una manera al alcance de la mano, imaginarse que lo que se vive no es tal sino una mera ilusión óptica.

¿Alguna vez se cuestionaron si sus vidas son las que siempre soñaron?

Es realmente una problemática social el filosofar sobre nuestros deseos más profundos. Porque no se trata de tener antojo de tomar un helado y acudir a comprarlo, sino de transformar -quizás- todo. Por completo. Como si se empezara de cero.

Muchas personas trabajan en una oficina o en un banco o en otra institución desde la adolescencia hasta que se jubilan.

¿Tan interesante es lo que aprenden? ¿De verdad pueden aprehender algo nuevo cada día durante treinta años o más en un mismo lugar?

Lo quiero ya (escrita y dirigida por Marcelo Caballero) es una muestra, real, de que cuando un grupo de personas tiene una rutina durante mucho tiempo, necesita -en alguna oportunidad- romperla. Si esto no ocurre, el cuerpo lo avisa, lo manifiesta y podría ser tarde.

Lo quiero ya es una comedia musical en la que es posible transitar por diversas emociones, desde la risa a carcajadas hasta la desesperación. El drama está presente como planteamiento de conflicto. Viene a proponer destruir y tirar lo que ya no sirve para reciclar seres humanos que necesitan un cambio verdadero.

Andrés Passeri es el encargado de enlazar cada retazo presentado. Lo interesante es la dinámica que se utiliza para que lo veamos como un seudo director en escena. Bien podría serlo. Su rol es fundamental ya que se corre del de un asistente o apuntador para convertirse en actor/director al mando de un director real fuera de la representación.

Cuando éramos chicos se nos solía preguntar: ¿qué querés ser cuando seas grande?

En general uno respondía un oficio o profesión, pero quiénes se animaron a decir: ¡felices!

Una profesión no hace a un humano, solo le da herramientas para trabajar. Nada más.

La vida debería ser descubrimiento constante, ansias de transformar, de querer compartir vivencias, de sonreír y estar contento de haber escogido un empleo (no que éste nos haya escogido).

A veces, como muestra la dramaturgia presente, no se está preparado para dar vuelta la página, por más que se tenga la oportunidad de hacerlo inmediatamente.

El maldito o bendito destino con el que se especula o se reposa esperando.

Debo admitir que la puesta en escena es magnífica, a puro color y con un equipo de artistas increíbles. A su vez, la música en vivo le otorga un plus inigualable. No quisiera ser tajante pero los musicales deberían siempre tener a sus músicos tocando en escena ya que los dota de un vuelo mágico.

¿Qué nos expone esta pieza artística?

La vida de varios jóvenes, muy diferentes entre sí, con un estilo de vida determinado y un sueño a alcanzar. Pero… lo más importante y trascendente es cómo consiguen animarse a perseguirlo.

La rutina, la que los coloca en un mecanismo social en el que son “útiles” para el “correcto” funcionamiento, pero que pueden ser reemplazados sin alterar absolutamente nada del entorno.

Son humanos-robots. Nada más.

Mientras la conciencia no se de cuenta, ¿quizás no convenga avisarle? Algo así se me ocurre plantear para la fórmula perfecta del capitalismo. Aunque estos jóvenes despiertan sabiendo que ya no podrán seguir con el rumbo cotidiano sin cambiarlo. Deberán aprender a darse el gusto de vivir plenamente sin “seguridades”, corriendo “riesgos”. Viviendo, al fin de cuentas.

Competencias insanas, amarguras posibles de modificar, rabietas costumbristas, nervios y nervios y nervios. ¿Cómo ser feliz en pareja con un contexto semejante? ¿Cómo triunfar en el mundo artístico cuando no se tiene en claro quién se es?

Mente y cuerpo no pueden separarse como un pollo trozado a punto de ser horneado. En esto fallaron nuestros ancestros, en tratarnos como partes autónomas. Como si un brazo pudiera moverse sin tener la orden del cerebro.

Lo quiero ya es una bocanada de aire fresco y la oportunidad de abrir sendas coloridas, porque lo absurdo de la realidad está presente, lo irónico de frases dichas y repetidas, también. La fragancia a aire quieto y brumoso, claro que recorre los cuerpos danzantes que representan coreografías muy vistosas con sellos finales a modo selfie.

¿Para todo habrá que sonreír?

Vestuarios que resignifican aún más el significante de la dramaturgia, de sus escenas ágiles y una iluminación que persigue los diálogos y monólogos a describir lo que se siente desde el alma. Breves historias que se unen para conmover al espectador y para pellizcarlo de una vez. Porque la vida es hoy. Ya. Y hay que hacer algo para que no se escape de nuestras manos.

Dramaturgia: Marcelo CaballeroMartín Goldber. Actúan: Sacha BercovichVictoria CaceresVictoria Condomí AlcortaMacarena ForresterCandela García RedínLucien GilabertAndrés PasseriNahuel Quimey VillarealJulieta RapettaCandela RedínSalvador RomanoLala RossiJuan Pablo SchapiraSofia Val. Vestuario: Marcelo CaballeroMarina Paiz. Escenografía: Vanessa GiraldoDiseño de escenografía: Vanessa GiraldoDiseño de luces: Marcelo Caballero. Música, letras de canciones y dirección musical: Juan Pablo Schapira. Coreografía: Marina Paiz. Dirección de actores: Martín Goldber. Dirección general: Marcelo Caballero.

Funciones: Sábados 20 hs

El Galpón de Guevara (Guevara 326 – C.A.B.A.)

Mariela Verónica Gagliardi

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¡Hoy a las 19 hs se lanza la primera edición del festival de teatro LATE!

 
LATE

LATE es un festival de teatro independiente en el conurbano que se propone cruzar fronteras geográficas, estéticas y de contenidos. Lo dirige Gustavo Tarrío y busca generar un encuentro: acercar a los vecinos obras de teatro independiente de artistas reconocidos de CABA y GRAN BUENOS AIRES. Tendrá lugar del 29 de noviembre al 5 de octubre, en distintos espacios de la localidad de Tres de Febrero.

LA PROGRAMACIÓN

Las obras programadas en esta primera edición de LATE practican la diversidad estilística y el cruce de fronteras. El público podrá encontrar teatro comunitarioun musical documental, teatro de títeres y objetos, danza-teatro, una obra de recorrido sobre Ciudad Jardín, sketchs de producción colectiva, impro de alta calidad, y afiladísimas compañías de comedia. La programación tiene un corte de obras con poéticas singulares y contemporáneas. Una apuesta al no hermetismo de las expresiones artísticas independientes, que no estén teñidas de élite. Arte que pueda comprenderse, disfrutarse  y que llegue a los vecinos.

LAS SEDES
El Festival es impulsado por el Cine Teatro Helios, ubicado en Ciudad Jardín, Palomar. Utilizaremos sedes en diferentes puntos del partido: el Teatro Ocean, de Santos Lugares; la Asociación Cultural Arte y Vida, de Martín Coronado; la UNTREF; la Sede del Club A.F.A.L.P. y el propio Helios.

Reservas a través de Plateanet y Alternativateatral.

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Entrevista a Meri Hernández de “Quién retiene a quién”

Ella es una de las actrices de “Quién retiene a quién” (Hereafter, de Vinnie Favale y Frankie Keane), la obra que acaba de estrenarse,  y, a su vez, es quien consiguió los derechos de este musical que es oriundo de Broadway y que tuvo la suerte de ser llevado a la pantalla grande años atrás.

Meri Hernández nos cuenta varios detalles del proceso creativo y del mundo de los muertos, de las despedidas, de ese duelo que tan difícil resulta y que, muchas veces, no sabemos cómo procesar.

Desde que nacemos, tenemos la certeza que algún día moriremos. ¿Cómo surge la idea de llevar adelante este musical con una de las temáticas que más preocupan al ser humano?

La verdad es que el musical Quién retiene a quién, me encontró de casualidad. Esas casualidades que por algo suceden. Buscaba material para Espacio Lemos , donde dicto clases, y me enamoré de la canción “Waiting”. Y como no encontraba la partitura para enseñar el arreglo, Melu (hoy parte de la producción) escribió a los autores y ellos mandaron todo el material. Leí la obra entera y escuche el resto de las canciones ¡y fue amor a primera vista! Por otra parte , pienso que es un tema sensible del cual todos tenemos algo por decir. La muerte de los seres vivos es inevitable y las preguntas que esto genera son sinfín. De todas maneras, la obra tiene mucho humor, no recae solamente en lo solemne acerca de la muerte. Creo que el musical aborda la muerte de una manera muy humana y natural. De manera que te podés identificar con el material.

¿Cómo se logra el duelo perfecto?

Creo que no hay duelo perfecto. Las personas tienen tiempos y maneras distintas de encarar la muerte y el duelo es algo muy personal. ¿Tener un duelo perfecto es creer que no hay más que bellos recuerdos de la persona que ya no esta viva? ¿Es no tener pendientes? No lo sé. En la obra hay un personaje que está esperando reencontrarse con su hijo después de 30 años. ¿Serían 30 años de duelo? ¿Tiene las heridas abiertas aún 30 años después? ¿Es mucho? ¿Es poco?. Creo que no hay un tiempo limite para el dolor, tiene que ver con las personas que lo sufren. Por eso creo que no hay duelo perfecto. Hay emociones varias, para cerrar una historia o recordar a una persona que hoy ya no está en este plano. Creo que la pregunta me trae más preguntas. 

¿Cómo fue el proceso actoral desde el primer contacto con el texto? ¿Existió un momento en que el espíritu de la muerte ya se había apoderado de estos personajes?

El proceso con el texto  fue muy natural. Juan Álvarez Pardo (nuestro director) trabajó con nosotros para no caer en lo obvio con respecto a la muerte y sacarnos del lugar solemne y llorón que por ahí a veces el tema “muerte” pide.  La verdad que fuimos dejando que los personajes aparecieran, que los lazos y vínculos se formaran. Las tres historias que se cuentan son sobre madres e hijas/os que necesitan volver a verse para poder cerrar su historia en paz. Lo mismo pasa con el personaje del médium ( Fabian Vena), quien también tiene una historia personal por resolver. En la obra, los espíritus son quienes finalmente tienen que decidir si hacen contacto o no con sus seres vivos ya que en la trama se plantea que, una vez hecho el contacto, pasarán al más allá. Tratamos de trabajar el texto desde la verdad de estos 8 personajes. 

¿”Quién retiene a quién” podría decirse que es una jugada doble como para concientizar sobre el más allá en caso de que exista?

La muerte es una incertidumbre. ¿Qué nos pasa después? Nadie sabe… y ahí es interesante poder pensar que pasa lo que cada uno crea que tiene que pasar. Hay gente que es feliz pensando que se va a reencontrar con sus seres queridos. Hay gente que piensa que se revive en otra vida para aprender aquello que hicimos mal en la anterior. Hay gente que cree que se apaga la luz y no pasa nada más, eso es muy personal . Yo creo que la obra te deja preguntas, o te deja reflexionando. Pero no entrega respuestas. 

¿A dónde van esas almas que no supieron exprimir sus vidas?

En la obra las almas no están ahí retenidas  como castigo por no haber aprovechado sus vidas, sino que acompañan a sus seres queridos mientras viven. Van a un lugar… pasan a otro plano, pero no dicen a dónde… supongo que depende de cada persona dónde el alma termina.

¿Es más fácil digerir la angustia con canciones y música?

Yo creo que la música es de gran ayuda. Genera momentos y climas hermosos, en el piano Hernán Matorra nos guía con calidez por cada canción. Claro, también, con las palabras que Marcelo Kotliar supo encontrar para cada una. Creo que la música acompaña, pero no aliviana. Hay veces que la música eleva lo dicho, refuerza. Es redondo el intercambio entre la palabra y la canción. Y entre las voces nuestras guiadas por Florencia Carchak. Pero no sé si es más fácil, la angustia es angustia. 

¿Se puede estar muerto en vida?  

No lo sé. Yo soy una entusiasta de la vida, del hacer, no me imagino siendo una persona apática a la que las cosas le sucedan sin capacidad de reacción o disfrute. Nunca digo nunca, pero no me pasó. En la obra se toca un poco este tema, uno de los personajes dice que puede esperar toda la vida hasta hacer contacto con su ser querido. Y el personaje con más experiencia en el tema del duelo, le dice que tiene que tener cuidado… y prestar atención a los que quedan vivos, al aquí ahora. Porque sino va a perder mucho mas que un ser querido. Supongo que tiene que ver con esto de estar muerto en vida. 

Los vivos podemos reflexionar. ¿Y los muertos, qué queda para ellos?

En la obra todos reflexionan. Los vivos tratando de cerrar cuentas pendientes, empatizando con las pérdidas de los demás personajes. Y los muertos tienen esperanza -me parece o así me gusta pensarlo a mí-, que en la obra ellos se van adonde cada uno soñó. Y también reflexionan sobre lo que vivieron, sea mucho, poco o el cómo lo vivieron. 

Nuestra cultura no es muy amiga de mantener una conversación con alguien que ya no está físicamente. ¿Después de ver esta propuesta cambiarán de idea?

Yo creo que la muerte es un tema que genera mucha intriga. Genera algo de miedo, mezclado con ganas de saber. Vértigo a lo desconocido. ¿Quién no conoce a alguien que fue a una bruja, a una astróloga , a una armonizadora? El futuro es un misterio y a la gente lo desconocido le da miedo y a la vez ansiedad. Lo que está fuera de mi control, me puede asustar. Pero todos fantasean con poder saber. Por ahí no lo llevan a cabo, pero seguro se les cruzó por la cabeza. ¿Quién no jugó al juego de la copa de chico ? Uno imagina que será como en las películas. La verdad no sé si va a cambiar por ver la obra, pero supongo que algunos del público lo pensarán.

¿Por qué habría que ir a ver este musical?

Tienen que venir a ver Quién retiene a quién, porque es una obra que te deja pensando. Que te invita a transitar por diferentes emociones. Pasás de reír a carcajadas, a llorar, a emocionarte. Y cuando uno genera algo en el otro haciendo teatro es una sensación maravillosa. Ver la reacción inmediata del público es hermoso. Como público también es hermoso estar sentado en una butaca y meterse en una historia que me provoque millones de sentimientos.

La música es increíblemente bella y, por sobre todo, es una historia que habla sobre las relaciones humanas, las cosas no dichas y el hacer las paces con uno mismo. Porque tenemos un elenco que la rompe y un equipo de trabajo que lo deja todo en el escenario.

 

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Todos nos volveremos a ver

La vida y la muerte, dos momentos, dos etapas. Dos algo que bien se desconoce. A veces, podríamos pensar que estamos soñando o en otra dimensión. Que ya vivimos otras vidas o que esta es, simplemente, la primera.

Existen muchas teorías al respecto. Pero, de lo que podemos estar seguros es que para vivir y para morir hace falta valor.

En el musical “El dedo. ¿Podrá un vivo casarse con un muerto?” (con Libro y dirección de Diego Badaracco) se puede ser feliz durante más de una hora, acercarnos a la parca sin miedo, hacernos amiga, disfrutar y ver un universo de colores que no parece ser para nada malo.

Porque, en verdad, uno suele sentir miedo hacia lo desconocido y esto no es ningún descubrimiento de mi parte. A lo conocido lo podemos manipular, conversar, guardar, quitar y hacer lo que nos plazca. Pero, con aquello que tenemos más incertidumbres que certezas, ¿qué hacemos?

¿Cómo nos enfrentamos ante lo temido, lo inaccesible?

Muchas tonalidades e historias nos invitan a compartir una comedia musical llena de esperanza, de talento y de magia en el éter. Con coreografías súper atractivas, canciones e interpretaciones es que podremos sumergirnos en un matrimonio en vida y otro en muerte. Suena raro, ¿cierto?

Porque al dejar de existir de este lado, no implica que dejemos de existir del otro lado. Parece ficción y en este caso lo es. Aunque hay quienes prometen un Paraíso o un Cielo o un algo que puede ser que sea más deseo que justificación racional. Pero, ¿para qué adelantarnos?

Un joven, protagonista de esta historia, es quien andará de un lado a otro sin pedir permiso. Aventurándose a descubrir todo aquello que le intriga. Paseando como en busca de algo que quizás ni siquiera se imagina. Gracias a su deleite es que podremos sonreír y tener la esperanza de que en algún momento veremos a nuestros seres queridos que ya no nos acompañan físicamente.

Es un cúmulo de sensaciones encontradas que nos recorrerán por dentro y por fuera. Acariciándonos y dándonos un suspiro en medio de la angustia.

Pero, El dedo, no es un musical para llorar sino para conmovernos, para vivir a pleno, para bailar en las butacas e imaginar lo intangible como más allegado.

Como cuando éramos niños que inventábamos cuentos incoherentes porque tan solo se nos ocurrían. La imaginación está a flor de piel y vale la pena despojarnos de prejuicios para escuchar a quienes aman, a quienes tienen la oportunidad de cambiar sus vidas, a quienes se descubren solidarios y se corren a un costado, a quienes se disculpan por decidir por otro, a quienes se dan la posibilidad de querer cambiar el mundo impregnándolo de cosas bonitas y de reencuentros maravillosos.

Como si el tiempo se detuviera, un rostro es reconocido, un vestido se convierte en decorado y el capricho más absurdo en realidad.

Porque siempre se dirá que las cosas se valoran cuando se pierden. Y muchas veces es cierta la frase, aunque no siempre.

Por eso es que la ciencia ficción nos hará palpitar una escenografía que acercará el más allá al más acá. Que nos traerá lo más simple para que, de una vez por todas, sintamos que lo que no se hace ya mañana podría no ser igual.

Un vivo y una muerta pero no que imaginamos. Una muerta que enseña, que construye, que da y se retracta ante sus errores. Porque, evidentemente, en el cielo también se paga por ellos.

Ya habrá tiempo para uniones eternas, quizás.

Lo que hoy vale es el caminar por aquellas sendas añoradas y no impuestas. Por esos paraísos en vida y no los prometidos según la Biblia.

Un elenco maravilloso en el que cada artista tiene su momento para lucirse, para desplegar su talento, su caudal de voz, su delicadeza, su humor y picardía. Un boom que explota y se expande por toda la sala del teatro La Mueca. Adrenalina que recorre los pasillos, que nos contagia e impulsa a aplaudir sin parar. El libro y la dirección son óptimas y se trasluce el trabajo en equipo de modo integral.

La oscuridad aquí es arte, es color, es celebración. Y es una manera de aceptar que así como existe la muerte también existe lo negativo adentro de cada uno de nosotros. Aceptarlo es la única posibilidad que tenemos de construir y no destruir. Quien niegue esa parte estará negándose a sí mismo.

Mariela Verónica Gagliardi

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Vacaciones de invierno en el 25 de Mayo

VACACIONES DE INVIERNO EN EL
CENTRO CULTURAL 25 DE MAYO
El Centro Cultural 25 de Mayo anuncia su programación de vacaciones de invierno con una gran variedad de espectáculos y actividades pensados para los más bajitos y también para toda la familia.
Durante estas vacaciones el CC25 se convierte en un Camping Cultural, una experiencia en la que se abren sus puertas para que los niños cronológicos y los niños del alma puedan compartir, jugar, contar cuentos, dibujar y divertirse juntos. El Camping Cultural busca motivar el intercambio artístico y el ocio creativo: ese que crea mundos e incendia imaginaciones.

Vacaciones de invierno | Para toda la familia

CAMPING CULTURAL

Espacio lúdico permanente. Sala de plástica libre. Talleres de cine, teatro, visuales, música, poesía. Intervención artística de todo el centro cultural y mucho más… un espacio artístico para grandes y chicos, con entrada gratuita.

El CC25 afianza la propuesta de vivenciar cada uno de sus espacios: el Camping Cultural es una experiencia artística de diversión y aprendizaje para grandes y chicos. Un espacio abierto y gratuito para toda la familia, donde los niños pueden dibujar, construir, escuchar un cuento y crear nuevas historias. El Camping es un espacio de encuentro, una plaza de juegos, un lugar de intercambio y actividades lúdicas que buscan despertar nuevos intereses artísticos y culturales en los niños.
Situado en la Galería y Hall del CC25, albergará talleres, actividades lúdicas y colaborativas con asistentes y orientadores. El Camping también se erige como una singular antesala de los espectáculos infantiles que tienen lugar en la Sala Principal y la Sala Redonda.

Agenda
Vacaciones de invierno: de martes a domingos, de 11 a 19 h. (del 15 al 30 de julio)
Entrada: libre y gratuita. Sujeta a la capacidad de la sala y actividades.
Lugar: Centro Cultural 25 de Mayo (Av. Triunvirato 4444)

ACTIVIDADES
* Rincón libre
Días: martes a domingos, de 11 a 19 hs.
Un espacio para dibujar, pintar, experimentar, jugar y construir, coordinado por especialistas en recreación.

* Talleres gratuitos día x día
Días: del 15 al 30 de julio, a las 11:30 y a las 15 hs.
Edad: de 6 a 12 años
Duración: 90 min.
Inscripción: 1 hora antes de cada taller. Cupos limitados.

Sábado 15/7
Percusión, música y juegos
Marto Aranowicz
11:30 hs – 6 a 8 años
15 hs – 9 a 11 años

Domingo 16/7
Maquetas de cartón
Santiago Reuil
11:30 hs y 15 hs – 6 a 10 años

Martes 18/7
Taller de creación de máscaras
Valeria Dalmon
11:30 hs – 6 a 8 años
15 hs – 9 a 12 años

Miércoles 19/7
11:30 hs – 6 a 12 años – ¨Aprende a construir un camión con y llevatelo a casa¨
15 hs – 6 a 12 años – “Animación en plastilina” – Diana Yael

Jueves 20/7
Taller de palabras
Lucía Panno y Marina Jurberg
11:30 hs – 6 a 8 años
15 hs – 8 a 12 años

Viernes 21/7
Teatro de superhéroes
Lucía Adúriz
11:30 hs y 15 hs – 6 a 12 años

Sábado 22/7
CuadroxCuadro – Taller de stop motion
Lau Castro
11:30 hs – 5 a 7 años
15 hs – 8 a 12 años

Domingo 23/7
¿Qué es esto? Taller de arte
Sebastián Bruno y Guigo Lawsky
11:30 hs y 15 hs – 4 a 7 años

Martes 25/7
Taller de maquetas de cartón
Santiago Reuil
11:30 hs y 15 hs – 6 a 10 años

Miércoles 26/7
11:30 hs – 6 a 12 años – “Animación en plastilina” – Diana Yael
11:30 hs- Taller de Arte. “Para contar historias”. Por Emiliano Pandelo (de El vestido de mamá). Cupos limitados. Inscripción 1 hora antes en Informes.
15 hs – 6 a 12 años – ¨Aprende a construir un camión y llévatelo a casa¨

Jueves 27/7
Taller de palabras
Lucía Panno y Marina Jurberg
11:30 hs – 6 a 8 años
15 hs – 8 a 12 años
16 hs- “Los cuentos de Don Timón” (El abuelo de El Botella nos invita a sumergirnos en tiernas y divertidas historias para toda la familia)

Viernes 28/7 –
Teatro de superhéroes
Lucía Adúriz
11:30 hs y 15 hs – 6 a 12 años
11:30 hs- Taller de Arte. “Para contar historias”. Por Emiliano Pandelo (de El vestido de mamá). Cupos limitados. Inscripción 1 hora antes en Informes.

Sábado 29/7
CuadroxCuadro – Taller de stop motion
Lau Castro
11:30 hs – 5 a 7 años
15 hs – 8 a 12 años

Domingo 30/7
Taller de creación de máscaras
Valeria Dalmon
11:30 hs – 6 a 8 años
15 hs – 9 a 12 años

Ficha técnica
Intervención artística del CC25
Coordinación: Susana Jarabroviski y Jony Camiser
Dirección: Marianela Fasce
Diseño gráfico: Jimena Celis
Ilustraciones en blanco y negro: Lina Boselli para Casa Florece.
Ambientación: Sonia Sorriente
Asistente: Sonia Sorriente
Producción: Yamila Bortnik

ESPECTÁCULOS PARA TODA LA FAMILIA
Miércoles a domingos, 11 hs.: “Mimicha y Mini. Una aventura ecológica” (Sala Principal)
Martes a domingos, 14 hs.: “Mi Perro López” (Sala Principal)
Martes a domingos, 17 hs.: “El Botella” (Sala Principal) y “El vestido de mamá” (Sala Redonda)

Los musicales infantiles tienen una presencia estelar durante las vacaciones de invierno
Continúan con éxito,  El vestido de mamá, un musical infantil con guión de Gustavo Tarrío sobre textos de Dani Umpi y Rodrigo Moraes, que reflexiona sobre si jugar tiene género o lo inventamos nosotros, con el ex conductor de “Art Attack”, Emiliano Pandelo, como protagonista. Sigue Mi perro López, para pensar la adopción responsable, con divertidas canciones sobre la importancia de cuidar y querer a tu mascota. Con libro y letras de Gastón Cerana y música original de Cerana y Leonardo Stefoni, además de la actuación de Omar Calicchio, Pepe Monje y gran elenco. Continúa para grandes y chicos, El Botella, de Diego Corán Oria y vuelve Mimicha y Mini, una aventura ecológica, una propuesta que enseña a cuidar el medio ambiente.

 

Musical infantil | Para toda la familia

MI PERRO LÓPEZ

Con música de Gastón Cerana y Leonardo Stefoni

Chico Zampaglione y su perro López se reencuentran hoy para recorder las andanzas compartidas durante la infancia del niño, que abarcó la completa vida de su mascota. Ellos serán los anfitriones de un relato que narran y representan, alternadamente.
“Mi Perro López” es un espectáculo musical infantil dirigido a toda la familia, que revaloriza el acto de rescatar una vida. Y en afán de promover la lucha y el ejercicio de los proteccionistas, describe, didácticamente, los pasos para una adopción responsable y el cuidado de una mascota, mientras va narrando una historia de amistad.

La pieza apuesta al entretenimiento a través de la poesía, la música y el humor, preponderando la magia de los recursos teatrales por sobre la de los efectos.
Omar Calicchio y Gustavo Monje, dos artistas de escena expertos en el género, protagonistas de emblemáticos espectáculos de Hugo Midón y Carlos Gianni (Stan y Oliver, El Salpicón, Locos ReCuerdos, Huesito Caracú, Vivitos y Coleando, La Trup Sinfín, etc.), se reencuentran a la cabeza de esta compañía para narrar la historia que Gastón Cerana concibió para ellos, disparada al corazón de chicos y grandes.

Agenda
Funciones: sábados y domingos 14 hs.
Vacaciones de invierno: de martes a domingos 14 hs.
Entradas: $150/ $200
Duración: 60 min.

Ficha técnica
Libro y letras de musicales: Gastón Cerana
Música original: Gastón Cerana, Leonardo Stefoni
Dirección: Omar Calicchio, Gastón Cerana
Actúan: Omar Calicchio, Gustavo Monje, Diego Sassi Alcalá, Andrea Lovera, Mariano Magnífico, Romina Ruíz
Músicos: Juan Ignacio López
Dirección Coreográfica: Veronica Pécollo
Diseño de escenografía y vestuario: Vanesa Abramovich
Dirección Vocal: Andrea Lovera
Diseño de luces: Juan García
Diseño gráfico: Aba ideas
Video y fotografía: Matías Sánchez de Bustamante
Voz en Off: Verónika Silva
Prensa: Varas & Otero
Asistente de escenografía y vestuario: Yamila Barreira
Asistente de Producción: Pachi Lucas
Asistente de escenario: Germán Martins
Asistente de dirección: Juan Gabriel Yacar
Producción artística: Gonzalo Castagnino, Juan Bautista Sasiain
Producción ejecutiva: Andrés Cipitria, Jorge Lockett, Marcelo Lombardo, Daniel Vercelli

 

Musical infantil | Para toda la familia

EL VESTIDO DE MAMÁ

Con guión de Gustavo Tarrío
Sobre textos del cuento homónimo de Dani Umpi y Rodrigo Moraes.

El Centro Cultural 25 de mayo presenta, desde el 3 de junio, El vestido de mamá, sobre textos del cuento de Dani Umpi y Rodrigo Moraes, y con canciones originales de Guadalupe Otheguy, Gustavo Tarrío y Pablo Viotti. Las funciones serán los sábados y domingos 17 hs. y, en vacacionesde invierno, de martes a domingos a la misma hora. Con la dirección de Gustavo Tarrío y las actuaciones de Emiliano Pandelo, Andrés Granier, Paula Beovide y Pablo Viotti en el piano.

Sinopsis
El vestido de mamá cuenta la historia de la exploración de un niño que juega en la soledad de su hogar. Deslumbrado por el brillo de un vestido de fiesta, pone su imaginación en acción en un momento en el que nadie lo ve. Luego sale a la calle y se divierte con las posibilidades del vestido, otras distintas y que no sospechaba cuando se lo veía puesto a su mamá: uniforme de bombero, capa de superhéroe, trajes de pájaros… Hasta que un día se encuentra con otros niños en la plaza, quiere jugar al fútbol con ellos pero solamente recibe risas extrañas y dolorosas. Triste y desorientado regresa a su casa. Sus padres se sorprenden al verlo con el vestido, pero también lo contienen y lo ayudan.
“El vestido de mamá” comparte un material con el que es posible divertirse, emocionarse y reflexionar.
Está dedicada a las maestras, maestros y a todas las familias.

Agenda
Funciones: sábados y domingos, 17:00 h.
Vacaciones de invierno: de martes a domingos, 17:00 h.
Entrada: $150 | miércoles de vacaciones de invierno, día popular: $100 | Descuentos para maestros, estudiantes y jubilados: $100 (con acreditación)
Lugar: Centro Cultural 25 de Mayo, Sala Redonda (Av. Triunvirato 4444)

Ficha Técnica
Elenco: Andrés Granier, Paula Beovide, Emiliano Pandelo
En el piano: Pablo Viotti
Vestuario: Emiliano Pandelo- Titi Suarez
Iluminación: Martín Patlis
Ilustración: Rodrigo Moraes
Fotografía: Leandro Bauducco
Canciones: Guadalupe Otheguy- Gustavo Tarrío-Pablo Viotti
Asistente de dirección: Florencia Siaba
Coreografía: Virginia Leanza
Dirección musical: Guadalupe Otheguy
Producción ejecutiva: Alejandra Menalled
Versión y Dirección: Gustavo Tarrío

 

Teatro musical | Para toda la familia

EL BOTELLA

Continúa, con éxito de público, El Botella, musical con dirección de Diego Corán Oria, los sábados y domingos a las 17.00 h. Veintitrés artistas en escena y orquesta en vivo.

Sinopsis
El Botella es un niño de diez años que vive en una fábrica de botellas abandonada y tiene un deseo muy profundo: conocer a sus papás. Tras la muerte de su abuelo, emprenderá un viaje tan fantastic como real hacia lo que es un mundo desconocido por él. Será Miguel, el enfermero de su abuelo, y su novia Laura, quienes lo motiven a cumplir este sueño que no será nada fácil. Junto a su fiel amigo Fresco se embarcarán en aventuras inimaginables por ellos, cruzándose con todo tipo de personas.

Agenda
Funciones
: sábados y domingos, 17:00 h.
Vacaciones de inviernomartes a domingos, 17:00 h.
Entradas: Desde $150-.
Reservas: En el teatro o a través de AlternativaTeatral.
Lugar: Sala Principal, Centro Cultural 25 de Mayo (Av. Triunvirato 4444)
Duración: 90 min.
TrailerEl botella
Presentación Enoc Girado

Ficha Técnica
Elenco: 
Enoc Girado, Francesca Lorito, Manuel Erramouspe, Jorge Priano, Horacio Vay, Ana Gutiérrez, Gonzalo Fletcher, Sebastián Ziliotto, Jorge Contegni, Pilar Rodríguez, Giuliana Tagliamonte, Camila Casaubon, Lucía Cullinan, Nicole Hernández, Lucía Zabala, Felicitas Politti, Emiliano Gianotti, Gustavo Viñes, Demian Silveira, Facundo Ullua, Nahuel Adhami, Manuel Di Francesco. COVERS: Lola Poggio, Carmela Rodríguez, Ezequiel Fontela, Kiyomi Gaillardou
Músicos: BAJO: Tomás Silva. GUITARRA ELÉCTRICA: Fernando Fuente Portela. TECLADOS Y SINTETIZADORES: Jorge Soldera y Mariano Frumento. VIOLIN: Laureano Messina. BATERIA: Antonio Hurtado
Escenografía: Tadeo Jones
Vestuario: María Laura Gallupi y Alina Torres Claro
Iluminación: Sergio Costessich
Coreografía: Seku Faillace
Fotografía: Gonzalo Esteguy
Música original: Jorge Soldera
Arreglosvocales: Raúl Oliveira
Dirección musical: Laureano Messina
Realización audiovisual: Lucas Casolo
Asistente de dirección: Matías Cardozo
Asistentes de dirección y coach de actoresinfantiles: Virginia Peroni y Maribel Khazhal
Asistente de coreografía: Juan Manuel Gentile
Asistente de arte: Noelia Guzmán
Desarrollo web: Tomás Burrieza
Diseñográfico: Emiliano Páez y Jésica Rodríguez Santonocito
Productor: Federico Brunetti, Analía López Musa y Alejandro Loiacono
Autores: Diego Corán Oria y Jorge Soldera
Director: Diego Corán Oria

 

Musical infantil | Para toda la familia

MIMICHA Y MINI. UNA AVENTURA ECOLÓGICA

“Mimicha y Mini. Una aventura ecológica” es un musical infantil que hará bailar y reír a grandes y chicos, con un despliegue de coreografías enérgicas, y una puesta con muñecos, títeres, patinadores  y hasta un dragón chino de diez metros. A  través del humor y la alegría de las canciones, “Mimicha” aborda un tema tan importante como es el cuidado de nuestro medio ambiente. Un claro mensaje de aprendizaje a través de la diversión.

Agenda 
Vacaciones de invierno: martes a domingos, 11:00 h.
Entradas: $200 / $250 | Desc. jub. y est. / día popular, miércoles: $100 / $150
Duración: 70 min.
Lugar: Centro Cultural 25 de Mayo, Sala Principal (Av. Triunvirato 4444)

Ficha técnica
Autor: Carla Andretto
Elenco: Carla Andretto, Darío Dorzi, Gianina Junta, Juan Guazzardi, Ana Moreno, Florencia Carbone, Daniel Cofre, Nicolás Pereyra.
Escenografía: Marcela Vilariño, Mariano Rodríguez, Ariel Torquemada
Música: Carla Andretto, Daniel Iacovino
Vestuario: Florencia De Domenico
Maquillaje: Bárbara Rizzuti
Coreografía: Ariel Pastocchi
Fotografía: Lissandro Kaell, Matías Delais, Adrián Festa
Asistente de coordinación: Aldana Cernuda
Producción musical: Daniel Iacovino, Carlos Nina Alvarado.
Producción: Carla Andretto
Adaptación: Carla Andretto
Dirección: Reynaldo Alcaraz, Carla Andretto

Sobre el Centro Cultural 25 de mayo:
Punto de encuentro, morada creativa y recreativa de los vecinos de Villa Urquiza y barrios aledaños, el Centro Cultural 25 de Mayo es una referencia ineludible en el mapa cultural de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. El histórico edificio fundado como Cine Teatro el 23 de mayo de 1929 ha sido también conocido como Petit Colón, donde en 1934 cantó Carlos Gardel.  En la década pasada fue recuperado por iniciativa de la comunidad y el gobierno porteño convirtiéndose en un espacio que reúne actividades artísticas y de formación de diferentes disciplinas con un énfasis particular en las artes escénicas. Desde 2015, el CC25 tiene la misión de diversificar las propuestas culturales para diferentes nuevos públicos, edades e intereses generando contenidos en vínculo con el barrio y en diálogo con la ciudad
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“Asesinato para dos”, ahora también los domingos

asesinato para dosDesde este mes se agrega la función de los domingos a las 19:00

LOS DOMINGOS DE JULIO SON PARA IR AL TEATRO Y VER “ASESINATO PARA DOS”

Los viernes y sábados las funciones continúan a las 20:30 y los domingos serán a las 19:00 en la Sala Enrique Muiño de El Cultural San Martín (Sarmiento 1551 – 4 Piso)


“Asesinato para dos”, el musical de bolsillo creado con maestría por Joe Kinosian y Kellen Blair suceso del off Broadway newyorkino es una de las obras elogiadas por la crítica y público en la cartelera porteña. Cuenta con las brillantes actuaciones de Hernán Matorra y Santiago Otero Ramos con la dirección musical de Gaby Goldman y dirección general de Gonzalo Castagnino. Es una mezcla perfecta de música, policial y comedia. En este desopilante espectáculo de 90 minutos, un actor investiga el crimen, el otro interpreta a los 12 sospechosos y los 2 tocan el piano en un ingenioso homenaje, gracioso y alegre, a los misteriosos casos de asesinato, parodiando las novelas de Agatha Christie. Los actores nos remiten a los artistas de varieté, ya que recurren a diferentes técnicas y estilos de actuación en un despliegue de versatilidad interpretativa.

Debido a la buena respuesta de público agrega funciones los domingos 16, 23 y 30 de julio. La obra se presenta todos los viernes y sábados a las 20:30 y esos domingos (16, 23 y 30 de julio) a las 19:00 en la Sala Enrique Muiño de El Cultural San Martín, Sarmiento 1551 – 4 piso  y las entradas se pueden adquirir en la boletería del teatro (por Sarmiento 1551) o en www.tuentrada.com

Intérpretes

Hernán Matorra

Santiago Otero Ramos

Equipo:

Dirección musical: Gabriel Goldman

Diseño de escenografía y vestuario: René Diviú

Traducción y adaptación: Marcelo Kotliar

Coreografía: Joli Maglio

Jefe de escenario: Javier Schvindlerman

Diseño de iluminación: Gabriel Ascorti

Diseño de sonido: Mariel Ostrower y Mauro Agrelo

Fotos: Fuentes 2 Fernández Fotografía

Video: Her Majesty Fotografía

Diseño gráfico: Aba Ideas

Realización de escenografía: Francisco Paciullo

Realización de vestuario: Marta Dieguez

Maquillaje para gráfica: Coni Montin

Arte: Sebastián Ghioni

Prensa: Marcelo Boccia, Carlos Mazalán y Ariel Zappone para BMZ Comunicaciones

Producción ejecutiva: Juan Bautista Sasiain y Pachi Lucas

Producción: Juan Iacoponi

Dirección general: Gonzalo Castagnino

Redes Sociales

Twitter, Facebook e Instagram: @asesinatopara2

Todos los viernes y sábados a las 20:30 hs

Domingos 16, 23 y 30 de julio a las 19:00 hs

Sala Enrique Muiño – El Cultural San Martín – Sarmiento 1551 – 4 piso

Entrada general $200.- (Día popular $180.-)

En la boletería del teatro o en www.tuentrada.com

 

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El amor no tiene sexo

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Una historia situada años antes de la vuelta a la Democracia en Argentina, nos permite ver más de cerca el amor prohibido por la sociedad de entonces. Pero pasaron más de 30 años y todavía hay quienes se dan el “lujo” de sentenciar el amor ajeno, como si se pudiera elegir de quién enamorarse.

Contraseña, el musical” (con libro de José Tramontini y Sergio Trevisonno, dirigido por Maximiliano Lovrincevich) es una comedia que por momentos se torna trágica y dramática pero, siempre, conserva esa magia para entretener. Y esto no es casual. Porque durante la Dictadura militar se pretendía distraer la mirada y que las plumas obnubilen a todo transeúnte confundido.

La presente dramaturgia contiene un relato central y varios que se desglosan del mismo. Entonces nos encontramos con un joven que decide irse de su casa para vivir a pleno su sexualidad sin tener que soportar las presiones de sus padres o las conjeturas que estos pudieran transmitirle. Él se marcha y mira hacia adelante, buscando trabajo, vivienda y, cuando menos lo espera, el amor llama a su puerta. Exactamente como en los cuentos, solo que acá el príncipe le ayuda a encontrar su camino y no a darle todo servido en bandeja. Es amor y no caridad.

Fiestas privadas a las que se puede acceder con la clave correcta, una pensión que hospeda a todos los que no tienen casa propia, la cooperación de seres diferentes que se unen para que la vida les sea un poco más fácil y la presencia de las fuerzas represoras que disfrutan haciendo requisas, golpeando al más débil y asustando por el mero hecho de demostrar que es más fuerte quien posee las armas.

A su vez, se suman a estas problemáticas y situaciones, el deseo de una mujer que quiere triunfar como actriz y vedette, pero que comienza con el pie izquierdo. Justamente, por culpa de su “egoísmo” es que se desatarán bastantes conflictos que jamás imaginó.

Un musical para pensar y replantearse el hoy. Para poder empezar a hacerse cargo de las decisiones que se toman y no lavarse las manos ignorantemente. De hecho, es la oportunidad para que todos nos demos cuenta y asumamos que una acción está unida a otra y, así, sucesivamente.

Con respecto a la puesta en escena, están muy bien logrados los momentos y sensaciones, al igual que las caracterizaciones de los personajes, el vestuario y las letras de las canciones -las cuales permiten que nos ubiquemos en tiempo y espacio-.

En cuanto a la pareja encarnada por Emiliano de la Cuétara y Hernán L Cuevas; consiguen crear un clímax muy romántico, dejando en evidencia que para amar solo es necesario sentir y jugarse por lo que dicta el corazón. Cada vez que se produce un acercamiento entre ambos, tanto los nervios como la incertidumbre salen a la luz para demostrarles que solo es cuestión de arriesgarse.

Debo destacar a Romina Groppo por ser quien lleva adelante esta fascinante historia de amor, hilvanando situaciones de encuentros, de represión, de odio, de calidez y, por sobre todas las cosas, otorgando la oportunidad de ver más allá de cada uno. Es ella quien interpreta a la dueña de la pensión donde se suceden casi todas las escenas y diálogos. Es ella quien vocifera sus pasiones y pesares, su dolor y angustia, su soledad y compañía. Su caudal vocal es exquisito, sobrepasa fronteras y produce una satisfacción tan grande que permite olvidar por unos instantes la tormenta desatada por aquella trágica época. También brilla Yasmín Corti, quien protagoniza a una mujer con ansias por triunfar y conseguir su objetivo por encima y a pesar de todo.

Con el tango y otros ritmos sonando, las letras de cada canción irán revelando la sinuosidad del camino, la oscuridad imperante y la brillantez que se sucede luego de tanta batalla.

Ni los uniformados ni los represores ni nadie podrán quitarle a la humanidad su palpitación hacia el amor. El sentimiento más noble, seguramente, que todo mortal podrá sentir en su paso por este mundo (que aunque a veces parezca caerse a pedazos, siempre podrá reconstruirse).

Ficha Contraseña, el musical

Mariela Verónica Gagliardi

 

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¿Amar a pesar de todo? O la corrupción de los medios

Sombras de libertad1.jpg

Este año, causalmente, se están presentando muchos musicales con tinte político. No es casualidad sino una necesidad, imperiosa, por demostrar que no todo está perdido. La juventud es la encargada de impulsar cambios, de dar esperanza. Somos responsables todos, igualmente.

“Sombras de libertad” (con libro de Pablo E. Silva, música de Inbal Comedi y dirección de Wilfredo Parra) es una propuesta excelente, cautivante, apasionada, en la que las texturas musicales de pop, rock, murga y folclore se entremezclan conformando un mosaico cultural. No existe un argumento novedoso, no hace falta. Ya no hay inventos sino distintas maneras de mostrar, de convencer y de tener la motivación necesaria para no caer en la mediocridad ni brutalidad.

Adoré la función de esta obra. La volvería a ver una y mil veces más. Desde que empezó hasta que terminó estuve fascinada. Hablé toda la semana de ella. La recomendé, recordé detalles, impresiones, ideas, formatos, coreografías, voces, vestuarios y luces.

Es imposible no quedar absorto y feliz, sintiendo que estando del lado correcto, el universo conspirará a nuestro favor.

En este caso una campaña electoral podría llevar al Senador Antonio Robles como candidato a la presidencia. De hecho, es al único que conoceremos a lo largo de la historia. Porque no se trata de una trama donde exista una rivalidad entre políticos sino entre el cuarto poder y la política. Esto ya es materia conocida por todos, desde hace mucho tiempo. Sin embargo, no es poco meritorio refrescar memorias.

Por ello es que Sombras de libertad es una conjunción de sentimientos a flor de piel que desbordan de un momento a otro. Porque la pasión es así. Porque el amor es así. Porque el poder obnubila y hace perder de foco a lo verdaderamente necesario para ser feliz.

Quizás un sillón presidencial sea el deseo de este candidato pero, el amor, no debería ser dejado a un lado. Pueden subsistir ambas cosas, al menos podrían. Pero Robles no consigue equilibrar ambas cosas y, de ahí en más, una sucesión de acontecimientos ingratos surgirán para quedarse.

La traición aparecerá de la mano de la persona menos pensada y su venganza será “entendida” aunque no aceptada por este devastado ser humano que tenía la fórmula perfecta para sacar a su país adelante.

Este musical es el claro ejemplo de que todos las personas necesitamos ser y no agachar la cabeza en pos del ideal ajeno. Se puede ser solidario pero no presidiario. Esta es justamente la confrontación que se puede vislumbrar desde el comienzo y por no ser oída, todo el panorama político prometedor se verá en picada.

Como una ilustración fotográfica perfecta, esta familia se hará ecos por distintos lugares públicos y privados, hasta que los bandos confronten y el más “vivo” se salga con la suya. Siempre existirá aquel que se lleve su tajada sin tener valores ni culpa. Lavándose las manos y formando parte de algo que ni siquiera podría comprender de verdad.

Mientras una familia se desmorona, una campaña en puja tendrá demasiados vaivenes y solamente subsistirá el más fuerte.

Cabe preguntar cómo un político podría sacar un país adelante durante años si no es capaz de escuchar siquiera a su esposa e hijo. Suena muy conocido este cuestionamiento. Es conocido, famoso diría. No solo se ve en la realidad real sino en miles de series y películas de todo el mundo.

Un sillón que queda holgado, que no es capaz de sostener a un idealista ni a un tirano.

El enemigo está más cerca de lo que se pueda creer, solo es cuestión de esperar y la catástrofe irrumpirá desde los noticieros hasta el programa más cholulo de la televisión.

“Justicia para todos, paz se respirará, hambre nunca más”… son algunas de las promesas del futuro presidente. ¿Quién no quisiera a un líder así? Que además es carismático, seguro y sonriente.

Mientras sus discursos y canciones nos van convenciendo para votarlo, la danza contemporánea arrastra sus pasos terrenalmente, por los aires, con convicción y fugacidad. Realmente, un ensamble muy comprometido con la temática, que se fusiona con el canto y la palabra. Que es parte de los discursos y narra sobre el escenario y a lo largo de la sala. Que se estira y encoge, que se despliega como arte hasta estallar en ira.

“No me ves”, le dicen acongojados y tristes su esposa e hijo al candidato, mientras éste continúa sumergido en las hojas que determinarán su futuro…

Los tres protagonistas (Pablo E. Silva, Inbal Comedi y Lautaro Aguilar) son un destello de luz, con voces distintas y que se proyectan al más allá, que se encarnan en los personajes que interpretan y no sobreactúan absolutamente nada. A este elenco se suma la secretaria de campaña del presidente (Lucía Krusemann) que deleita cada vez que entona sus melodías con una voz sensible y potente.

Amores y desamores, logros y fracasos, violencia y tensiones que cegan la verdadera esencia del ser humano.

“Nublado es el camino si en él no estás”, se escucha por ahí y lo oculto sale a la luz junto a la confianza eterna.

Ficha Sombras de libertad

Mariela Verónica Gagliardi

 

 

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Convertido en su dolor

Un clásico de Kafka como la Metamorfosis, permite tener fanáticos de su literatura, leer una y otra vez el libro a lo largo del tiempo, releer citas, recordar situaciones, diálogos y, conseguir, proyectarnos a través de las páginas. Por eso, el desafío que emprendió Mariano Taccagni en el año 2007 (lamentablemente no vi la versión de aquel entonces), fue un hito para el teatro musical. Podía triunfar o fracasar. Evidentemente, ya tenía el aura que sigue manteniendo, incluyendo en sus elencos a los artistas idóneos para cada uno de los personajes.

Esta vez, diez años más tarde, sí tuve el placer de estar allí. En primera fila. Y quiero decir, que fue una experiencia única, inigualable. Porque Kafka forma parte de mi vida, porque sigo a Mariano en cada uno de sus trabajos artísticos y porque ver su emoción a lo largo del musical, ya de por sí me satisface por completo.

Pero, La metamorfosis convertida en música y en canciones, no es para cualquiera. Él supo conseguir ese equilibrio perfecto para no angustiar del todo ni que nos ahoguemos en pena a cada rato. En cuanto al slogan ¿quién serás al despertar?, éste nos invita a la reflexión, a tomar conciencia sobre los tiempos que corren, a asumir que cada uno es responsable de las decisiones y rumbos que tome para su vida y, por sobre todas las cosas, a no ser sumiso -porque eso trae aparejadas demasiadas consecuencias negativas-. Mientras uno le sirve a otros, esos otros se nutren de su vida, de su sangre, de sus tripas. Absolutamente de todo. Es, por cierto, su desvalorización lo que lo lleva a ser preso, a ponerse los barrotes y hacer que sus días estén en cuenta regresiva.

¿Su familia es culpable? ¿Su rutina laboral lo es también?

Posiblemente. Pero me atrevo a afirmar que él no supo aceptarse, conocerse y hacer su vida lejos de quienes lo estaban asfixiando y condenando a la muerte.

Una versión exquisita para acercarse a la literatura kafkiana y tomarle el gustito de a poco.

Me resulta imposible no sumergirme en una obra y escribir desde allí por más que haya quienes determinen que eso se llama fanatismo. Considero que ser fan es un tanto diferente a ser periodista pero si la pasión debe ser subrayada como fanatismo, bienvenida sea.

Una familia tipo que un día empieza a vivir diferente. A colorear el univereso de oscuridad, a conocer a un nuevo Gregorio Samsa, a impedir que el tiempo transcurra de ese modo y fracasando de golpe.

Un hombre que llego al hastío de su rutina, que se convierte en un insecto, en algo espantoso para sí mismo. Que no se tolera más y solo consigue tener voz a través del canto. Que desea ser otro pero no sabe cómo. Que todo muere a su alrededor, metafórica y humanamente hablando. Que no logra impedir la tortura que le ocasiona estar vivo, a pesar de que está seguro que el amor es su único aliado.

La perversión, el deseo, la pasión, la rigidez de su padre, las normas que no puede respetar más porque su cuerpo no le responde, unas extremidades que se quedan tiesas, perpetuas por siempre, que se mueven de a poco o nada, que vuelven a colocar su cuerpo en posición fetal. Y acá la angustia como espectadora me consume por completo. Sufro por su incapacidad de modificar-se.

Se ha quedado encerrado en una cárcel que construyó de a poco, que lo tortura pero que no consigue aniquilar. Sin embargo, este Samsa es más positivo que el del libro. Es más audaz, más humano y sensible. De hecho, es como si las hojas del libro cobraran un vuelo oportuno y consiguieran resaltar lo mejor de cada personaje. La relación con su hermana está lograda deleitosamente al igual que la de su padre.

Brillo en la oscuridad, templanza ante la tragedia y un equipo de actores que va unido de principio a fin. A esto se suma la música de Damián Mahler (que a sus diecisiete años ya tenía el don consigo), una dirección precisa a cargo de Ricardo Bangueses, la iluminación impecable, efectos, vestuario, producción y demás roles que se encargan de que este musical trascienda fronteras, concientice sobre el valor de la vida, nuestra vida, la única que nos toca al menos por ahora.

Ficha La metamorfosis

Mariela Verónica Gagliardi

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